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George Harrison (Segunda Parte)

Su estilo

El trabajo de guitarra de Harrison con los Beatles fue variado y flexible. Aunque no era rápido ni llamativo, su forma de tocar la guitarra solista era sólida y tipificaba el estilo más moderado de guitarra solista de principios de los años 60.

Su forma de tocar la guitarra rítmica fue innovadora, por ejemplo cuando usó una cejilla para acortar las cuerdas de una guitarra acústica, como en el álbum “Rubber Soul” (1965) y en "Here Comes the Sun", para crear un sonido brillante y dulce.
Eric Clapton sintió que Harrison era "claramente un innovador", ya que estaba "tomando ciertos elementos de R&B, rock y rockabilly y creando algo único".

El fundador de Rolling Stone, Jann Wenner, describió a Harrison como "un guitarrista que nunca fue llamativo pero que tenía un sentido melódico innato y elocuente. Tocó exquisitamente al servicio de la canción".

El estilo de tocar la guitarra de Chet Atkins y Carl Perkins influyó en Harrison, dando una sensación de música country a muchas de las grabaciones de los Beatles. Identificó a Chuck Berry como otra influencia temprana.

En 1961, los Beatles grabaron "Cry for a Shadow", un instrumental inspirado en el blues coescrito por Lennon y Harrison, a quienes se le atribuye la composición de la parte de guitarra principal de la canción, basándose en voces de acordes inusuales e imitando el estilo de otros grupos ingleses.






El uso liberal que hace Harrison de la escala diatónica en su forma de tocar la guitarra revela la influencia de Buddy Holly, y su interés en Berry lo inspiró a componer canciones basadas en la escala de blues incorporando un sentimiento rockabilly al estilo de Perkins.

Otra de las técnicas musicales de Harrison fue el uso de líneas de guitarra escritas en octavas, como en "I'll Be on My Way".

En 1964, había comenzado a desarrollar un estilo personal distintivo como guitarrista, escribiendo partes que presentaban el uso de tonos que no se resolvían, como los arpegios de acordes finales en "A Hard Day's Night". En esta y otras canciones de la época, utilizó una Rickenbacker 360/12, una guitarra eléctrica con doce cuerdas, las ocho graves están afinadas en pares, con una octava de diferencia, y las cuatro superiores están afinadas en pares al unísono.

Su uso de la Rickenbacker en “A Hard Day's Night” ayudó a popularizar el modelo, y el sonido tintineante se volvió tan prominente que Melody Maker lo denominó el "arma secreta" de los Beatles.

En 1965, Harrison usó un pedal de expresión para controlar el volumen de su guitarra en "I Need You", creando un efecto de flauta sincopado con la melodía resolviendo su disonancia a través de desplazamientos tonales.

Usó la misma técnica de aumento de volumen en "Yes It Is", aplicando lo que Everett describió como "articulación fantasmal" a los armónicos naturales de la canción.

En 1966, Harrison aportó ideas musicales innovadoras a “Revolver”. Tocó la guitarra al revés en la composición de Lennon "I'm Only Sleeping" y una contramelodía de guitarra en "And Your Bird Can Sing” que se movía en octavas paralelas por encima de los tiempos fuertes del bajo de McCartney.






Su forma de tocar la guitarra en "I Want to Tell You" ejemplificó la combinación de colores de acordes alterados con líneas cromáticas descendentes y su parte de guitarra para "Lucy in the Sky with Diamonds" de “Sgt Pepper” refleja la línea vocal de Lennon de la misma forma en que un intérprete de sarangi acompaña a un cantante de khyal en una canción devocional hindú .

Everett describió el solo de guitarra de Harrison de "Old Brown Shoe" como "punzante y muy claptonesco". Identificó dos de los motivos importantes de la composición : un tricordio de blues y una tríada disminuida con raíces en A y E.






Huntley llamó a la canción "un tema rockero candente con un feroz... solo". En opinión de Greene, la demostración de Harrison de "Old Brown Shoe" contiene "uno de los solos de guitarra solista más complejos de cualquier canción de los Beatles".

La actuación de Harrison en “Abbey Road”, y en particular en "Something", marcó un momento significativo en su desarrollo como guitarrista. El solo de guitarra de la canción muestra una variada gama de influencias, incorporando el estilo de guitarra de blues de Clapton y los estilos de las gamakas indias.

Según el autor y musicólogo Kenneth Womack : "Something serpentea hacia el más inolvidable de los solos de guitarra de Harrison... Una obra maestra en simplicidad, llega hasta lo sublime".

Después de que Delaney Bramlett lo inspirara a aprender a tocar la guitarra slide, Harrison comenzó a incorporarla en su trabajo solista, lo que le permitió imitar muchos instrumentos tradicionales indios, incluidos el sarangi y la dilruba.

Leng describió el solo de guitarra slide de Harrison en "How Do You Sleep?" como un punto de partida para "el dulce solista de Something", calificando su forma de tocar como "una de las mayores declaraciones de guitarra de Harrison". Lennon comentó: "Eso es lo mejor que ha tocado en su vida".





Una influencia hawaiana es notable en gran parte de la música de Harrison, desde su trabajo con guitarra slide en “Gone Troppo” (1982) hasta su interpretación televisada del estándar de Cab Calloway "Between the Devil and the Deep Blue Sea" con ukelele en 1992.

Lavezzoli describió el slide de Harrison en el instrumental ganador del Grammy "Marwa Blues" (2002) como una demostración de influencias hawaianas mientras comparaba la melodía con un sarod o veena indio, calificándolo como "otra demostración más del enfoque de slide único de Harrison".

Harrison era un admirador de George Formby y miembro de la Sociedad de Ukelele de Gran Bretaña, y tocó un solo de ukelele al estilo de Formby al final de "Free as a Bird".

Actuó en una convención de Formby en 1991 y se desempeñó como presidente honorario de la George Formby Appreciation Society.

Harrison tocó el bajo en algunas pistas, incluidas las canciones de los Beatles "She Said She Said", "Golden Slumbers", "Birthday" y "Honey Pie". También tocó el bajo en varias grabaciones en solitario, incluidas "Faster", "Wake Up My Love" y "Bye Bye Love".





Guitarras

Cuando Harrison se unió a los Quarrymen en 1958, su guitarra principal era una Höfner President Acoustic, que pronto cambió por una Höfner Club 40.

Su primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido fue una Jolana Futurama/Grazioso de fabricación checa.

Las guitarras que utilizó en las primeras grabaciones eran principalmente modelos Gretsch, tocadas a través de un amplificador Vox, incluida una Gretsch Duo Jet que compró de segunda mano en 1961 y con la que posó en la portada del álbum “Cloud Nine” (1987).

También compró una Gretsch Tennessean y una Gretsch Country Gentleman, que tocó en "She Loves You" y durante la aparición de los Beatles en 1964 en The Ed Sullivan Show.

En 1963, compró una Rickenbacker 425 Fireglo, y en 1964 adquirió una Rickenbacker 360/12, que fue la segunda de su tipo que se fabricó.

Harrison obtuvo su primera Fender Stratocaster en 1965 y la usó por primera vez durante la grabación de álbum “Help!” ese febrero; también la usó al grabar “Rubber Soul” ese mismo año, sobre todo en la canción "Nowhere Man".

A principios de 1966, Harrison y Lennon compraron cada uno Epiphone Casino, que utilizaron en “Revolver”. Harrison también usó una Gibson J-160E y una Gibson SG Standard mientras grababa el álbum.

Más tarde pintó su Stratocaster con un diseño psicodélico que incluía la palabra "Bebopalula" sobre el golpeador y el apodo de la guitarra, "Rocky", en el clavijero. Tocó esta guitarra en la película “Magical Mystery Tour” (1967) y durante toda su carrera en solitario.

En julio de 1968, Clapton le regaló una Gibson Les Paul que había sido despojada de su acabado original y teñida de rojo cereza, a la que Harrison apodó "Lucy”.

Por esta época, obtuvo una guitarra acústica Gibson Jumbo J-200, que posteriormente le dio a Dylan para que la usara en el Festival de la Isla de Wight de 1969.

A finales de 1968, Fender Musical Instruments Corporation le dio a Harrison un prototipo de Fender Telecaster Rosewood hecho a medida, hecho especialmente para él por Philip Kubicki.

En agosto de 2017, Fender lanzó una edición limitada George Harrison Rosewood Telecaster inspirada en una Telecaster que Roger Rossmeisl creó originalmente para Harrison.

Nota de Presidemente: Os dejo dos videos muy interesantes del canal de Youtube, Rock de Notas, donde dan un repaso a las guitarras que ha usado George Harrison con los Beatles








Reconocimiento

En junio de 1965, Harrison y los demás Beatles fueron nombrados miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Recibieron sus insignias de manos de la Reina en una investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre.

En 1971, los Beatles recibieron un Premio de la Academia a la mejor banda sonora original por la película “Let It Be”.

El planeta menor 4149 Harrison, descubierto en 1984, lleva su nombre, al igual que una variedad de flor de dalia.

En diciembre de 1992, se convirtió en el primer ganador del premio Billboard Century, un honor otorgado a artistas musicales por trabajos importantes. El premio reconoció el "papel fundamental de Harrison en sentar las bases para el concepto moderno de la música mundial" y por haber "avanzado la comprensión de la sociedad sobre el poder espiritual y altruista de la música popular".

La revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 11 en su lista de los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos".

También ocupa el puesto 65 en la lista de los "100 mejores compositores de todos los tiempos" de la misma revista.

El legado musical y la vida de George Harrison fueron el tema principal de la revista Time en su publicación del 10 de diciembre de 2001, marcando la primera portada dedicada a una persona o a un tema en especial tras los atentados del 11-S.

En 2002, en el primer aniversario de su muerte, se celebró el Concierto para George en el Royal Albert Hall. El evento fue organizado por su viuda, Olivia, y su hijo Dhani Harrison, mientras que la dirección musical recayó en manos de Eric Clapton.

El concierto comenzó con una sección de música india encabezada por Anoushka Shankar, hija de Ravi Shankar, al interpretar "Your Eyes".

Posteriormente, Anoushka y Jeff Lynne interpretaron "The Inner Light" para dejar paso a la composición de Ravi Shankar "Arpan" (que se puede traducir por "dar" y que según el músico indio definía el espíritu de Harrison), especialmente escrita para la ocasión.

Tras la sección de música india, tuvo lugar un interludio protagonizado por miembros de Monty Python, entre los que figuraban Michael Palin, Eric Idle, Terry Jones y Terry Gilliam, junto a Tom Hanks, cantando "Sit On My Face" y "The Lumberjack Song".

El resto del evento incluyó las composiciones de George Harrison interpretadas por artistas invitados, entre los que figuraban Paul McCartney, Ringo Starr, Eric Clapton, Jeff Lynne, Tom Petty and the Heartbreakers, Billy Preston, Jools Holland, Albert Lee, Sam Brown, Gary Brooker, Joe Brown, Ray Cooper, Marc Mann, el hijo de Harrison Dhani así como muchos más que participaron en las grabaciones de los álbumes de Harrison a lo largo de los años.
Nota de Presidemente: Os recomiendo ver el concierto entero, está en Youtube, menuda pedazo de banda que se juntó.

Las canciones interpretadas en el concierto proceden tanto de su etapa con The Beatles como de su carrera musical en solitario, generalmente respetando los arreglos originales de las canciones.

Algunos éxitos del concierto incluyen la versión de "Isn't It A Pity" interpretada por Clapton y Preston, "Photograph", cantada por Ringo, "Something", interpretada por McCartney con el ukelele al comienzo, y la reunión de McCartney, Starr y Clapton por primera vez desde su grabación en "While My Guitar Gently Weeps". Nota de Presidemente: El video de "While My Guitar Gently Weeps" de otro concierto homenaje a Harrison ya está en el post del nº 33, Prince.






Las ganancias del concierto se destinaron a la organización benéfica de que Harrison fundó en 1973, la Material World Charitable Foundation.

En 2004, Harrison fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll como solista por sus ex compañeros de banda Lynne y Petty, y en el Paseo de la Fama del Madison Square Garden en 2006.

El 14 de abril de 2009, la Cámara de Comercio de Hollywood otorgó a Harrison una estrella en el Paseo de la Fama frente al edificio Capitol Records. McCartney, Lynne y Petty estuvieron presentes cuando se dio a conocer la estrella.

La viuda de Harrison, Olivia, el actor Tom Hanks e Idle pronunciaron discursos en la ceremonia, y el hijo de Harrison, Dhani, pronunció el mantra Hare Krishna. Tras la ceremonia, EMI Records anunció la publicación de “Let It Roll: Songs by George Harrison”, un álbum recopilatorio de la carrera musical de Harrison.

En octubre de 2011 se estrenó una película documental titulada “George Harrison: Living in the Material World”, dirigida por Martin Scorsese. La película presenta entrevistas con Olivia y Dhani Harrison, Klaus Voormann, Terry Gilliam, Starr, Clapton, McCartney, Keltner y Astrid Kirchherr.

Harrison fue honrado póstumamente con el premio Grammy Lifetime Achievement Award de la Academia de la Grabación en los premios Grammy en febrero de 2015.

Un marcador de la Sociedad Histórica del Estado de Illinois en Benton, Illinois , conmemora la visita de Harrison a la ciudad en 1963 para ver a su hermana, lo que lo convirtió en el primer Beatle en visitar los Estados Unidos.

En 2016 se publicó “George Fest (A Night to Celebrate the Music of George Harrison)”, un álbum de versiones en directo grabadas en 2014 durante el concierto tributo organizado en el Fonda Theatre de Los Ángeles. El álbum contó con la participación de artistas como Brian Wilson, Al Jardine, Conan O'Brien o Dhani Harrison, hijo del músico.

En 2017, se inauguró una instalación mural en la ciudad de Harrison pintada por el artista John Cerney.



Se pueden encontrar estatuas de Harrison en todo el mundo, incluidas varias en su Liverpool natal y un busto en el jardín de esculturas Shadhinotar Shagram Triangle en Dhaka, Bangladesh, que conmemora las contribuciones de Harrison a la cultura bangladesí.


Discografía

Con The Beatles
Please Please Me (1963)
With The Beatles (1963)
A Hard Day´S Night (1964)
Beatles For Sale (1964)
Help (1965)
Rubber Soul (1965)
Revolver (1966)
White Album 2 (1966)
Magical Mistery Tour (1967)
Sgt. Pepper Lonely Heart's Club Band (1967)
Abbey Road (1969)
Yellow Submarine (1969)
Let It Be (1970)
1 (2000)
Let It Be... Naked (2003)
Love (2006)

En solitario
Wonderwall Music (1968)
Electronic Sound (1969)
All Things Must Pass (1970)
Living in the Material World (1973)
Dark Horse (1974)
Extra Texture (Read All About It) (1975)
Thirty Three & 1/3 (1976)
George Harrison (1979)
Somewhere in England (1981)
Gone Troppo (1982)
Cloud Nine (1987)
Brainwashed (2002)



Fuentes: multisononline.com, lahiguera.net, last.fm, biografiasyvidas.com, radionica.rocks, bentonil.com, Wikipedia y Flickr

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Pete Townshend

Peter Dennis Blandford "Pete" Townshend es un guitarrista, productor musical, cantante, multiinstrumentista y compositor británico de rock.

