En el puesto número 24
Geddy Lee (Quinta parte)
“Hold Your Fire”, es el duodécimo álbum de estudio de la banda, lanzado el 8 de septiembre de 1987.
Fue grabado en The Manor Studio en Oxfordshire, Ridge Farm Studio en Surrey, AIR Studios en Montserrat y McClear Place en Toronto.
Fue el último álbum de estudio de Rush lanzado fuera de Canadá por PolyGram / Mercury.
La bajista y vocalista de Til Tuesday, Aimee Mann, contribuyó con voces en "Time Stand Still" y apareció en el video dirigido por Zbigniew Rybczyński.
El álbum no tuvo tanto éxito comercial como la mayoría de los lanzamientos de la banda en la década de 1980, alcanzando el puesto número 13 en las listas de Billboard, el puesto más bajo para un álbum de Rush desde “Hemispheres” de 1978.
Sin embargo, finalmente fue Certificado Oro por la RIAA.
Después de que la gira “Power Windows” de Rush de 1986 terminó, los miembros de la banda se tomaron el verano libre para pasar más tiempo con sus familias.
Pasaron algunos meses y el grupo decidió comenzar a escribir material nuevamente.
Neil Peart comenzó a escribir letras en una cabaña a principios de septiembre.
Mientras tanto, Geddy Lee comenzó a componer en su configuración de teclado controlada en una computadora Macintosh usando un software llamado Digital Performer, que sería útil tanto para las etapas de escritura como de producción, y Alex Lifeson estaba haciendo cintas experimentales en casa.
Peart también usó la Mac para escribir algunas letras para el álbum.
Peart quería hacer algo en la misma línea que “Power Windows”, esta vez trabajando en torno al tema del tiempo.
Sin embargo, después de escribir la letra para la primera canción que escribió, "Time Stand Still", Peart comenzó a crear más material que convertiría el tema en "Instinct", que fue la razón para titular el álbum “Hold Your Fire”.
Una tarde de ese mismo mes, Peart y Lee mostraron juntos en qué habían estado trabajando y también discutieron algunas ideas líricas que no habían podido escribir en papel, las cuales se incluirían en "Mission", "Open Secrets" y "Turn the Page".
El grupo comenzó las sesiones de composición en Elora Sound Studio, Ontario, el 27 de septiembre de 1986.
Lifeson mostró sus cintas experimentales, mientras que Lee trajo improvisaciones de prueba de sonido que había hecho ese año.
Según Peart, las cintas de Lifeson "proporcionarían algunas buenas partes para varias canciones" y las improvisaciones de prueba de sonido de Lee fueron "clasificadas y etiquetadas como posibles versos, puentes, estribillos o fragmentos instrumentales, y por lo tanto sirvieron como una biblioteca de referencia de ideas espontáneas que podían usarse a voluntad".
Lifeson usó una caja de ritmos para escribir las partes de batería, que Lee grabó en una grabadora Lerxst Sound.
A principios de noviembre, se habían escrito ocho canciones, lo que el grupo consideró insuficiente para que el álbum tuviera una buena cantidad de variedad musical.
Peart dijo: "Decidimos ir un poco más allá esta vez. Éramos conscientes de que solo un pequeño porcentaje de personas compra discos hoy en día, la gran mayoría elige casetes o CDs. Por lo tanto, pensamos, ¿por qué preocuparnos por las limitaciones de tiempo del antiguo disco de vinilo? Pensamos que nos gustaría tener 10 canciones y ofrecer unos 50 minutos de música. Así que lo hicimos".
El productor Peter Collins llegó a Elora Sound a principios de diciembre para darle a la banda sugerencias para mejorar las canciones.
Entre muchos pequeños cambios, un par de sugerencias importantes fueron nuevas estrofas para "Mission" y revisiones del estribillo de "Open Secrets".
Con nueve canciones ya escritas, Collins también sugirió que la banda hiciera una décima pista para el álbum, y la canción "Force Ten" se escribiría el último día de preproducción, el 14 de diciembre.
La grabación de “Hold Your Fire” comenzó el 5 de enero de 1987 en The Manor Studio en Inglaterra.
Allí se grabaron la batería, el bajo, los teclados básicos, las guitarras principales y la voz principal.
Los teclados, las guitarras y la voz se grabaron digitalmente, mientras que la batería y el bajo, como prefería Peart, se grabaron con una grabadora de cinta analógica, que luego se convirtió a cinta digital.
El 7 de febrero, la banda fue a Ridge Farm Studio para que Andy Richards grabara teclados dinámicos adicionales y emocionantes "eventos", además de digitalizar todas las pistas de instrumentos grabadas.
Lifeson también pudo escribir sobregrabaciones de guitarra mientras grababa en Ridge Farm.
La banda se dirigió a AIR Montserrat el 1 de marzo para comenzar a producir sobregrabaciones de guitarra, y más tarde a McClear Place Studios en Toronto tres semanas después para terminar las sobregrabaciones, grabar arreglos orquestales de Steve Margoshes para "High Water", "Mission" y "Second Nature", y grabar partes vocales adicionales, como las voces de Aimee Mann para "Time Stand Still" y "Prime Mover", y coro gospel.
La grabación se terminó el 24 de abril, y la mezcla tuvo lugar a partir del 7 de mayo en William Tell Studio en París.
Lee masterizó el álbum con Bob Ludwig en Masterdisk en la ciudad de Nueva York a mediados de julio.
Lee tocó un bajo Wal para “Hold Your Fire”, además de ser vocalista y tecladista.
Los sintetizadores y otros instrumentos y dispositivos electrónicos utilizados, todos programados con la ayuda de Andy Richards y Jim Burgess, fueron varios samplers Akai S900, dos sintetizadores Prophet, un PPG 2.3, un Roland Super Jupiter y un D-550, dos controladores MIDI Yamaha KX-76, dos secuenciadores QX-I y un DX-7, dos MIDI Mappers, pedales MIDI Korg y pedales Moog Taurus.
Peart tocó con una combinación de batería Ludwig-Musser, una batería Pearl Drums, Premier Drums y Tama Drums con herrajes chapados, platillos Avedis Zildjian y un pad Simmons a través de uno de los samplers Akai, que producía sonidos de bloques de templo, un timbal, crótalos, un Tama, un bombo de gong, cencerros, campanillas de viento y marimbas.
La canción "Tai Shan" fue un experimento de composición.
Estuvo influenciada por la música clásica china, y su título era una referencia al Monte Tai en la provincia de Shandong, China, del cual Peart tuvo conocimiento por primera vez durante un viaje en bicicleta por China.
Al final de la canción se utiliza una muestra invertida de la voz de Aimee Mann de otra pista.
En una entrevista de 2009 con Blender, Lee expresó su arrepentimiento por haber incluido "Tai Shan" en el álbum, calificándolo de "error" y diciendo "deberíamos haberlo sabido".
Lifeson calificó la canción de "un poco cursi" en una entrevista de 2012 con Total Guitar.
En 2016, Lifeson consideró "Tai Shan" y "Panacea" las peores canciones que Rush había grabado.
“Hold Your Fire” ha sido categorizado como new wave, pop rock, heavy metal / hard rock, rock progresivo de estadio, y britpop progresivo "delgado y de cuerdas finas".
Las canciones están impulsadas por una guitarra de bajo que es una mezcla de potente y melódica.
Aunque hay momentos de solos distorsionados y extremos, el trabajo de guitarra eléctrica de Lifeson en el álbum es principalmente textural, con la guitarra acústica de cuerdas de acero cumpliendo un papel rítmico, lo que produce un sonido general brillante.
“Hold Your Fire” comenta sobre el estado sociopolítico del mundo moderno, con la angustia existencial de “The Joshua Tree” (1987) de U2.
Publicaciones musicales como Metal Hammer, Kerrang! y Sounds otorgaron a “Hold Your Fire” puntuaciones perfectas.
Stefan Chirazi de Kerrang! afirmó que era uno de los mejores álbumes de 1987, otro LP de Rush con "clase, calidad y consistencia" y un disco raro por contener diez temas perfectos.
Paul Elliot de Sounds elogió a la banda por no perder su "calidez", "corazón" y "humanidad" a pesar del pulido de estudio de doce álbumes.
La evolución de Rush con “Hold Your Fire” fue un tema destacado, con diversas reacciones.
En el lado positivo, algunos críticos percibieron que la banda expandía continuamente su territorio musical y sonoro, manteniendo al mismo tiempo su perfeccionismo y complejidad compositiva.
Algunos apreciaron el álbum por ser más accesible al público general y por tener composiciones más compactas que sus trabajos anteriores.
Menos favorablemente, Guitar for the Practicing Musician y el Omaha World-Herald clasificaron el disco como los tropos más rancios de Rush prominentes en todos sus álbumes, pero combinados con un sonido estéril, predecible, técnicamente sofisticado y cargado de sintetizadores característico del grupo en la década de 1980.
NME, una publicación que históricamente criticó la música de Rush y sus creencias sociopolíticas bromeó: "Atrapado en una distorsión temporal junto con la música, [Peart] todavía está empeñado en idear un LP basado en un concepto".
En el peor de los casos, Nester Aparicio de The Evening Sun calificó el producto general como "débil" y "insustancial", sin nada de la "gloria" de álbumes como “2112” y “Moving Pictures”.
Elliot y Anand Agneshwar del Press & Sun-Bulletin describieron las letras como humanas y personales, con vulnerabilidad e introspección.
Por el contrario, "son demasiado pesadas y distantes para ser aceptadas" por Guitar for the Practicing Musician.
“Hold Your Fire” alcanzó el puesto número 13 en la lista de álbumes Billboard 200, siendo la primera vez que un álbum de estudio de Rush se situaba fuera del Top 10 desde “Hemispheres” de 1978.
Aunque “Hold Your Fire” fue certificado disco de oro en Estados Unidos poco después de su lanzamiento, no logró alcanzar el estatus de platino según la RIAA, convirtiéndose en el primer álbum de estudio de Rush en no hacerlo desde “Caress of Steel” de 1975.
Para Adrien Begrand, “Hold Your Fire” fue el mejor álbum de Rush de la era que comenzó con “Signals”, con un equilibrio mucho más armonioso entre el rock al estilo U2/Big Country y los sonidos electrónicos vanguardistas que “Power Windows”.
Por el contrario, Jordan Blum de Loudwire lo consideró el peor de la era de teclados de la banda, un "trabajo pesado, aburrido e incómodo que inevitablemente se siente anticuado y desacertado".
Las clasificaciones de los álbumes de estudio de Rush de las décadas de 2010 y 2020 generalmente colocaron a “Hold Your Fire” cerca o en el último lugar. Muy pocos los colocaron en el medio.
Sin embargo, las opiniones sobre el álbum, incluso para las clasificaciones que lo colocaron en último lugar, fueron mixtas en lugar de directamente negativas.
Señalaron su destreza técnica y letras autorreflexivas, pero también una falta de "golpe dinámico", energía y "peculiaridad" de sus mejores álbumes.
Discutieron principalmente sobre la producción suave del álbum, que fue considerada la más pulida en la discografía de la banda y que alienó a los fanáticos.
También fueron las pistas más duras fuera de "Time Stand Still", "Force Ten" y "Mission", calificándolas de "insípidas" y "olvidables", "relleno", donde "el control de calidad de la composición disminuye a medida que avanza el disco".
Se publicó una remasterización en 1997.
La bandeja tiene una imagen de tres huellas dactilares, azul claro, rosa y verde lima (de izquierda a derecha), con "The Rush Remasters" impreso en mayúsculas justo a la izquierda, imitando la portada de “Retrospective II”.
Todas las remasterizaciones desde “Moving Pictures” hasta “A Show of Hands” son así.
Incluye todas las ilustraciones que venían con el álbum original, excepto la letra de "Prime Mover".
“Hold Your Fire” fue remasterizado nuevamente en 2011 por Andy VanDette para los sets de cajas "Sector", que reeditaron todos los álbumes de Rush de la era Mercury. Está incluido en el set “Sector 3”.
Para la remasterización de 2011, se utilizaron inadvertidamente cintas maestras que contenían diferentes mezclas de “Hold Your Fire”, con el resultado de que la mezcla es notablemente diferente de lanzamientos anteriores en varios lugares; particularmente durante "Mission", donde se pueden escuchar partes de cuerda que no estaban presentes en el lanzamiento original, y en la introducción de "Tai Shan", donde se han agregado campanillas de viento.
También hay un efecto de paneo estéreo en las voces durante el primer pre-estribillo de "Turn the Page" que está ausente en la mezcla original.
En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
Un tercer álbum y vídeo en directo, “A Show of Hands” (1989), fue lanzado por Anthem y Mercury tras las giras “Power Windows” y “Hold Your Fire”, mostrando las facetas de Rush en la década de 1980.
La mayoría de las interpretaciones de este álbum fueron de la gira “Hold Your Fire” de 1988, grabada en las ciudades estadounidenses de Nueva Orleans, Phoenix y San Diego, y en la ciudad británica de Birmingham.
"Mystic Rhythms" y "Witch Hunt" fueron grabadas en East Rutherford, Nueva Jersey, durante la gira “Power Windows” de 1986.
La pista de apertura "Intro" presenta el tema de "Los Tres Chiflados" sonando de fondo; la banda usó esta música para abrir muchos de sus conciertos durante la década de 1980.
Con la excepción de "Closer to the Heart", la lista de canciones se centra casi por completo en el material de la banda de la década de 1980, y es el único disco en directo de Rush que no incluye interpretaciones de canciones publicadas antes de 1977.
A diferencia de “All the World's a Stage” y “Exit... Stage Left”, este álbum no tiene ninguna canción que haya tenido que omitirse para su lanzamiento en CD individual.
Los dos primeros se publicaron antes de la introducción de los discos compactos y eran álbumes dobles, mientras que este álbum se publicó inicialmente en CD, por lo que las limitaciones de tiempo ya se habían tenido en cuenta.
El vídeo se grabó en el primero de los dos conciertos que tuvieron lugar en Birmingham (Reino Unido) los días 23 y 24 de abril de 1988 en el NEC Arena de la ciudad, una de las fuentes del álbum en directo.
El orden y la selección de las canciones del vídeo difieren de los del álbum en directo.
La edición en laserdisc también incluye la canción "Lock and Key".
“A Show of Hands” recibió una gran acogida por parte de los fans, pero el crítico de Rolling Stone, Michael Azerrad, lo calificó de "fuerza musical" con 1,5 estrellas, afirmando que los fans de Rush veían a su trío favorito como "la santa trinidad".
No obstante, “A Show of Hands" alcanzó el disco de oro en Estados Unidos y el de platino en Canadá.
En ese momento, el grupo decidió cambiar de sello discográfico internacional, pasando de Mercury a Atlantic.
Tras la marcha de Rush en 1989, Mercury lanzó una recopilación de dos volúmenes de su catálogo de Rush, “Chronicles” (1990), que alcanzó el doble platino.
La recopilación fue el primer álbum de la banda en ser lanzado en la década de 1990, aunque fue ensamblado sin la participación de la banda.
Una edición complementaria de videos musicales de Rush de 1981 a 1987, titulada “Chronicles: The Video Collection”, también fue lanzada en VHS y laserdisc el 23 de octubre de 1990.
La edición de video fue relanzada en un solo DVD en 2001, titulado “Rush Chronicles – The DVD Collection”, con dos pistas de video adicionales que son “huevos de Pascua” ocultos.
Rush comenzó a desviarse de su estilo de los años 80 con los álbumes “Presto” (1989) y “Roll the Bones” (1991).
“Presto” es su decimotercer álbum de estudio y fue lanzado el 17 de noviembre de 1989 por Anthem Records; fue el primer álbum de la banda lanzado internacionalmente por Atlantic Records, después de la salida del grupo de Mercury.
Cuando el grupo decidió no renovar sus contratos con el distribuidor internacional Mercury Records; Lifeson dijo que se separaron porque la relación se había estancado para entonces.
Peart escribió más tarde que, con la banda ahora "libre de plazos y obligaciones" por primera vez en 15 años, decidieron aprovechar tomando un descanso de seis meses.
En diciembre de 1988, el grupo se reunió en casa de Peart para discutir el siguiente paso y acordaron comenzar un nuevo álbum de estudio después del descanso.
El trabajo en “Presto” comenzó cuando Rush alquiló un estudio en el campo para escribir y ensayar material nuevo.
Adoptaron su método habitual: Lifeson y Lee trabajaban en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.
Peart escribió: “Al final del día, podía entrar al estudio, con el tintineo de los cubitos de hielo, y escuchar lo que habían estado haciendo, y si había tenido suerte, mostrarles algo nuevo”.
Rush trabajaba en el estudio durante la semana y regresaba a casa los fines de semana.
“Presto” marca el comienzo del regreso de Rush a un sonido más impulsado por la guitarra, después de lo que muchos conocen como el "período de sintetizadores" de los cuatro lanzamientos anteriores.
Cuando Lifeson y Lee discutieron qué dirección musical tomar, coincidieron en que el núcleo del sonido, la emoción y la energía de la banda provenían de la guitarra, algo a lo que querían regresar para “Presto”. Esto resultó en un álbum mucho más satisfactorio para Lifeson.
Lifeson se había sentido limitado en su forma de tocar la guitarra desde que los sintetizadores comenzaron a jugar un papel más dominante en la composición y la interpretación en “Signals” (1982), lo que continuó durante la década de 1980.
Lee explicó que Rush quería que “Presto” fuera "más un álbum para cantantes, y creo que notarán que los arreglos musicales apoyan la voz. [...] Las letras de Neil me parecen mucho más sentidas. [...] Este álbum fue una verdadera reacción contra la tecnología en cierto sentido. Estaba harto de trabajar con computadoras y sintetizadores. [...] Hicimos un pacto para mantenernos alejados de las cuerdas, los pianos y los órganos, para mantenernos alejados de la tecnología digital. Al final, no pudimos resistirnos a usarlos para dar color".
A diferencia de los álbumes anteriores “Grace Under Pressure” (1984), “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire”, el álbum no contiene un tema lírico general continuo, ni lo que Peart describió como mensajes líricos "pesados", sino que adopta un enfoque más libre donde cada pista hace su propia declaración.
Peart usó la palabra "respuesta" para describir el contenido lírico en su conjunto.
"La idea de que no pasas por la vida solo mirando las cosas. No importa si has estado por todo el mundo, puede que lo hayas visto, pero si no lo has sentido, no has estado allí".
Peart agregó: "Hay muchos hilos y un fuerte motivo de mirar la vida hoy y tratar de actuar dentro de ella".
El título del álbum fue una idea que Rush había considerado usar para “A Show of Hands”, pero cuando Peart comenzó a escribir una canción titulada "Presto", se usó como título del álbum.
Después de haber trabajado en varias canciones, la banda sintió que era el momento adecuado para presentar su material a un coproductor.
Sin embargo, su primera opción, Peter Collins, quien había trabajado en “Power Windows” y “Hold Your Fire”, rechazó a regañadientes la oferta de trabajar en “Presto”, ya que deseaba producir a otras bandas.
Aunque Rush se sentía lo suficientemente seguro como para encargarse ellos mismos de la producción, aún querían a alguien en quien pudieran confiar y que les proporcionara un punto de vista objetivo sobre sus ideas.
Entre los diversos candidatos se encontraba el productor, compositor y tecladista inglés Rupert Hine, cuya experiencia con una variedad de artistas atrajo al grupo.
Peart recordó el momento en que le presentaron sus ideas a Hine: "Estábamos un poco desconcertados [...] ¡al final de algunas de ellas parecía que se estaba riendo! Nos miramos unos a otros, con las cejas arqueadas como diciendo: '¿Cree que nuestras canciones son graciosas?' Pero evidentemente era una risa de placer; se quedó 'hasta el final'".
A sugerencia de Hine, el grupo contrató a Stephen W. Tayler como ingeniero de grabación y mezcla.
Las sesiones con Rush y Hine juntos fueron productivas; inicialmente, se asignaron 10 días para el trabajo de preproducción con una pista por día, pero se completó después de solo un día y medio.
“Presto” se grabó de junio a agosto de 1989.
Como parte de su acuerdo con Hine, la banda aceptó grabar partes del álbum en Londres.
“Presto” se terminó aproximadamente cuatro semanas antes de lo previsto.
Cuando el álbum estuvo terminado, Rush buscó un nuevo contrato discográfico y firmó con Atlantic Records después de que el ejecutivo Doug Morris, quien había querido fichar al grupo durante varios años, hiciera una oferta atractiva.
"Show Don't Tell", "The Pass" y "Superconductor" se lanzaron como sencillos; el primero llegó al número 1 en la lista US Album Rock Tracks.
“The Pass” trata sobre un amigo de Peart que lo acompañó en un paseo en bicicleta y una vez hablaron sobre el suicidio juvenil, lo que inspiró la letra de la canción.
Peart la consideró la canción en la que más había trabajado, debido a la delicadeza del tema.
La canción se convirtió en una de las favoritas del grupo; Peart la citó como la razón por la que volverían a grabar el álbum “Presto”, si pudieran.
“Scars” presenta un patrón de batería complejo en el que se utilizan tanto tambores acústicos como electrónicos.
Este patrón se inspiró en un ritmo tribal que Peart escuchó durante un viaje en bicicleta por África (que más tarde narró en su primer libro, “The Masked Rider: Cycling in West Africa”).
Posteriormente, incorporó este patrón a sus solos de batería en directo.
La canción también incluye el uso de un secuenciador en lugar de un bajo, instrumento con el que a menudo se confunde.
Lifeson dijo que la canción principal trata sobre "sentirse más activo en el corazón que en la cabeza, no tener las respuestas a los problemas".
"Superconductor" aborda la superficialidad de la música comercial. Este tema también aparece en otras canciones, como "Grand Designs", del álbum “Power Windows”.
En "Anagram (for Mongo)", cada línea contiene una o más palabras formadas con letras de otra palabra de la misma línea (por ejemplo, "No hay asiento seguro en el festín"), y algunas líneas contienen palabras anagramadas (por ejemplo, "Los milagros tendrán sus reclamantes").
Su título se inspiró en el personaje Mongo de la película de 1974 “Blazing Saddles”.
Lifeson habló sobre la letra: "No significa nada, solo fue algo divertido, pero tiene algunos giros geniales".
"Hand over Fist" era originalmente una pieza instrumental que Rush tenía previsto incluir en “Presto”, pero Peart siguió presentando ideas para la letra a Lifeson y Lee; una en particular encajaba bastante bien con la música y se descartó el plan de una pieza instrumental.
En el libro de la gira del álbum, Peart utilizó el simbolismo que representa el juego de manos "piedra, papel o tijera", que se convirtió en una rima infantil y se utilizó como cántico lírico en "Hand over Fist".
La portada del álbum fue diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush: un diseño en blanco y negro que representa un sombrero de mago levitando sobre una colina con un conejo emergiendo de él. En primer plano, el campo está lleno de conejos.
Rush ideó el concepto y se lo presentó a Syme, quien luego produjo varias ideas que representaban lo que ellos sugerían.
Lifeson recordó el momento en que vieron el diseño elegido: “Todos empezamos a reírnos histéricamente: ¡Esto es genial, es perfecto!".
Rush produjo tres videos musicales para Presto: "Show Don't Tell", "The Pass" y "Superconductor".
“Presto” recibió críticas mixtas.
Gregory Heaney de AllMusic describió el álbum como "operario" y alejado de la creatividad de sus trabajos anteriores.
Sin embargo, afirmó que las canciones no eran terribles, solo que algo no terminaba de encajar, quizás debido al tiempo que había pasado desde que la banda compuso canciones más tradicionales, basadas en la guitarra.
Sin embargo, antes de que se publicara la reseña de Heaney, el sitio había publicado una reseña favorable de 4,5 estrellas (de un máximo de 5) del álbum por Mackenzie Wilson, quien describió el álbum como uno que "conduce inteligentemente a Rush a los 90 sin pesimismo musical".
“Presto” alcanzó el puesto número 7 en Canadá y el número 16 en Estados Unidos.
Rush promocionó el álbum con la gira “Presto Tour” de febrero a junio de 1990.
“Presto” obtuvo la certificación de oro por la Recording Industry Association of America por vender 500.000 copias.
El álbum fue remasterizado en 2004 y 2013, este último como parte del box set de 2013 “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios, tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
“Roll the Bones” es el decimocuarto álbum de estudio de la banda, lanzado el 3 de septiembre de 1991 por Anthem Records en Canadá y Atlantic Records a nivel internacional.
Producido por la banda y Rupert Hine, el álbum continuó la transición desde los arreglos con predominio de teclados de la década de 1980 hacia un sonido más orientado a la guitarra, una transición que había comenzado con su lanzamiento anterior, “Presto” (1989).
Las sesiones, realizadas principalmente en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, vieron a la banda incorporar influencias de funk y jazz, sobre todo en la inclusión de un segmento de rap interpretado por el bajista Geddy Lee en la canción que da título al álbum.
En cuanto a las letras, el álbum explora temas como el azar, el destino y el peso de las circunstancias, inspirados por el interés del baterista Neil Peart en el papel de la fortuna en la vida humana.
El título es un término coloquial para referirse a lanzar dados, un motivo que se refleja en la portada, ganadora del premio Juno y diseñada por Hugh Syme.
El tema instrumental "Where's My Thing?", nominado al Grammy, marcó el regreso de la banda a las pistas instrumentales desde 1981.
“Roll the Bones” fue un éxito comercial, alcanzando el Nº 3 en el Billboard 200 —la posición más alta de la banda en las listas estadounidenses desde “Signals” (1982)— y obteniendo la certificación de platino de la Recording Industry Association of America.
La recepción de la crítica fue generalmente positiva, con los críticos elogiando la renovada energía musical y el enfoque melódico del grupo, aunque algunos críticos contemporáneos se polarizaron por la sección de rap de la canción principal.
Ha sido remasterizado varias veces, la más reciente en 2015 por Sean McGee en Abbey Road Studios.
El álbum sigue siendo una entrada significativa en la discografía de Rush, uniendo su era synth-rock con el sonido más depurado y pesado de su trabajo de 1990.
En junio de 1990, Rush terminó la gira de su álbum anterior, “Presto” (1989).
Decidieron acortar la gira a propósito, lo que, según Lee, se debió a que el grupo se sentía demasiado cauteloso al presentar el álbum en directo.
Sin embargo, se convirtió en una experiencia agradable y positiva para ellos, y cuando terminó, "estábamos tan llenos de energía que queríamos seguir tocando".
Esta energía renovada en la banda se mantuvo durante las sesiones de composición y grabación de “Roll the Bones”.
Luego se tomaron un descanso, pero decidieron acortarlo para comenzar a trabajar en nuevo material para un disco posterior.
Al igual que con “Presto”, Rush comenzó a trabajar retirándose a Chalet Studios, un estudio remoto en Claremont, Ontario.
Se quedaron durante dos meses y medio; Lee y Lifeson trabajaron en la música mientras Peart escribía las letras.
Los tres se reunían por las noches, cuando Peart escuchaba lo que los otros dos habían compuesto durante el día.
Lee había desarrollado un interés por la observación de aves y se aseguró de que algunos comederos rotos junto a la ventana del estudio fueran reparados y llenados de alimento, que disfrutaba observando mientras escribía. Las notas del álbum incluyen un agradecimiento a las aves.
Las demos se grabaron con una grabadora TASCAM 388 de ocho pistas y una mesa de mezclas integrada conectada a un secuenciador con el software C-Lab Notator.
Lee configuró patrones de batería sencillos en el ordenador para que Lifeson y él trabajaran con ellos.
Tardaron entre nueve y diez semanas en componer y ensayar para el álbum, y ocho semanas en grabarlo.
El álbum muestra el cambio continuo en el sonido del grupo que comenzó en “Presto”, con una reducción en los teclados y un regreso a canciones impulsadas por la guitarra.
Lee dijo que el cambio fue "una reacción contra el estilo de escritura más computarizado" que había dominado su sonido durante la década de 1980, y la banda ahora optó por usar sintetizadores y secuenciadores como un "dispositivo de orquestación", en lugar de un componente clave en la composición de canciones.
Las sesiones de composición para “Presto” habían involucrado solo bajo, guitarra y voces, lo que contribuyó al cambio de estilo, y el grupo continuó con este enfoque para “Roll the Bones”.
Otro aspecto que se trasladó de "Presto" fue la intención de Lee de crear fuertes melodías vocales al principio y basar el resto de la canción en ella.
Lifeson había querido intentar tocar ritmos funk y, después de haberlo intentado en “Presto”, deseaba explorarlo más en “Roll the Bones”.
La mayoría de los arreglos elaborados en la etapa de composición permanecieron sin cambios, lo que permitió al grupo usar las demos como guía para la grabación, que se realizó transfiriendo las demos completas a 24 pistas y volviendo a grabar las partes.
El álbum contiene un tema lírico recurrente sobre el elemento del azar en diferentes aspectos de la vida, que Peart ideó mientras experimentaba con las letras.
La primera letra que escribió para el álbum se usó en "Face Up", específicamente: "Súbele el volumen, o baja esa carta comodín".
Recordó estar sentado en el suelo de su cabaña "con una pila de papeles a mi alrededor" de notas de los dos años anteriores, que consistían principalmente en frases escritas en giras o durante "ese momento onírico antes de dormir".
Comenzó a experimentar con las frases "súbele el volumen" y "baja esa carta", lo que lo llevó a la idea de bajar una carta y una carta comodín, y las aplicó a eventos que una persona puede enfrentar.
“Roll the Bones” se grabó en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Place en Toronto, entre febrero y mayo de 1991. Las voces se grabaron en Inglaterra.
La banda retomó el trabajo con el coproductor Rupert Hine y el ingeniero Stephen Tayler, quienes habían trabajado en “Presto”.
Rush quería seguir trabajando con Hine debido a su talento como compositor, la retroalimentación que les brindaba a sus canciones y su capacidad para permitir que el grupo lograra un sonido más suelto que en álbumes anteriores.
Lee dijo que varios trucos de producción que habían aprendido trabajando con Peter Collins en la década de 1980 se utilizaron en “Presto” y “Roll the Bones”.
Las partes de bajo y batería se grabaron en cuatro días, y las guitarras en ocho. Lee estaba asombrado de cómo Peart había aprendido sus partes para una canción completa antes de grabarla, y que "nueve de cada diez veces solo necesitaba una pasada para clavarla".
La banda originalmente había planeado lanzar el álbum en enero de 1992, pero lo terminaron dos meses antes.
Agradecieron al canal de noticias CNN en las notas del álbum, ya que tenían el canal encendido mientras escribían, y Lee recordó que a veces era difícil dejar de verlo mientras sucedían numerosos eventos.
Lee usó dos bajos Wal diferentes en el álbum. Le gustaba su rango medio y su sonido de graves "ricos", y el hecho de que no tenía que agregar mucha ecualización.
Conoció el instrumento por primera vez cuando la banda estaba grabando en Inglaterra, y sabía que el bajista Percy Jones usó uno en los álbumes de Brand X, de los cuales era un gran fan.
Lee había tocado uno por sugerencia de Peter Collins durante la grabación de “Power Windows” (1985).
El bajo de Lee se mezcló más cerca del rango del bombo de Peart, lo que liberó espacio en la música para las partes de guitarra.
Peart también cambió su sonido, y aunque no tomó la decisión consciente de evitar la electrónica por completo, descubrió que la mayoría de las canciones no se beneficiaban de que tocara una batería electrónica y en su lugar usó principalmente baterías acústicas.
Peart se dio cuenta de que tenía tendencia a hacer que sus partes de batería fueran "demasiado organizadas, demasiado arquitectónicas" en un álbum, así que para “Roll the Bones”, dejó deliberadamente partes de las canciones sin ensayar y las grabó el día de la grabación con la intención de capturar una interpretación más espontánea.
Peart escribió que el grupo encontró cada etapa del proceso de grabación particularmente agradable y satisfactoria, lo que despertó una "nueva convicción, una sensación de renacimiento" dentro del grupo.
Lee describió las sesiones de composición para el álbum como "muy positivas" y "optimistas".
La portada fue diseñada por Hugh Syme, colaborador de Rush desde hace mucho tiempo.
Las notas del álbum contienen la críptica frase "Ahora está oscuro". Peart reveló más tarde que la frase aparece en la película “Blue Velvet” de 1986.
Los créditos incluyen una broma recurrente que comenzó en “Power Windows”, cuando el grupo notó que varios títulos de canciones comenzaban con la letra "M".
Por "diversas razones", continuaron la broma en “Roll the Bones”, con "Presentado por la letra B".
La estrofa inicial de "Dreamline" contiene referencias a la astronomía, que inspiraron a Peart tras recorrer en bicicleta cien millas desde Cincinnati hasta Columbus entre dos conciertos de la gira “Presto”.
Al llegar, vio la popular serie de divulgación científica Nova en PBS , y un programa sobre imágenes satelitales capturó su imaginación.
"Bravado" trata sobre cómo uno no debe rendirse después de fracasar, en contraposición a terminar con la vida por suicidio, tema que Peart había abordado en "The Pass" en “Presto”.
La canción fue particularmente emotiva para Lee, quien la calificó como una de las mejores canciones de la banda, en parte debido a su textura diferente al resto del álbum.
La banda era optimista sobre su forma musical, pero se enfrentó al problema de sobrecargar su arreglo porque todas las partes les sonaban bien.
Al final, aprendieron que simplificar la canción resultó en una pista más fuerte.
"Roll the Bones" recibió su nombre de un relato de ciencia ficción de Fritz Leiber que Peart había leído unos 15 años antes, titulado "Gonna Roll the Bones".
Aunque el relato no influyó en la música ni en su mensaje, a Peart le gustó la frase en particular y la guardó en su cuaderno. La frase también es un término coloquial para referirse a tirar dados.
Cuando la banda estaba grabando "Roll the Bones", Lee dijo que decidieron "divertirse" con ella e incluir una sección de rap.
Peart recordó cierto escepticismo por parte de sus compañeros de banda al principio y probaron diferentes maneras de presentarlo, incluyendo una voz femenina, pero "la transición fue demasiado brusca".
En su lugar, optaron por usar la voz de Lee con efectos de baja frecuencia aplicados.
"Where's My Thing?" fue el primer instrumental de la banda desde "YYZ" de “Moving Pictures” (1981).
Tiene el subtítulo humorístico de "Parte IV, Trilogía 'Gangster of Boats'", en referencia a una broma interna donde Lee y Lifeson amenazaron con llamar a un álbum de Rush “Gangster of Boats” si Peart alguna vez tenía dificultades para encontrar un título, así como la broma de que es la cuarta parte de una trilogía.
Peart escribió que el grupo había querido grabar un instrumental desde hacía tiempo y que el grupo se había "divertido mucho" grabándolo.
Habían querido incluir uno en “Presto”, pero cada vez que Lee y Lifeson tenían una pieza musical, Peart proporcionaba una letra que encajaba bien con ella.
Para este álbum, Peart dejó que los dos escribieran una pista instrumental y evitó deliberadamente darles letras hasta que hubieran escrito una.
En lugar de hacer de la pista una muestra de la habilidad musical del grupo, Lee y Lifeson querían darle una sección de estrofa y estribillo para que sonara como una "canción genuina".
“Heresy” es una canción de rock más directa con un ritmo que Lee describió como un “pulso de latido del corazón” que reflejaba algunas de las ideas líricas de Peart para ella.
Peart se inspiró en los acontecimientos que rodearon la caída del comunismo en Europa del Este a principios de la década de 1990 y la recuperación de las libertades de la gente.
En “Ghost of a Chance”, Lifeson toca una guitarra PRS, y él mismo calificó su solo en la canción como uno de los mejores.
La letra se basa en las concesiones que uno hace en una relación para que funcione.
Peart estaba particularmente orgulloso de la letra, ya que había escrito una canción de amor que evitaba los clichés de las letras más típicas y sentimentales de las canciones de amor.
Lee comentó que, a pesar de lo divertido que fue componer "You Bet Your Life", fue la canción más difícil de grabar, en parte debido a la dificultad de lograr un equilibrio en el estribillo entre la voz y la melodía vocal.
También fue difícil de mezclar, y Lee "nunca estuvo seguro de que lo hubiéramos conseguido del todo".
“Roll the Bones” se lanzó el 3 de septiembre de 1991.
Marcó un regreso al éxito comercial para la banda, alcanzando el Nº 3 en los EE. UU., su álbum más alto en las listas desde “Moving Pictures” (1981).
También alcanzó el Nº 10 en el Reino Unido y el Nº 11 en Canadá.
"Dreamline" alcanzó el Nº 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks de EE. UU.
En 1992, "Where's My Thing? (Part IV, "Gangster of Boats" Trilogy)" se convirtió en la segunda canción de Rush en ser nominada a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de rock.
La canción perdió ante "Cliffs of Dover" de Eric Johnson, quien abrió para Rush en la etapa de 1991 de la gira “Roll the Bones”.
Rush realizó una gira con el álbum entre octubre de 1991 y julio de 1992, recorriendo Canadá, Estados Unidos, Europa continental y el Reino Unido.
Dado que la experiencia de grabar el álbum fue productiva y positiva, estaban deseosos de salir de gira y promocionarlo, y la gira fue más larga que la de “Presto”.
Chuck Eddy, de Entertainment Weekly, opinó que el álbum exploraba nuevos territorios, señalando que sus "habituales guiños melódicos al metal de MTV y a las salas de conciertos del siglo XIX" ahora tenían "guiños rítmicos a los videojuegos de Nintendo y a África Occidental".
Eddy también destacó el rap en la canción que da título al álbum, concluyendo: "Por una vez, estos tipos parecen estar actuando de forma ridícula a propósito".
En reseñas retrospectivas, Eduardo Rivadavia de AllMusic calificó a “Roll the Bones” como "posiblemente el álbum más oscuro de Rush" en cuanto a letras, citando "Dreamline" como una de las mejores canciones de la banda de los 90.
Añadió que, "aunque su temática negativa puede resultar asfixiante a veces, temas excelentes como 'Bravado', 'The Big Wheel' y 'Heresy' presentan melodías y arreglos maravillosos".
Ultimate Classic Rock incluyó “Roll the Bones” en su lista de "Los 100 mejores álbumes de rock de los 90".
También lo clasificaron como el noveno (de 19) mejor álbum de Rush, con Dave Swanson escribiendo: "aunque los sintetizadores siguen sonando estridentes y algunos de los experimentos van demasiado lejos (eh, sí, es Geddy Lee quien rapea en la canción que da título al álbum), la composición es estupenda".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Moderador: Rufus
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1100
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1100
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 24
Geddy Lee (Sexta parte)
La transición de los sintetizadores a una instrumentación más orientada a la guitarra y orgánica continuó con “Counterparts” (1993)
“Counterparts” es el decimoquinto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 18 de octubre de 1993 en el Reino Unido y el 19 de octubre en todo el mundo, a través de Anthem Records.
En junio de 1992, la banda terminó su gira “Roll the Bones Tour” en apoyo de “Roll the Bones” (1991).
Antes de que el grupo comenzara a trabajar en el álbum, establecieron informalmente algunos objetivos que querían lograr con él a partir de conversaciones durante la gira “Roll the Bones Tour”.
Acordaron lograr "un sentido de equilibrio entre espontaneidad y refinamiento [...] y tal vez trabajar en un enfoque más orgánico de las canciones".
El grupo coincidió en que la banda de rock Primus, que abrió para ellos en la gira “Roll the Bones Tour”, y Pearl Jam los influyeron para perfeccionar aún más su sonido.
Al igual que con sus dos álbumes de estudio anteriores, Rush se retiró a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para escribir y ensayar material nuevo durante la semana, regresando a casa los fines de semana para ver a sus familias.
Adoptaron su práctica habitual de que Lee y Lifeson trabajaran en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.
Permanecieron en Chalet durante aproximadamente dos meses, y ensayaron lo suficiente como para poder concentrarse en obtener un sonido satisfactorio y una interpretación espontánea para sus respectivas partes.
Lee y Lifeson plasmaron sus ideas utilizando una grabadora de cinta de audio digital Alesis de ocho pistas con el software Cubase Audio.
El grupo enfrentó muchos problemas técnicos que retrasaron el proceso de composición hasta el punto de que Peart tuvo poco tiempo para arreglar sus partes, pero como recordó Lee: "Pasó por un período de ensayos masivo; trabaja tremendamente duro y es increíble presenciarlo".
“Counterparts” marca la continuación de la transición de la banda desde los sintetizadores de vuelta a la música orientada a la guitarra que había comenzado en “Presto” (1989).
Lifeson dijo que esta fue la primera vez desde “Moving Pictures” (1981) que hubo una decisión consciente de que la guitarra tomara un papel predominante, lo que resultó en un álbum más satisfactorio para él.
Las sesiones de composición se vieron acompañadas de una creciente tensión entre Lee y Lifeson, asuntos que comenzaron en la gira “Roll the Bones” debido a diferencias musicales.
Lifeson le había pedido constantemente a Lee que no usara ningún teclado para el álbum, pero Lee los llevó al estudio, lo que creó "una atmósfera inmediata".
Lee sostuvo que los teclados se usaron en “Roll the Bones” simplemente para embellecer las canciones y deseaba usarlos de la misma manera para “Counterparts”.
"Pero Alex estaba dando por sentado que yo quería teclados por todas partes. Fue una situación muy volátil".
Lifeson dijo que los dos tuvieron "mayores altibajos emocionales" durante la etapa de composición que en cualquier otro álbum anterior de Rush y culpó en parte a varias "presiones externas" personales que no estaban relacionadas con la vida personal de ninguno de los dos.
A la hora de escribir las letras, Peart no tenía un hilo conductor entre las canciones, como sí lo tenía en “Roll the Bones”, sino que ideó “una selección de temas individuales que no relacionaba realmente en ese momento”.
Entre los temas que consideró se encontraban las diferencias de género, el principio del ánima y el animus propuesto por el psicólogo Carl Jung, y lo bueno y lo malo del heroísmo.
Peart señaló que la dualidad se convirtió en el único tema unificador e inspiró el título del álbum.
Lee recordó la dificultad que tuvo la banda para lograr más potencia en algunas canciones con el productor Rupert Hine en “Roll the Bones” en el estudio, pero que sí pudieron lograr en la gira, "y creo que eso se nos quedó grabado".
Esta combinación de música y estilo de producción se convirtió en un elemento en el que la banda quiso centrarse para “Counterparts” y, al hacerlo, quisieron trabajar con diferentes productores e ingenieros.
Inicialmente, hablaron con muchos productores jóvenes, pero pronto se dieron cuenta de que no tenían mucho que ganar con alguien que había trabajado en menos álbumes de los que el grupo había lanzado a lo largo de su carrera, y buscaron a alguien con experiencia.
Rush eligió al productor inglés Peter Collins, quien había coproducido “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire” (1987) con la banda.
Lee dijo que la banda había mantenido una buena relación con Collins y notó que había evolucionado como productor desde la última vez que trabajaron con él, incluyendo su trabajo con más bandas de rock estadounidenses.