Es cofundador, guitarrista, segundo vocalista y compositor principales de The Who, una de las bandas de rock más influyentes de las décadas de 1960 y 1970.

Según declaró Eddie Vedder, líder de Pearl Jam: "The Who es posiblemente el mejor grupo en directo".

Su estilo de interpretación agresivo y sus técnicas de composición poética, con The Who y en otros proyectos, le han valido elogios de la crítica.

Dentro de The Who, Townshend es el principal compositor y ha escrito más de cien canciones para un total de once discos de estudio del grupo, en su mayoría álbumes conceptuales y óperas rock como "Tommy" (1969), "Quadrophenia" (1973) y "Endless Wire" (2006).

Tras la primera disolución del grupo en 1983, publicó trabajos conceptuales en solitario como "Empty Glass" (1980), "White City: A Novel" (1986), "The Iron Man: The Musical by Pete Townshend" (1989) y "Psychoderelict" (1993), y emprendió otras actividades extramusicales como editor de Faber & Faber.

Aunque es conocido principalmente como guitarrista, Townshend también toca teclados, banjo, acordeón, armónica, ukelele, mandolina, violín, sintetizador, bajo y batería.

Es autodidacta en todos estos instrumentos y toca en sus propios álbumes en solitario, en varios álbumes de The Who y como colaborador invitado en una serie de grabaciones de otros artistas.

Townshend también ha contribuido y es autor de numerosos artículos de periódicos y revistas, reseñas de libros, ensayos, libros y guiones, y ha colaborado como letrista y compositor para muchos otros actos musicales.





Pete Townshend nació el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, al oeste de Londres, en el Hospital Chiswick, en el seno de una familia dedicada a la música.

Su padre, Cliff Townshend, tocaba el saxofón alto con la banda de baile de la RAF The Squadronaires, y su madre Betty Dennis cantaba profesionalmente en las orquestas Sidney Torch y Les Douglass.

Los Townshend tuvieron un matrimonio volátil. Ambos bebían mucho y tenían un temperamento feroz. Cliff Townshend estaba a menudo lejos de su familia de gira con su banda mientras Betty tenía aventuras con otros hombres.

Los dos se separaron cuando Townshend era pequeño y lo enviaron a vivir con su abuela materna Emma Dennis, a quien Pete describió más tarde como "clínicamente loca".

"A los cinco años mis padres me abandonaron con mi abuela, una enferma que abusó de mí y permitió que viese escenas sexuales perjudiciales para mi edad y me dejó con personas pervertidas que me hirieron para el resto de mi vida. Me ha costado mucho sobreponerme a estos traumas, es una lucha permanente"

La separación de dos años terminó cuando Cliff y Betty compraron juntos una casa en Woodgrange Avenue, y el joven Pete se reunió felizmente con sus padres.

Su vecindario era un tercio polaco, y una devota familia judía en el piso de arriba compartía su vivienda con ellos y cocinaba con ellos; muchos de los amigos más cercanos de su padre eran judíos.

Townshend dice que no tuvo muchos amigos cuando era niño, por lo que pasó gran parte de su niñez leyendo novelas de aventuras como "Los viajes de Gulliver" y "La isla del tesoro".

Disfrutaba de las frecuentes excursiones de su familia a la costa y a la Isla de Man. Fue en uno de estos viajes en el verano de 1956 que vio repetidamente la película “Rock Around the Clock”, lo que despertó su fascinación por el rock and roll estadounidense.

Poco después, fue a ver a Bill Haley actuar en Londres, el primer concierto de Townshend. En ese momento, no se veía a sí mismo siguiendo una carrera como músico profesional; en cambio, quería convertirse en periodista.

Al aprobar el examen de once años o más, Townshend se matriculó en la escuela secundaria del condado de Acton. En el condado de Acton, fue acosado con frecuencia porque tenía una nariz grande, una experiencia que lo afectó profundamente.

Con doce años, su abuela le regaló su primera guitarra, que el propio Townshend describió como una "cosa barata española".

Aunque su padre le enseñó un par de acordes, fue en gran medida autodidacta en el instrumento y nunca aprendió a leer música.

Las primeras influencias musicales incluyeron a Link Wray, John Lee Hooker, Bo Diddley y Hank Marvin. Según Pete: “Luego escuché rhythm and blues y estaba todo perdido. El primer disco que recuerdo era “Green Onions” de Booker T. Nunca escuché mucho a Muddy Waters o gente así. Fue Steve Crooper quien me convenció de tocar la guitarra”.

Al carecer de las calificaciones necesarias para asistir a la universidad, Pete se enfrentó a la decisión de ir a la escuela de arte, a la escuela de música o conseguir un trabajo.

Finalmente eligió estudiar diseño gráfico en Ealing Art College, matriculándose en 1961. En Ealing, Townshend estudió junto al futuro guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood.

Después de haber tocado brevemente la guitarra, el primer instrumento real de Pete fue el banjo, que tocaba en un grupo de jazz tradicional del colegio llamado The Confederates, donde interpretaban música dixieland con Townshend al banjo y con John Entiwstle tocando la trompa.

Poco después, cuando John empezó a tocar el bajo, los dos amigos se unieron a otra banda de escolares, The Scorpions, con Pete a la guitarra.

Tocaron en el Congo Club, un club juvenil dirigido por la Iglesia Congregacional Acton, y versionaron a Acker Bilk, Kenny Ball y Lonnie Donegan. Sin embargo, ambos se vieron influenciados por la creciente popularidad del rock 'n' roll.

Pete y John asistieron a la escuela secundaria del condado de Acton, donde otro alumno, un poco mayor, Roger Daltrey, tenía una banda de skiffle y rock and roll llamada The Detours.

Roger invitó a John a unirse y unos seis meses después, el núcleo de The Who ya estaba formado cuando John convenció a Roger de que Pete debería unirse también.

La primera guitarra eléctrica de Townshend fue una Harmony Stratocruiser de una sola pastilla, pero cuando entró en The Detours, Daltrey le vendió una Epiphone maciza “con facilidades de pago”.

En los primeros días de The Detours, el repertorio de la banda consistía en instrumentales de The Shadows y The Ventures, así como versiones de pop y jazz tradicional.

Su formación se fusionó en torno a Roger Daltrey a la guitarra rítmica, Townshend a la guitarra principal, Entwistle al bajo, Doug Sandom a la batería y Colin Dawson como vocalista. Daltrey era considerado el líder del grupo y, según Townshend, "dirigía las cosas como él quería".

Dawson renunció en 1962 después de discutir demasiado con Daltrey, quien posteriormente pasó a ser vocalista principal y fue reemplazado por Keith Moon. Como resultado, Townshend, con el apoyo de Entwistle, se convirtió en el único guitarrista.

A través de la madre de Townshend, el grupo obtuvo un contrato de gestión con el promotor local Robert Druce, quien comenzó a contratar a la banda como telonera de bandas como Screaming Lord Sutch, Cliff Bennett and the Rebel Rousers, Shane Fenton and the Fentones, y Johnny Kidd and the Piratas.

En 1963, el padre de Townshend organizó una grabación amateur de "It Was You", la primera canción que escribió su hijo.

The Detours se enteraron de la existencia de un grupo del mismo nombre en febrero de 1964, lo que los obligó a cambiar su nombre. Al compañero de cuarto de Townshend, Richard Barnes, se le ocurrió The Who, y Daltrey decidió que era la mejor opción.

El grupo, compuesto por Townshend, Daltrey, Entwistle y Moon, se adaptó a la cultura mod por sugerencia del publicista Peter Meaden, quien también les convenció para cambiar de nombre y adoptar el de The High Numbers.

Bajo el nuevo nombre, el grupo grabó dos canciones, "I'm the Face" y "Zoot Suit", con tan escaso éxito que echaron a Meaden y firmaron con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, quienes se habían unido con la intención de encontrar nuevos talentos y crear un documental sobre ellos.





La banda se angustiaba por un nombre que todos sentían que representaba mejor a la banda, y abandonó el nombre de High Numbers, volviendo a The Who.

Ellos aceptaron la imagen mod hasta cierto punto, combinándola con llamativos diseños “Op art”. Su música fuerte y de alta energía, muy influida por el R&B americano, reflejaba la frustración juvenil de su generación. Cuando cambió su nombre por el de The Who, la banda se había erigido en representante del movimiento mod.

Bajo el nuevo nombre de The Who, Pete pronto se encontró a la vanguardia del boom musical británico de los años sesenta.

El formato básico de guitarra, bajo y batería, sin demasiados solos, permitía a John Entwistle y Keith Moon mucha más libertad que la que habrían tenido con las restricciones de una sección rítmica convencional.

Como guitarrista y compositor de la banda, se convirtió en la fuerza impulsora detrás de uno de los trabajos más poderosos, inventivos y articulados del rock.

Con la ayuda de Lambert, The Who llamó la atención del productor discográfico estadounidense Shel Talmy, quien hizo que la banda firmara un contrato discográfico.

Townshend escribió una canción, "I Can't Explain", como un sonido similar deliberado de The Kinks, otro grupo producido por Talmy. Lanzado como sencillo en enero de 1965, fue el primer éxito de The Who, alcanzando el número ocho en las listas británicas.







Un sencillo de seguimiento "Anyway, Anyhow, Anywhere", acreditado tanto a Townshend como a Daltrey, también alcanzó el top 10 en el Reino Unido.

Sin embargo, fue el lanzamiento del tercer sencillo, "My Generation", lo que según el biógrafo de The Who, Mark Wilkerson, "consolidó su reputación como una banda dura que reflejaba los sentimientos de miles de personas enojadas fuera de los adolescentes en ese momento".

El sencillo escrito por Townshend alcanzó el número dos en las listas del Reino Unido, convirtiéndose en el mayor éxito de The Who. La canción y su famosa frase "espero morir antes de envejecer" trataba "en gran medida de tratar de encontrar un lugar en la sociedad", afirmó Townshend en una entrevista con David Fricke.

Sus primeros éxitos tenían todos un estilo rudo y sin concesiones que contrastaba con el de otras bandas de la época pero que facilitaron la consolidación del grupo como un referente musical de la década de 1960 en el Reino Unido.

The Who fueron una de las primeras bandas que se situaron a caballo entre el pop y el rock duro, y se convirtieron en uno de los grupos más admirados e imitados de los sesenta.

Townshend canalizó su expresión personal a través del sonido general del grupo, de las canciones que escribía, de su guitarra rítmica y de su número visual en escena.

Esto le distinguía de sus contemporáneos. Jeff Beck y Eric Clapton, por ejemplo, eran guitarristas solistas, pero Townshend no. Frustrado porque no podía conseguir la clase de sonidos que sacaban Clapton y Beck, descubrió su propia solución.

Pete pasó toda la década de los sesenta y gran parte de los setenta concentrando sus energías creativas en The Who. En concierto fue reconocido como el guitarrista más visual de su generación y de las futuras, corriendo por el escenario, saltando en el aire y haciendo girar su brazo sobre las cuerdas en su estilo característico de "molino de viento".

Curiosamente, la inspiración para tan emblemático movimiento, consistente en balancear con violencia su brazo antes de rasguear las cuerdas con toda su energía, la tomó de los Rolling Stones.

Más concretamente de Keith Richards. En cierta ocasión de los inicios de The Who, Pete fue invitado a ver un concierto de sus satánicas majestades en Inglaterra entre bastidores. Ahí, desde uno de los costados, vio cómo Keith estiraba su brazo derecho en círculo e incluso tocaba un par de notas de esa manera.

Aquello le llamó poderosamente la atención, pero cuando unas semanas más tarde le preguntó al guitarrista de los Stones cómo lo hacía, este no entendía de qué le estaba hablando. Pete continuó: "Sí, ya sabes, ese movimiento tan genial que haces, como un molinillo", lo que colmó la paciencia del pirata del rock, que le espetó algo así como "soy Keith Richards, ¿de verdad crees que voy a hacer ballet?".

Desarrolló un estilo de guitarra único, un cruce entre ritmo y solista que variaba desde patrones de acordes furiosamente rasgueados y acordes potentes crujientes hasta escalas cromáticas y delicados toques con los dedos.

Para entonces, Townshend, inventor del “acorde de potencia” (o power chord) y pionero del uso del acople controlado, había desarrollado un estilo único de tocar. En escena lo combinaba con acrobacias, creando una sólida y potente base para el resto de la banda.

También fue uno de los primeros músicos conocidos por destruir instrumentos durante los conciertos, a menudo lanzando los fragmentos rotos de la guitarra contra los amplificadores.

La primera vez que rompió una guitarra tuvo lugar en junio de 1964, durante una actuación en Railway Tavern, Townshend rompió accidentalmente la parte superior de su guitarra al lanzarla accidentalmente contra el techo.

Cuando el público empezó a reírse, Townshend hizo pedazos el resto de la guitarra, cogió una de doce cuerdas y acabó con ella el concierto, como si nada hubiera sucedido. A la noche siguiente, el club estaba abarrotado. Desde entonces, la destrucción ritual del equipo se convirtió en una parte habitual durante los conciertos de The Who, en los que Keith Moon también solía destrozar su batería introduciendo pirotecnia en el bombo.

Townshend relacionó su actitud con las teorías del artista Gustav Metzger sobre el arte autodestructivo, que estudió en la escuela de arte, si bien en otra ocasión admitió que era un simple truco para dar personalidad al grupo y darle la publicidad que necesitaban para ser conocidos.

The Who comenzó su primera gira por Estados Unidos el 22 de marzo de 1967, y sus actuaciones, que incluían la destrucción de sus instrumentos, les permitieron obtener un gran número de seguidores en ese país.

Townshend empezó a destrozar las suites de su hotel, aunque no tanto como su compañero de banda Moon. También comenzó a experimentar con LSD, aunque dejó de tomar la droga después de recibir un potente golpe después del Festival Pop de Monterey el 18 de junio.

Su presentación en el festival, junto con el debut televisivo de la banda en tierras estadounidenses en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, ayudaron al grupo a ganar un gran nivel de popularidad. En este último, la banda interpretó "My Generation", en donde Moon, cargó su bombo con explosivos que detonó al final de la canción.

La explosión, que causó que el pelo de Townshend comenzara a incendiarse, contribuyó a que el guitarrista padeciera de sordera parcial (lo que posteriormente se transformó en tinnitus) y que uno de los platillos de Moon le cortara el brazo. El canal de televisión VH1, colocó esta presentación en el número diez de su lista de los "Grandes Momentos del Rock and Roll en Televisión".

Durante ese verano, salieron de gira como teloneros de Herman's Hermits. En ese período se produjo un famoso incidente en el Holiday Inn de Flint, Míchigan, durante el cumpleaños de Keith Moon, lo que consolidó su reputación autodestructiva.

Moon detonó un cartucho de dinamita en el baño y posteriormente, se tiró montado en un Cadillac a la piscina del hotel. Si bien, el administrador toleraba los actos desenfrenados de la banda, siempre y cuando se le pagaran los daños, tras este incidente, The Who tuvieron prohibida la entrada en todos los hoteles Holiday Inn de por vida.

En 1968 la banda publicó "Magic Bus", uno de sus sencillos más importantes, convirtiéndose pieza fija en los conciertos del grupo por aquella época. Townshend, que había dejado las drogas y había comenzado a buscar un lado más espiritual en su vida, empezó a planificar su siguiente álbum.

El manager Kit Lambert persuadió a Townshend de que escribiera una pieza larga “para llenar espacio” cuando se quedaron cortos en diez minutos de material para su segundo álbum.

Aún convencido de que una canción pop no podía durar más de tres minutos, Townshend no supo que hacer. Entonces Lambert le sugirió que enlazara varias canciones cortas con un motivo general.

El resultado fue “Rael 1 & 2″, que apareció en su álbum “The Who Sell Out”, lanzado en diciembre. Un álbum conceptual pionero ideado por Townshend que criticaba el excesivo comercialismo y basado en la radio pirata, que había sido fundamental para aumentar la popularidad de The Who.

Incluía varios jingles humorísticos y anuncios simulados entre canciones, y el mayor sencillo de The Who en Estados Unidos, "I Can See for Miles". A pesar del éxito de "I Can See for Miles", que alcanzó el puesto número 9 en las listas estadounidenses, Townshend se sorprendió de que no fuera un éxito aún mayor, ya que la consideraba la mejor canción que había escrito hasta ese momento.






En 1968, Townshend se interesó en las enseñanzas de Meher Baba, un gurú autoproclamado Avatar que enlazaba elementos de las escuelas vedanta y mística.

La influencia de Baba permitió a Townshend componer "Tommy", su primera ópera rock completa y uno de los trabajos mejor valorados del grupo por la prensa musical.

Tommy fue lanzado como álbum doble, destacando por poseer temáticas que se repetían a lo largo del disco, que le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia.

Este relata la vida de Tommy, un niño que presencia el asesinato de su padre (al que creían muerto en la II Guerra Mundial) por parte del amante de su madre. Estos lo obligan a borrar de su cabeza el incidente, cayendo en un estado de autismo, quedando sordo, ciego y mudo. Creció viajando a través de sus sueños y fantasías, desarrollando una habilidad increíble en el pinball,pero sin poder volver a la normalidad.

Cuando su madre decide romper el espejo en donde Tommy pasaba sus días observándose, este recupera las facultades perdidas, siendo todo un acontecimiento en la ciudad. Este milagro lo catapulta al nivel de mesías, organizando un campamento junto con sus seguidores, que posteriormente lo abandonarían por sus planteamientos un tanto demagogos y autoritarios.

El álbum explora temas que Townshend consideraba de actualidad a finales de la década de 1960, como la cultura de las drogas, la sexualidad y la naturaleza efímera de atención pública.

El álbum, que alcanzó el puesto dos en la lista de discos más vendidos del Reino Unido y el cuatro en la lista estadounidense Billboard 200, fue sujeto de varias adaptaciones orquestales, cinematográficas y musicales y lanzó a The Who al estrellato, originando efectivamente el concepto de ópera rock y llevando la música de la banda a una audiencia más amplia.

El primer sencillo del disco fue "Pinball Wizard", que alcanzó el Top 5 en las listas musicales inglesas. Fueron sencillos además "I'm Free" y "See Me, Feel Me", este último lanzado para capitalizar la aparición en el documental "Woodstock: 3 Days of Peace & Music".

En apoyo de "Tommy", The Who se lanzó a una gira que incluyó una aparición memorable en el Festival de Woodstock el 17 de agosto.

Mientras The Who tocaban, la líder de los Yippie, partido político antiautoritario, pro libertad de expresión y antimilitarista, altamente teatral, establecido en Estados Unidos de América en 1967, Abbie Hoffman, saltó al escenario para quejarse del arresto de John Sinclair.

Townshend rápidamente la sacó del escenario con su guitarra y gritó: "¡Vete a la mierda de mi puto escenario!".

La actuación en el Festival de Woodstock lanzó a la banda a la tradición de la música rock, aunque Townshend más tarde profesó su disgusto por la experiencia.






Townshend compuso la mayoría de las canciones de "Tommy" y fue la voz principal en algunas de las pistas, incluidas “1921” y “The Acid Queen”. El álbum fue la base para la película de 1975 “Tommy” y la producción teatral musical “The Who's Tommy”, que se estrenó en Broadway en 1993.

En 1970, The Who lanzaron “Live at Leeds”, que varios críticos musicales citan como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos.

Fue lanzado originalmente con 8 canciones, entre las cuales se incluía "Summertime Blues", cover de Eddie Cochran y único sencillo del álbum. En ediciones posteriores, se amplió el número de canciones, debido a limitaciones técnicas en la grabación original, que con el tiempo se remediaron.

Se añadieron la interpretación de los primeros sencillos de la banda, comentarios de los integrantes en el concierto y algunos temas de "Tommy", hasta la remasterización por completo de aquel disco en la presentación, que se incluye en la edición deluxe de 2001. La Universidad de Leeds fue parte de la gira de "Tommy", que no solo incluyó conciertos en teatros de ópera europeos, sino también, en el Metropolitan Opera House de Nueva York, siendo el primer espectáculo de rock en aquel recinto. En marzo, The Who publicó "The Seeker", que alcanzó el Top 20 en las listas del Reino Unido.

La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970. Esa presentación fue editada en 1996 como un álbum doble, "Live at the Isle of Wight Festival 1970)".

Después del enorme interés que la banda generó tras el nuevo concepto de ópera rock plasmado en Tommy, las enseñanzas de Baba y su interés por la ciencia ficción motivaron a Townshend a componer “Lifehouse”, una nueva ópera destinada a suceder a “Tommy”

Townshend diseñó “Lifehouse” como un proyecto múltiple, con vistas a publicar un doble álbum, una adaptación cinematográfica y un concierto interactivo con el público, en el que exploró la idea de que la música era la base fundamental de la creación, y que cada ser humano tenía una única melodía que describe exclusivamente su existencia.

Acerca de este nuevo proyecto, Townshend declaró: "¿Cual puede ser el tema de esta nueva pieza, "The Life House"? Quería que fuera sobre música, sobre el futuro, sobre la esperanza, pero quería que estuviera anclado a la realidad, que tratara problemas reales. ¿Cómo crear un personaje sordo, ciego y mudo sin repetirme? Ya sé, vivirá en el futuro".

"Lo pondré en un traje espacial, rechazará vivir en la realidad, vivirá en un mundo imaginario, viciado. Tendrá una vida de trono, vivirá la vida que los cineastas, los mentirosos, los publicistas, los manipuladores políticos y los controladores quieran que viva. Será sordo, ciego y mudo a los recursos del espíritu, que le dan la libertad de unirse a los otros seres humanos, de integrarse con ellos y de tener una vida verdadera".

Para Chris Stamp, mánager de la banda, el concepto no era del todo fantástico, pero incentivó a Townshend en la producción del mismo, ya que las mismas interrogantes habían aparecido previa grabación de "Tommy".

Frank Dunlop, director artístico del teatro Young Vic, ofreció a Townshend el lugar para desarrollar el proyecto, debido a su excelente acústica y espacio. Pete quería trabajar este musical revolucionario como una forma de pregonar como vivir, enfocado principalmente a la juventud, para ello, era imprescindible la realización de un documental en conjunto al trabajo musical.

Sin embargo, el proyecto significó muchas interrogantes para el entorno de Townshend. Daltrey declaró: "Pete escribió una suerte de guion simplificado, que no tenía sentido, nadie entendía nada". Entwistle por su parte, dijo: "Se pensaba que ocuparíamos Young Vic y que el público viviese con nosotros. A decir verdad, no entendí. No funcionó porque la poca gente que venía volvía a casa para la hora del té. Fue un fracaso". Incluso, para el agente de prensa de la banda, Keith Altham, el concepto era irreconocible: "Tenía que hacer un esfuerzo para entender y para captar una idea tan compleja".

"Lifehouse" se estancó, no se trabajaba en las canciones ni en las historias, por lo que el productor Kit Lambert decidió trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba más innovaciones técnicas.

Sin embargo, la vida nocturna y el entorno desenfrenado de esta, detuvo aún más las posibilidades de que el proyecto funcionase. El grupo regresó a Inglaterra sin ningún avance, por lo que Glyn Johns recomendó detener el proyecto y grabar las canciones más destacadas de él. Fue así como en mayo de 1971 se comenzó a grabar "Who's Next".

Lanzado en 1971, "Who's Next" contenía nueve temas, incluyendo canciones como "Baba O'Riley", escrita como una oda de Townshend a sus dos héroes de la época, Meher Baba y el compositor Terry Riley y "Won't Get Fooled Again", que se destacaban por el uso de sintetizadores, que solían establecer ritmos repetitivos (o se usaban para diversos efectos, como en "Bargain" y "The Song Is Over", y que iban a ser uno de los aspectos más importantes de "Lifehouse".






El sonido es radicalmente distinto al de los discos anteriores de la banda: la voz de Daltrey había evolucionado y sonaba como un poderoso rugido, mientras que el sonido de la batería de Keith Moon había cambiado. Esto, sumado a los sintetizadores y la impecable producción, hicieron que "Who's Next" comenzara a ser considerado como uno de los primeros álbumes de arena rock, ya que era mucho más grandilocuente y ampuloso que sus antecesores.

Townshend siguió centrando su actividad como compositor en la creación de nuevas óperas.

Decidió que exploraría la subcultura mod y sus enfrentamientos con los rockeros a principios de la década de 1960 en el Reino Unido y dos años después, The Who publicó “Quadrophenia”, otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod.

El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su exnovia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 1960, en Brighton.

“Quadrophenia”, fue el único álbum de The Who escrito íntegramente por Townshend, y él también produjo el álbum debido al deterioro de las relaciones con Lambert.

El álbum siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal, lo que llevó a que sus detractores sostuvieran que era demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente.

Las cintas funcionaron mal durante una actuación en Newcastle, lo que llevó a Townshend a arrastrar al técnico de sonido Bob Pridden al escenario, gritarle y patear todos los amplificadores, destruyendo parcialmente las cintas que funcionaban mal.

Antes de que esa gira comenzara, la esposa de Keith Moon lo dejó y se llevó con ella a su hija, lo que causó que Moon comenzara a consumir más bebidas alcohólicas. Por esta razón se desmayó durante un show en San Francisco, por lo que debió ser sustituido para el resto del mismo por Scott Halpin, un miembro de la audiencia.

Aunque el álbum obtuvo un notable éxito al alcanzar el segundo puesto tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, fue la base de un distanciamiento interno debido al creciente problema de alcoholismo de Townshend y al bajo rendimiento musical de Moon.

El 14 de abril de 1974, Townshend tocó su primer concierto en solitario, un evento benéfico para recaudar fondos para un centro comunitario de Londres.

Una versión cinematográfica de "Tommy" fue dirigida por Ken Russell y protagonizada por Roger Daltrey en el papel principal, Ann-Margret como su madre y Oliver Reed como su padrastro, con cameos de Tina Turner, Elton John, Eric Clapton y otros notables del rock; la película se estrenó el 18 de marzo de 1975.

Townshend fue nominado a un Premio de la Academia por la música y adaptación de la música de la película.

Los problemas de Townshend aumentaron: estaba cansado de tocar con la banda, comenzó a consumir alcohol más seguido, y sufrió un colapso nervioso, además de sentirse más viejo por cumplir 30 años. Esto llevó a que el siguiente álbum de la banda, "The Who By Numbers", fuese un álbum más depresivo y menos energético, que trataba sobre los problemas de Townshend.

“The Who by Numbers” salió en noviembre de ese año y alcanzó el puesto número 7 en el Reino Unido y 8 en los EE. UU. Presentaba canciones introspectivas, a menudo con una inclinación negativa. El álbum generó un sencillo exitoso, "Squeeze Box", que fue escrito después de que Townshend aprendiera a tocar el acordeón.

Durante la gira siguiente se le diagnosticó un caso de tinnitus (muchos especularon que había sido causado por los ruidosos conciertos del grupo, pero Townshend sostuvo que era por escuchar música con auriculares en un volumen demasiado alto), por lo que dejaron de tocar en 1976 por algún tiempo.

Un crítico consideró a “The Who by Numbers” como la "nota suicida" de Townshend.

Después de una gira de 1976, Townshend se tomó un descanso de un año de la banda para concentrarse en pasar tiempo con su familia.

La actividad de The Who tanto en el estudio de grabación como en directo disminuyó progresivamente desde mediados de la década de 1970 debido tanto a la incapacidad de Moon por soportar la carga de trabajo como al creciente interés de Townshend en emprender otros intereses no relacionados con la música.

En 1977, fundó Eel Pie Publishing, una editorial especializada en literatura infantil, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba, y abrió la librería Magic Bus en Londres.

Además, participó activamente en la elaboración del guion y de la banda sonora de las adaptaciones cinematográficas de “Tommy” y “Quadrophenia”.

En esa época, el grupo grabó un documental sobre su historia llamado "The Kids Are Alright", que incluía, entre otras cosas, imágenes de sus presentaciones en vivo.

El grupo regresó a los estudios en 1978, y grabó "Who Are You", el octavo álbum de estudio del grupo publicado por las compañías discográficas MCA y Polydor Records, un álbum más accesible y con un mayor uso de sintetizadores. El mismo incluía una canción de John Entwistle de una ópera rock que nunca fue completada.

El álbum supuso el fin de un largo periodo de tres años desde “The Who By Numbers”, el último álbum de estudio del grupo hasta ese entonces. Durante la época, los componentes del grupo comenzaron a emprender diversos proyectos en solitario, al mismo tiempo que Moon sufrió una fuerte dependencia del alcohol y de las drogas.

Ello llevó a un deterioro creciente de su salud que fue objeto de preocupación durante las sesiones de grabación, ya que solo logró llegar a las mismas durante las últimas semanas y se vio incapaz de tocar la batería en un compás de 6/8 durante la canción “Music Must Change”. Debido a eso, la pista de batería fue eliminada de la cinta maestra y sólo se añadieron unos toques de platillos.