"Tan pronto como hablamos supimos que sería genial [...] y él estuvo de acuerdo con la visión de lo que vimos; y sus comentarios, criticando los últimos discos, al menos en lo sonoro, estaban muy en línea con la dirección que queríamos tomar, y pensamos: '¡Bingo! Aquí está, esto es lo que necesitamos”.
Collins tenía en mente a diferentes ingenieros con quienes trabajar, por lo que se llevó a cabo una "laboriosa pero interesante búsqueda" para encontrar a alguien adecuado que implicó escuchar cintas de artistas de todo el mundo.
Al final, eligieron a Kevin "The Caveman" Shirley para la grabación; Lee dijo que fue por su sonido "crudo" y "natural", que requería un uso mínimo de reverberación, lo cual fue difícil para la banda acostumbrarse al principio.
Para la mezcla, la banda empleó al ingeniero australiano Michael Letho.
El álbum se grabó de abril a junio de 1993 en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Pathé en Toronto.
Las demos de 8 pistas se transfirieron a la grabadora de 24 pistas del estudio y se convirtieron en pistas guía para que la banda las siguiera y regrabara sus partes.
Lifeson grabó sus partes en cinta analógica; el resto se grabó digitalmente y como Peart tenía menos tiempo para grabar sus partes, grabó 11 pistas en tres días.
Lifeson dijo que Shirley adoptó una forma "muy directa" de grabar los instrumentos para capturar la menor resistencia posible de los micrófonos a la máquina de cinta.
Aunque se exploraron varios efectos más adelante, Lifeson comentó sobre la simplicidad de la grabación: "Era solo cuestión de enchufar al amplificador y microfonearlo".
Se había resistido a la idea de grabar sus guitarras fuera de la sala de control del estudio durante los últimos 12 años, pero Shirley lo convenció de tocar en la sala de estudio.
Después de unos días, Lifeson disfrutó de la experiencia y quiso continuar grabando de esta manera: "Podías sentir la madera de la guitarra vibrando contra tu cuerpo, y era más susceptible a esa retroalimentación tan genial, y era tu propio pequeño mundo; era una pequeña evasión".
Lee usó su bajo Fender Jazz Bass de 1972 y Lifeson tocó modelos de guitarra Les Paul, Fender Telecaster y PRS. A menudo combinaba la Les Paul y la Telecaster, junto con guitarras acústicas, para crear un solo sonido.
Una vez terminado, el álbum fue masterizado por Bob Ludwig en Gateway Mastering en Portland, Maine.
El título del álbum se decidió después de que la música estuviera terminada.
Rush tuvo dificultades para seleccionar el orden de ejecución en “Counterparts”, en parte debido a que era más fácil separar el álbum con dos caras de un vinilo.
Para ayudar, Lifeson anotó cada pista en una pizarra magnética para que pudieran experimentar con el orden hasta que tuvieran uno con el que estuvieran satisfechos.
Lifeson dibujó una representación gráfica del estado de ánimo de cada pista, lo que les ayudó a seleccionar un orden que, según Lee, ayuda a "desconectarte del disco" ya que gran parte del álbum tenía un toque agresivo.
La banda había planeado lanzar el álbum antes, pero Lifeson dijo que eso habría significado comenzar la gira antes, pero ningún miembro estaba dispuesto a hacerlo.
En "Animate", Lee toca el bajo con un viejo amplificador que estaba en la basura del estudio y que fue reparado por uno de los asistentes técnicos.
Shirley quería que Lee tocara sus partes en "Animate" con él. "Sonaba genial, tenía muchísima energía, y todos los sonidos de explosión desaparecieron en la pista, así que no te das cuenta de que es un amplificador a punto de morir".
A Lee le gustó la cuenta atrás de Peart al principio de la pista porque muestra un "toque humano".
En cuanto a la letra, Peart escribió las palabras sobre una persona, pero las estructuró para que pareciera que se trataba de una relación, "casi una canción de amor".
Sin embargo, pensó que este tipo de letras de amor se habían convertido en un cliché durante la década de 1980, y recurrió a las obras de Jung y Camille Paglia para comprender "cómo se suponía que debía ser el hombre moderno".
Luego tomó el concepto de ánima y animus de Jung para escribir sobre un hombre que domina su lado más suave y femenino con agresión y ambición, rasgos masculinos más típicos.
Peart dijo que toca un "ritmo básico de R&B que tocaba en mis inicios, junto con ese efecto hipnótico" que usaban bandas como Curve y Lush.
"Stick It Out" surgió de un riff de guitarra que Lifeson había creado y que a Lee le había gustado, así que "lo alargaron un poco, le añadieron algunas cosas más y se convirtió en esa canción".
"Cut to the Chase" es una de las pocas canciones del álbum donde el solo de guitarra guía original de Lifeson en la cinta demo se usó en la toma final.
“Nobody's Hero” se inspiró en un amigo gay de Peart que trabajó con él durante su estancia en Londres y lo consideraba un modelo a seguir.
Para Peart, “me impidió ser homófobo” y, cuando se distanciaron geográficamente, se enteró de que su amigo había muerto de sida.
“Así que, ciertamente, su vida no fue en vano, pero su heroísmo se desarrolló en un ámbito muy reducido”.
Collins sugirió añadir una sección de cuerdas y eligió a Michael Kamen para orquestar y dirigir, por lo que Lee ideó algunas ideas orquestales que se incluyeron en el arreglo final.
"Between Sun & Moon" incluye letras coescritas por Peart y Pye Dubois, quienes también habían compartido créditos líricos para "Tom Sawyer" y "Force Ten".
Peart siempre había acogido con agrado la contribución de ideas de Dubois, ya que le gustaba su estilo de escritura.
"En este caso, fue una que nos gustó a todos por algunas de las imágenes de su presentación, así que volví a trabajar en ella, la moldeé en el tipo de estructura con la que nos gusta trabajar y luego le añadí algunas de mis propias imágenes y perspectivas. Y así fue".
La música se desarrolló a partir de una improvisación en la que Lifeson tocó un riff que Lee dijo que tenía un "sonido muy poco propio de Alex Lifeson", comparándolo con el estilo de The Rolling Stones.
Lifeson señaló que el puente musical antes de su solo de guitarra suena "muy a The Who", y mencionó a su guitarrista Pete Townshend y al guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, como influencias.
“Double Agent” fue uno de los últimos temas escritos para el álbum y Lee lo describió como “un ejercicio completo de autocomplacencia”.
Habiendo compuesto canciones con arreglos más complejos, Lee deseaba un cambio de ritmo y un tema donde la banda tuviera “un poco de rave”.
“Leave That Thing Alone” es una pieza instrumental que el grupo decidió hacer porque se divierten escribiéndolas, ya que las ideas les surgen rápidamente.
Lee y Lifeson aclararon que, a pesar de la conexión entre esta y la pieza instrumental “Where's My Thing?” de “Roll the Bones”, donde ambas tienen “Thing” en el título, no hay ningún otro vínculo entre las dos.
Lifeson calificó la melodía de la pista como particularmente fuerte.
"Cold Fire" pasó por varias reescrituras y Lee reconoció la ayuda de Collins para armar la canción, destacando las secciones más fuertes de las versiones anteriores.
Lee y Lifeson luego se familiarizaron con los versos que antes eran difíciles, lo que llevó a Lifeson a agregar sus partes con un sonido similar al de la guitarra de acero, a las que Lee pudo contribuir con armónicos.
Tras superar la dificultad, Lee consideró los versos como uno de los momentos más fuertes del álbum.
Antes de su lanzamiento, el álbum se estrenó durante un programa especial de radio presentado por Steve Warden en CILQ en Toronto el 14 de octubre de 1993.
Debutó en el puesto número 2 de la lista de álbumes de Billboard para la semana que terminó el 6 de noviembre de 1993; por otro álbum que debutaba en la lista, "Vs." de Pearl Jam, no alcanzó el primer puesto.
“Counterparts” obtuvo la certificación de oro en Estados Unidos en diciembre de 1993. El álbum obtuvo la certificación de oro en Canadá en 1994.
La banda apoyó “Counterparts” con una gira de cuatro meses limitada a Estados Unidos y Canadá.
Según se informó, las relaciones entre los miembros eran tensas, y tras la gira se tomaron un largo descanso, durante el cual Geddy Lee planeaba pasar tiempo con su creciente familia, mientras que cada miembro exploraba otros intereses creativos, como un álbum en solitario de Lifeson.
Este álbum fue bien recibido por los fans y la crítica, llegando al puesto número 2 de las listas (el primer álbum de Rush en lograrlo) y obteniendo el disco de oro en tan solo un mes, a pesar de ser rock progresivo durante el apogeo del grunge.
El álbum sí devolvió a la banda a un sonido rock más agresivo.
Retrospectivamente, se considera un álbum típico de Rush, con una composición e interpretación sólidas, pero con una escritura de canciones algo formulista y conservadora.
En Spotify, “Animate” y “Nobody's Hero” destacan por tener entre dos y tres veces más reproducciones que las siguientes canciones más reproducidas.
Progarchives lo considera su mejor álbum de la década de 1990.
“Counterparts” alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos, siendo uno de los dos álbumes de la banda con mejor posición en las listas del país, y el número 6 en Canadá.
El primer sencillo, "Stick It Out", fue número 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks durante cuatro semanas.
En 1994, el tema instrumental "Leave That Thing Alone" fue nominado a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock”.
“Counterparts” fue remasterizado en 2004 y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
“Test for Echo”, su decimosexto álbum de estudio, fue lanzado el 10 de septiembre de 1996 por Anthem Records y fue el último álbum de Rush coproducido por Peter Collins.
En mayo de 1994, Rush finalizó su gira “Counterparts Tour” por Estados Unidos y Canadá en apoyo del decimoquinto álbum de la banda, “Counterparts” (1993).
El grupo luego tomó un descanso habitual, pero este se extendió durante 18 meses, ya que el bajista y vocalista Geddy Lee quería estar en casa durante el primer año de vida de su hija.
Con su tiempo libre, el guitarrista Alex Lifeson grabó su primer álbum en solitario, “Victor”, y el baterista y letrista Neil Peart lanzó un álbum tributo a Buddy Rich, “Burning for Buddy”, y dedicó tiempo a perfeccionar su técnica, recibiendo instrucción formal del baterista de jazz Freddie Gruber.
En octubre de 1995, la banda decidió comenzar a trabajar en el siguiente álbum de Rush y, como con sus tres álbumes anteriores, se retiraron a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para componer y ensayar.
Habiendo estado juntos por más de 20 años en ese momento, Lifeson se preguntó si “Test for Echo” sería el último álbum de Rush y si harían una gira para promocionarlo.
Cambió de opinión cuando estuvo terminado, ya que el grupo ya estaba en conversaciones sobre el siguiente álbum y dijo: "Todavía tenemos mucho material dentro de nosotros".
Las primeras sesiones fueron difíciles para él, habiendo tenido las "mismas viejas" discusiones con Lee sobre qué dirección tomaría el nuevo álbum de Rush antes de componer.
"Una vez que exorcicé esos fantasmas, la semana siguiente escribimos cinco canciones. Nos sumergimos en ello y fue muy, muy positivo a partir de entonces".
La banda colocó lemas inspiradores en la pared del estudio, incluyendo "Individualmente somos unos imbéciles, juntos somos unos genios" y "Si quieres que algo salga bien, olvídalo".
Lee y Lifeson completaron casi seis canciones antes de presentarle su trabajo a Peart, ya que no querían interrumpir el flujo de su productiva composición.
Habían reservado el estudio durante unas diez semanas, pero las productivas sesiones hicieron que la composición terminara tres semanas antes.
Lifeson dijo que el grupo estuvo de muy buen humor durante toda la producción del álbum y lo atribuyó al descanso que se habían tomado.
La banda adoptó su método habitual: Lee y Lifeson trabajaban en la música, mientras que Peart se encargaba solo de las letras, pero la música se compuso de una manera diferente a la anterior.
Antes, Lee y Lifeson creaban las canciones combinando fragmentos musicales con versos y estribillos a medida que avanzaban, y los tres escuchaban lo que se había grabado e intercambiaban ideas para desarrollarlo aún más.
Esta vez, las letras se combinaban con secciones musicales adecuadas, luego se grababan y Lee y Lifeson trabajaban en otra cosa.
Como escribió Peart: "No querían estancarse en el 'rompecabezas' de armar canciones completas, sino mantener el impulso con un flujo constante de ideas frescas".
Después de elaborar una colección de canciones, el grupo comenzó a refinar sus partes individuales.
En noviembre de 1995, el grupo se enfrentó a una fuerte nevada en Chalet Studios, lo que dio paso a la ventisca norteamericana de 1996 a principios de enero. La nieve continuó durante la grabación del álbum, lo que inspiró la portada del mismo.
Casi todas las canciones fueron escritas, arregladas y grabadas en una cinta demo para diciembre de 1995, y la banda se unió entonces a Peter Collins, a quien eligieron para que retomara su papel como coproductor.
Collins fue su coproductor en “Power Windows” (1985), “Hold Your Fire” (1987) y “Counterparts” , y ofreció lo que Peart describió como "pequeñas pero cruciales mejoras" a lo que ya habían grabado.
El álbum continuó mostrando el cambio en el sonido del grupo, que había comenzado en “Presto” (1989), hacia una música orientada a la guitarra y la reducción de los teclados.
El álbum se grabó de enero a marzo de 1996 en Bearsville Studios en Bearsville, Nueva York.
El estudio fue elegido porque la banda quería capturar "más tamaño" de la batería de Peart y las instalaciones eran más adecuadas para su batería.
Se realizó una grabación adicional en Reaction Studios en Toronto, donde nevó durante 40 días consecutivos.
“Test for Echo” fue la primera vez que Rush trabajó con ingenieros y mezcladores estadounidenses, ya que antes solo habían trabajado con personal inglés o australiano.
Eligieron al ingeniero de grabación Clif Norrell, un fan de la banda desde hace mucho tiempo que una vez interpretó versiones de canciones de Rush en su propio grupo.
El álbum fue mezclado en abril de 1996 por Andy Wallace en McClear Place en Toronto.
El grupo tomó la decisión consciente de no entrar al estudio hasta que Wallace hubiera preparado una mezcla para que pudieran comentarla.
Lifeson dijo: “Escuchábamos versiones completamente diferentes de estas canciones con las que habíamos convivido durante seis o siete meses. [...] Había cosas en las que realmente no habríamos pensado, y ese era precisamente el objetivo de que él estuviera allí”.
Tras su lanzamiento, Lifeson consideró “Test for Echo” como uno de los mejores álbumes de Rush.
“Test for Echo” incluye contribuciones líricas de Pye Dubois, quien también había escrito letras para tres canciones de Rush anteriormente.
Lee dijo que las palabras reflejan la situación actual del grupo en ese momento.
Lifeson toca una guitarra Les Paul Custom y describió la canción como “puro Rush”.
"Driven" fue escrita completamente con el bajo de Lee y presenta tres pistas de bajo separadas.
Lifeson dijo que Peart tocó "un poco retrasado en el ritmo", lo que le dio a la canción un "carácter más pesado" y provocó que Lee y él ajustaran sus partes para que encajaran con su batería.
En “Half the World”, Lifeson toca una mandola de 10 cuerdas que había probado para familiarizarse con el instrumento, pero descubrió que cambiaba por completo la personalidad de la canción.
Se la presentó a Lee, quien expresó dudas iniciales debido a su textura inusual, pero terminó gustándole.
"Time and Motion" surgió de una letra escrita por Peart, tras lo cual Lee y Lifeson trabajaron en la música, la cual se desarrolló rápidamente.
Querían dramatizar la primera frase de la letra incorporando acordes mayores, pero Lee afirmó que una primera versión del tema se había compuesto años antes, pero nunca se utilizó.
Lee describió "Dog Years" como "un poco punk".
"Limbo" es una pieza instrumental que se compuso a partir de diferentes fragmentos de ideas que el grupo había esbozado pero que no se utilizaron.
Lifeson eligió "Resist" como una de sus canciones favoritas, y una de las mejores que Rush había grabado.
La portada muestra un inuksuk, originario de Canadá. Creado por los inuit, un inuksuk es una figura de piedra con forma humana que se utiliza para marcar un depósito de alimentos, un terreno de caza o el lugar donde alguien perdió la vida.
El álbum se estrenó en su totalidad durante un programa especial de radio sindicado de dos horas en WRCX en Chicago, el 5 de septiembre de 1996.
El crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, le dio a “Test for Echo” tres de cinco estrellas, diciendo que Rush Test "rara vez ha tocado mejor en los últimos diez años que en Test for Echo".
Rolling Stone argumentó que "los contornos pulidos de guitarra y sintetizador de for Echo son un alivio bienvenido del ruido insípido de celebridades del rock moderno como Dishwalla".
En un análisis retrospectivo, Geddy Lee afirmó en “Rush: An Oral History, Uncensored” que “Test for Echo” fue un "disco extraño", diciendo: "Test for Echo fue un disco extraño en cierto sentido. Realmente no tiene una dirección definida. Sentí que estábamos un poco agotados creativamente. Fue una época de baja creatividad para nosotros".
El tema principal alcanzó el número 1 en la lista de éxitos de rock convencional.
La canción "Driven" se convirtió en un escaparate para el bajo de Geddy Lee durante las presentaciones en vivo, mientras que "Resist" se reorquestó como una canción acústica en las giras “Vapor Trails” y “R30”.
La banda no interpretó ningún tema del álbum en giras posteriores.
“Test for Echo” fue remasterizado y reeditado dos veces: en 2004 como continuación del set "The Rush Remasters" y en 2013 como parte del box set “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
Después de la conclusión de la gira “Test for Echo” en 1997, la banda entró en un receso de cinco años principalmente debido a tragedias personales en la vida de Peart.
La hija de Peart, Selena, murió en un accidente automovilístico en agosto de 1997, y su esposa Jacqueline murió de cáncer en junio de 1998. Peart se tomó un descanso para guardar luto y reflexionar.
Durante ese tiempo, viajó extensamente por Norteamérica en su motocicleta BMW, cubriendo 88.000 km.
En su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”, Peart escribe sobre cómo les dijo a sus compañeros de banda en el funeral de Selena: "consideren que estoy retirado".
Esto dejó el futuro de la banda en la incertidumbre, y Lee y Lifeson prepararon un álbum de archivo, “Different Stages”, para su lanzamiento durante el receso.
Mezclado por el productor Paul Northfield y masterizado por Terry Brown, es un álbum en vivo de tres discos que presenta actuaciones grabadas de las giras “Counterparts”, “Test For Echo” y “A Farewell to Kings” de la banda, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline.
El texto "De repente ... te fuiste ... de todas las vidas en las que dejaste tu huella. En memoria de Jackie y Selena" se incluye en el empaque del álbum.
La letra pertenece a la canción "Afterimage", del álbum “Grace Under Pressure” de Rush, de 1984.
La edición japonesa de “Different Stages” incluye "Force Ten" como tema extra y las letras de todas las canciones del álbum.
Las primeras ediciones contenían réplicas en miniatura de los libretos de las giras “A Farewell to Kings” y “Test for Echo”.
El concierto que aparece en el tercer disco se publicó en 2017 en su versión completa en la edición del 40 aniversario de “A Farewell to Kings”.
Después de un tiempo de duelo y recuperación, y mientras visitaba al fotógrafo de Rush Andrew MacNaughton en Los Ángeles, Peart conoció a su futura esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, y se casaron el 9 de septiembre de 2000.
En 2001, Peart decidió regresar a Rush.
En enero de 2001, Lee, Lifeson y Peart se reunieron para intentar reagrupar a la banda.
Según Peart, "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado para el proyecto".
Con la ayuda del productor Paul Northfield, la banda produjo setenta y cuatro minutos de música para su nuevo álbum “Vapor Trails”.
“Vapor Trails” es su decimoséptimo álbum de estudio. Fue lanzado el 14 de mayo de 2002, por Anthem Records, y fue su primer lanzamiento de estudio desde “Test for Echo” (1996), el intervalo más largo entre dos álbumes de Rush.
Por primera y única vez desde “Caress of Steel” (1975), Rush no usó ningún teclado ni sintetizador en su música; la banda incorporó muchas capas de guitarra, bajo y batería en su lugar.
El trío se reunió en Reaction Studios en Toronto el 9 de enero de 2001, pero no tocaron nada durante tres semanas. Discutieron sobre lo que querían lograr y cómo debía tomar forma el álbum.
Lifeson dijo que era para "hacerse una idea de la mentalidad de cada uno. Necesitábamos ver si todos estaban realmente dispuestos".
Lee y Lifeson dijeron que eligieron el estudio por su "ambiente amigable para los artistas, que era muy cómodo y acogedor".
Entre los temas discutidos estaba la dirección musical del álbum, que se convirtió en una fuente de dificultad ya que, inicialmente, había poco acuerdo sobre cuál debía ser.
Al llegar a un consenso, Lifeson dijo que los tres encontraron puntos en común "en todos los aspectos de la grabación".
La banda comenzó a trabajar, adoptando un horario de tres semanas de trabajo y una de descanso, sin nadie presente aparte de un asistente técnico.
El grupo tenía la esperanza de que aún existiera la química entre ellos para hacer un álbum.
Adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson trabajaban juntos en ideas musicales en la sala de control del estudio, mientras que Peart trabajaba en otro lugar en las letras, esta vez usando un bolígrafo, papel y una computadora.
Peart escribió sobre su actitud hacia las sesiones: "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado".
Peart revisó su cuaderno de notas y frases que había recopilado y exploró formas de conectarlas para formar una idea lírica completa.
Lee y Lifeson desarrollaron ideas principalmente a través de sesiones de improvisación que normalmente comenzaban estableciendo un patrón en una caja de ritmos y tocando al mismo tiempo, grabando cada sesión usando Logic Pro.