Moon aparece en la portada sentado en una silla en la que se lee: "Not to be taken away" (en español: "No quitar"). Moon insistió en sentarse con el respaldo de la silla hacia delante con el fin de ocultar su distensión abdominal, producto del abuso de alcohol.

El 7 de septiembre de ese año (20 días después del lanzamiento del álbum), Keith Moon falleció mientras dormía, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían recetado para controlar su alcoholismo.

En un comunicado posterior a su muerte, Townshend escribió: "Hemos perdido a nuestro cómico, nuestro melodrama supremo, el hombre, que además de ser el batería de rock más impredecible y espontáneo, se habría prendido fuego si creía que con eso haría reír al público o levantarles de sus asientos. Él nos condujo a momentos difíciles muchas veces, pero siempre tuvo nuestro amor. Le queremos y ahora se ha ido".

“Who Are You” vio la luz en un momento en que los dos campos predominantes del rock, el rock progresivo y el punk rock, mantenían marcados estilos diferentes.

Las composiciones de Pete Townshend fueron escritas como un intento de unir ambos estilos, con estructuras musicales complejas y un uso abundante de sintetizadores y de orquestación. Varias composiciones también representaron un nuevo intento de Townshend por retomar “Lifehouse”. Al igual que “Who's Next”, parte de las canciones estuvieron inspiradas en “Lifehouse”.

El álbum obtuvo un notable éxito comercial, al alcanzar el puesto dos en la lista estadounidense Billboard 200, solo por detrás de la banda sonora de “Grease”, y la posición cuatro en la lista de discos más vendidos del Reino Unido.

Además, fue certificado como doble disco de platino por la RIAA al superar los dos millones de copias vendidas en los Estados Unidos, y como disco de oro en el Reino Unido al vender más de 100 000 copias. El éxito de “Who Are You” generó expectación ante la perspectiva de una nueva gira de promoción del disco.

Apenas unos años después de la muerte de Moon, Townshend decidió continuar tocando con The Who y recomendó a Kenney Jones como sustituto en la batería.

El grupo también se amplió con la presencia del teclista John Bundrick, que había sido invitado a participar en la grabación de “Who Are You”, pero que no llegó a participar debido a una fractura de brazo que sufrió poco antes de comenzar las sesiones.

En los siguientes tres años, el grupo salió frecuentemente de gira y publicó dos álbumes, “Face Dances” (1980) e “It's Hard” (1982).

"Face Dances" dio lugar al sencillo "You Better You Bet", que alcanzó el puesto 19 en las listas de sencillos. A pesar de las mejorables ventas de ambos trabajos y de la reseña de cinco estrellas de la revista musical Rolling Stone para “It's Hard”, muchos seguidores no se encontraron receptivos con el nuevo sonido.






Aun así, "Athena" obtuvo un éxito menor en los Estados Unidos, mientras que "Eminence Front" también alcanzó las listas de éxitos y pasó a engrosar la lista de canciones favoritas del público. Poco después de la publicación de "It's Hard", The Who se embarcó en una gira de despedida, después de que Pete Townshend hiciera público su alcoholismo y su recuperación, así como su intención de convertir a The Who en una banda de estudio.

Después del último concierto en diciembre de 1982, Townshend pasó parte de 1983 intentando componer nuevo material para un trabajo de estudio de The Who, obligado por términos contractuales con Warner Bros. Records.

A pesar de todo, a finales de 1983, Townshend declaró que se sentía incapaz de generar nuevo material apropiado para The Who y publicó un comunicado en el que anunciaba su decisión de abandonar el grupo.

A partir de 1984, Townshend se embarcó en una carrera en solitario en la música y otros campos.

Aun así, el 13 de julio de 1985, los cuatro miembros de The Who, incluido Kenney Jones, reformaron el grupo para actuar en el concierto Live Aid, organizado por Bob Geldof. El grupo tocó "My Generation", "Pinball Wizard", "Love Reign O'er Me" y "Won't Get Fooled Again".

En 1988, The Who fue galardonado con el premio a toda la carrera musical por la Industria Fonográfica Británica en una ceremonia que supuso el último trabajo de Kenney Jones dentro del grupo.

En 1989, el grupo se embarcó en una gira aniversario de "The Kids Are Alright" que acabó conmemorando el álbum "Tommy" en dos conciertos: uno en Nueva York y otro en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles, con invitados especiales como Elton John, Phil Collins, Billy Idol, Patti LaBelle y Steve Winwood.

En 1990, The Who fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de la mano de U2, con Bono diciendo: "Más que cualquier otra banda, The Who son nuestro espejo".

En 1991, The Who grabó una versión de la canción de Elton John "Saturday Nights Alright for Fighting" para un álbum tributo.

En 1992 Roger Daltrey asiste y participa en el concierto en tributo a su amigo de toda la vida Freddie Mercury donde canta acompañado del guitarrista de Black Sabbath Tony Iommi, y los miembros restantes de Queen Brian May, Roger Taylor y John Deacon la canción "I Want It All". Esta participación fue muy aclamada ya que fue el primero en cantar esta canción en vivo y mostró una gran vocalización. El público no dejó de aclamarle cuando no paraba de dar vueltas al cable del micrófono.

En 1994, se produjeron varios rumores en torno a una gira conmemorativa del trigésimo aniversario de la formación de The Who que no llegaron a fraguar. Aun así, Roger Daltrey celebró su cincuenta cumpleaños con dos conciertos en el Carnegie Hall en los que fueron invitados John Entwistle y Pete Townshend, quienes aparecieron al final del concierto, junto a otros músicos, interpretando "Join Together". A finales de año, Daltrey salió de gira junto a John Entwistle y una orquesta.

Townshend fue solicitado para unirse a un macroconcierto en el Hyde Park de Londres. Townshend intentó interpretar "Quadrophenia" en una sola pieza acústica, usando partes de la película a través de pantallas.

Tras contactar con Entwistle y Daltrey, la idea sentó bases. La banda aumentó con las incorporaciones de Zak Starkey en la batería, John Douglas "Rabbit" Bundrick en los teclados y Simon Townshend y Geoff Whitehorn en la guitarra.

El concierto fue narrado por Phil Daniels en el papel de Jimmy. A pesar de ciertas dificultades técnicas, el evento cosechó un gran éxito al colgar el cartel de "lleno" durante seis noches en el Madison Square Garden de Nueva York, a pesar de que los conciertos no fueron acreditados al nombre de The Who.

Tras la recreación de "Quadrophenia", The Who volvieron a unirse en el verano de 1997 para una nueva gira. En un descanso temporal, Pete Townshend ofreció varios conciertos acústicos en solitario, John Entwistle reorganizó la banda The John Entwistle Band y Roger Daltrey salió de gira con la Orquesta Sinfónica de Londres, interpretando temas de The Who y clásicos del rock acompañado de orquestación.

A finales de 1999, The Who llevó a cabo siete conciertos destinados a recaudar fondos benéficos. Las canciones fueron extraídas en su mayoría de "Who's Next" y se incluyeron temas poco frecuentes en las listas de canciones habituales en los conciertos de The Who.

El primer concierto tuvo lugar el 29 de octubre de 1999 en el MGM Grand Garden de Las Vegas. A continuación, el grupo tocó en dos conciertos en el Annual Bridge School Benefit de Neil Young los días 30 y 31 de octubre. Los días 12 y 13 de noviembre tocaron en el House of the Blues de Chicago. El concierto del 29 de octubre en Las Vegas fue retransmitido por televisión e Internet y posteriormente publicado como DVD semioficial en The Vegas Job.

Actualmente The Who continúa a pesar de la muerte de dos de los miembros originales (Keith Moon en 1978 y John Entwistle en 2002). Muchos críticos de rock consideran a la banda como una de las mejores bandas en vivo desde la década de 1960 hasta la de 2000.

En 2000, Townshend completó la ópera rock “Lifehouse” con la publicación de la caja recopilatoria “Lifehouse Chronicles”, en la que incluyó demos del proyecto y un radioteatro sobre la obra emitida en la BBC Radio en diciembre de 1999.

Además, centró su actividad compositiva en The Who y salió de gira con el grupo de forma casi anual. A pesar de la muerte de John Entwistle el 27 de junio de 2002, Townshend aseguró la continuidad del grupo con Roger Daltrey y mantuvo la gira programada por los Estados Unidos entre agosto y septiembre.






Hasta el presente, Townshend ha participado en una serie de giras con los miembros supervivientes de The Who aclamadas por la crítica en el siglo XXI, incluidas actuaciones de gran prestigio en The Concert for New York City en 2001, una gira de 2002 que continuó a pesar de la muerte de Entwistle, Festival de la Isla de Wight de 2004, Live 8 en 2005 y el Festival de Glastonbury de 2007.

En febrero de 2006, se anunció una importante gira mundial de The Who para promocionar su primer álbum nuevo desde 1982.

El 25 de febrero de 2006, anunció la emisión de una mini ópera inspirada en la novela corta para junio de 2006. En octubre de 2006, The Who lanzó su primer álbum en 24 años, “Endless Wire”.

The Who actuó en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV el 7 de febrero de 2010, tocando un popurrí de canciones que incluían "Pinball Wizard", " Who Are You ", "Baba O'Riley" y "See Me Feel Me".

En 2012, The Who anunció que realizarían una gira con la ópera rock "Quadrophenia" .

The Who fueron los últimos artistas en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres, interpretando un popurrí de "Baba O'Riley", "See Me, Feel Me" y "My Generation".

El 2 de septiembre de 2017 en Lenox, Massachusetts, Townshend se embarcó con su colega cantante y músico Billy Idol, el tenor Alfie Boe y una orquesta en una breve gira (de cinco fechas) por Estados Unidos, "Classic Quadrophenia", que finalizó el 16 de septiembre de 2017 en Los Ángeles, California.

El 22 de marzo de 2018, Townshend declaró que un nuevo álbum de The Who debería incluir canciones originales de Roger Daltrey y de él. Ese álbum, titulado simplemente “Who”, fue lanzado el 6 de diciembre de 2019. Fue el segundo álbum de la banda como dúo, y el primero en trece años.


Trabajo en Solitario

De forma paralela a su trabajo en The Who, y debido a su creciente interés en Baba, entre 1969 y 1971 Townshend, junto con otros devotos, grabó “Happy Birthday”, un álbum de estudio conceptual fruto de la colaboración de Pete con amigos como Ronnie Lane, publicado por Universal Spiritual League en febrero de 1970.

El álbum, del cual solo se imprimieron 2 500 copias en su edición original, fue publicado conmemorando el nacimiento de Meher Baba y fue el primero de una serie de tres discos tributo que Townshend dedicó a su mentor espiritual.

Otros dos discos dedicados a Meher Baba incluyeron “I Am” y “With Love”, posteriormente recopilados en el álbum “Jai Baba”.

Varias canciones de “Happy Birthday” y “I Am” aparecieron dos años después en el álbum de Townshend “Who Came First” de 1972. Tuvo un éxito moderado y contó con demostraciones de canciones de The Who, así como una muestra de su talento con la guitarra acústica.

Townshend hizo varias apariciones en solitario durante la década de 1970, dos de las cuales quedaron registradas: el Rainbow Concert de Eric Clapton en enero de 1973 (que Townshend organizó para revivir la carrera de Clapton después de la adicción a la heroína de este último) y los Conciertos para el Pueblo de Kampuchea, en diciembre de 1979.

Fueron cuatro noches de conciertos en Hammersmith Odeon para recaudar fondos para Camboya. El evento fue organizado por Paul McCartney y Kurt Waldheim (que entonces era Secretario General de la ONU ), y en él participaron artistas consagrados como McCartney, The Who y Queen, así como grupos más jóvenes de punk y new wave como The Clash y The Pretenders.

El vídeo comercial del concierto de Kampuchea muestra a los dos iconos del rock bailando a dúo y haciendo el payaso con las versiones de la megabanda Rockestra (más de 25 músicos tocando juntos) de "Lucille", "Let It Be" y "Rockestra Theme"; Townshend cierra la actuación con su característico salto con las piernas abiertas.





El concierto también fue grabado y lanzado como LP doble, cinta de cartucho de 8 pistas y cinta de casete en 1979.

Además de su trabajo con The Who, Townshend emprendió una carrera musical en solitario que comenzó con la publicación de “Rough Mix” (1977), una colaboración con el bajista de Faces y también devoto de Meher Baba, Ronnie Lane.

En 1979, Townshendprodujo e interpretó la guitarra en el novedoso sencillo "Peppermint Lump" de Angie en Stiff Records, con Angela Porter, de 11 años, como voz principal.

También colaboró con Paul McCartney en la grabación de “Rockestra Theme” y “So Glad To See You Here”, publicados en el álbum de Wings “Back to the Egg” (1979).

Un año después publicó “Empty Glass”, su primer álbum conceptual en solitario. Lanzado el 21 de abril de 1980 por Atco Records, alcanzó el puesto cinco en la lista estadounidense Billboard 200, su mejor posición para un trabajo solista y el puesto 57 en la lista de Rolling Stone de los 100 mejores de la década de 1980.

Una encuesta de Gibson lo calificó en el puesto número 5 entre "los mejores álbumes lanzados por un artista que anteriormente estuvo en una banda exitosa".

El álbum trata sobre problemas con los que Townshend estaba luchando en ese momento, incluido el alcoholismo, el abuso de drogas, problemas matrimoniales y amigos fallecidos, particularmente Keith Moon.

“Empty Glass” también contenía la canción de amor devocional "Let My Love Open the Door", que se convirtió en un éxito Top 10 (n.° 9) en los EE. UU., y los sencillos de modesto éxito "Rough Boys" (n.° 89) y "A Little Is Enough" (n.° 72).

En una entrevista con Murray Lerner sobre la película “The Who: Live at the Isle of Wight”, Townshend explicó el título del álbum: “Lo llamé “Empty Glass”, por esta idea de que cuando vas a la taberna – que es para Dios, ya sabes – y le pides Su amor – Él es el camarero, ya sabes – y te da una bebida, y qué lo que tienes que darle es un vaso vacío. Sabes que no tiene sentido entregarle tu corazón si ya está lleno; No tiene sentido acudir a Dios si tu corazón está lleno de Doris”.

El álbum fue escrito y grabado entre 1978 y 1980, cuando la actividad con The Who había comenzado a recuperarse y Townshend se vio obligado a escribir tanto para su proyecto en solitario como para su banda. Como resultado, “Empty Glass” fue considerado superior al posterior álbum de estudio de The Who, “Face Dances” (1981), y los críticos lo llamaron un álbum de The Who que nunca existió.

Roger Daltrey, comentó más tarde que se sentía decepcionado por Townshend y que muchas de las canciones del álbum habrían funcionado bien para The Who, entre ellas "Rough Boys" y "Empty Glass".

Townshend respondió diciendo que "Rough Boys" era la única canción que Daltrey hubiera querido que se aclarara (en términos del subtexto homoerótico de la canción ) y se atenuara si la cantara, anulando así su mensaje, mientras que "Empty Glass" se había grabado durante sesiones de “Who Are You” en 1978.

En la reedición de 1996 de ese álbum apareció una versión con Keith Moon a la batería y John Entwistle al bajo. Esta versión se destaca por los matices suicidas en la letra que se cambió para "Empty Glass": la línea "Matarnos unos a otros, luego saltamos de la cornisa" se convirtió en "Matarnos unos a otros clavando una cuña".






Townshend comenzó a escribir las canciones y a grabar demos de “Empty Glass” en el estudio de su casa de 24 pistas a finales de 1978, pero las sesiones de grabación del álbum no comenzarían hasta noviembre de 1979 en los Wessex Studios del norte de Londres, con el productor Chris Thomas a la cabeza y Bill Price como ingeniero.

Se realizaron grabaciones adicionales en AIR Studios en Oxford Street y en Eel Pie Studios de Townshend desde entonces hasta marzo de 1980. Townshend interpretó todas las partes de guitarra y sintetizador del álbum y contrató a varios músicos para establecer instrumentación adicional.

La formación del álbum incluía al teclista de gira de The Who, John Bundrick, al piano y órgano, Tony Butler al bajo, Simon Phillips, Kenney Jones, Mark Brzezicki y James Asher a la batería, Peter Hope-Evans a la armónica y Raphael Rudd, quien hizo el arreglo de trompeta en "Rough Boys".

A este lanzamiento le siguió en 1982 “All the Best Cowboys Have Chinese Eyes”, que incluía el popular tema de radio "Slit Skirts". Si bien no fue un gran éxito comercial, el destacado crítico musical Timothy Duggan lo calificó como "el trabajo más honesto e introspectivo de Townshend desde Quadrophenia".

Tras disolver The Who, Townshend volvería a experimentar con la ópera rock y formatos relacionados, lanzando varios álbumes basados en historias, entre ellos “White City: A Novel” (1985), un relato sobre la tensión urbana, la desesperación y la decadencia que alcanzó el puesto 26 en la lista Billboard 200.

La publicación de “White City” fue seguida de “The Iron Man: The Musical by Pete Townshend”, una adaptación de la fábula infantil homónima de Ted Hughes en la que participaron músicos como Roger Daltrey, John Lee Hooker y Nina Simone.

De forma paralela, creó el grupo Deep End con músicos como John "Rabbit" Bundrick, Simon Philips y Billy Nicholls. Solo realizaron tres conciertos y una sesión de programa de televisión para The Tube, para recaudar dinero para su organización benéfica Double-O, que apoya a los drogadictos. Estos conciertos benéficos se recopilaron en el álbum en directo “Deep End Live!” en 1986.

También publicó una trilogía de álbumes recopilatorios bajo el nombre de Scoop con demos de The Who, material en solitario y proyectos inéditos.

En 1993, publicó "Psychoderelict", su último trabajo en solitario hasta la fecha. El álbum incluye una nueva ópera protagonizada por Ray High, un músico alcohólico y en decadencia que Townshend volvió a utilizar años después en la novela “The Boy Who Heard Music”, predecesora de la miniópera “Wire & Glass”.

El álbum, considerado para una adaptación como musical de Broadway aún sin estrenar, obtuvo escasa repercusión comercial y solo alcanzó el puesto 118 en la lista Billboard 200.

El mismo año estrenó y dirigió junto a Des MacAnuff una adaptación para Broadway de “Tommy”. McAnuff y Townshend también coprodujeron el largometraje “The Iron Giant”, basado en el libro de Hughes.

En 2003, fue amonestado durante una investigación de la Policía británica contra la pornografía infantil. Tras una noticia que sugería que Townshend estaba entre los sujetos de la investigación, el músico emitió un comunicado en el que se defendió alegando que había accedido a una página web con contenidos pedófilos usando su tarjeta de crédito y pagando 7 dólares.

Townshend, que en años anteriores había publicado ensayos en su página web sobre la amplia disponibilidad de pornografía infantil en Internet, afirmó que había accedido al sitio con fines de investigación y que no había descargado ninguna imagen.

Tras cuatro meses de investigación policial, incluyendo exámenes forenses de sus ordenadores, se estableció que Townshend no estaba en posesión de ninguna imagen ilegal.

Ante esta situación, la policía decidió amonestarlo y le advirtió que "no es una defensa acceder a estas imágenes para investigación o por curiosidad". En un comunicado publicado por su abogado, Townshend escribió: “Acepto que me equivoqué al acceder a esta página, y si al hacerlo quebranté la Ley, acepto la amonestación que la Policía me ha dado”.

Nota de Presidemente: Seguirá la 2ª parte, hay tanta información de Townshend que no me cabía en este.


Fuentes: elmundo.es, cuerdadeguitarra.com, thewho.com, britannica.com, Wikipedia y flickr

En el puesto número 10


Pete Townshend (Segunda Parte)

Influencias

Townshend nació diez días después de que la Alemania nazi se rindiera en la Segunda Guerra Mundial y creció a la sombra de la reconstrucción en Londres y sus alrededores.

Según Townshend, el trauma de la posguerra fue la fuerza impulsora detrás de la revolución de la música rock en el Reino Unido. "El trauma se transmite de generación en generación", afirmó, "sin saberlo, he heredado lo que vivió mi padre".

Townshend señala que crecer en este período produjo la narrativa que recorre su música de un niño perdido en el estrés y las presiones de la vida de posguerra.

En su autobiografía, escribió: “No estaba tratando de tocar música hermosa. Estaba confrontando a mi audiencia con el sonido horrible y visceral de lo que todos sabíamos que era el único absoluto de nuestra frágil existencia: un día un avión llevaría la bomba que nos destruiría a todos en un instante. Podría suceder en cualquier momento”.

Aunque creció en un hogar con músicos de jazz, Townshend absorbió muchas de sus ideas sobre temas de interpretación y música rock durante la escuela de arte.

Su compañero de cuarto en Ealing Art College, Tom Wright, tenía una gran colección de discos, y Townshend escuchaba a artistas de R&B y rock & roll como Howlin' Wolf, John Lee Hooker, Bo Diddley, Booker T. & the MGs, Little Walter y Chuck Berry.

También estuvo fuertemente influenciado por el violonchelista Malcolm Cecil, quien a menudo dañaba su violonchelo durante las actuaciones, junto con Gustav Metzger, pionero del arte autodestructivo.

A la luz de estas influencias, el smashing de guitarras se convirtió no sólo en una expresión de angustia juvenil, sino también en un medio para transmitir ideas a través de la interpretación musical. "Hemos propuesto un nuevo concepto", escribe. "La destrucción es arte cuando se le pone música".

Townshend también citó a Robbie Basho como una influencia significativa, diciendo: "He sido totalmente influenciado por él. Puedes escucharlo en mi trabajo".


Obra literaria

Aunque conocido por sus composiciones musicales y su maestría musical, Townshend ha estado ampliamente involucrado en el mundo literario durante más de tres décadas, escribiendo artículos para periódicos y revistas, reseñas de libros, ensayos, libros y guiones.

Un ejemplo temprano de la escritura de Townshend se produjo en agosto de 1970 con la primera de nueve entregas de "The Pete Townshend Page", una columna mensual escrita por él para el periódico musical británico Melody Maker.

La columna brindó la perspectiva de Townshend sobre una variedad de temas, como los medios de comunicación y el estado de las salas de conciertos y los sistemas de megafonía de EE. UU., además de brindar información valiosa sobre la mentalidad de Townshend durante la evolución de su proyecto “Lifehouse”.

También escribió tres ensayos importantes para la revista Rolling Stone, el primero de los cuales apareció en noviembre de 1970.

En “In Love With Meher Baba” describió las inclinaciones espirituales de Townshend. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy", un relato paso a paso del álbum recopilatorio de The Who del mismo nombre siguió en diciembre de 1971. El tercer artículo, "The Punk Meets the Godmother", apareció en noviembre de 1977. También en 1977 abrió una librería llamada Magic Bus en Londres.

“The Story of Tommy”, un libro escrito por Townshend y su amigo de la escuela de arte Richard Barnes (ahora biógrafo oficial de The Who) sobre la escritura de la ópera rock de Townshend de 1969 y la realización de la película dirigida por Ken Russell de 1975 , fue publicado por Eel Pie el mismo año.

En julio de 1983, Townshend asumió un puesto como editor de adquisiciones para la editorial londinense Faber and Faber. Durante su estancia en Faber and Faber, editó la autobiografía del líder de The Animals, Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y “More Dark Than Shark” de Brian Eno y Russell Mills, y trabajó con Carlos, Príncipe de Gales por esa época, en un volumen de sus colección completa de discursos.

Dos años después de unirse a Faber and Faber, decidió publicar su propio libro. “Horse's Neck”, publicada en mayo de 1985, era una colección de cuentos que había escrito entre 1979 y 1984, abordando temas como la infancia, el estrellato y la espiritualidad.

Como resultado de su posición con Faber y Faber, Townshend desarrolló amistades con el autor ganador del premio Nobel de “El señor de las moscas”, Sir William Golding, y con el poeta británico laureado Ted Hughes.

En 1989, comenzó a trabajar en una novela titulada “Ray High & The Glass Household”, cuyo borrador fue enviado más tarde a su editor. Si bien la novela original permanece inédita, elementos de esta historia se utilizaron en el álbum en solitario de Townshend de 1993, “Psychoderelict”.

En 1993, escribió otro libro, “The Who's Tommy”, una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.

Ha escrito varios guiones a lo largo de su carrera, incluidos numerosos borradores de su esquivo proyecto “Lifehouse”, el último de los cuales, coescrito con el dramaturgo radiofónico Jeff Young, se publicó en 1999.

La apertura de su sitio web personal y su sitio comercial Eelpie.com, ambos en 2000, le dieron a Townshend otra salida para el trabajo literario. (Eelpie.com se cerró en 2010.)

Varios de sus ensayos se han publicado en línea, incluido "Meher Baba - The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y "A Different Bomb", una crítica a la industria de la pornografía infantil, el año siguiente.

En septiembre de 2005, comenzó a publicar en línea una novela titulada “The Boy Who Heard Music” como telón de fondo de un musical del mismo nombre. Publicó un capítulo cada semana hasta que estuvo completo y la novela estuvo disponible para leer en su sitio web durante varios meses. Al igual que “Psychoderelict”, fue otra extrapolación de “Lifehouse” y “Ray High & The Glass Household”.

En 1997, firmó un contrato con la editorial Little, Brown and Company para escribir su autobiografía, supuestamente titulada “Pete Townshend: ¿Who He?”.

Los caprichos creativos y las maquinaciones conceptuales de Townshend han sido relatados por Larry David Smith en su libro “The Minstrel's Dilemma” (1999).

Después de un largo retraso, la autobiografía de Townshend, ahora titulada “Who I Am”, se publicó el 8 de octubre de 2012. El libro se ubicó entre los cinco primeros de la lista de los más vendidos del New York Times en octubre de 2012.

El 5 de marzo de 2019, Townshend anunció que su novela debut, titulada “The Age of Anxiety”, sería publicada el 5 de noviembre de 2019 por el sello Coronet de Hodder & Stoughton.

Townshend calificó la obra como una "meditación ampliada sobre el genio maníaco y el oscuro arte de la creatividad". La novela irá acompañada de una ópera, que se encuentra actualmente en desarrollo, seguida de una instalación artística.


Legado

Townshend es una de las figuras clave en el desarrollo de la retroalimentación en la guitarra de rock.

Cuando se le preguntó quién utilizó la retroalimentación por primera vez, el guitarrista de Deep Purple, Ritchie Blackmore, dijo: “Pete Townshend fue definitivamente el primero. Pero como no era tan buen guitarrista, solía simplemente tocar los acordes y dejar que la guitarra retrocediera. No empezó a juguetear con los diales del amplificador hasta mucho más tarde. Está sobrevalorado en Inglaterra, pero al mismo tiempo hay mucha gente como Jeff Beck y Hendrix que reciben crédito por las cosas que él empezó. Townshend fue el primero en romper su guitarra y fue el primero en hacer muchas cosas. También es muy bueno en su escena de acordes”.

De manera similar, cuando se le preguntó a Jimmy Page sobre el desarrollo de la retroalimentación de guitarra, dijo: “No sé quién realmente hizo comentarios primero; simplemente sucedió. No creo que nadie se lo haya robado conscientemente a nadie más. Simplemente estaba sucediendo. Pero Pete Townshend obviamente fue quien, a través de la música de su grupo, hizo del uso de la retroalimentación más su estilo, y por eso está relacionado con él. Mientras que los otros músicos como Jeff Beck y yo tocábamos más cosas de una sola nota que acordes”.

Muchos guitarristas de rock han citado a Townshend como una influencia, entre ellos Slash, Alex Lifeson y Steve Jones.


Equipo

Guitarras

En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker (particularmente el modelo Rose-Morris importados del Reino Unido con orificios en forma de F especiales).







Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro.

En la aparición de “Who's The Smothers Brothers Comedy Hour” en 1967, Townshend usó una guitarra Vox Cheetah, que solo usó para esa actuación; la guitarra fue destruida por la explosión la batería de Moon durante un concierto.

A finales de la década de 1960, Townshend comenzó a tocar casi exclusivamente modelos Gibson SG Special. Usó esta guitarra en los espectáculos de Woodstock y la Isla de Wight en 1969 y 1970, así como en la actuación en Live at Leeds en 1970.







En 1970, Gibson cambió el diseño de la SG Special que Townshend había estado usando anteriormente y comenzó a usar otras guitarras.

Durante gran parte de la década de 1970 utilizó una Gibson Les Paul Deluxe, algunas con sólo dos pastillas mini- humbucker y otras modificadas con una tercera pastilla en la "posición media" (una DiMarzio Superdistortion/Dual Sound).







Se le puede ver usando varias de estas guitarras en el documental “The Kids Are Alrigh”t , aunque en el estudio solía tocar una guitarra Gretsch 6120 del 59 (que le regaló Joe Walsh), sobre todo en los álbumes “Who's Next” y “Quadrofenia”.

Durante la década de 1980, utilizó principalmente modelos estilo Fender Telecaster construidos para él por Schecter y varios otros luthiers.







Desde finales de la década de 1980, Townshend ha utilizado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster, con pastillas Lace Sensor, tanto en el estudio como en las giras.

Algunas de sus guitarras Stratocaster cuentan con un sistema de captación piezoeléctrica Fishman PowerBridge para simular tonos de guitarra acústica. Este sistema piezoeléctrico está controlado por un control de volumen adicional detrás del puente de la guitarra.