Esto era para evitar hacer una cinta demo de una colección de canciones y volver a grabarlas más tarde.
De esta forma, las primeras tomas se convirtieron en la base de las canciones, lo que mantuvo la música fresca utilizando tantas tomas originales como fuera posible.
Después de varias semanas, Peart presentó las ideas que había formado, pero Lee y Lifeson no habían escrito ninguna pieza musical concreta.
Peart recordó que aún no eran "serios" y que todavía querían tocar y explorar ideas, ya que revisar lo que habían grabado era un proceso tedioso y perturbaba su flujo creativo.
Peart había completado seis juegos de letras en ese momento, pero no estaba recibiendo comentarios de sus compañeros de banda como antes, así que hizo una pausa en las letras y se centró en su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”.
Los tres se sintieron insatisfechos con lo que habían creado y pensaron que era demasiado forzado, lo que los llevó a tomarse algunas semanas de descanso.
Lo hicieron y regresaron sintiéndose renovados y más concentrados, y pudieron trabajar en canciones completas, no solo en secciones.
Las canciones que surgieron de estas primeras improvisaciones fueron "Peaceable Kingdom", "Ceiling Unlimited" y "Nocturne", todas las cuales aún contienen algunas partes de las tomas originales, en su forma final.
Según Lifeson, ninguna pista fue regrabada por completo.
“Vapor Trails” es el primer álbum desde “Caress of Steel” (1975) que no incluye teclados.
Lifeson se había preocupado a menudo por la presencia de teclados en álbumes anteriores de Rush, pero esta vez Lee había accedido a no usarlos.
Por lo tanto, Lifeson dedicó más tiempo a diseñar partes de guitarra que fueran "más ricas en tonalidad y calidad armónica", adecuadas para las pistas de fondo.
También evitó los efectos de sonido en su guitarra, para lograr un sonido más crudo.
En ciertos momentos de la grabación de sus partes de batería, Peart se había visto influenciado por el baterista de The Who, Keith Moon, y tocó en su estilo de batería más lírica, en lugar de simplemente mantener el ritmo.
Después de tomar un descanso en junio de 2001, Rush comenzó a grabar sus nuevas canciones a mediados de agosto.
Inicialmente decidieron escribir 13 temas para el álbum y elegir los 10 u 11 mejores para la selección final, pero cuando llegó el momento acordaron incluirlos todos.
Se les unió el productor inglés Paul Northfield, quien había trabajado en varios álbumes anteriores de Rush y ayudó en el arreglo de algunos temas cuando el grupo se sentía estancado. La banda está acreditada como coproductora.
En diciembre de 2001, el grupo dejó los Reaction Studios y comenzó a mezclar el álbum en Metalworks Studios con David Leonard.
La mezcla se completó en marzo de 2002, después de lo cual se envió a Masterdisk en la ciudad de Nueva York para la masterización por Howie Weinberg.
Rush lo eligió porque le había gustado el sonido de los otros álbumes en los que Weinberg había trabajado.
La producción de "Vapor Trails" ha sido criticada tanto por la propia banda como por críticos y fans debido a la calidad de sonido "alta" del álbum.
Tiene niveles de audio excesivamente comprimidos (recortados) durante la masterización, lo que genera distorsión digital adicional durante la producción del CD.
Esta tendencia, conocida como la guerra del volumen, era muy común en la producción moderna de CD en ese momento.
Alex Lifeson declaró: “Era un concurso, y estaba masterizado demasiado alto, y crepita, y escupe, y simplemente lo aplasta todo. Se pierde toda la dinámica, especialmente en cualquier cosa que tuviera una guitarra acústica”.
Past Prime describió el álbum como "tan fuerte que hace vibrar los altavoces. Es un sonido creado a los pies de Tool y Korn. Y aunque 'Vapor Trails' nunca llega a ser nu metal puro, las guitarras son a veces estridentes, el bajo a veces suena como agua de bong y la distorsión es claramente agresiva".
Billboard publicó una reseña favorable.
“Vapor Trails” alcanzó el puesto número 3 en Canadá y el número 6 en Estados Unidos.
"One Little Victory" se lanzó como el primer sencillo del álbum en marzo de 2002 y llegó al número 10 en la lista Billboard Mainstream Rock en Estados Unidos.
El siguiente sencillo fue "Secret Touch".
El álbum obtuvo el disco de oro en Canadá en agosto de 2002.
La gira “Vapor Trails” se extendió desde junio hasta noviembre de 2002, durante la cual la banda tocó ante las mayores multitudes de su carrera en Brasil.
Tras la insatisfacción de la banda con la producción general del álbum, dos temas fueron remezclados para el álbum recopilatorio “Retrospective III: 1989–2008”.
La respuesta positiva a esto resultó en que David Bottrill remezclara todo el álbum “Vapor Trails” y lo lanzara el 30 de septiembre de 2013 como “Vapor Trails Remixed”, tanto como lanzamiento independiente como parte de “The Studio Albums 1989–2007”.
“Vapor Trails Remixed” fue lanzado por Atlantic Records y Rhino Entertainment el 30 de septiembre de 2013 y debutó en el puesto número 35 de la lista Billboard 200.
La banda no estaba satisfecha con la producción sonora general del álbum original.
Influenciados por la reacción positiva a las remezclas de "One Little Victory" y "Earthshine" incluidas en “Retrospective III” por Richard Chycki, Rush y Bottrill remezclaron el álbum completo.
En una entrevista con Modern Guitars, Lifeson comentó que, dado que las remezclas eran tan buenas, se había hablado de hacer una remezcla completa del álbum.
Un álbum y DVD en vivo, “Rush in Rio”, fue lanzado en octubre de 2003, que presenta la última presentación de la gira “Vapor Trails” de la banda el 23 de noviembre de 2002, en el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, Brasil.
Con la excepción de las dos últimas canciones del tercer disco, el álbum fue grabado en el Estadio Maracaná en la noche final de la gira “Vapor Trails Tour”.
Las otras dos canciones fueron tomadas de conciertos anteriores de la misma gira.
"Between Sun & Moon" fue grabado en el Cricket Wireless Pavilion, Phoenix, Arizona, el 27 de septiembre de 2002, y "Vital Signs" fue grabado en el Colisée Pepsi, Quebec, el 19 de octubre de 2002.
El DVD ha sido certificado 7 veces platino por la RIAA en los EE. UU., con más de 700.000 copias vendidas hasta septiembre de 2010.
La canción "O Baterista" fue nominada a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock” en 2005, pero perdió ante "Mrs. O'Leary's Cow" de Brian Wilson.
“Rush in Rio” fue el primer álbum en vivo de la banda que no siguió el patrón de lanzar un álbum en vivo después de cada cuatro álbumes de estudio; cada gira posterior contaría con un álbum en vivo.
También fue el primero en presentar una lista de canciones completa sin cambios en el orden (incluido el solo de batería de Neil Peart), y el primero en presentar una actuación de una sola noche en su totalidad (sin contar las dos pistas adicionales).
En una entrevista sobre el álbum y el DVD, Alex Lifeson y James "Jimbo" Barton señalaron que la mezcla del sonido requirió mucho tiempo debido a las dificultades técnicas para grabar el audio con equipos primitivos.
En este concierto, Rush tocó ante 40.000 personas, su segunda mayor asistencia en la gira “Vapor Trails” (la mayor fue de 60.000 personas en el concierto de la noche anterior en São Paulo).
En una rara excepción a la práctica habitual de la banda de recrear el sonido de sus grabaciones de estudio durante las presentaciones en vivo, la canción "Resist" (del disco 2) fue reinterpretada en una versión acústica minimalista con Lifeson y Geddy Lee, mientras que Peart no participó tras su solo de batería.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Geddy Lee (Sexta parte)
La transición de los sintetizadores a una instrumentación más orientada a la guitarra y orgánica continuó con “Counterparts” (1993)
“Counterparts” es el decimoquinto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 18 de octubre de 1993 en el Reino Unido y el 19 de octubre en todo el mundo, a través de Anthem Records.
En junio de 1992, la banda terminó su gira “Roll the Bones Tour” en apoyo de “Roll the Bones” (1991).
Antes de que el grupo comenzara a trabajar en el álbum, establecieron informalmente algunos objetivos que querían lograr con él a partir de conversaciones durante la gira “Roll the Bones Tour”.
Acordaron lograr "un sentido de equilibrio entre espontaneidad y refinamiento [...] y tal vez trabajar en un enfoque más orgánico de las canciones".
El grupo coincidió en que la banda de rock Primus, que abrió para ellos en la gira “Roll the Bones Tour”, y Pearl Jam los influyeron para perfeccionar aún más su sonido.
Al igual que con sus dos álbumes de estudio anteriores, Rush se retiró a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para escribir y ensayar material nuevo durante la semana, regresando a casa los fines de semana para ver a sus familias.
Adoptaron su práctica habitual de que Lee y Lifeson trabajaran en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.
Permanecieron en Chalet durante aproximadamente dos meses, y ensayaron lo suficiente como para poder concentrarse en obtener un sonido satisfactorio y una interpretación espontánea para sus respectivas partes.
Lee y Lifeson plasmaron sus ideas utilizando una grabadora de cinta de audio digital Alesis de ocho pistas con el software Cubase Audio.
El grupo enfrentó muchos problemas técnicos que retrasaron el proceso de composición hasta el punto de que Peart tuvo poco tiempo para arreglar sus partes, pero como recordó Lee: "Pasó por un período de ensayos masivo; trabaja tremendamente duro y es increíble presenciarlo".
“Counterparts” marca la continuación de la transición de la banda desde los sintetizadores de vuelta a la música orientada a la guitarra que había comenzado en “Presto” (1989).
Lifeson dijo que esta fue la primera vez desde “Moving Pictures” (1981) que hubo una decisión consciente de que la guitarra tomara un papel predominante, lo que resultó en un álbum más satisfactorio para él.
Las sesiones de composición se vieron acompañadas de una creciente tensión entre Lee y Lifeson, asuntos que comenzaron en la gira “Roll the Bones” debido a diferencias musicales.
Lifeson le había pedido constantemente a Lee que no usara ningún teclado para el álbum, pero Lee los llevó al estudio, lo que creó "una atmósfera inmediata".
Lee sostuvo que los teclados se usaron en “Roll the Bones” simplemente para embellecer las canciones y deseaba usarlos de la misma manera para “Counterparts”.
"Pero Alex estaba dando por sentado que yo quería teclados por todas partes. Fue una situación muy volátil".
Lifeson dijo que los dos tuvieron "mayores altibajos emocionales" durante la etapa de composición que en cualquier otro álbum anterior de Rush y culpó en parte a varias "presiones externas" personales que no estaban relacionadas con la vida personal de ninguno de los dos.
A la hora de escribir las letras, Peart no tenía un hilo conductor entre las canciones, como sí lo tenía en “Roll the Bones”, sino que ideó “una selección de temas individuales que no relacionaba realmente en ese momento”.
Entre los temas que consideró se encontraban las diferencias de género, el principio del ánima y el animus propuesto por el psicólogo Carl Jung, y lo bueno y lo malo del heroísmo.
Peart señaló que la dualidad se convirtió en el único tema unificador e inspiró el título del álbum.
Lee recordó la dificultad que tuvo la banda para lograr más potencia en algunas canciones con el productor Rupert Hine en “Roll the Bones” en el estudio, pero que sí pudieron lograr en la gira, "y creo que eso se nos quedó grabado".
Esta combinación de música y estilo de producción se convirtió en un elemento en el que la banda quiso centrarse para “Counterparts” y, al hacerlo, quisieron trabajar con diferentes productores e ingenieros.
Inicialmente, hablaron con muchos productores jóvenes, pero pronto se dieron cuenta de que no tenían mucho que ganar con alguien que había trabajado en menos álbumes de los que el grupo había lanzado a lo largo de su carrera, y buscaron a alguien con experiencia.
Rush eligió al productor inglés Peter Collins, quien había coproducido “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire” (1987) con la banda.
Lee dijo que la banda había mantenido una buena relación con Collins y notó que había evolucionado como productor desde la última vez que trabajaron con él, incluyendo su trabajo con más bandas de rock estadounidenses.
"Tan pronto como hablamos supimos que sería genial [...] y él estuvo de acuerdo con la visión de lo que vimos; y sus comentarios, criticando los últimos discos, al menos en lo sonoro, estaban muy en línea con la dirección que queríamos tomar, y pensamos: '¡Bingo! Aquí está, esto es lo que necesitamos”.
Collins tenía en mente a diferentes ingenieros con quienes trabajar, por lo que se llevó a cabo una "laboriosa pero interesante búsqueda" para encontrar a alguien adecuado que implicó escuchar cintas de artistas de todo el mundo.
Al final, eligieron a Kevin "The Caveman" Shirley para la grabación; Lee dijo que fue por su sonido "crudo" y "natural", que requería un uso mínimo de reverberación, lo cual fue difícil para la banda acostumbrarse al principio.
Para la mezcla, la banda empleó al ingeniero australiano Michael Letho.
El álbum se grabó de abril a junio de 1993 en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Pathé en Toronto.
Las demos de 8 pistas se transfirieron a la grabadora de 24 pistas del estudio y se convirtieron en pistas guía para que la banda las siguiera y regrabara sus partes.
Lifeson grabó sus partes en cinta analógica; el resto se grabó digitalmente y como Peart tenía menos tiempo para grabar sus partes, grabó 11 pistas en tres días.
Lifeson dijo que Shirley adoptó una forma "muy directa" de grabar los instrumentos para capturar la menor resistencia posible de los micrófonos a la máquina de cinta.
Aunque se exploraron varios efectos más adelante, Lifeson comentó sobre la simplicidad de la grabación: "Era solo cuestión de enchufar al amplificador y microfonearlo".
Se había resistido a la idea de grabar sus guitarras fuera de la sala de control del estudio durante los últimos 12 años, pero Shirley lo convenció de tocar en la sala de estudio.
Después de unos días, Lifeson disfrutó de la experiencia y quiso continuar grabando de esta manera: "Podías sentir la madera de la guitarra vibrando contra tu cuerpo, y era más susceptible a esa retroalimentación tan genial, y era tu propio pequeño mundo; era una pequeña evasión".
Lee usó su bajo Fender Jazz Bass de 1972 y Lifeson tocó modelos de guitarra Les Paul, Fender Telecaster y PRS. A menudo combinaba la Les Paul y la Telecaster, junto con guitarras acústicas, para crear un solo sonido.
Una vez terminado, el álbum fue masterizado por Bob Ludwig en Gateway Mastering en Portland, Maine.
El título del álbum se decidió después de que la música estuviera terminada.
Rush tuvo dificultades para seleccionar el orden de ejecución en “Counterparts”, en parte debido a que era más fácil separar el álbum con dos caras de un vinilo.
Para ayudar, Lifeson anotó cada pista en una pizarra magnética para que pudieran experimentar con el orden hasta que tuvieran uno con el que estuvieran satisfechos.
Lifeson dibujó una representación gráfica del estado de ánimo de cada pista, lo que les ayudó a seleccionar un orden que, según Lee, ayuda a "desconectarte del disco" ya que gran parte del álbum tenía un toque agresivo.
La banda había planeado lanzar el álbum antes, pero Lifeson dijo que eso habría significado comenzar la gira antes, pero ningún miembro estaba dispuesto a hacerlo.
En "Animate", Lee toca el bajo con un viejo amplificador que estaba en la basura del estudio y que fue reparado por uno de los asistentes técnicos.
Shirley quería que Lee tocara sus partes en "Animate" con él. "Sonaba genial, tenía muchísima energía, y todos los sonidos de explosión desaparecieron en la pista, así que no te das cuenta de que es un amplificador a punto de morir".
A Lee le gustó la cuenta atrás de Peart al principio de la pista porque muestra un "toque humano".
En cuanto a la letra, Peart escribió las palabras sobre una persona, pero las estructuró para que pareciera que se trataba de una relación, "casi una canción de amor".
Sin embargo, pensó que este tipo de letras de amor se habían convertido en un cliché durante la década de 1980, y recurrió a las obras de Jung y Camille Paglia para comprender "cómo se suponía que debía ser el hombre moderno".
Luego tomó el concepto de ánima y animus de Jung para escribir sobre un hombre que domina su lado más suave y femenino con agresión y ambición, rasgos masculinos más típicos.
Peart dijo que toca un "ritmo básico de R&B que tocaba en mis inicios, junto con ese efecto hipnótico" que usaban bandas como Curve y Lush.
"Stick It Out" surgió de un riff de guitarra que Lifeson había creado y que a Lee le había gustado, así que "lo alargaron un poco, le añadieron algunas cosas más y se convirtió en esa canción".
"Cut to the Chase" es una de las pocas canciones del álbum donde el solo de guitarra guía original de Lifeson en la cinta demo se usó en la toma final.
“Nobody's Hero” se inspiró en un amigo gay de Peart que trabajó con él durante su estancia en Londres y lo consideraba un modelo a seguir.
Para Peart, “me impidió ser homófobo” y, cuando se distanciaron geográficamente, se enteró de que su amigo había muerto de sida.
“Así que, ciertamente, su vida no fue en vano, pero su heroísmo se desarrolló en un ámbito muy reducido”.
Collins sugirió añadir una sección de cuerdas y eligió a Michael Kamen para orquestar y dirigir, por lo que Lee ideó algunas ideas orquestales que se incluyeron en el arreglo final.
"Between Sun & Moon" incluye letras coescritas por Peart y Pye Dubois, quienes también habían compartido créditos líricos para "Tom Sawyer" y "Force Ten".
Peart siempre había acogido con agrado la contribución de ideas de Dubois, ya que le gustaba su estilo de escritura.
"En este caso, fue una que nos gustó a todos por algunas de las imágenes de su presentación, así que volví a trabajar en ella, la moldeé en el tipo de estructura con la que nos gusta trabajar y luego le añadí algunas de mis propias imágenes y perspectivas. Y así fue".
La música se desarrolló a partir de una improvisación en la que Lifeson tocó un riff que Lee dijo que tenía un "sonido muy poco propio de Alex Lifeson", comparándolo con el estilo de The Rolling Stones.
Lifeson señaló que el puente musical antes de su solo de guitarra suena "muy a The Who", y mencionó a su guitarrista Pete Townshend y al guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, como influencias.
“Double Agent” fue uno de los últimos temas escritos para el álbum y Lee lo describió como “un ejercicio completo de autocomplacencia”.
Habiendo compuesto canciones con arreglos más complejos, Lee deseaba un cambio de ritmo y un tema donde la banda tuviera “un poco de rave”.
“Leave That Thing Alone” es una pieza instrumental que el grupo decidió hacer porque se divierten escribiéndolas, ya que las ideas les surgen rápidamente.
Lee y Lifeson aclararon que, a pesar de la conexión entre esta y la pieza instrumental “Where's My Thing?” de “Roll the Bones”, donde ambas tienen “Thing” en el título, no hay ningún otro vínculo entre las dos.
Lifeson calificó la melodía de la pista como particularmente fuerte.
"Cold Fire" pasó por varias reescrituras y Lee reconoció la ayuda de Collins para armar la canción, destacando las secciones más fuertes de las versiones anteriores.
Lee y Lifeson luego se familiarizaron con los versos que antes eran difíciles, lo que llevó a Lifeson a agregar sus partes con un sonido similar al de la guitarra de acero, a las que Lee pudo contribuir con armónicos.
Tras superar la dificultad, Lee consideró los versos como uno de los momentos más fuertes del álbum.
Antes de su lanzamiento, el álbum se estrenó durante un programa especial de radio presentado por Steve Warden en CILQ en Toronto el 14 de octubre de 1993.
Debutó en el puesto número 2 de la lista de álbumes de Billboard para la semana que terminó el 6 de noviembre de 1993; por otro álbum que debutaba en la lista, "Vs." de Pearl Jam, no alcanzó el primer puesto.
“Counterparts” obtuvo la certificación de oro en Estados Unidos en diciembre de 1993. El álbum obtuvo la certificación de oro en Canadá en 1994.
La banda apoyó “Counterparts” con una gira de cuatro meses limitada a Estados Unidos y Canadá.
Según se informó, las relaciones entre los miembros eran tensas, y tras la gira se tomaron un largo descanso, durante el cual Geddy Lee planeaba pasar tiempo con su creciente familia, mientras que cada miembro exploraba otros intereses creativos, como un álbum en solitario de Lifeson.
Este álbum fue bien recibido por los fans y la crítica, llegando al puesto número 2 de las listas (el primer álbum de Rush en lograrlo) y obteniendo el disco de oro en tan solo un mes, a pesar de ser rock progresivo durante el apogeo del grunge.
El álbum sí devolvió a la banda a un sonido rock más agresivo.
Retrospectivamente, se considera un álbum típico de Rush, con una composición e interpretación sólidas, pero con una escritura de canciones algo formulista y conservadora.
En Spotify, “Animate” y “Nobody's Hero” destacan por tener entre dos y tres veces más reproducciones que las siguientes canciones más reproducidas.
Progarchives lo considera su mejor álbum de la década de 1990.
“Counterparts” alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos, siendo uno de los dos álbumes de la banda con mejor posición en las listas del país, y el número 6 en Canadá.
El primer sencillo, "Stick It Out", fue número 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks durante cuatro semanas.
En 1994, el tema instrumental "Leave That Thing Alone" fue nominado a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock”.
“Counterparts” fue remasterizado en 2004 y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
“Test for Echo”, su decimosexto álbum de estudio, fue lanzado el 10 de septiembre de 1996 por Anthem Records y fue el último álbum de Rush coproducido por Peter Collins.
En mayo de 1994, Rush finalizó su gira “Counterparts Tour” por Estados Unidos y Canadá en apoyo del decimoquinto álbum de la banda, “Counterparts” (1993).