Townshend también usó otras guitarras, incluyendo otros modelos de Gretsch, Gibson y Fender.

Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes.

La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete.

También ha habido una guitarra Rickenbacker de edición limitada exclusiva de Pete Townshend del modelo 1998, que fue su guitarra principal de 6 cuerdas en los primeros días de The Who.

La tirada contó con 250 guitarras que se fabricaron entre julio de 1987 y marzo de 1988 y, según el director ejecutivo de Rickenbacker, John Hall, toda la tirada se agotó antes de que se pudiera hacer publicidad seria.

También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.






También utilizó la Gibson ES-335 , una de las cuales donó al Hard Rock Café.

Townshend también utilizó muy brevemente una Gibson EDS-1275 de doble mástil a finales de 1967, y una Harmony Sovereign H1270 y una Fender Electric XII para las sesiones de estudio de "Tommy" para las partes de guitarra de 12 cuerdas.

También utilizó ocasionalmente Fender Jazzmasters en el escenario en 1967 y 1968 y en el estudio de "Tommy".

En la actualidad, Pete usa casi exclusivamente guitarras Fender Stratocaster modificadas como guitarras estéreo, con un preamplificador incorporado en la parte posterior de la guitarra para captar las señales acústicas de la guitarra y un botón de volumen individual para el preamplificador.

Siempre ha considerado sus instrumentos como meras herramientas del oficio y, en los últimos años, ha mantenido sus instrumentos más preciados lejos de los escenarios de conciertos.

Estos instrumentos incluyen algunas Rickenbackers antiguas y reeditadas, la Gretsch 6120, una Fender Telecaster original de 1952, reediciones de edición limitada para artistas de Gibson Custom Shop de los modelos 1, 3 y 9 de Les Paul DeLuxe de Townshend, así como su reedición SG Special exclusiva.

Amplificadores

En los primeros tiempos de la banda, John Entwistle había conseguido uno de los primeros bafles de altavoces de 4 X 12 que fabricó Marshall para guitarra-bajo.

Townshend se dio cuenta de que con ello lograba el doble de volumen y proyección que antes, y enseguida se compró uno, y luego otro, que montó encima del primero, creando así la primera “torre”.

Como el bafle superior estaba al nivel de los oídos, podía oirse con más claridad, y como los altavoces estaban alineados con las pastillas de la guitarra, le resultaba más fácil emplear acoples controlados. Al principio, utilizaba los bafles Marshall. Más adelante se decidió por un equipo similar, pero con amplificadores y bafles HiWatt. Para grabar, utiliza amplificadores compactos, como el Mesa Boogie.

A lo largo de los años, Townshend ha utilizado muchos tipos de amplificadores, incluidos Vox, Selmer, Fender y Marshall, y se ciñó al uso de amplificadores Hiwatt durante la mayor parte de cuatro décadas.





En la época de “Who's Next”, utilizó un amplificador Fender Bandmaster de tweed (que también le regaló Joe Walsh en 1970, que también utilizó para “Quadrophenia” y “The Who by Numbers”.

Mientras grababa “Face Dances” y el álbum colaborativo “Rough Mix”, utilizó un amplificador Peavey Vintage 4×10 en el estudio.

Desde 1989, su equipo constaba de cuatro pilas Fender Vibro-King y un cabezal Hiwatt que accionaba dos gabinetes de altavoces Hiwatt/Mesa Boogie de 2 × 12" hechos a medida.





Sin embargo, desde 2006, solo tiene tres pilas Vibro-King, una de las cuales es un backup.

Townshend ocupó un lugar destacado en el desarrollo de lo que se conoce ampliamente en los círculos del rock como la "pila Marshall". Encargó varios gabinetes de altavoces que contenían ocho altavoces de 12" en una carcasa de casi seis pies de altura con la mitad superior del gabinete ligeramente inclinada hacia arriba.

Eran demasiado pesados para moverlos con facilidad, por lo que Jim Marshall cortó el enorme gabinete de altavoces por la mitad. Por sugerencia de Townshend, cada gabinete contenía cuatro altavoces de 12 pulgadas. Uno de los gabinetes tenía la mitad del deflector del altavoz inclinado hacia arriba y Marshall hizo que estos dos gabinetes fueran apilables. Así nació la pila Marshall.

Teclados

Townshend tocó los teclados en varias canciones de The Who.

En “Who's Next”, comenzó a trabajar con sintetizadores analógicos, utilizando el modelo ARP 2600 que encontró por primera vez en la Universidad de Cambridge. Dijo esto sobre el instrumento: "Me gustan los sintetizadores porque traen a mis manos cosas que no están en mis manos: el sonido de una orquesta, trompas, cuerdas. Hay aparatos en los sintetizadores que permiten a uno convertirse en un virtuoso del teclado, puedes tocar algo lentamente y presionar un interruptor y lo reproduce al doble de velocidad, mientras que en la guitarra estás obligado a tocar lo más rápido que puedas y yo no toco rápido. Simplemente toco duro. Así que cuando tengo que tocar algo rápido, voy al sintetizador".

Los sintetizadores a los que Townshend se refería incluían el EMS VCS3 y el ARP 2600, algunos de los cuales modificaron un órgano Lowrey TBO Berkshire. Las fotografías actuales del estudio de su casa también muestran un ARP 2500.

Townshend apareció en materiales promocionales de ARP a principios de la década de 1970.

Desde finales de la década de 1980, Townshend ha utilizado predominantemente sistemas Synclavier Digital Audio para la composición de teclados, particularmente álbumes y proyectos en solitario.

Actualmente posee tres sistemas, un gran sistema Synclavier 9600 Tapeless Studio, originalmente instalado en su Oceanic Studio, luego transferido a una barcaza amarrada junto al estudio en el río Támesis, y actualmente ubicado en el estudio de su casa.

También utiliza un sistema Synclavier 3200 más pequeño adaptado especial que puede transportarse, lo que le permite seguir trabajando fuera de su estudio principal. Este sistema 3200 fue modificado para tener especificaciones similares a las del 9600, incluida la adición interna de voces FM, voces Poly estéreo y el gran teclado VPK.

Este es el único sistema Synclavier 3200 de esta especificación que existe, diseñado y construido a medida para Townshend por Steve Hills. El tercer sistema que posee Townshend es uno de los primeros sistemas Synclavier II jamás construidos cuyo teclado ORK (original más pequeño) se exhibe en la oficina central de su empresa junto con una Vespa rosa.

Colaboraciones

En 1968, Townshend ayudó a formar una banda llamada Thunderclap Newman formada por tres músicos que conocía: el pianista Andy Newman (un viejo amigo de la escuela de arte), el baterista John "Speedy" Keen, que había escrito "Armenia City in the Sky" para que The Who la grabara para su álbum de estudio de 1967 “The Who Sell Out” y el guitarrista adolescente Jimmy McCulloch, que más tarde se uniría a Wings.

Townshend produjo la banda y tocó el bajo en sus grabaciones bajo el seudónimo irónico de "Bijou Drains". Su primera grabación fue el sencillo "Something in the Air", que se convirtió en un éxito número uno en el Reino Unido y un éxito sustancial en otras partes del mundo. Tras este éxito, Townshend produjo su único álbum, “Hollywood Dream”.

En 1971, Townshend, junto con Keith Moon y Ronnie Lane, respaldaron a Mike Heron de Incredible String Band en una canción, "Warm Heart Pastry", del primer LP en solitario de Heron, “Smiling Men with Bad Reputations”. En las notas del álbum, aparecen como "Tommy and the Bijoux".

En 1984, Townshend contribuyó con la letra de la canción "I'm the Answer" del álbum debut en solitario de su hermano Simon, “Sweet Sound”.

Townshend comparte el crédito de composición de dos canciones, "Love on the Air" y "All Lovers Are Deranged", del álbum solista de 1984 del guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour, “About Face”.

Durante gran parte de 2005, Townshend grabó y actuó junto a su novia Rachel Fuller, una pianista y cantautora de formación clásica.

En 2006, Townshend abrió un sitio web para la implementación del método Lifehouse basado en su concepto “Lifehouse” de 1971. Este sitio web fue en colaboración con el compositor Lawrence Ball y el desarrollador de software David Snowden, con instrumentación de Steve Hills.

Los solicitantes en el sitio web podrían ingresar datos para componer un "retrato" musical que luego el equipo musical podría desarrollar en composiciones más grandes para un concierto o una serie de conciertos planificados.

Otras apariciones incluyen: “The Kids Are Alright” con The Who, rockumentary, dirigida por Jeff Stein (1979), "Because You're Young" con David Bowie en "Scary Monsters" (1980), coros en "Slave" con The Rolling Stones en “ Tattoo You” (1981), guitarra acústica en "Ball and Chain" con Elton John en “Jump Up!” (1982), coros en "I'm the Answer" con Simon Townshend en “Sweet Sound” (1983), "Lonely at the Top" y "Hard Woman" con Mick Jagger en “She's the Boss” (1985), guitarra en "Town of Plenty" con Elton John en “Reg Strikes Back” (1988), guitarra acústica con Prefab Sprout en "Hey Manhattan!" en “From Langley Park to Memphis” (1988), "Substitute" con Ramones en “Acid Eaters” (1993), "Joy" y "Gun" con Mick Jagger en “Goddess in the Doorway” (2001), "Slow Burn" con David Bowie en “Heathen” (2002), "Angry" y "Move Over Busker" en “Press to Play” de Paul McCartney (1986), "Travelator" con Jean-Michel Jarre en “Electronica 1: The Time Machine” (2015).

Premios

Premios BRIT 1983 - Premio a la trayectoria
Premios Q 1991 – Premio al Mérito
Premios Internacionales de Rock 1991 - Premio Leyenda Viviente
Premio Tony 1993 – Mejor banda sonora original (música y letra) – "The Who's Tommy" (empate)
Premios Grammy 1994 – Mejor Álbum de Espectáculo Musical (como compositor y letrista de "The Who's Tommy" )
Premios Q 1998 - Premio al compositor
Premios Grammy 2001 - Premio a la trayectoria
Premios Ivor Novello 2001 - Premio a la trayectoria
Premio South Bank Show 2007 - Premio a la trayectoria
Premios MOJO 2008 – Salón de la Fama
Premios MOJO 2008 - Compositor clásico
Doctorado honorario de la Universidad de West London, 2010
Premio al Álbum Clásico por "Quadrophenia" de los premios Classic Rock Roll of Honor Awards en The Roundhouse , 9 de noviembre de 2011, Londres, Inglaterra
Premios TEC 2013 – Premio Les Paul
Premio Stevie Ray Vaughan 2015
Premio George e Ira Gershwin 2016 - Trayectoria musical.
Academia Estadounidense de Logros 2019 - Premio Placa de Oro. Townshend recibió su Placa de Oro junto con Roger Daltrey y fue presentada por el miembro del Consejo de Premios Peter Gabriel.

Otros honores vitalicios

1990 Salón de la Fama del Rock and Roll
2005 Salón de la Fama de la Música del Reino Unido
Honores del Centro Kennedy 2008

“Who I am”, su autobiografía (Artículo de Darío Prieto en El Mundo)

El libro es la crónica de un hombre contradictorio, que rechazó la moda de la época de convertir las drogas en una forma de subversión, aunque luego cayese una y otra vez en la cocaína, el LSD y hasta la heroína. Un chico tímido y lleno de complejos, pero con delirios de grandeza. Un niño que sufrió abusos y que, ya anciano, fue acusado de posesión de pornografía infantil.

En “Who I am” (titulado como la última gran canción de su grupo), Townshend dota de argumentos lo que en muchas ocasiones fue infravalorado como consecuencias de una edad del pavo no superada. Es el caso de su costumbre de destrozar guitarras en sus actuaciones. Una seña de identidad que confirma que la mitología del rock se construye sobre casualidades.
Así relata cómo comenzó su relación física con la guitarra durante uno de los primeros conciertos: "La arrojo al aire con violencia y siento un estremecimiento repentino mientras el sonido se degrada de un rugido a un estertor: miro hacia arriba y veo el cuerpo fracturado de la guitarra, mientras la extraigo del agujero practicado en el techo bajo. En ese momento tomo una decisión repentina y, en un frenesí demente, vuelvo a arrojar una y otra vez la guitarra contra el techo. Lo que antes era una simple fractura, ahora es un astillado estropicio. Sostengo la guitarra ante el gentío con gesto triunfal. No la he machacado: la he esculpido para ellos".

"Algunas personas contemplaron la destrucción como un ardid publicitario, pero yo sabía que el mundo estaba cambiando y estábamos mandando un mensaje. La vieja manera, convencional, de hacer música ya nunca iba a ser la misma", se justifica el músico. Un signo de los tiempos: "Por primera vez en la historia una generación entera tenía la oportunidad económica y educacional de volverle la espalda a los trabajos alienantes, sin futuro, de sus padres, quienes, traumatizados por dos guerras mundiales, habían reaccionado amparándose bajo una conformidad protectora".

Bajo este auge de esperanza, "los Who salimos a manifestar el gozo y la rabia de una generación que luchaba por la vida y la libertad. Aquella había sido nuestra tarea. Y con ella cumplimos. Primero lo hicimos con singles pop, luego con exhibiciones más dramáticas y épicas".

"No estaba tratando de tocar una música que fuera hermosa", explica en otro momento Townshend, "sino que confrontaba a mi audiencia con el sonido visceral, atroz, de lo que sabía que era la única verdad absoluta de nuestra vulnerable existencia: un día un avión soltaría una bomba que nos iba a liquidar en un abrir y cerrar de ojos".

Townshend también relata su relación con otros músicos, aunque su relato es menos jugoso de lo que esperarían los idólatras de la mitología rock. El guitarrista habla de Jimi Hendrix ("Hasta cierto punto, las actuaciones de Jimi eran deudoras de las mías -el acople, la distorsión, la teatralidad escénica-"), con quien le unió una relación de amistad y admiración mutua. También aparece Keith Richards, de quien dice haber copiado su característico gesto del molinete a la guitarra mientras le veía calentar para un 'show'.

El guitarrista también relata sus años de excesos tóxicos. Así, durante una gira, su 'road manager' le retiró "efectivo para cocaína por valor de 40.000 dólares. Yo nunca llevaba droga en los vuelos, de modo que debí de tirar mucha. Qué pasa, era rico".

Moon, que falleció en 1978 tras una sobredosis de un medicamento para curar su alcoholismo, y Entwistle, muerto en 2002 a causa de la cocaína un día antes de comenzar la gira de regreso de The Who, le habían alertado del poder de los estupefacientes. Aun así, una noche "me lo estaba pasando de fábula... hasta que me desperté en un hospital de Chelsea con una inyección de adrenalina de 15 centímetros clavada en el pecho. Según parece, me habían encontrado inconsciente en los lavabos del garito con una sobredosis de cocaína. Estuve técnicamente muerto, pero afortunadamente me resucitaron a tiempo".

Otro tema en el que Townshend no se explaya en exceso es el de los abusos que sufrió de niño. Con seis años, su madre lo mandó a vivir con su excéntrica abuela Denny, "una bruja" de moral turbia: "Recuerdo grandes y llamativos coches con las ventanillas medio bajadas. Recuerdo también vagamente a un hombre al que tenía que llamar 'tío', que era sordo de un oído, y que a veces se quedaba a dormir en casa. Lucía un bigotito hitleriano". Todo aquel asunto le dejó "un poso de rabia y resentimiento".

"En 1982, mi terapeuta me instó a que intentara adentrarme más a fondo en el recuerdo mediante la redacción de aquellos intercambios matinales", evoca después. "Me puse a escribir, y a medida que empezaba a describir uno de los encuentros -el oficial de la Fuerza Aérea bajando la ventanilla, Denny que se acodaba-, recordé de pronto por vez primera que la puerta trasera del coche se abría. Empecé a temblar de manera incontrolable y ya no pude escribir más, ni recuerdo más. Mi memoria se bloqueó». Esta experiencia se tradujo en la letra de 'A quick one, while he's away', una extensa pieza que acabaría originando ''Tommy', la ópera rock sobre el niño ciego, sordo, mudo y víctima de abusos que acaba convirtiéndose en un mesías y en la que Townshend volcó muchas de sus vivencias.

Tampoco aclara en exceso el tema de su supuesta bisexualidad, aunque sí incluye una gráfica descripción de su admiración por Mick Jagger. "Es el único hombre al que de verdad quise follarme. Aquel día vestía esos pantalones holgados tipo pijama, sin calzoncillos; se echó hacia atrás un momento y no pude dejar de notar el bulto de la polla pegada al muslo, larga y rolliza. Mick estaba indudablemente bien dotado". En otro momento relata una noche que le acogió en su casa su amigo, el periodista Danny Fields: "Me desperté por la noche, como en trance, y con Danny manoseándome todo el cuerpo, pero no lo repelí. Gocé con lo que me hacía, pero no dejé que me follara".

En donde sí se explaya Townshend es en la parte donde cuenta su implicación en la 'Operación Ore' contra la pornografía infantil llevada a cabo en el Reino Unido en 2003. El músico se defiende explicando que tenía un proyecto de hacer algo sobre el tema: "Estaba preparado para hablar de lo impronunciable -pornografía infantil- desde la posición de alguien que había padecido abusos y sabía lo profundas que podían ser sus cicatrices".

“Su idea "consistía en publicar un artículo en mi portal que ilustrara que la banca 'on line', las empresas de navegadores y los pornógrafos eran cómplices al enriquecerse con imágenes perversas de niños sometidos a abuso. En una ocasión utilicé mi tarjeta de Barclays en una página en la que un botón anunciaba (estúpidamente) 'Presione aquí para pornografía infantil'. El importe era de siete dólares, e inmediatamente cancelé la operación".

Sin embargo, su nombre se hizo público y los tabloides y la opinión pública le condenaron, a pesar de que su caso se sobreseyó después. "Si en aquel momento hubiera tenido un arma me hubiera pegado un tiro", explica en las amargas páginas finales del libro.

Discografía

Con The Who
My Generation (1965)
A Quick One (1966)
The Who Sell Out (1967)
Tommy (1969)
Live at Leeds (1970)
Who's Next (1971)
Quadrophenia (1973)
Odds & Sods (1974)
The Who By Numbers (1975)
Who Are You (1978)
Face Dances (1980)
It's Hard (1982)
Endless Wire (2066)
Who (2019)

En solitario
Happy Birthday (1970)
I Am (1970)
Who Came First (1972)
Rough Mix (con Ronnie Lane) (1978)
Empty Glass (1980)
All the Best Cowboys Have Chinese Eyes (1982)
White City: A Novel (1985)
Deep End Live! (1986)
The Iron Man: The Musical by Pete Townshend (1989)
Psychoderelict (1993)
Lifehouse Chronicles (2000)

Fuentes: elmundo.es, cuerdadeguitarra.com, thewho.com, britannica.com, Wikipedia y flickr

En el puesto número 9


Duane Allman


Duane Allman fue un famoso guitarrista de rock y blues estadounidense, conocido por sus trabajos con la guitarra slide. Importante guitarrista de sesión y miembro fundador de The Allman Brothers Band. También fue integrante del súper grupo Derek and the Dominos, a comienzos de los años 1970.

Allman es mejor recordado por su breve pero influyente permanencia en la banda y, en particular, por su expresiva forma de tocar la guitarra slide y sus inventivas habilidades de improvisación.

Duane, músico de sesión muy solicitado tanto antes como durante su permanencia en la banda, actuó con estrellas tan establecidas como King Curtis, Aretha Franklin, Herbie Mann, Wilson Pickett y Boz Scaggs. También contribuyó en gran medida al álbum de 1970 "Layla and Other Assorted Love Songs", de Derek and the Dominos.

Allman murió tras un accidente de motocicleta el 29 de octubre de 1971, a la edad de 24 años.

Su tono de guitarra (logrado con una Gibson Les Paul y dos amplificadores Marshall de bajo de 50 vatios ) fue nombrado uno de los mejores de todos los tiempos por Guitar Player.





Howard Duane Allman nació el 20 de noviembre de 1946 en Nashville, Tennessee. Era el hijo mayor de Willis Allman y Geraldine Allman (de soltera Robbins).

Su padre, en el momento de su muerte, era segundo teniente en servicio activo en el ejército de los Estados Unidos, habiendo servido como suboficial del ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Su hermano, Gregg, nació un año más tarde.

El 26 de diciembre de 1949, cuando la familia vivía cerca de Norfolk, Virginia, donde estaba destinado, Willis Allman fue asesinado. Para poder volver a capacitarse como contable, Geraldine "Mama A" Allman envió a Duane y a su hermano Gregg a la Academia Militar Castle Heights en Lebanon, Tennessee, lo que a ambos les desagradaba muchísimo.

En 1957, la familia se mudó a Daytona Beach, Florida, donde los dos asistieron a la escuela secundaria Seabreeze.
Los niños regresaron a Nashville para pasar los veranos con su abuela, y allí Gregg aprendió los conceptos básicos de la guitarra con un vecino.

En 1960, había ahorrado suficiente dinero para comprar su primera guitarra, una Teisco Silvertone de fabricación japonesa, mientras Duane adquiría una motocicleta Harley 165.

Duane le dijo en una entrevista a Tony Glover que “A principios de los años 60, Gregg se compró una guitarra y yo me compré una motocicleta Harley 165. La rompí y él aprendió a tocar. Él me enseñó y cambié las piezas destrozadas de la motocicleta por otra guitarra”.

Duane comenzó a interesarse por la guitarra y los hermanos a veces se peleaban por ella, hasta que Duane destrozó la motocicleta y la cambió por una Silvertone propia. Su madre finalmente le compró a una Gibson Les Paul Junior.

Comienza muy temprano a tocar la guitarra, a la vez que su hermano Gregg, y con los roles claramente diferenciados entre el guitarrista rítmico y solista, encargándose Duane de esta última especialidad.

También fue en Nashville donde los chicos se inspiraron musicalmente con un concierto de R&B en el que vieron actuar al guitarrista de blues BB King. Duane le dijo a Gregg: "Tenemos que hacer esto". Duane aprendió a tocar muy rápidamente y pronto se convirtió en el mejor guitarrista de los dos.

Sus inicios e influencias musicales estaban estrechamente conectadas con las canciones de The Beatles y, cómo no, por el Rock and Roll.

En 1961, Duane y Gregg tocaban en bailes de adolescentes en Daytona Beach (Florida), donde habían vivido desde 1959. Por esta época, Duane dejó la escuela para concentrarse en tocar la guitarra.

Estamos a principios de los años sesenta y la proliferación de grupos en su campo de acción en Daytona Beach, donde residían y tocaban les motiva para fundar su primer grupo, denominado The Allman Joys, con el que únicamente grabaron en 1966 su primer sencillo, -también llamado simple, corte o corte de difusión, es un disco fonográfico de corta duración con una o dos grabaciones en cada cara, los antiguos discos de vinilo venían en formato de 18 cm-, una nueva versión de "Spoonful" de Willie Dixon.

Después de que Gregg se graduase en Seabreeze High School en 1965, los Allman Joys salieron de gira, actuando por todo el sureste y, finalmente, se establecieron en Nashville.

Los Allman Joys se convirtieron en Hour Glass y se mudaron a Los Ángeles a principios de 1967.

Allí Hour Glass grabó dos álbumes para Liberty Records, “Hourglass” y “Power of Love”, ambos editados en 1968. El estilo era una mezcla de difícil equilibrio entre el country, el soul y el rock psicodélico, pero no tuvo el efecto deseado de aprobación del público.

Liberty intentó comercializarlos como una banda de pop, ignorando el deseo de la banda de tocar material más orientado al blues, lo que decepcionó a Duane y a Gregg que deciden disolver el grupo y volver a casa en Florida.

A su regreso a Florida, los dos tocaron en sesiones de demostración con 31st of February, un grupo de folk rock cuyo baterista era Butch Trucksy algo mas tarde Gregg regresó a California para cumplir con las obligaciones de Hour Glass, mientras que Duane se quedó en Florida durante meses, pero no consiguió formar otra banda.

Duane comenzó a aprender a tocar la guitarra slide el día de su cumpleaños en 1968. El slide es una técnica de guitarra también llamada "bottleneck", que consiste en tocar una nota, y luego deslizar el dedo a otro traste, hacia arriba o abajo del diapasón, lo que produce sonidos evocativos, llorosos, melancólicos o chillones.

El término slide se utiliza en referencia al gesto de deslizamiento sobre las cuerdas, mientras que bottleneck se refiere al material original utilizado en dichos deslices, que era el cuello de botellas de vidrio. El dedal metálico que utilizaba Duane era muy común en músicos hawaianos, de country o de blues y, normalmente, se inserta en el dedo anular de la mano izquierda, aunque primitivamente se usaban anillos, navajas o incluso el cuello de una botella.

Duane se estaba recuperando de una lesión en el codo izquierdo sufrida tras una caída de un caballo y Gregg le trajo, de regalo de cumpleaños, el álbum debut de Taj Mahal y un frasco de pastillas Coricidin.

Los dejó en el porche delantero y tocó el timbre, ya que Duane estaba enfadado con él por la lesión. "Aproximadamente dos horas después de que me fui, mi teléfono sonó", recordó Gregg. "¡Hermanito, hermanito, ven aquí ahora!”.

Duane había sacado las pastillas del frasco de Coricidin, había quitado la etiqueta y la estaba usando para tocar la canción del álbum "Statesboro Blues" (en la grabación, la guitarra slide la toca Jesse Ed Davis).

"Duane nunca antes había tocado slide", dijo Gregg más tarde, pero "simplemente lo cogió y comenzó a tocar. Era un talento natural". La canción se convirtió en parte del repertorio de Allman Brothers Band y la guitarra slide de Duane se volvió crucial para su sonido.

Debido a su uso del frasco de medicamento de principios de la década de 1970, que ya no se fabrica, las réplicas de frascos de Coricidin ahora son populares entre los guitarristas slide a quienes les gusta su sensación y sonido vidriosos.

La primera grabación importante de Duane como músico de sesión ocurrió a principios de 1966 en el RCA Studio "B" de Nashville, dos años antes de su famoso paso por los estudios FAME de Muscle Shoals.

El productor Tony Moon estaba grabando el primer álbum de The Vogues después de que su exitoso "5 O'Clock World" alcanzara el Top 5, que había sido grabado en ese mismo estudio. Contrató a Allman para tocar en varios cortes ya que quería un sonido más rockero.

Por aquel entonces, The Allman Joys eran la banda de la casa en The Briar Patch de Nashville. La interpretación de Allman en los dos álbumes Hour Glass y en una sesión a principios de 1968 en los estudios FAME de Muscle Shoals, Alabama, atrajo la atención de Rick Hall, propietario de FAME.

En noviembre de 1968 Hall compró el contrato de Allman por 10.000 dólares. Allman, cansado de las limitaciones del estudio, pudo tocar en su primer álbum como primer guitarra de las sesiones con Wilson Pickett.

El trabajo de Allman en ese álbum, “Hey Jude” (1968), le valió ser contratado como músico de sesión a tiempo completo en Muscle Shoals y atrajo la atención de otros músicos, sobre todo de Eric Clapton.

La interpretación de Allman impresionó al productor y ejecutivo de Atlantic Records, Jerry Wexler, cuando Hall se la puso por teléfono. Wexler inmediatamente compró el contrato de grabación de Allman a Hall y quiso utilizarlo en sesiones con artistas de Atlantic R&B.

Mientras estuvo en Muscle Shoals, Allman tocó en grabaciones de numerosos artistas, incluidos Clarence Carter, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Percy Sledge, Johnny Jenkins, Doris Duke y el flautista de jazz Herbie Mann.






Para sus primeras sesiones con Franklin, Allman viajó a Nueva York donde, en enero de 1969, fue como parte del público al Fillmore East para ver a Johnny Winter y le dijo al guitarrista de Muscle Shoals, Jimmy Johnson, que en un año estaría en ese escenario.

Ese diciembre, The Allman Brothers Band tocó en el Fillmore. Casualmente, las actuaciones de Fillmore East grabadas para el álbum de "Allman Brothers At Fillmore East" en marzo de 1971, a menudo son consideradas el punto culminante de la banda.

Esta intensa profesionalización de Duane en el estudio y práctica de la guitarra a fin de atender a los múltiples requerimientos de artistas, aumentó su prestigio dentro del gremio musical, llegando a trabajar con gente tan diversa y destacada como el cantante afroamericano de rhythm and blues y soul antes mencionado, Wilson Pickett (1941-2006), con el músico estadounidense de soul y jazz, King Curtis (1934-1971), con el cantante norteamericano de rock, Boz Scaggs (1944), o el cantante y guitarrista de blues, también estadounidense, Otis Rush (1935-2018).






A la par que cumplía con sus compromisos en el sello Atlantic también tuvo la oportunidad de trabajar con la cantautora neoyorkina Laura Nyro (1947-1997) y con la banda de rock y soul Delanie&Bonnie, por la que pasaron importantes músicos como Eric Clapton, el cantante, cantautor, compositor, pianista y guitarrista estadounidense Leon Russell (1942-2016), o su propio hermano Gregg Allman.

La carrera de Duane y de Gregg está a punto de sobresalir de forma sideral al comenzar a forjarse la banda de su vida: The Allman Brothers Band, cuya mayor aportación fue la creación del llamado rock sureño.