El grupo luego tomó un descanso habitual, pero este se extendió durante 18 meses, ya que el bajista y vocalista Geddy Lee quería estar en casa durante el primer año de vida de su hija.
Con su tiempo libre, el guitarrista Alex Lifeson grabó su primer álbum en solitario, “Victor”, y el baterista y letrista Neil Peart lanzó un álbum tributo a Buddy Rich, “Burning for Buddy”, y dedicó tiempo a perfeccionar su técnica, recibiendo instrucción formal del baterista de jazz Freddie Gruber.
En octubre de 1995, la banda decidió comenzar a trabajar en el siguiente álbum de Rush y, como con sus tres álbumes anteriores, se retiraron a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para componer y ensayar.
Habiendo estado juntos por más de 20 años en ese momento, Lifeson se preguntó si “Test for Echo” sería el último álbum de Rush y si harían una gira para promocionarlo.
Cambió de opinión cuando estuvo terminado, ya que el grupo ya estaba en conversaciones sobre el siguiente álbum y dijo: "Todavía tenemos mucho material dentro de nosotros".
Las primeras sesiones fueron difíciles para él, habiendo tenido las "mismas viejas" discusiones con Lee sobre qué dirección tomaría el nuevo álbum de Rush antes de componer.
"Una vez que exorcicé esos fantasmas, la semana siguiente escribimos cinco canciones. Nos sumergimos en ello y fue muy, muy positivo a partir de entonces".
La banda colocó lemas inspiradores en la pared del estudio, incluyendo "Individualmente somos unos imbéciles, juntos somos unos genios" y "Si quieres que algo salga bien, olvídalo".
Lee y Lifeson completaron casi seis canciones antes de presentarle su trabajo a Peart, ya que no querían interrumpir el flujo de su productiva composición.
Habían reservado el estudio durante unas diez semanas, pero las productivas sesiones hicieron que la composición terminara tres semanas antes.
Lifeson dijo que el grupo estuvo de muy buen humor durante toda la producción del álbum y lo atribuyó al descanso que se habían tomado.
La banda adoptó su método habitual: Lee y Lifeson trabajaban en la música, mientras que Peart se encargaba solo de las letras, pero la música se compuso de una manera diferente a la anterior.
Antes, Lee y Lifeson creaban las canciones combinando fragmentos musicales con versos y estribillos a medida que avanzaban, y los tres escuchaban lo que se había grabado e intercambiaban ideas para desarrollarlo aún más.
Esta vez, las letras se combinaban con secciones musicales adecuadas, luego se grababan y Lee y Lifeson trabajaban en otra cosa.
Como escribió Peart: "No querían estancarse en el 'rompecabezas' de armar canciones completas, sino mantener el impulso con un flujo constante de ideas frescas".
Después de elaborar una colección de canciones, el grupo comenzó a refinar sus partes individuales.
En noviembre de 1995, el grupo se enfrentó a una fuerte nevada en Chalet Studios, lo que dio paso a la ventisca norteamericana de 1996 a principios de enero. La nieve continuó durante la grabación del álbum, lo que inspiró la portada del mismo.
Casi todas las canciones fueron escritas, arregladas y grabadas en una cinta demo para diciembre de 1995, y la banda se unió entonces a Peter Collins, a quien eligieron para que retomara su papel como coproductor.
Collins fue su coproductor en “Power Windows” (1985), “Hold Your Fire” (1987) y “Counterparts” , y ofreció lo que Peart describió como "pequeñas pero cruciales mejoras" a lo que ya habían grabado.
El álbum continuó mostrando el cambio en el sonido del grupo, que había comenzado en “Presto” (1989), hacia una música orientada a la guitarra y la reducción de los teclados.
El álbum se grabó de enero a marzo de 1996 en Bearsville Studios en Bearsville, Nueva York.
El estudio fue elegido porque la banda quería capturar "más tamaño" de la batería de Peart y las instalaciones eran más adecuadas para su batería.
Se realizó una grabación adicional en Reaction Studios en Toronto, donde nevó durante 40 días consecutivos.
“Test for Echo” fue la primera vez que Rush trabajó con ingenieros y mezcladores estadounidenses, ya que antes solo habían trabajado con personal inglés o australiano.
Eligieron al ingeniero de grabación Clif Norrell, un fan de la banda desde hace mucho tiempo que una vez interpretó versiones de canciones de Rush en su propio grupo.
El álbum fue mezclado en abril de 1996 por Andy Wallace en McClear Place en Toronto.
El grupo tomó la decisión consciente de no entrar al estudio hasta que Wallace hubiera preparado una mezcla para que pudieran comentarla.
Lifeson dijo: “Escuchábamos versiones completamente diferentes de estas canciones con las que habíamos convivido durante seis o siete meses. [...] Había cosas en las que realmente no habríamos pensado, y ese era precisamente el objetivo de que él estuviera allí”.
Tras su lanzamiento, Lifeson consideró “Test for Echo” como uno de los mejores álbumes de Rush.
“Test for Echo” incluye contribuciones líricas de Pye Dubois, quien también había escrito letras para tres canciones de Rush anteriormente.
Lee dijo que las palabras reflejan la situación actual del grupo en ese momento.
Lifeson toca una guitarra Les Paul Custom y describió la canción como “puro Rush”.
"Driven" fue escrita completamente con el bajo de Lee y presenta tres pistas de bajo separadas.
Lifeson dijo que Peart tocó "un poco retrasado en el ritmo", lo que le dio a la canción un "carácter más pesado" y provocó que Lee y él ajustaran sus partes para que encajaran con su batería.
En “Half the World”, Lifeson toca una mandola de 10 cuerdas que había probado para familiarizarse con el instrumento, pero descubrió que cambiaba por completo la personalidad de la canción.
Se la presentó a Lee, quien expresó dudas iniciales debido a su textura inusual, pero terminó gustándole.
"Time and Motion" surgió de una letra escrita por Peart, tras lo cual Lee y Lifeson trabajaron en la música, la cual se desarrolló rápidamente.
Querían dramatizar la primera frase de la letra incorporando acordes mayores, pero Lee afirmó que una primera versión del tema se había compuesto años antes, pero nunca se utilizó.
Lee describió "Dog Years" como "un poco punk".
"Limbo" es una pieza instrumental que se compuso a partir de diferentes fragmentos de ideas que el grupo había esbozado pero que no se utilizaron.
Lifeson eligió "Resist" como una de sus canciones favoritas, y una de las mejores que Rush había grabado.
La portada muestra un inuksuk, originario de Canadá. Creado por los inuit, un inuksuk es una figura de piedra con forma humana que se utiliza para marcar un depósito de alimentos, un terreno de caza o el lugar donde alguien perdió la vida.
El álbum se estrenó en su totalidad durante un programa especial de radio sindicado de dos horas en WRCX en Chicago, el 5 de septiembre de 1996.
El crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, le dio a “Test for Echo” tres de cinco estrellas, diciendo que Rush Test "rara vez ha tocado mejor en los últimos diez años que en Test for Echo".
Rolling Stone argumentó que "los contornos pulidos de guitarra y sintetizador de for Echo son un alivio bienvenido del ruido insípido de celebridades del rock moderno como Dishwalla".
En un análisis retrospectivo, Geddy Lee afirmó en “Rush: An Oral History, Uncensored” que “Test for Echo” fue un "disco extraño", diciendo: "Test for Echo fue un disco extraño en cierto sentido. Realmente no tiene una dirección definida. Sentí que estábamos un poco agotados creativamente. Fue una época de baja creatividad para nosotros".
El tema principal alcanzó el número 1 en la lista de éxitos de rock convencional.
La canción "Driven" se convirtió en un escaparate para el bajo de Geddy Lee durante las presentaciones en vivo, mientras que "Resist" se reorquestó como una canción acústica en las giras “Vapor Trails” y “R30”.
La banda no interpretó ningún tema del álbum en giras posteriores.
“Test for Echo” fue remasterizado y reeditado dos veces: en 2004 como continuación del set "The Rush Remasters" y en 2013 como parte del box set “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
Después de la conclusión de la gira “Test for Echo” en 1997, la banda entró en un receso de cinco años principalmente debido a tragedias personales en la vida de Peart.
La hija de Peart, Selena, murió en un accidente automovilístico en agosto de 1997, y su esposa Jacqueline murió de cáncer en junio de 1998. Peart se tomó un descanso para guardar luto y reflexionar.
Durante ese tiempo, viajó extensamente por Norteamérica en su motocicleta BMW, cubriendo 88.000 km.
En su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”, Peart escribe sobre cómo les dijo a sus compañeros de banda en el funeral de Selena: "consideren que estoy retirado".
Esto dejó el futuro de la banda en la incertidumbre, y Lee y Lifeson prepararon un álbum de archivo, “Different Stages”, para su lanzamiento durante el receso.
Mezclado por el productor Paul Northfield y masterizado por Terry Brown, es un álbum en vivo de tres discos que presenta actuaciones grabadas de las giras “Counterparts”, “Test For Echo” y “A Farewell to Kings” de la banda, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline.
El texto "De repente ... te fuiste ... de todas las vidas en las que dejaste tu huella. En memoria de Jackie y Selena" se incluye en el empaque del álbum.
La letra pertenece a la canción "Afterimage", del álbum “Grace Under Pressure” de Rush, de 1984.
La edición japonesa de “Different Stages” incluye "Force Ten" como tema extra y las letras de todas las canciones del álbum.
Las primeras ediciones contenían réplicas en miniatura de los libretos de las giras “A Farewell to Kings” y “Test for Echo”.
El concierto que aparece en el tercer disco se publicó en 2017 en su versión completa en la edición del 40 aniversario de “A Farewell to Kings”.
Después de un tiempo de duelo y recuperación, y mientras visitaba al fotógrafo de Rush Andrew MacNaughton en Los Ángeles, Peart conoció a su futura esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, y se casaron el 9 de septiembre de 2000.
En 2001, Peart decidió regresar a Rush.
En enero de 2001, Lee, Lifeson y Peart se reunieron para intentar reagrupar a la banda.
Según Peart, "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado para el proyecto".
Con la ayuda del productor Paul Northfield, la banda produjo setenta y cuatro minutos de música para su nuevo álbum “Vapor Trails”.
“Vapor Trails” es su decimoséptimo álbum de estudio. Fue lanzado el 14 de mayo de 2002, por Anthem Records, y fue su primer lanzamiento de estudio desde “Test for Echo” (1996), el intervalo más largo entre dos álbumes de Rush.
Por primera y única vez desde “Caress of Steel” (1975), Rush no usó ningún teclado ni sintetizador en su música; la banda incorporó muchas capas de guitarra, bajo y batería en su lugar.
El trío se reunió en Reaction Studios en Toronto el 9 de enero de 2001, pero no tocaron nada durante tres semanas. Discutieron sobre lo que querían lograr y cómo debía tomar forma el álbum.
Lifeson dijo que era para "hacerse una idea de la mentalidad de cada uno. Necesitábamos ver si todos estaban realmente dispuestos".
Lee y Lifeson dijeron que eligieron el estudio por su "ambiente amigable para los artistas, que era muy cómodo y acogedor".
Entre los temas discutidos estaba la dirección musical del álbum, que se convirtió en una fuente de dificultad ya que, inicialmente, había poco acuerdo sobre cuál debía ser.
Al llegar a un consenso, Lifeson dijo que los tres encontraron puntos en común "en todos los aspectos de la grabación".
La banda comenzó a trabajar, adoptando un horario de tres semanas de trabajo y una de descanso, sin nadie presente aparte de un asistente técnico.
El grupo tenía la esperanza de que aún existiera la química entre ellos para hacer un álbum.
Adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson trabajaban juntos en ideas musicales en la sala de control del estudio, mientras que Peart trabajaba en otro lugar en las letras, esta vez usando un bolígrafo, papel y una computadora.
Peart escribió sobre su actitud hacia las sesiones: "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado".
Peart revisó su cuaderno de notas y frases que había recopilado y exploró formas de conectarlas para formar una idea lírica completa.
Lee y Lifeson desarrollaron ideas principalmente a través de sesiones de improvisación que normalmente comenzaban estableciendo un patrón en una caja de ritmos y tocando al mismo tiempo, grabando cada sesión usando Logic Pro.
Esto era para evitar hacer una cinta demo de una colección de canciones y volver a grabarlas más tarde.
De esta forma, las primeras tomas se convirtieron en la base de las canciones, lo que mantuvo la música fresca utilizando tantas tomas originales como fuera posible.
Después de varias semanas, Peart presentó las ideas que había formado, pero Lee y Lifeson no habían escrito ninguna pieza musical concreta.
Peart recordó que aún no eran "serios" y que todavía querían tocar y explorar ideas, ya que revisar lo que habían grabado era un proceso tedioso y perturbaba su flujo creativo.
Peart había completado seis juegos de letras en ese momento, pero no estaba recibiendo comentarios de sus compañeros de banda como antes, así que hizo una pausa en las letras y se centró en su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”.
Los tres se sintieron insatisfechos con lo que habían creado y pensaron que era demasiado forzado, lo que los llevó a tomarse algunas semanas de descanso.
Lo hicieron y regresaron sintiéndose renovados y más concentrados, y pudieron trabajar en canciones completas, no solo en secciones.
Las canciones que surgieron de estas primeras improvisaciones fueron "Peaceable Kingdom", "Ceiling Unlimited" y "Nocturne", todas las cuales aún contienen algunas partes de las tomas originales, en su forma final.
Según Lifeson, ninguna pista fue regrabada por completo.
“Vapor Trails” es el primer álbum desde “Caress of Steel” (1975) que no incluye teclados.
Lifeson se había preocupado a menudo por la presencia de teclados en álbumes anteriores de Rush, pero esta vez Lee había accedido a no usarlos.
Por lo tanto, Lifeson dedicó más tiempo a diseñar partes de guitarra que fueran "más ricas en tonalidad y calidad armónica", adecuadas para las pistas de fondo.
También evitó los efectos de sonido en su guitarra, para lograr un sonido más crudo.
En ciertos momentos de la grabación de sus partes de batería, Peart se había visto influenciado por el baterista de The Who, Keith Moon, y tocó en su estilo de batería más lírica, en lugar de simplemente mantener el ritmo.
Después de tomar un descanso en junio de 2001, Rush comenzó a grabar sus nuevas canciones a mediados de agosto.
Inicialmente decidieron escribir 13 temas para el álbum y elegir los 10 u 11 mejores para la selección final, pero cuando llegó el momento acordaron incluirlos todos.
Se les unió el productor inglés Paul Northfield, quien había trabajado en varios álbumes anteriores de Rush y ayudó en el arreglo de algunos temas cuando el grupo se sentía estancado. La banda está acreditada como coproductora.
En diciembre de 2001, el grupo dejó los Reaction Studios y comenzó a mezclar el álbum en Metalworks Studios con David Leonard.
La mezcla se completó en marzo de 2002, después de lo cual se envió a Masterdisk en la ciudad de Nueva York para la masterización por Howie Weinberg.
Rush lo eligió porque le había gustado el sonido de los otros álbumes en los que Weinberg había trabajado.
La producción de "Vapor Trails" ha sido criticada tanto por la propia banda como por críticos y fans debido a la calidad de sonido "alta" del álbum.
Tiene niveles de audio excesivamente comprimidos (recortados) durante la masterización, lo que genera distorsión digital adicional durante la producción del CD.
Esta tendencia, conocida como la guerra del volumen, era muy común en la producción moderna de CD en ese momento.
Alex Lifeson declaró: “Era un concurso, y estaba masterizado demasiado alto, y crepita, y escupe, y simplemente lo aplasta todo. Se pierde toda la dinámica, especialmente en cualquier cosa que tuviera una guitarra acústica”.
Past Prime describió el álbum como "tan fuerte que hace vibrar los altavoces. Es un sonido creado a los pies de Tool y Korn. Y aunque 'Vapor Trails' nunca llega a ser nu metal puro, las guitarras son a veces estridentes, el bajo a veces suena como agua de bong y la distorsión es claramente agresiva".
Billboard publicó una reseña favorable.
“Vapor Trails” alcanzó el puesto número 3 en Canadá y el número 6 en Estados Unidos.
"One Little Victory" se lanzó como el primer sencillo del álbum en marzo de 2002 y llegó al número 10 en la lista Billboard Mainstream Rock en Estados Unidos.
El siguiente sencillo fue "Secret Touch".
El álbum obtuvo el disco de oro en Canadá en agosto de 2002.
La gira “Vapor Trails” se extendió desde junio hasta noviembre de 2002, durante la cual la banda tocó ante las mayores multitudes de su carrera en Brasil.
Tras la insatisfacción de la banda con la producción general del álbum, dos temas fueron remezclados para el álbum recopilatorio “Retrospective III: 1989–2008”.
La respuesta positiva a esto resultó en que David Bottrill remezclara todo el álbum “Vapor Trails” y lo lanzara el 30 de septiembre de 2013 como “Vapor Trails Remixed”, tanto como lanzamiento independiente como parte de “The Studio Albums 1989–2007”.
“Vapor Trails Remixed” fue lanzado por Atlantic Records y Rhino Entertainment el 30 de septiembre de 2013 y debutó en el puesto número 35 de la lista Billboard 200.
La banda no estaba satisfecha con la producción sonora general del álbum original.
Influenciados por la reacción positiva a las remezclas de "One Little Victory" y "Earthshine" incluidas en “Retrospective III” por Richard Chycki, Rush y Bottrill remezclaron el álbum completo.
En una entrevista con Modern Guitars, Lifeson comentó que, dado que las remezclas eran tan buenas, se había hablado de hacer una remezcla completa del álbum.
Un álbum y DVD en vivo, “Rush in Rio”, fue lanzado en octubre de 2003, que presenta la última presentación de la gira “Vapor Trails” de la banda el 23 de noviembre de 2002, en el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, Brasil.
Con la excepción de las dos últimas canciones del tercer disco, el álbum fue grabado en el Estadio Maracaná en la noche final de la gira “Vapor Trails Tour”.
Las otras dos canciones fueron tomadas de conciertos anteriores de la misma gira.
"Between Sun & Moon" fue grabado en el Cricket Wireless Pavilion, Phoenix, Arizona, el 27 de septiembre de 2002, y "Vital Signs" fue grabado en el Colisée Pepsi, Quebec, el 19 de octubre de 2002.
El DVD ha sido certificado 7 veces platino por la RIAA en los EE. UU., con más de 700.000 copias vendidas hasta septiembre de 2010.
La canción "O Baterista" fue nominada a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock” en 2005, pero perdió ante "Mrs. O'Leary's Cow" de Brian Wilson.
“Rush in Rio” fue el primer álbum en vivo de la banda que no siguió el patrón de lanzar un álbum en vivo después de cada cuatro álbumes de estudio; cada gira posterior contaría con un álbum en vivo.
También fue el primero en presentar una lista de canciones completa sin cambios en el orden (incluido el solo de batería de Neil Peart), y el primero en presentar una actuación de una sola noche en su totalidad (sin contar las dos pistas adicionales).
En una entrevista sobre el álbum y el DVD, Alex Lifeson y James "Jimbo" Barton señalaron que la mezcla del sonido requirió mucho tiempo debido a las dificultades técnicas para grabar el audio con equipos primitivos.
En este concierto, Rush tocó ante 40.000 personas, su segunda mayor asistencia en la gira “Vapor Trails” (la mayor fue de 60.000 personas en el concierto de la noche anterior en São Paulo).
En una rara excepción a la práctica habitual de la banda de recrear el sonido de sus grabaciones de estudio durante las presentaciones en vivo, la canción "Resist" (del disco 2) fue reinterpretada en una versión acústica minimalista con Lifeson y Geddy Lee, mientras que Peart no participó tras su solo de batería.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1100
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 24
Geddy Lee (Séptima parte)
Para celebrar el 30 aniversario de la banda, en junio de 2004 se lanzó “Feedback”, un trabajo de EP grabado en los suburbios de Toronto que presenta ocho versiones de artistas como Cream, The Who y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como su inspiración alrededor de la época de su formación.
El lanzamiento marcó el 30 aniversario tanto del lanzamiento del álbum debut de Rush, que contó con la formación original de Geddy Lee, Alex Lifeson y John Rutsey, como de la incorporación de Neil Peart a la banda tras la salida de Rutsey.
Para ayudar a apoyar “Feedback” y continuar celebrando su 30 aniversario como banda, Rush lanzó la gira “30th Anniversary Tour” en el verano de 2004, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Países Bajos.
El 24 de septiembre de 2004, el concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, fue filmado para un DVD titulado “R30: 30th Anniversary World Tour”, que se lanzó el 22 de noviembre de 2005.
El lanzamiento omitió ocho canciones que también se incluyeron en “Rush in Rio”; el concierto completo se lanzó en Blu-ray el 8 de diciembre de 2009.
Rhapsody elogió el EP, calificándolo como uno de sus lanzamientos de versiones favoritos.
El crítico de AllMusic, Thom Jurek, calificó la lista de canciones de "increíble" y dijo: "Ninguna de estas canciones está hecha con una pizca de extravagancia. Lo que el oyente encuentra es un Rush que nunca antes se había escuchado".
El disco fue remasterizado y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2016 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road, luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
En octubre de 2004, Rush finalizó su gira “R30: 30th Anniversary Tour” y comenzó un descanso de un año.
Durante las entrevistas promocionales del DVD “R30”, los miembros de la banda revelaron su intención de comenzar a trabajar en un nuevo álbum de estudio a principios de 2006, su primer material nuevo desde "Vapor Trails" (2002).
El grupo se sentía con energía tras grabar su EP de versiones “Feedback” (2004), en el que interpretaron canciones sencillas y directas y las grabaron en directo, a diferencia de su propia música, más elaborada y compleja. Este enfoque se adoptó para su siguiente álbum, “Snakes & Arrows”.
El trabajo en el álbum comenzó en enero de 2006 y los miembros de la banda adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson improvisaban nuevas ideas musicales mientras Peart trabajaba solo en las letras.
En lugar de trabajar en el mismo lugar, esta vez Lee y Lifeson trabajaron desde sus estudios caseros en Toronto y gradualmente moldearon sus ideas en canciones arregladas usando una pista de clic como guía para la batería.
Trabajaron una semana de tres días, desde el mediodía hasta las 5 de la tarde.
Peart, quien se había mudado al sur de California en 2000, trabajó desde casa y colaboró con sus compañeros de banda en línea, viajando a Toronto y Nueva York durante las fases de composición y grabación.
Lifeson dijo que el grupo hizo más trabajo de preproducción que antes y que Lee y él adoptaron un enfoque más informal y relajado para componer.
Lifeson conoció al guitarrista David Gilmour durante la parada de la gira de Gilmour en Toronto, quien lo inspiró a escribir con una guitarra acústica como indicador de la fuerza de una melodía. Se agradece a Gilmour en las notas del álbum “Snakes & Arrows”.
Durante las sesiones de composición, Peart experimentó con nuevos equipos como el Roland V-Drum TD-20, un kit que utilizó en el álbum para disparar muestras.
Gran parte del álbum está escrito en un compás 3/4.
Un escritor del National Post comparó gran parte del material con el de “Hemispheres” (1978) por los "cambios de acordes inesperados y angulares".
Peart se inspiró para escribir letras sobre diversos temas, como la fe, el miedo, la asociación entre religión y guerra, la esperanza y la desesperación, y los carteles religiosos que vio en su viaje en motocicleta por Estados Unidos, los cuales detalló en su cuarto libro “Roadshow: Landscape with Drums – A Concert Tour by Motorcycle” (2006), escrito durante la gira “R30”.
También se inspiró en el epitafio de Robert Frost : "I had a lover's quarrel with the world" y utilizó ideas líricas que había plasmado inicialmente 15 años antes.
En marzo de 2006, Lee y Lifeson habían completado versiones preliminares de seis temas y se los mostraron a Peart en su casa de Quebec.
Peart dijo que "nunca olvidaría la primera vez que escuchó las primeras canciones de este álbum. Siempre es emocionante escuchar mis palabras cantadas por primera vez [...] hay una sensación de afirmación al saber que Geddy encontró esas palabras dignas de ser cantadas".
Peart se entusiasmó particularmente al escuchar "Bravest Face" y "The Way the Wind Blows" debido a su sonido fresco y lo diferentes que eran de las canciones anteriores de Rush.
Eligió "espiritual" como la palabra que mejor describía la esencia de las canciones que le presentaron.
“Snakes & Arrows” incluye tres temas instrumentales, más que cualquier otro álbum de Rush.
En mayo de 2006, los tres se mudaron a Cherry Beach Sound en Toronto durante un mes para desarrollar las canciones y, a principios de junio, tenían ocho temas con los que estaban satisfechos.
Después de un descanso de verano, retomaron el trabajo en septiembre y "siguieron trabajando hasta que estuvo terminado".
Peart ideó el título del álbum mientras trabajaba en la letra de "Armor and Sword".
Había investigado varias fuentes, incluyendo el antiguo juego de mesa indio leela, un precursor del moderno juego infantil serpientes y escaleras, y la cita "hondas y flechas" de la obra de Shakespeare “Hamlet”.
Para cuando se estaba mezclando el álbum, el título ya estaba acordado.
Peart escribió que el título fue elegido para "describir el tipo de fe 'buena' como una armadura, mientras que el tipo de fe 'mala' es una espada".
Siempre revisaba una lista maestra en una tienda de discos para ver si un título de álbum había sido usado por otra banda, pero esta vez buscó en línea y descubrió el juego leela que también había sido llamado "el juego de serpientes y flechas".
Peart luego encontró un tablero de juego pintado por Harish Johari que le presentó a Lee y Lifeson; los tres acordaron que sería la portada y trabajaron con su diseñador de portadas, Hugh Syme, para incorporarla al diseño de la funda.
Las sesiones de grabación principales se llevaron a cabo durante 36 días en noviembre y diciembre de 2006 en Allaire Studios dentro de Glen Tonche, una finca ubicada en Mount Tonch en las montañas Catskill, Nueva York.
Peart había trabajado en el estudio para su DVD instructivo “Anatomy of a Drum Solo” y convenció a Lee y Lifeson de grabar allí en lugar de Toronto.
La banda inicialmente planeó quedarse en Allaire durante dos semanas para grabar la batería y algo de bajo antes de regresar a Toronto y grabar las guitarras en el estudio casero de Lifeson, pero el entorno positivo, el equipo disponible y las sesiones productivas llevaron a que su estadía se extendiera por cuatro semanas, durante las cuales se completó el álbum allí.
La banda comenzaba alrededor de las 10 am y trabajaba hasta tarde, y entraba al estudio en cualquier momento si el impulso era lo suficientemente fuerte, incluyendo una sesión que tuvo lugar a las 2 am.
Se realizó una grabación adicional en Grandmaster Recorders en Los Ángeles.
El álbum se grabó utilizando el software Pro Tools.
Rush contó con la colaboración del ingeniero y mezclador Richard Chycki, quien había trabajado con Lifeson en las mezclas para el DVD “R30: 30th Anniversary World Tour” y había trabajado en una regrabación de su canción de 1977 "Closer to the Heart" para un evento benéfico.
La banda quedó impresionada con Chycki y lo eligió para trabajar en “Snakes & Arrows”.
Durante la etapa de composición, el grupo buscó un nuevo coproductor "para obtener nuevas aportaciones y direcciones".
Entre las opciones consideradas estaba el músico y productor estadounidense Nick Raskulinecz, quien había trabajado con Foo Fighters y Velvet Revolver y pidió a su representante que contactara a la banda cuando supo que Rush iba a grabar un nuevo álbum.
Inicialmente, fue rechazado y se le dijo que ya habían elegido a uno, pero los planes se frustraron y dos meses después fue elegido.
Fan de la banda, el segundo concierto de Raskulinecz fue ver a Rush durante su gira “Moving Pictures” (1981) cuando tenía doce años y comenzó a trabajar en septiembre de 2006 después del descanso de verano del grupo.
Animó a la banda a explorar sus propios límites y a incorporar los complejos patrones rítmicos y melódicos que caracterizaron sus álbumes de la década de 1970.
La banda le dio el apodo de "Booujze" en referencia a las vocalizaciones y la batería imaginaria que hacía para comunicar sus ideas de batería a Peart, donde "booujze" representaba un bombo y un platillo crash que sugirió para una parte de "Far Cry".
Bajo la dirección de Raskulinecz, Peart grababa una toma final de batería sobre la pista guía previamente grabada solo o grababa partes con Lee también tocando. Otras veces, hacía que la banda tocara a la vez.
Cuando tenía una toma con la que estaba satisfecho, se centraba en conseguir la mejor interpretación de batería.
El álbum se mezcló en casi cuatro semanas en enero de 2007 en Ocean Way Recording en Los Ángeles por Chycki con la asistencia de Raskulinecz y Scott Moore. Se hizo usando una consola de mezcla Neve 88R.
El entorno le convenía a Peart ya que el estudio estaba cerca de su casa y disfrutaba de que Lee y Lifeson vinieran después de viajar lejos para grabar con ellos.
La banda salía del estudio a jugar tenis o golf, dejando a Chycki y Raskulinecz para armar una mezcla para su aprobación.
Luego fue masterizado por Brian Gardner con la asistencia de Andrew Alekel y se completó algunos meses antes de lo previsto.
El bajo principal de Lee en el álbum es un modelo Fender Jazz de 1972; por insistencia de Raskulinecz, Lee usó sus pedales de bajo Moog Taurus en todas las pistas excepto en dos, el mayor uso desde “Power Windows” (1985).
También se usa un Mellotron en algunas canciones, incluyendo "Faithless" y "Good News First", para una textura orquestal.
Lifeson usa su Gibson ES-335 semiacústica, una Gibson Les Paul Goldtop y una Fender Telecaster como guitarras principales en el álbum, además de una Garrison de 6 y 12 cuerdas hecha a medida específicamente para las sesiones del álbum, una Gibson Jumbo y una acústica de 12 cuerdas, y una mandola, mandolina y bouzouki Garrison.
Peart tocó con una batería West Coast construida por Drum Workshop que había adquirido a principios de 2006, la cual era una réplica de su batería de escenario sin los pads electrónicos.
Estaba tan satisfecho con la batería que la hizo enviar a Toronto para las grabaciones de preproducción del álbum.
Después de haber terminado de grabar las partes de batería, Peart les informó a Chycki y Raskulinecz que grabar para “Snakes & Arrows” había sido lo más placentero de su carrera y que los resultados habían sido los más satisfactorios.
Cuando Peart estaba grabando sus partes de batería en "Far Cry", Raskulinecz le sugirió improvisar sobre la parte "intrincadamente sincopada" del principio y del final de la canción.
Más tarde dijo: "Por supuesto, la única respuesta de un baterista es: 'Sí, por supuesto que puedo', pero yo nunca lo habría sugerido".
"Armor and Sword" tiene un ritmo inicial que Peart atribuye a la melodía de Buddy Rich "Mercy, Mercy, Mercy", que el baterista Dave Weckl había adoptado en el álbum tributo de Peart, “Burning for Buddy”, y en “Test for Echo” (1996) de Rush.
Incluye una muestra de chapa metálica activada por Peart en su batería Roland TD-20.
Las imágenes de campo de batalla que le vinieron a la mente a Peart mientras escribía la letra le hicieron recordar un verso de "Dover Beach" del poeta inglés Matthew Arnold, que le emocionó por su sincronicidad.
Como tributo, Peart incluyó otro verso del poema en la letra: "Alarmas confusas de lucha y huida".
"Workin' Them Angels" tiene a Peart cambiando entre un compás 3/4 y uno 4/4 en toda la canción y se sugirió que los estribillos estuvieran en 4/4 para quitarle el "ritmo" a la pista por un momento.
El cambio lo obligó a ser más creativo y a idear formas de alternar entre los dos ritmos sin problemas.
"The Larger Bowl" incluye a Peart tocando una pandereta real y sampleada.
La letra incluye varias ideas que Peart tenía en su diccionario de rimas que contenía diversas formas de escritura y sonetos, incluido el pantun malayo.
No se había molestado en presentárselo a Lee y Lifeson hasta que se dio cuenta de que podría "despertar un eco musical", que se convirtió en la quinta estrofa de la canción.
"Spindrift" tiene una repetición de su introducción al final, que Raskulinecz sugirió para seguir al falso final y animó a Peart a "desatarse" durante el desvanecimiento.
Según Peart, la letra de "Spindrift" utiliza imágenes del clima marino como metáfora de una pelea de amantes.
"The Main Monkey Business" es una pieza instrumental que Peart describió como "una obra maestra para escribir, arreglar e interpretar", y que requirió más tiempo de producción que algunas de las otras canciones del álbum juntas.
A Peart le tomó tres días aprender las partes de batería, que incluían muestras activadas de un cascabel, un güiro y un silbato ralentizado que se usa solo en la tercera estrofa.
Inicialmente tocó la pista sin caja para crear un sonido más oscuro que, a su vez, se ajustaba a su atmósfera general, pero terminó usando una caja piccolo durante un solo de guitarra.
Su título proviene de una cita de la madre de Lee en una conversación sobre un primo suyo.
Incluye muestras de una pandereta y sonidos de percusión étnica activados por Peart en su kit Roland TD-20.
Una mezcla de la pista solo con la batería se publicó en el sitio web de Peart.
"The Way the Wind Blows" es la canción favorita de Peart en el álbum desde la perspectiva de la batería y la escucha.
"Hope" es una pieza instrumental para guitarra acústica solista escrita por Lifeson, quien toca una Garrison AG-400 de 12 cuerdas con afinación DADAAD.
La primera toma completa se usó para el álbum y la mezcla se realizó inmediatamente después de la grabación.
Se grabó en el Gran Salón de Allaire con alfombras colocadas en el suelo para minimizar el alto eco que proporcionaba la acústica.
Escribió la melodía después de improvisar ideas con varias afinaciones alternativas en su casa y continuó durante las sesiones de composición mientras Lee trabajaba en las voces, durante las cuales trabajó en la canción.
Lifeson estaba satisfecho con la pista, ya que hacía mucho tiempo que no grababa una pista de guitarra solista para un álbum de Rush.
Para “Faithless”, el grupo se esforzó conscientemente por escribir e interpretar una canción a un tempo más lento de lo habitual.
Este enfoque le brindó a Peart una perspectiva más fresca sobre cómo construir y colocar los redobles de batería.
Le da crédito a Raskulinecz, quien sugirió terminar la canción con un redoble de caja militar.
"Malignant Narcissism", la tercera pieza instrumental, recibió su título de la película de comedia “Team America: World Police” (2004), de la cual contiene un pasaje hablado.
Los compositores Trey Parker y Matt Stone eran fans de Rush y se alegraron de que la banda se hubiera inspirado en la película para nombrar la canción.
Se organizó una proyección de la película en los estudios Allaire durante las vacaciones de Acción de Gracias, ya que Raskulinecz no la había visto.
La canción surgió después de que las otras doce canciones del álbum se hubieran grabado y Raskulinecz y Lee estuvieran trabajando en las pistas vocales.
Durante un descanso, Lee comenzó a improvisar la melodía en un bajo Jaco Pastorius sin trastes que Fender le había enviado a los estudios Allaire a través de su contrato de patrocinio.
Raskulinecz lo escuchó y grabó a través del micrófono vocal (este momento fue capturado en película y aparece en el documental "The Game of Snakes and Arrows" en la edición MVI del álbum) y luego ensambló las mejores partes en una pista preliminar que Lee y Peart finalizaron como un arreglo de batería y bajo.
Las partes de guitarra se agregaron más tarde ya que Lifeson estaba en Florida cuando se armó.
Peart le había pedido a su técnico de batería que guardara su batería pero dejara cuatro platillos y cuatro tambores para que Raskulinecz "jugara con ellos", pero terminó grabando sus partes de batería para la pista con esa configuración básica. Se grabó en un día.
Peart tocó pensando en Buddy Rich, Tony Williams, Terry Bozzio y Steve Gadd.
El 12 de marzo de 2007, la banda presentó un nuevo sitio web en el sitio web oficial de Rush, principalmente para promocionar el álbum.
El primer sencillo del álbum, "Far Cry", se publicó como audio en streaming bajo demanda en este sitio en ese momento.
La banda también anunció que el sencillo se lanzaría a estaciones de radio de Estados Unidos y Canadá.
El 8 de mayo de 2007, la banda anunció el lanzamiento de un video para "Far Cry", y el 1 de junio de 2007, "Spindrift" se lanzó a las estaciones de radio como el segundo sencillo oficial del álbum.
El tercer sencillo del álbum, "The Larger Bowl", se lanzó el 25 de junio a la radio, donde se posicionó entre los 30 primeros de las listas Mainstream Rock y Media Base Mainstream.
“Snakes & Arrows” es uno de los primeros álbumes lanzados en el formato MVI (Music Video Interactive) de Warner Music. Este formato es una edición limitada de 25.000 copias.
El álbum viene en una caja de lujo e incluye las 13 canciones del álbum en audio de alta resolución, el álbum completo en sonido envolvente 5.1, un documental en video de 40 minutos sobre la creación del álbum, un folleto de 26 páginas (4 páginas más que el folleto del CD, que por lo demás es idéntico), fondos de pantalla, iconos de amigos y un póster exclusivo para los fans que registren la copia MVI.
Después de varios retrasos en la producción, el MVI se lanzó el 26 de junio de 2007.
La sección DVD - ROM contiene archivos MP3 de 192 kbit/s del álbum completo.
La sección DVD-Video incluye una pista de audio de alta resolución ( LPCM estéreo de 96 kHz/24 bits) y una pista de sonido envolvente 5.1 (Dolby Digital de 448 kbit/s, 48 kHz). El disco no contiene contenido DVD-Audio.
El álbum debutó en el número tres de la lista Billboard 200 de Estados Unidos, vendiendo alrededor de 93.000 copias en su primera semana.
Para promocionar “Snakes & Arrows”, Rush inició su planeada gira intercontinental “Snakes & Arrows Tour” el 13 de junio de 2007 en Atlanta, Georgia, la cual se extendió hasta octubre y abarcó Estados Unidos, Canadá y Europa.
La etapa de 2008 de la gira comenzó el 11 de abril de 2008 en San Juan, Puerto Rico, en el Coliseo José Miguel Agrelot y concluyó el 24 de julio de 2008 en Noblesville, Indiana.
El 15 de abril de 2008, la banda lanzó “Snakes & Arrows Live”, un álbum doble en vivo que documenta la primera parte de la gira, grabado en el Ahoy Arena en Rotterdam, Países Bajos, el 16 y 17 de octubre de 2007. El álbum incluye nueve de sus 27 pistas extraídas de “Snakes & Arrows”.
También fue lanzado en DVD y Blu-ray el 25 de noviembre de 2008.
El DVD se compiló a partir de las dos presentaciones en Rotterdam descritas anteriormente, e incluye también material adicional de la segunda parte de la gira, grabado en el Verizon Wireless Amphitheatre en Encore Park en Alpharetta, Georgia (área metropolitana de Atlanta ) el 22 de julio de 2008.
Si bien la parte del DVD es un conjunto de tres discos, la versión Blu-ray de “Snakes & Arrows Live” es de un solo disco.
El tercer DVD incluye cuatro canciones que se interpretaron durante la etapa de 2008 de la gira, reemplazando a "Entre Nous", "Secret Touch", "Circumstances" y "Distant Early Warning" en el repertorio.
Cuando Rush se acercaba a la conclusión de la gira “Snakes & Arrows”, anunciaron su primera aparición en la televisión estadounidense en más de 30 años.
Aparecieron en The Colbert Report el 16 de julio de 2008 y fueron entrevistados por Stephen Colbert; interpretaron "Tom Sawyer".
Aprovechando lo que la crítica de cine Manohla Dargis llamó una "ola de cultura pop", la banda apareció como ellos mismos en la película de comedia de 2009 “I Love You, Man”.
El 16 de febrero de 2009, Lifeson comentó que la banda podría comenzar a trabajar en un nuevo álbum en el otoño de 2009, con Nick Raskulinecz nuevamente como productor.
En noviembre de 2009, Lee, Lifeson y Peart recibieron el Premio al Logro Internacional en los Premios SOCAN anuales en Toronto.
El 19 de marzo de 2010, la CBC publicó una entrevista en video con Lee y Lifeson en la que hablaron sobre la incorporación de Rush al Salón de la Fama de los Compositores Canadienses el 28 de marzo de 2010, en el Salón de Recitales George Weston del Centro de Artes de Toronto.
La banda fue reconocida por las canciones "Limelight", "Closer to the Heart", "The Spirit of Radio", "Tom Sawyer" y "Subdivisions".
El 26 de marzo de 2010, en una entrevista con The Globe and Mail, Lifeson comentó que incluso existía la posibilidad de dos giras de apoyo.
Poco después, Peart confirmó que Raskulinecz había regresado como coproductor.
La banda se reunió en Los Ángeles en diciembre de 2009 para discutir qué proyectos querían emprender el año siguiente.
Entre sus opciones estaban comenzar un nuevo álbum de estudio y realizar una gira importante; como Neil Peart escribió más tarde: "Tontos como somos, terminamos haciendo ambas cosas".
La idea de un álbum con una historia de fondo en lugar de una colección de canciones diferentes se volvió atractiva para el grupo, para lo cual Peart detalló uno ambientado en un mundo ficticio con una suite de canciones que contaran una historia.
Rush había estado trabajando en material nuevo ya en febrero de 2009, pero Alex Lifeson negó la especulación de que estuvieran planeando hacer un álbum conceptual en ese momento.
Rush adoptó los métodos habituales de composición de la banda, en los que Geddy Lee y Lifeson trabajaban en la música en sus estudios caseros en Toronto, mientras que Peart trabajaba solo desde su casa en California en las letras.
El grupo se había animado mutuamente a ser más espontáneos con sus solos en las presentaciones en vivo, lo que se convirtió en un elemento principal al componer nueva música para “Clockwork Angels”.
Lifeson tuvo que contenerse conscientemente para no superponer pistas de guitarra, ya que quería enfatizar la "roca básica de las canciones" y recurrió a un mayor uso de la doble pista.
Las sesiones fueron productivas; en marzo de 2010, Lee dijo: "Hace apenas un mes y medio no teníamos canciones. Y ahora hemos estado componiendo y ahora tenemos unas seis canciones que nos encantan", y Lifeson predijo un lanzamiento para la primavera de 2011.
Después de algunas semanas de escribir, Peart había desarrollado su historia más, lo que llevó al acuerdo de la banda para adaptarla a un álbum conceptual, donde cada pista hiciera su propia declaración.
Rush había grabado previamente canciones conceptuales a lo largo de su carrera, pero aún no se había comprometido con un álbum conceptual completo.
Lee estaba aprensivo hacia la idea al principio, ya que quería que el grupo avanzara en dirección y no adoptara algo típico de otras bandas de rock progresivo de la década de 1970.
Music Radar escribió que, a pesar del tema basado en la historia, el álbum no se ve lastrado por la trama.
En un cambio de ritmo, Peart escribió las letras de “Clockwork Angels” en un lienzo en blanco sin usar ninguna idea preconcebida que hubiera escrito.
A principios de enero de 2010, Peart había escrito algunas ideas y se las envió a Lee y Lifeson, quienes luego combinaron las palabras con las piezas musicales que habían creado.
Peart fue influenciado para idear una historia y letras ambientadas en un mundo distópico de inspiración steampunk "iluminado solo por fuego", llamado así por el libro homónimo sobre la historia de la Edad Media de William Manchester y "impulsado por vapor, intrincados mecanismos de relojería y alquimia".
Había incorporado elementos de la tradición antigua con cartas del Tarot en “Vapor Trails” (2002) y el antiguo juego hindú leela en “Snakes & Arrows” y quería traer la alquimia para “Clockwork Angels”.
Peart escribió un "capítulo" lírico para cada una de las doce pistas del álbum, representando el estado de ánimo o la atmósfera de cada pista con su propio símbolo como se muestra en la obra de arte.
La trama se basa en varias fuentes como “Cándido” de Voltaire "con guiños a" la novela “El factor de la maleza” (1960) de John Barth y los escritores Michael Ondaatje, Joseph Conrad, Robertson Davies, Herbert Gold, Daphne du Maurier y Cormac McCarthy, y los primeros exploradores españoles en el suroeste americano para el mito de las “Siete Ciudades de Oro”.
El desarrollo se detuvo en abril de 2010 cuando Rush anunció la gira “Time Machine Tour”; esta gira estaba inicialmente programada de junio a octubre de ese año.
En la gira, Rush interpretó dos canciones nuevas que habían escrito para “Clockwork Angels” tituladas "Caravan" y "BU2B".
También habían escrito "The Garden" y "The Anarchist" en ese momento.
Una vez terminada la primera mitad de la gira “Time Machine Tour”, Lee y Lifeson retomaron la composición del resto del álbum a principios de 2011, pero las sesiones no habían producido resultados suficientemente sólidos, salvo algunas "improvisaciones furiosas" que se convirtieron en la base de "Carnies" y "Headlong Flight".
También hubo dificultades para adaptar las letras de Peart a la nueva música, lo que resultó en muchas reescrituras, algunas el mismo día de la grabación por correo electrónico.
Lifeson elogió más tarde a Peart: "Neil cumplió, nunca se quejó".
En agosto de 2010, Lifeson comentó que el álbum estaba resultando ser muy diverso musicalmente.
En particular, Lifeson se refirió a la canción principal casi terminada, "Clockwork Angels", como una "canción épica" y una "pieza de varias partes", descrita como "muy dinámica".
Peart dijo sobre el álbum aún en proceso en mayo de 2011: "Pretendo que sea mi mayor logro en cuanto a letras y batería".
Cuando comenzaron las sesiones de composición finales a finales de 2011, Lee y Lifeson decidieron intercambiar instrumentos en una reunión en particular. El resultado fue lo que se convirtió en "The Wreckers".
“Clockwork Angels” contiene arreglos de cuerda compuestos por seis violines y dos violonchelos.
Durante la gira del álbum, el ingeniero de sonido Brad Madix se enfrentó a problemas de ganancia antes de la retroalimentación al amplificar las cuerdas para un público numeroso: "Había trabajado con cuerdas anteriormente, pero siempre en un entorno muy silencioso con un refuerzo de sonido mínimo o los violines eran exclusivamente eléctricos".
En la gira “Clockwork Angels”, la banda definitivamente quería que las cuerdas fueran “protagonistas y acústicas”.
Aunque los álbumes de la banda de 1976 y 1978, “2112” y “Hemispheres”, suelen considerarse álbumes conceptuales, “Clockwork Angels” es el único álbum conceptual verdadero, ya que presenta un tema continuo con letras que narran una historia de principio a fin.
“Caress of Steel”, “2112” y “Hemispheres” incluyen una suite que ocupa toda una cara del disco y que cuenta una historia.
Sin embargo, las letras de las demás canciones de esos tres álbumes tienen muy poca o ninguna relación con dichas historias.
Rush grabó “Clockwork Angels” en dos fases.
La primera tuvo lugar en abril de 2010 en Blackbird Studios en Nashville, Tennessee, con Nick Raskulinecz regresando como coproductor después de su trabajo en “Snakes & Arrows” (2007).
Las canciones "Caravan" y "BU2B" se grabaron durante este tiempo y la mezcla fue completada por Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee.
El plan inicial de la banda era regresar al estudio al concluir el “Time Machine Tour” en octubre de 2010 y tener el álbum terminado para un lanzamiento en 2011.
Sin embargo, decidieron extender la gira con fechas de marzo a julio de 2011, retrasando así el lanzamiento de “Clockwork Angels”.
Ese agosto, la banda anunció su acuerdo con Roadrunner Records en asociación con su sello nacional Anthem Records para manejar su distribución internacional, marcando el final de su tiempo con Atlantic Records que comenzó con “Presto” (1989).
La segunda fase de grabación tuvo lugar en Revolution Recording en Toronto entre octubre y diciembre de 2011.
Las cuerdas se grabaron en Ocean Way Recording en Los Ángeles en enero de 2012.
En su sitio web personal, Peart reveló que adoptó un nuevo enfoque al escribir y grabar sus pistas de batería para el álbum: “Toqué cada canción solo unas cuantas veces, buscando patrones y redobles que pudieran funcionar, y luego llamé a Booujzhe. Se quedó conmigo en la habitación, frente a mi batería, con un atril y una sola baqueta; él era mi director y yo su orquesta ... Yo atacaba la batería, respondiendo a su entusiasmo y a sus sugerencias entre tomas, y juntos definíamos la estructura básica de la parte. Su batuta me guiaba hacia los estribillos, los puentes a medio tiempo, los finales a doble tiempo, etc., así que no tenía que preocuparme por su duración. Sin contar, sin repeticiones interminables”.
El 9 de febrero de 2012, el novelista de ciencia ficción Kevin J. Anderson, amigo de Neil Peart desde hace mucho tiempo, anunció que escribiría una novelización de “Clockwork Angels”.
También reveló información sobre el concepto del álbum: “En su afán por cumplir sus sueños, un joven se encuentra atrapado entre las grandiosas fuerzas del orden y el caos. Viaja a través de un mundo suntuoso y colorido de steampunk y alquimia, con ciudades perdidas, piratas, anarquistas, carnavales exóticos y un relojero inflexible que impone la precisión en cada aspecto de la vida cotidiana”.
Publicada el 4 de septiembre de 2012, la novela tuvo una secuela indirecta titulada “Clockwork Lives”, que se publicó el 15 de septiembre de 2015, seguida de una novela gráfica en 2018.
Durante los últimos años de su vida, Peart comenzó a trabajar con Anderson en una tercera y última novela de la serie; tras la muerte de Peart, su viuda autorizó a Anderson a continuar el proyecto. Este libro, “Clockwork Destiny”, se publicó en junio de 2022.
La portada del álbum, diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush, muestra un reloj con símbolos alquímicos en lugar de números.
Indica las 9:12, que en formato de 24 horas son las 21:12, una referencia al cuarto álbum de estudio de la banda, “2112” (1976).
Casualmente, el cumpleaños de Peart fue el 12 de septiembre, que se puede escribir como 9/12.
“Clockwork Angels” se lanzó el 8 de junio de 2012 en Australia, seguido de Estados Unidos y Canadá el 12 de junio y Europa el 13 de junio.
La revista británica Classic Rock lanzó un paquete de edición limitada para fans que contenía el álbum y una revista de 132 páginas el 11 de junio.
El sencillo "Caravan" se lanzó el 1 de junio de 2010 a las estaciones de radio y se puso a disposición para descarga digital en ese momento junto con "BU2B".
El segundo sencillo, "Headlong Flight", se lanzó a las estaciones de radio y para transmisión en línea el 19 de abril de 2012.
El álbum debutó en el número 2 del Billboard 200 con ventas de 103.000 unidades la primera semana.
En Canadá, el álbum debutó en el número 1 con ventas de 20.000 unidades.
Para el 20 de junio, se habían vendido más de 40.000 copias del paquete para fans de rock clásico.
Si este lanzamiento hubiera sido elegible para la lista de álbumes del Reino Unido, el álbum habría debutado en el número 1.
Como más personas compraron el paquete para fans que el álbum solo, este último debutó en el número 76 en el Reino Unido antes de alcanzar su pico en el número 21.
“Clockwork Angels” tiene una puntuación de 74 sobre 100 en Metacritic basada en 14 reseñas, lo que indica "reseñas generalmente favorables".
Classic Rock le otorgó al álbum un 9/10 y lo calificó como el mejor lanzamiento de Rush en 30 años.
Jamie Thompson de The Guardian escribió en su reseña que "aquellos que veneran a Rush estarán extasiados; para aquellos que permanecen agnósticos, bien puede haber suficiente aquí para justificar un salto de fe".
El editor en jefe de Brave Words & Bloody Knuckles, Martin Popoff, le dio al álbum un perfecto 10/10 y dijo de él, "no se puede negar que hay más propósito y enfoque aquí que en cualquier otro álbum de Rush".
En 2019, Classic Rock nombró a “Clockwork Angels” el álbum número uno de la década de 2010.
El 18 de abril de 2013, Rush fue incorporado al Salón de la Fama del Rock and Roll en Cleveland, Ohio.
El 18 de noviembre de 2013, Lifeson dijo que la banda se tomaría un año de descanso después de terminar la gira mundial de apoyo de “Clockwork Angels”.
"Nos hemos comprometido a tomarnos un año de descanso", dijo Lifeson. "Todos estuvimos de acuerdo cuando terminamos esta gira [de Clockwork Angels] [a principios de agosto], íbamos a tomarnos este tiempo libre y no íbamos a hablar de asuntos de la banda ni a hacer planes. Nos comprometimos a un año, así que eso nos llevará hasta finales del próximo verano, seguro. Ese es el mínimo. No hemos parado ni renunciado. Ahora mismo solo estamos relajándonos. Nos lo estamos tomando con calma y disfrutando de nuestro trabajo actual".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Geddy Lee (Séptima parte)
Para celebrar el 30 aniversario de la banda, en junio de 2004 se lanzó “Feedback”, un trabajo de EP grabado en los suburbios de Toronto que presenta ocho versiones de artistas como Cream, The Who y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como su inspiración alrededor de la época de su formación.
El lanzamiento marcó el 30 aniversario tanto del lanzamiento del álbum debut de Rush, que contó con la formación original de Geddy Lee, Alex Lifeson y John Rutsey, como de la incorporación de Neil Peart a la banda tras la salida de Rutsey.
Para ayudar a apoyar “Feedback” y continuar celebrando su 30 aniversario como banda, Rush lanzó la gira “30th Anniversary Tour” en el verano de 2004, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Países Bajos.
El 24 de septiembre de 2004, el concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, fue filmado para un DVD titulado “R30: 30th Anniversary World Tour”, que se lanzó el 22 de noviembre de 2005.
El lanzamiento omitió ocho canciones que también se incluyeron en “Rush in Rio”; el concierto completo se lanzó en Blu-ray el 8 de diciembre de 2009.
Rhapsody elogió el EP, calificándolo como uno de sus lanzamientos de versiones favoritos.
El crítico de AllMusic, Thom Jurek, calificó la lista de canciones de "increíble" y dijo: "Ninguna de estas canciones está hecha con una pizca de extravagancia. Lo que el oyente encuentra es un Rush que nunca antes se había escuchado".
El disco fue remasterizado y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2016 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road, luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
En octubre de 2004, Rush finalizó su gira “R30: 30th Anniversary Tour” y comenzó un descanso de un año.
Durante las entrevistas promocionales del DVD “R30”, los miembros de la banda revelaron su intención de comenzar a trabajar en un nuevo álbum de estudio a principios de 2006, su primer material nuevo desde "Vapor Trails" (2002).
El grupo se sentía con energía tras grabar su EP de versiones “Feedback” (2004), en el que interpretaron canciones sencillas y directas y las grabaron en directo, a diferencia de su propia música, más elaborada y compleja. Este enfoque se adoptó para su siguiente álbum, “Snakes & Arrows”.
El trabajo en el álbum comenzó en enero de 2006 y los miembros de la banda adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson improvisaban nuevas ideas musicales mientras Peart trabajaba solo en las letras.
En lugar de trabajar en el mismo lugar, esta vez Lee y Lifeson trabajaron desde sus estudios caseros en Toronto y gradualmente moldearon sus ideas en canciones arregladas usando una pista de clic como guía para la batería.
Trabajaron una semana de tres días, desde el mediodía hasta las 5 de la tarde.
Peart, quien se había mudado al sur de California en 2000, trabajó desde casa y colaboró con sus compañeros de banda en línea, viajando a Toronto y Nueva York durante las fases de composición y grabación.
Lifeson dijo que el grupo hizo más trabajo de preproducción que antes y que Lee y él adoptaron un enfoque más informal y relajado para componer.
Lifeson conoció al guitarrista David Gilmour durante la parada de la gira de Gilmour en Toronto, quien lo inspiró a escribir con una guitarra acústica como indicador de la fuerza de una melodía. Se agradece a Gilmour en las notas del álbum “Snakes & Arrows”.
Durante las sesiones de composición, Peart experimentó con nuevos equipos como el Roland V-Drum TD-20, un kit que utilizó en el álbum para disparar muestras.
Gran parte del álbum está escrito en un compás 3/4.
Un escritor del National Post comparó gran parte del material con el de “Hemispheres” (1978) por los "cambios de acordes inesperados y angulares".
Peart se inspiró para escribir letras sobre diversos temas, como la fe, el miedo, la asociación entre religión y guerra, la esperanza y la desesperación, y los carteles religiosos que vio en su viaje en motocicleta por Estados Unidos, los cuales detalló en su cuarto libro “Roadshow: Landscape with Drums – A Concert Tour by Motorcycle” (2006), escrito durante la gira “R30”.
También se inspiró en el epitafio de Robert Frost : "I had a lover's quarrel with the world" y utilizó ideas líricas que había plasmado inicialmente 15 años antes.
En marzo de 2006, Lee y Lifeson habían completado versiones preliminares de seis temas y se los mostraron a Peart en su casa de Quebec.
Peart dijo que "nunca olvidaría la primera vez que escuchó las primeras canciones de este álbum. Siempre es emocionante escuchar mis palabras cantadas por primera vez [...] hay una sensación de afirmación al saber que Geddy encontró esas palabras dignas de ser cantadas".
Peart se entusiasmó particularmente al escuchar "Bravest Face" y "The Way the Wind Blows" debido a su sonido fresco y lo diferentes que eran de las canciones anteriores de Rush.
Eligió "espiritual" como la palabra que mejor describía la esencia de las canciones que le presentaron.
“Snakes & Arrows” incluye tres temas instrumentales, más que cualquier otro álbum de Rush.
En mayo de 2006, los tres se mudaron a Cherry Beach Sound en Toronto durante un mes para desarrollar las canciones y, a principios de junio, tenían ocho temas con los que estaban satisfechos.
Después de un descanso de verano, retomaron el trabajo en septiembre y "siguieron trabajando hasta que estuvo terminado".
Peart ideó el título del álbum mientras trabajaba en la letra de "Armor and Sword".
Había investigado varias fuentes, incluyendo el antiguo juego de mesa indio leela, un precursor del moderno juego infantil serpientes y escaleras, y la cita "hondas y flechas" de la obra de Shakespeare “Hamlet”.
Para cuando se estaba mezclando el álbum, el título ya estaba acordado.
Peart escribió que el título fue elegido para "describir el tipo de fe 'buena' como una armadura, mientras que el tipo de fe 'mala' es una espada".
Siempre revisaba una lista maestra en una tienda de discos para ver si un título de álbum había sido usado por otra banda, pero esta vez buscó en línea y descubrió el juego leela que también había sido llamado "el juego de serpientes y flechas".
Peart luego encontró un tablero de juego pintado por Harish Johari que le presentó a Lee y Lifeson; los tres acordaron que sería la portada y trabajaron con su diseñador de portadas, Hugh Syme, para incorporarla al diseño de la funda.
Las sesiones de grabación principales se llevaron a cabo durante 36 días en noviembre y diciembre de 2006 en Allaire Studios dentro de Glen Tonche, una finca ubicada en Mount Tonch en las montañas Catskill, Nueva York.
Peart había trabajado en el estudio para su DVD instructivo “Anatomy of a Drum Solo” y convenció a Lee y Lifeson de grabar allí en lugar de Toronto.
La banda inicialmente planeó quedarse en Allaire durante dos semanas para grabar la batería y algo de bajo antes de regresar a Toronto y grabar las guitarras en el estudio casero de Lifeson, pero el entorno positivo, el equipo disponible y las sesiones productivas llevaron a que su estadía se extendiera por cuatro semanas, durante las cuales se completó el álbum allí.
La banda comenzaba alrededor de las 10 am y trabajaba hasta tarde, y entraba al estudio en cualquier momento si el impulso era lo suficientemente fuerte, incluyendo una sesión que tuvo lugar a las 2 am.
Se realizó una grabación adicional en Grandmaster Recorders en Los Ángeles.
El álbum se grabó utilizando el software Pro Tools.
Rush contó con la colaboración del ingeniero y mezclador Richard Chycki, quien había trabajado con Lifeson en las mezclas para el DVD “R30: 30th Anniversary World Tour” y había trabajado en una regrabación de su canción de 1977 "Closer to the Heart" para un evento benéfico.
La banda quedó impresionada con Chycki y lo eligió para trabajar en “Snakes & Arrows”.
Durante la etapa de composición, el grupo buscó un nuevo coproductor "para obtener nuevas aportaciones y direcciones".
Entre las opciones consideradas estaba el músico y productor estadounidense Nick Raskulinecz, quien había trabajado con Foo Fighters y Velvet Revolver y pidió a su representante que contactara a la banda cuando supo que Rush iba a grabar un nuevo álbum.
Inicialmente, fue rechazado y se le dijo que ya habían elegido a uno, pero los planes se frustraron y dos meses después fue elegido.
Fan de la banda, el segundo concierto de Raskulinecz fue ver a Rush durante su gira “Moving Pictures” (1981) cuando tenía doce años y comenzó a trabajar en septiembre de 2006 después del descanso de verano del grupo.
Animó a la banda a explorar sus propios límites y a incorporar los complejos patrones rítmicos y melódicos que caracterizaron sus álbumes de la década de 1970.
La banda le dio el apodo de "Booujze" en referencia a las vocalizaciones y la batería imaginaria que hacía para comunicar sus ideas de batería a Peart, donde "booujze" representaba un bombo y un platillo crash que sugirió para una parte de "Far Cry".
Bajo la dirección de Raskulinecz, Peart grababa una toma final de batería sobre la pista guía previamente grabada solo o grababa partes con Lee también tocando. Otras veces, hacía que la banda tocara a la vez.
Cuando tenía una toma con la que estaba satisfecho, se centraba en conseguir la mejor interpretación de batería.
El álbum se mezcló en casi cuatro semanas en enero de 2007 en Ocean Way Recording en Los Ángeles por Chycki con la asistencia de Raskulinecz y Scott Moore. Se hizo usando una consola de mezcla Neve 88R.
El entorno le convenía a Peart ya que el estudio estaba cerca de su casa y disfrutaba de que Lee y Lifeson vinieran después de viajar lejos para grabar con ellos.
La banda salía del estudio a jugar tenis o golf, dejando a Chycki y Raskulinecz para armar una mezcla para su aprobación.
Luego fue masterizado por Brian Gardner con la asistencia de Andrew Alekel y se completó algunos meses antes de lo previsto.
El bajo principal de Lee en el álbum es un modelo Fender Jazz de 1972; por insistencia de Raskulinecz, Lee usó sus pedales de bajo Moog Taurus en todas las pistas excepto en dos, el mayor uso desde “Power Windows” (1985).
También se usa un Mellotron en algunas canciones, incluyendo "Faithless" y "Good News First", para una textura orquestal.
Lifeson usa su Gibson ES-335 semiacústica, una Gibson Les Paul Goldtop y una Fender Telecaster como guitarras principales en el álbum, además de una Garrison de 6 y 12 cuerdas hecha a medida específicamente para las sesiones del álbum, una Gibson Jumbo y una acústica de 12 cuerdas, y una mandola, mandolina y bouzouki Garrison.
Peart tocó con una batería West Coast construida por Drum Workshop que había adquirido a principios de 2006, la cual era una réplica de su batería de escenario sin los pads electrónicos.
Estaba tan satisfecho con la batería que la hizo enviar a Toronto para las grabaciones de preproducción del álbum.
Después de haber terminado de grabar las partes de batería, Peart les informó a Chycki y Raskulinecz que grabar para “Snakes & Arrows” había sido lo más placentero de su carrera y que los resultados habían sido los más satisfactorios.
Cuando Peart estaba grabando sus partes de batería en "Far Cry", Raskulinecz le sugirió improvisar sobre la parte "intrincadamente sincopada" del principio y del final de la canción.
Más tarde dijo: "Por supuesto, la única respuesta de un baterista es: 'Sí, por supuesto que puedo', pero yo nunca lo habría sugerido".
"Armor and Sword" tiene un ritmo inicial que Peart atribuye a la melodía de Buddy Rich "Mercy, Mercy, Mercy", que el baterista Dave Weckl había adoptado en el álbum tributo de Peart, “Burning for Buddy”, y en “Test for Echo” (1996) de Rush.
Incluye una muestra de chapa metálica activada por Peart en su batería Roland TD-20.
Las imágenes de campo de batalla que le vinieron a la mente a Peart mientras escribía la letra le hicieron recordar un verso de "Dover Beach" del poeta inglés Matthew Arnold, que le emocionó por su sincronicidad.
Como tributo, Peart incluyó otro verso del poema en la letra: "Alarmas confusas de lucha y huida".
"Workin' Them Angels" tiene a Peart cambiando entre un compás 3/4 y uno 4/4 en toda la canción y se sugirió que los estribillos estuvieran en 4/4 para quitarle el "ritmo" a la pista por un momento.
El cambio lo obligó a ser más creativo y a idear formas de alternar entre los dos ritmos sin problemas.
"The Larger Bowl" incluye a Peart tocando una pandereta real y sampleada.
La letra incluye varias ideas que Peart tenía en su diccionario de rimas que contenía diversas formas de escritura y sonetos, incluido el pantun malayo.
No se había molestado en presentárselo a Lee y Lifeson hasta que se dio cuenta de que podría "despertar un eco musical", que se convirtió en la quinta estrofa de la canción.
"Spindrift" tiene una repetición de su introducción al final, que Raskulinecz sugirió para seguir al falso final y animó a Peart a "desatarse" durante el desvanecimiento.
Según Peart, la letra de "Spindrift" utiliza imágenes del clima marino como metáfora de una pelea de amantes.
"The Main Monkey Business" es una pieza instrumental que Peart describió como "una obra maestra para escribir, arreglar e interpretar", y que requirió más tiempo de producción que algunas de las otras canciones del álbum juntas.
A Peart le tomó tres días aprender las partes de batería, que incluían muestras activadas de un cascabel, un güiro y un silbato ralentizado que se usa solo en la tercera estrofa.
Inicialmente tocó la pista sin caja para crear un sonido más oscuro que, a su vez, se ajustaba a su atmósfera general, pero terminó usando una caja piccolo durante un solo de guitarra.
Su título proviene de una cita de la madre de Lee en una conversación sobre un primo suyo.
Incluye muestras de una pandereta y sonidos de percusión étnica activados por Peart en su kit Roland TD-20.
Una mezcla de la pista solo con la batería se publicó en el sitio web de Peart.
"The Way the Wind Blows" es la canción favorita de Peart en el álbum desde la perspectiva de la batería y la escucha.
"Hope" es una pieza instrumental para guitarra acústica solista escrita por Lifeson, quien toca una Garrison AG-400 de 12 cuerdas con afinación DADAAD.
La primera toma completa se usó para el álbum y la mezcla se realizó inmediatamente después de la grabación.
Se grabó en el Gran Salón de Allaire con alfombras colocadas en el suelo para minimizar el alto eco que proporcionaba la acústica.
Escribió la melodía después de improvisar ideas con varias afinaciones alternativas en su casa y continuó durante las sesiones de composición mientras Lee trabajaba en las voces, durante las cuales trabajó en la canción.
Lifeson estaba satisfecho con la pista, ya que hacía mucho tiempo que no grababa una pista de guitarra solista para un álbum de Rush.
Para “Faithless”, el grupo se esforzó conscientemente por escribir e interpretar una canción a un tempo más lento de lo habitual.
Este enfoque le brindó a Peart una perspectiva más fresca sobre cómo construir y colocar los redobles de batería.
Le da crédito a Raskulinecz, quien sugirió terminar la canción con un redoble de caja militar.
"Malignant Narcissism", la tercera pieza instrumental, recibió su título de la película de comedia “Team America: World Police” (2004), de la cual contiene un pasaje hablado.
Los compositores Trey Parker y Matt Stone eran fans de Rush y se alegraron de que la banda se hubiera inspirado en la película para nombrar la canción.
Se organizó una proyección de la película en los estudios Allaire durante las vacaciones de Acción de Gracias, ya que Raskulinecz no la había visto.
La canción surgió después de que las otras doce canciones del álbum se hubieran grabado y Raskulinecz y Lee estuvieran trabajando en las pistas vocales.
Durante un descanso, Lee comenzó a improvisar la melodía en un bajo Jaco Pastorius sin trastes que Fender le había enviado a los estudios Allaire a través de su contrato de patrocinio.
Raskulinecz lo escuchó y grabó a través del micrófono vocal (este momento fue capturado en película y aparece en el documental "The Game of Snakes and Arrows" en la edición MVI del álbum) y luego ensambló las mejores partes en una pista preliminar que Lee y Peart finalizaron como un arreglo de batería y bajo.
Las partes de guitarra se agregaron más tarde ya que Lifeson estaba en Florida cuando se armó.
Peart le había pedido a su técnico de batería que guardara su batería pero dejara cuatro platillos y cuatro tambores para que Raskulinecz "jugara con ellos", pero terminó grabando sus partes de batería para la pista con esa configuración básica. Se grabó en un día.
Peart tocó pensando en Buddy Rich, Tony Williams, Terry Bozzio y Steve Gadd.
El 12 de marzo de 2007, la banda presentó un nuevo sitio web en el sitio web oficial de Rush, principalmente para promocionar el álbum.
El primer sencillo del álbum, "Far Cry", se publicó como audio en streaming bajo demanda en este sitio en ese momento.
La banda también anunció que el sencillo se lanzaría a estaciones de radio de Estados Unidos y Canadá.
El 8 de mayo de 2007, la banda anunció el lanzamiento de un video para "Far Cry", y el 1 de junio de 2007, "Spindrift" se lanzó a las estaciones de radio como el segundo sencillo oficial del álbum.
El tercer sencillo del álbum, "The Larger Bowl", se lanzó el 25 de junio a la radio, donde se posicionó entre los 30 primeros de las listas Mainstream Rock y Media Base Mainstream.
“Snakes & Arrows” es uno de los primeros álbumes lanzados en el formato MVI (Music Video Interactive) de Warner Music. Este formato es una edición limitada de 25.000 copias.
El álbum viene en una caja de lujo e incluye las 13 canciones del álbum en audio de alta resolución, el álbum completo en sonido envolvente 5.1, un documental en video de 40 minutos sobre la creación del álbum, un folleto de 26 páginas (4 páginas más que el folleto del CD, que por lo demás es idéntico), fondos de pantalla, iconos de amigos y un póster exclusivo para los fans que registren la copia MVI.
Después de varios retrasos en la producción, el MVI se lanzó el 26 de junio de 2007.
La sección DVD - ROM contiene archivos MP3 de 192 kbit/s del álbum completo.
La sección DVD-Video incluye una pista de audio de alta resolución ( LPCM estéreo de 96 kHz/24 bits) y una pista de sonido envolvente 5.1 (Dolby Digital de 448 kbit/s, 48 kHz). El disco no contiene contenido DVD-Audio.
El álbum debutó en el número tres de la lista Billboard 200 de Estados Unidos, vendiendo alrededor de 93.000 copias en su primera semana.
Para promocionar “Snakes & Arrows”, Rush inició su planeada gira intercontinental “Snakes & Arrows Tour” el 13 de junio de 2007 en Atlanta, Georgia, la cual se extendió hasta octubre y abarcó Estados Unidos, Canadá y Europa.
La etapa de 2008 de la gira comenzó el 11 de abril de 2008 en San Juan, Puerto Rico, en el Coliseo José Miguel Agrelot y concluyó el 24 de julio de 2008 en Noblesville, Indiana.
El 15 de abril de 2008, la banda lanzó “Snakes & Arrows Live”, un álbum doble en vivo que documenta la primera parte de la gira, grabado en el Ahoy Arena en Rotterdam, Países Bajos, el 16 y 17 de octubre de 2007. El álbum incluye nueve de sus 27 pistas extraídas de “Snakes & Arrows”.
También fue lanzado en DVD y Blu-ray el 25 de noviembre de 2008.
El DVD se compiló a partir de las dos presentaciones en Rotterdam descritas anteriormente, e incluye también material adicional de la segunda parte de la gira, grabado en el Verizon Wireless Amphitheatre en Encore Park en Alpharetta, Georgia (área metropolitana de Atlanta ) el 22 de julio de 2008.
Si bien la parte del DVD es un conjunto de tres discos, la versión Blu-ray de “Snakes & Arrows Live” es de un solo disco.
El tercer DVD incluye cuatro canciones que se interpretaron durante la etapa de 2008 de la gira, reemplazando a "Entre Nous", "Secret Touch", "Circumstances" y "Distant Early Warning" en el repertorio.
Cuando Rush se acercaba a la conclusión de la gira “Snakes & Arrows”, anunciaron su primera aparición en la televisión estadounidense en más de 30 años.
Aparecieron en The Colbert Report el 16 de julio de 2008 y fueron entrevistados por Stephen Colbert; interpretaron "Tom Sawyer".
Aprovechando lo que la crítica de cine Manohla Dargis llamó una "ola de cultura pop", la banda apareció como ellos mismos en la película de comedia de 2009 “I Love You, Man”.
El 16 de febrero de 2009, Lifeson comentó que la banda podría comenzar a trabajar en un nuevo álbum en el otoño de 2009, con Nick Raskulinecz nuevamente como productor.
En noviembre de 2009, Lee, Lifeson y Peart recibieron el Premio al Logro Internacional en los Premios SOCAN anuales en Toronto.
El 19 de marzo de 2010, la CBC publicó una entrevista en video con Lee y Lifeson en la que hablaron sobre la incorporación de Rush al Salón de la Fama de los Compositores Canadienses el 28 de marzo de 2010, en el Salón de Recitales George Weston del Centro de Artes de Toronto.
La banda fue reconocida por las canciones "Limelight", "Closer to the Heart", "The Spirit of Radio", "Tom Sawyer" y "Subdivisions".
El 26 de marzo de 2010, en una entrevista con The Globe and Mail, Lifeson comentó que incluso existía la posibilidad de dos giras de apoyo.
Poco después, Peart confirmó que Raskulinecz había regresado como coproductor.
La banda se reunió en Los Ángeles en diciembre de 2009 para discutir qué proyectos querían emprender el año siguiente.
Entre sus opciones estaban comenzar un nuevo álbum de estudio y realizar una gira importante; como Neil Peart escribió más tarde: "Tontos como somos, terminamos haciendo ambas cosas".
La idea de un álbum con una historia de fondo en lugar de una colección de canciones diferentes se volvió atractiva para el grupo, para lo cual Peart detalló uno ambientado en un mundo ficticio con una suite de canciones que contaran una historia.
Rush había estado trabajando en material nuevo ya en febrero de 2009, pero Alex Lifeson negó la especulación de que estuvieran planeando hacer un álbum conceptual en ese momento.
Rush adoptó los métodos habituales de composición de la banda, en los que Geddy Lee y Lifeson trabajaban en la música en sus estudios caseros en Toronto, mientras que Peart trabajaba solo desde su casa en California en las letras.
El grupo se había animado mutuamente a ser más espontáneos con sus solos en las presentaciones en vivo, lo que se convirtió en un elemento principal al componer nueva música para “Clockwork Angels”.
Lifeson tuvo que contenerse conscientemente para no superponer pistas de guitarra, ya que quería enfatizar la "roca básica de las canciones" y recurrió a un mayor uso de la doble pista.
Las sesiones fueron productivas; en marzo de 2010, Lee dijo: "Hace apenas un mes y medio no teníamos canciones. Y ahora hemos estado componiendo y ahora tenemos unas seis canciones que nos encantan", y Lifeson predijo un lanzamiento para la primavera de 2011.
Después de algunas semanas de escribir, Peart había desarrollado su historia más, lo que llevó al acuerdo de la banda para adaptarla a un álbum conceptual, donde cada pista hiciera su propia declaración.
Rush había grabado previamente canciones conceptuales a lo largo de su carrera, pero aún no se había comprometido con un álbum conceptual completo.
Lee estaba aprensivo hacia la idea al principio, ya que quería que el grupo avanzara en dirección y no adoptara algo típico de otras bandas de rock progresivo de la década de 1970.
Music Radar escribió que, a pesar del tema basado en la historia, el álbum no se ve lastrado por la trama.
En un cambio de ritmo, Peart escribió las letras de “Clockwork Angels” en un lienzo en blanco sin usar ninguna idea preconcebida que hubiera escrito.
A principios de enero de 2010, Peart había escrito algunas ideas y se las envió a Lee y Lifeson, quienes luego combinaron las palabras con las piezas musicales que habían creado.
Peart fue influenciado para idear una historia y letras ambientadas en un mundo distópico de inspiración steampunk "iluminado solo por fuego", llamado así por el libro homónimo sobre la historia de la Edad Media de William Manchester y "impulsado por vapor, intrincados mecanismos de relojería y alquimia".
Había incorporado elementos de la tradición antigua con cartas del Tarot en “Vapor Trails” (2002) y el antiguo juego hindú leela en “Snakes & Arrows” y quería traer la alquimia para “Clockwork Angels”.
Peart escribió un "capítulo" lírico para cada una de las doce pistas del álbum, representando el estado de ánimo o la atmósfera de cada pista con su propio símbolo como se muestra en la obra de arte.
La trama se basa en varias fuentes como “Cándido” de Voltaire "con guiños a" la novela “El factor de la maleza” (1960) de John Barth y los escritores Michael Ondaatje, Joseph Conrad, Robertson Davies, Herbert Gold, Daphne du Maurier y Cormac McCarthy, y los primeros exploradores españoles en el suroeste americano para el mito de las “Siete Ciudades de Oro”.
El desarrollo se detuvo en abril de 2010 cuando Rush anunció la gira “Time Machine Tour”; esta gira estaba inicialmente programada de junio a octubre de ese año.
En la gira, Rush interpretó dos canciones nuevas que habían escrito para “Clockwork Angels” tituladas "Caravan" y "BU2B".
También habían escrito "The Garden" y "The Anarchist" en ese momento.
Una vez terminada la primera mitad de la gira “Time Machine Tour”, Lee y Lifeson retomaron la composición del resto del álbum a principios de 2011, pero las sesiones no habían producido resultados suficientemente sólidos, salvo algunas "improvisaciones furiosas" que se convirtieron en la base de "Carnies" y "Headlong Flight".
También hubo dificultades para adaptar las letras de Peart a la nueva música, lo que resultó en muchas reescrituras, algunas el mismo día de la grabación por correo electrónico.
Lifeson elogió más tarde a Peart: "Neil cumplió, nunca se quejó".
En agosto de 2010, Lifeson comentó que el álbum estaba resultando ser muy diverso musicalmente.
En particular, Lifeson se refirió a la canción principal casi terminada, "Clockwork Angels", como una "canción épica" y una "pieza de varias partes", descrita como "muy dinámica".
Peart dijo sobre el álbum aún en proceso en mayo de 2011: "Pretendo que sea mi mayor logro en cuanto a letras y batería".
Cuando comenzaron las sesiones de composición finales a finales de 2011, Lee y Lifeson decidieron intercambiar instrumentos en una reunión en particular. El resultado fue lo que se convirtió en "The Wreckers".
“Clockwork Angels” contiene arreglos de cuerda compuestos por seis violines y dos violonchelos.
Durante la gira del álbum, el ingeniero de sonido Brad Madix se enfrentó a problemas de ganancia antes de la retroalimentación al amplificar las cuerdas para un público numeroso: "Había trabajado con cuerdas anteriormente, pero siempre en un entorno muy silencioso con un refuerzo de sonido mínimo o los violines eran exclusivamente eléctricos".
En la gira “Clockwork Angels”, la banda definitivamente quería que las cuerdas fueran “protagonistas y acústicas”.
Aunque los álbumes de la banda de 1976 y 1978, “2112” y “Hemispheres”, suelen considerarse álbumes conceptuales, “Clockwork Angels” es el único álbum conceptual verdadero, ya que presenta un tema continuo con letras que narran una historia de principio a fin.
“Caress of Steel”, “2112” y “Hemispheres” incluyen una suite que ocupa toda una cara del disco y que cuenta una historia.
Sin embargo, las letras de las demás canciones de esos tres álbumes tienen muy poca o ninguna relación con dichas historias.
Rush grabó “Clockwork Angels” en dos fases.
La primera tuvo lugar en abril de 2010 en Blackbird Studios en Nashville, Tennessee, con Nick Raskulinecz regresando como coproductor después de su trabajo en “Snakes & Arrows” (2007).
Las canciones "Caravan" y "BU2B" se grabaron durante este tiempo y la mezcla fue completada por Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee.
El plan inicial de la banda era regresar al estudio al concluir el “Time Machine Tour” en octubre de 2010 y tener el álbum terminado para un lanzamiento en 2011.
Sin embargo, decidieron extender la gira con fechas de marzo a julio de 2011, retrasando así el lanzamiento de “Clockwork Angels”.
Ese agosto, la banda anunció su acuerdo con Roadrunner Records en asociación con su sello nacional Anthem Records para manejar su distribución internacional, marcando el final de su tiempo con Atlantic Records que comenzó con “Presto” (1989).
La segunda fase de grabación tuvo lugar en Revolution Recording en Toronto entre octubre y diciembre de 2011.
Las cuerdas se grabaron en Ocean Way Recording en Los Ángeles en enero de 2012.
En su sitio web personal, Peart reveló que adoptó un nuevo enfoque al escribir y grabar sus pistas de batería para el álbum: “Toqué cada canción solo unas cuantas veces, buscando patrones y redobles que pudieran funcionar, y luego llamé a Booujzhe. Se quedó conmigo en la habitación, frente a mi batería, con un atril y una sola baqueta; él era mi director y yo su orquesta ... Yo atacaba la batería, respondiendo a su entusiasmo y a sus sugerencias entre tomas, y juntos definíamos la estructura básica de la parte. Su batuta me guiaba hacia los estribillos, los puentes a medio tiempo, los finales a doble tiempo, etc., así que no tenía que preocuparme por su duración. Sin contar, sin repeticiones interminables”.
El 9 de febrero de 2012, el novelista de ciencia ficción Kevin J. Anderson, amigo de Neil Peart desde hace mucho tiempo, anunció que escribiría una novelización de “Clockwork Angels”.
También reveló información sobre el concepto del álbum: “En su afán por cumplir sus sueños, un joven se encuentra atrapado entre las grandiosas fuerzas del orden y el caos. Viaja a través de un mundo suntuoso y colorido de steampunk y alquimia, con ciudades perdidas, piratas, anarquistas, carnavales exóticos y un relojero inflexible que impone la precisión en cada aspecto de la vida cotidiana”.
Publicada el 4 de septiembre de 2012, la novela tuvo una secuela indirecta titulada “Clockwork Lives”, que se publicó el 15 de septiembre de 2015, seguida de una novela gráfica en 2018.
Durante los últimos años de su vida, Peart comenzó a trabajar con Anderson en una tercera y última novela de la serie; tras la muerte de Peart, su viuda autorizó a Anderson a continuar el proyecto. Este libro, “Clockwork Destiny”, se publicó en junio de 2022.
La portada del álbum, diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush, muestra un reloj con símbolos alquímicos en lugar de números.
Indica las 9:12, que en formato de 24 horas son las 21:12, una referencia al cuarto álbum de estudio de la banda, “2112” (1976).
Casualmente, el cumpleaños de Peart fue el 12 de septiembre, que se puede escribir como 9/12.
“Clockwork Angels” se lanzó el 8 de junio de 2012 en Australia, seguido de Estados Unidos y Canadá el 12 de junio y Europa el 13 de junio.
La revista británica Classic Rock lanzó un paquete de edición limitada para fans que contenía el álbum y una revista de 132 páginas el 11 de junio.
El sencillo "Caravan" se lanzó el 1 de junio de 2010 a las estaciones de radio y se puso a disposición para descarga digital en ese momento junto con "BU2B".
El segundo sencillo, "Headlong Flight", se lanzó a las estaciones de radio y para transmisión en línea el 19 de abril de 2012.
El álbum debutó en el número 2 del Billboard 200 con ventas de 103.000 unidades la primera semana.
En Canadá, el álbum debutó en el número 1 con ventas de 20.000 unidades.
Para el 20 de junio, se habían vendido más de 40.000 copias del paquete para fans de rock clásico.
Si este lanzamiento hubiera sido elegible para la lista de álbumes del Reino Unido, el álbum habría debutado en el número 1.
Como más personas compraron el paquete para fans que el álbum solo, este último debutó en el número 76 en el Reino Unido antes de alcanzar su pico en el número 21.
“Clockwork Angels” tiene una puntuación de 74 sobre 100 en Metacritic basada en 14 reseñas, lo que indica "reseñas generalmente favorables".
Classic Rock le otorgó al álbum un 9/10 y lo calificó como el mejor lanzamiento de Rush en 30 años.
Jamie Thompson de The Guardian escribió en su reseña que "aquellos que veneran a Rush estarán extasiados; para aquellos que permanecen agnósticos, bien puede haber suficiente aquí para justificar un salto de fe".
El editor en jefe de Brave Words & Bloody Knuckles, Martin Popoff, le dio al álbum un perfecto 10/10 y dijo de él, "no se puede negar que hay más propósito y enfoque aquí que en cualquier otro álbum de Rush".
En 2019, Classic Rock nombró a “Clockwork Angels” el álbum número uno de la década de 2010.
El 18 de abril de 2013, Rush fue incorporado al Salón de la Fama del Rock and Roll en Cleveland, Ohio.
El 18 de noviembre de 2013, Lifeson dijo que la banda se tomaría un año de descanso después de terminar la gira mundial de apoyo de “Clockwork Angels”.
"Nos hemos comprometido a tomarnos un año de descanso", dijo Lifeson. "Todos estuvimos de acuerdo cuando terminamos esta gira [de Clockwork Angels] [a principios de agosto], íbamos a tomarnos este tiempo libre y no íbamos a hablar de asuntos de la banda ni a hacer planes. Nos comprometimos a un año, así que eso nos llevará hasta finales del próximo verano, seguro. Ese es el mínimo. No hemos parado ni renunciado. Ahora mismo solo estamos relajándonos. Nos lo estamos tomando con calma y disfrutando de nuestro trabajo actual".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104