Para ello tuvo el patrocinio de nada menos que del manager Phil Walden (quien entre su cartera de clientes estaba el soulman Otis Redding), llegando incluso este apoyo económico a promover la creación de una compañía ad hoc para editar los discos de The Allman Brothers Band, el sello Capricorn Records (fundada en 1969 y activa hasta su disolución en 2002).

The Allman Brothers Band se convirtió en uno de los grupos de rock más influyentes de la década de 1970. George Kimball, escribiendo en Rolling Stone en 1971, describió al grupo como "la mejor banda de rock and roll que este país ha producido en los últimos cinco años".






Cuando se le preguntó cómo se formó la banda, Duane declaró: "Muy lentamente. Yo estaba en Muscle Shoals y fui a Jacksonville a tocar con Berry y Dickey. Jaimoe vino conmigo desde Muscle Shoals, él es originario de Macon. Gregg estaba en California y Butch en Jacksonville. Nos juntamos y estuvimos tocando durante un par de meses. Necesitábamos un cantante y Gregg era el tipo. Dos semanas después de que Gregg volviera de California fuimos a Nueva York y grabamos allí. Tocamos en directo antes de publicar nuestro primer álbum en noviembre de 1969”.

Después de meses de ensayar y actuar sin parar sin Gregg, incluidos espectáculos gratuitos en Central City Park en Macon y Piedmont Park en Atlanta, todo lo que necesitaban era un cantante/organista y Duane sabía a quién quería.

Cuando Gregg regresó de California, el grupo decidió el nombre de la banda y estaba listo para grabar. Su álbum debut, “The Allman Brothers Band”, fue grabado en Nueva York en septiembre de 1969 y lanzado unos meses después.

Uno de los aspectos más singulares de The Allman Brothers Band fue que pusieron siempre mucho más énfasis en sus conciertos en vivo que en los álbumes, ya que según el propio Duane Allman, los miembros de la banda no disfrutaban en el estudio, sobre todo si las sesiones de grabación se hacían demasiado largas, aunque les encantaba ensayar en su local y crear canciones allí.

En 1970, el veterano productor Tom Dowd estaba trabajando en el segundo álbum de los Allman Brothers, “Idlewild South”, cuando el estudio recibió una llamada telefónica diciendo que Eric Clapton traería a los Dominos a Miami para grabar. Al escuchar esto, dijo que le encantaría pasar y verlo, si Clapton lo aprobaba.

Más tarde, Allman llamó a Dowd para informarle que su banda estaba en la ciudad para realizar un concierto benéfico el 26 de agosto. Cuando Clapton se enteró de esto, insistió en ir a ver su espectáculo y dijo: "¿Te refieres a ese tipo que toca en la parte posterior de “Hey Jude” (de Wilson Pickett )?... Quiero verlo tocar ... vamos".

Los tramoyistas sentaron a Clapton y compañía frente a la barricada que separaba al público del escenario. Cuando se sentaron, Duane estaba tocando un solo. Cuando se dio la vuelta, abrió los ojos y vio a Clapton, se quedó helado. Dickey Betts, el otro guitarrista principal de los Allman, continuó donde lo dejó Duane, pero cuando siguió los ojos de Duane hacia Clapton, tuvo que darle la espalda para no quedarse helado.

Después del espectáculo, Duane le preguntó a Clapton si podía pasar por el estudio para ver algunas sesiones de grabación, pero Clapton lo invitó directamente y le dijo: "Trae tu guitarra; ¡tienes que tocar!".

Se quedaron despiertos toda la noche. Tom Dowd dijo que "estaban intercambiando licks, intercambiando guitarras, hablando de negocios e información y divirtiéndose, sin restricciones, solo admiración por la técnica y facilidad de cada uno".

Clapton escribió más adelante en su autobiografía que él y Duane fueron inseparables durante las sesiones en Florida; habló de él como el "hermano musical que nunca había tenido pero que deseaba tener".

Duane participó en la grabación de la mayoría de las pistas del álbum, “Layla and Other Assorted Love Songs”, contribuyendo con algunos de sus trabajos más conocidos, pero lo más memorable es su riff de guitarra atemporal y su interpretación de slides en la canción principal.

Durante una entrevista de diciembre de 1970 con Jon Tiven de New Haven Rock Press, Duane explicó cómo se involucró en el álbum: "Bueno, fui allí para verlos hacer ese disco porque estaba interesado en él, porque soy un admirador de Eric Clapton desde hace mucho, mucho tiempo. Siempre me ha gustado su forma de tocar, él me inspiró mucho y personalmente siempre me gustó su forma de tocar”.

"Pensé que tendría la oportunidad de conocerlo y ver cómo esto sucedía, ¿sabes? Así que fui. Entonces, cuando lo vi, actuó como si me conociera, como si yo fuera un viejo amigo, 'Oye hombre, ¿Cómo estás?'. Y él dijo: 'Mientras estés aquí, queremos que grabes este disco y lo hagas con nosotros, de todos modos, necesitamos más guitarristas'. Así lo hice, me sentí muy halagado y contento de poder hacerlo”.

Puede que Duane no se hubiera dado cuenta, pero Eric probablemente estaba aún más emocionado de tenerlo involucrado. Cuenta la leyenda que Clapton escuchó el solo de guitarra de Duane en la versión del soul man Wilson Pickett de “Hey Jude” de The Beatles en la radio de su coche: “Conduje a casa y llamé a Atlantic Records inmediatamente”, dijo Clapton. "Tenía que saber quién tocaba la guitarra y tenía que saberlo ya". Sigue siendo el solo de guitarra favorito de Clapton.






En una entrevista, Duane les dijo a los oyentes cómo saber quién tocaba qué: “Eric tocaba las partes de Fender y yo las de Gibson”. Continuó señalando con indiferencia que “Fender tenía un sonido más brillante, mientras que el Gibson producía más un chirrido a toda velocidad".

Sin embargo, nunca dejó la Allman Brothers Band, a pesar de que le ofrecieron un puesto permanente en los Dominos.

Duane nunca estuvo de gira con Derek and the Dominos, pero hizo al menos dos apariciones con ellos, el 1 de diciembre de 1970, en el Curtis Hixon Hall en Tampa, y al día siguiente en el Onondaga County War Memorial en Syracuse.





No está claro si también apareció con ellos el 20 de noviembre de 1970, en el Santa Monica Civic Auditorium, en Santa Mónica, California, cuando el guitarrista Delaney Bramlett actuó con la banda.

Su suerte comenzó a cambiar en el transcurso de 1971, cuando las ganancias promedio de la banda se duplicaron. "Nos dimos cuenta de que la audiencia era una gran parte de lo que hacíamos, que no podía duplicarse en un estudio. Finalmente se encendió una bombilla; necesitábamos hacer un álbum en vivo", dijo Gregg Allman.

The Allman Brothers Band era una de las favoritas del promotor Bill Graham lo que les sirvió para su aparición en marzo de 1971 en su Fillmore East.

En el concierto del Fillmore, se grabaron cintas para su tercer álbum, “The Allman Brothers Live At Fillmore East” durante tres noches (11, 12 y 13 de marzo de 1971) por lo que a la banda se le pagó 1.250 dólares por noche.






El álbum fue lanzado en julio de 1971 por Capricorn Records como un álbum doble, "al precio de un solo LP”.
Mientras que los álbumes anteriores de la banda habían tardado meses en llegar a las listas (a menudo cerca del final del top 200), el disco comenzó a subir en las listas después de cuestión de días. Alcanzó el puesto 13 en la lista Top Pop Albums de Billboard y fue certificado oro por la Recording Industry Association of America en octubre.

El álbum está considerado entre los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos, y en 2004 fue uno de los álbumes seleccionados para su preservación en la Biblioteca del Congreso, considerado "cultural, histórica o estéticamente importante" por el Registro Nacional de Grabaciones.






Mientras tanto, Duane continuó contribuyendo con trabajos de sesión en álbumes de otros artistas siempre que podía. Según “Skydog: The Duane Allman Story”, aparecía espontáneamente en las sesiones de grabación y contribuía a lo que se grabara ese día. Recibió pagos en efectivo, pero no créditos de grabación, lo que hizo prácticamente imposible compilar una discografía completa de sus obras.

Duane era bien conocido por sus solos de guitarra melódicos, extendidos y que llamaban la atención. Durante este período, dos de sus influencias declaradas fueron Miles Davis y John Coltrane. Dijo que había escuchado atentamente “Kind of Blue” de Davis durante dos años.

A medida que el característico sonido eléctrico de cuello de botella de Allman comenzó a madurar, evolucionó hasta convertirse en la voz musical de lo que se conocería como rock sureño, siendo adoptado por otros guitarristas de slide, incluido su compañero de banda Dickey Betts (después de la muerte de Duane), Derek Trucks, Gary Rossington de Lynyrd Skynyrd y Joe Walsh. Duane también le enseñó a un joven Don Felder la técnica del slide.

Aunque de repente eran muy ricos y exitosos, muchos miembros de la banda y su séquito ahora luchaban contra la adicción a la heroína. Duane, el bajista Berry Oakley y los roadies Robert Payne y Red Dog Campbell, ingresaron en el Hospital Linwood-Bryant para rehabilitación en octubre de 1971.

La mayor contribución de esta estupenda banda en la que Duane era pieza imprescindible fue la innovación de acertar en una mixtura de elementos propios de estilos musicales próximos, pero con características específicas muy acusadas, como son el blues, el bluegrass, el country e incluso el boogie (el boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente rápido y bailable).

Solamente el bluegrass es ya un conglomerado de estilos e influencias musicales, se trata de un género que pertenece al conjunto de músicas tradicionales estadounidenses, que se originó en los años cuarenta del siglo XX en la zona de los Apalaches de Norteamérica, y consiste en una unión de diferentes músicas tradicionales del mundo (inglesa, irlandesa, escocesa y afroamericana) y de distintos tipos o géneros musicales como el jazz y el blues.






Apenas cuatro meses después de haber puesto en el mercado el primer álbum en vivo de la banda, esa mítica obra maestra a la que nos hemos referido llamada “At Fillmore East”, el 29 de octubre de 1971, mientras la banda estaba en un descanso de las giras y grabaciones, Duane Allman, “Skydog”, como le apodaban sus familiares y amigos más cercanos, conducía su motocicleta Harley-Davidson Sportster a alta velocidad en Hillcrest Avenue, en la parte oeste de Macon, Georgia.

Cuando se acercaba a Bartlett Street, un camión de carga que transportaba una pesada grúa de madera se detuvo repentinamente en la intersección entre ambas vías, obligándole a cambiar de dirección rápida y bruscamente.

A pesar de que intentó esquivarlo, Duane golpeó la parte trasera del camión y cayó aparatosamente de la motocicleta, que saltó por los aires y que a su vez cayó sobre él y se deslizó más de 20 metros con Duane atrapado debajo, aplastando sus órganos internos.

Estaba vivo y consciente cuando le llevaron a un hospital, pero a pesar del tratamiento médico urgente, murió horas después debido a las hemorragias internas masivas que le produjo el accidente.

El funeral de Duane se celebró el lunes 1 de noviembre de 1971 en Snow's Memorial Chapel en Macon, Georgia. En la capilla, repleta de familiares y amigos, asistieron muchos de los músicos que habían formado parte de su vida para llorar su muerte.

La banda, junto con otros, tocó varias canciones, concluyendo con una interpretación grupal del espiritual sureño "Will the Circle Be Unbroken", uno de los favoritos de la banda.

Artículo de Jon Landau "El líder de la banda Duane Allman muere en un accidente de motocicleta"
(publicado por primera vez en Rolling Stone, el 25 de noviembre de 1971, número 96)

"Duane estaba casado con su música, a decir verdad”, reflexionó un amigo cercano después de los ritos funerarios. “Sin embargo, supongo que morir tan joven fue casi inevitable. Tenía una vena salvaje e imprudente, y aparte de tocar su guitarra, se… aburría, supongo que se podría llamar así. Por ese motivo, corría entre muchas chicas y mucha droga mala en su época verde, y le encantaba fumar por las carreteras en motocicletas que eran demasiado rápidas para él. No se vive mucho si se vive... así de impulsivo. Duane era básicamente un buen chico de campo, pero también podía ser malo de vez en cuando. Demonios, yo también lo extrañaré. Sólo lamento que haya tenido que irse tan temprano. Le quedaba mucho por hacer.

Duane Allman , líder y fuerza impulsora detrás de Allman Brothers Band, murió el viernes 29 de octubre a causa de las heridas masivas recibidas en un accidente de motocicleta en Macon, Georgia. Tenía 24 años. Él y el resto de la banda se encontraban actualmente en medio de sus primeras vacaciones reales en más de dos años.

Duane había estado visitando la “Casa Grande” de la banda para desearle un feliz cumpleaños a Linda Oakley, esposa del bajista de la banda, Berry Oakley. Poco después de salir de casa, alrededor de las 17.45 horas, giró bruscamente para evitar un camión que circulaba en la misma dirección, pero que evidentemente no había visto a tiempo después de que giró hacia la calle.

La moto patinó y giró, atrapando a Allman mientras viajaba otros 50 pies. La novia de Duane, Dixie Meadows, y la hermana de Berry Oakley, Candy, lo habían estado siguiendo desde cierta distancia y no habían visto el accidente. Lo encontraron y se quedaron hasta que llegó una ambulancia.

Según los informes, dejó de respirar dos veces en la ambulancia, pero en cada ocasión fue reanimado mediante reanimación boca a boca. Murió después de tres horas de cirugía de emergencia en el Centro Médico Macon.

El Dr. Charles Burden, el cirujano tratante, dijo después que cualquiera de las lesiones sufridas (un tórax colapsado que provocó lesiones internas masivas, incluida la rotura de una arteria coronaria y un hígado gravemente dañado) probablemente habría causado la muerte, pero que la combinación de lesiones dejó muy pocas esperanzas desde el principio.

La noticia de la muerte de Duane dejó a sus amigos y familiares, y a la floreciente comunidad musical de Macon, en estado de shock. “La muerte de Duane Allman es una pérdida muy personal”, dijo Phil Walden, el manager de la banda, “no sólo por la música directa y sensata que creó, sino también por la cálida y sincera amistad que compartimos. Recordar a Duane es recordar su música, y eso es exactamente de lo que se trataba el hombre”.

Johnny Sandlin, joven director de A&R de Capricorn Records y miembro de uno de los primeros grupos de Duane, The Hourglass, dijo: "Más que nadie, Duane Allman fue responsable de la revolución musical en el Sur", refiriéndose a los cambios que había tenido Duane, "ayudó a atraer a muchos músicos del sur y la tremenda influencia que la banda ha tenido en toda la región".

La Sra. Geraldine Allman, la madre de Duane, voló inmediatamente desde Florida, donde todavía vive y donde Duane y su hermano menor Greg pasaron la mayor parte de su adolescencia. La esposa divorciada de Duane, Donna, y su hija, Galadriel, también estuvieron presentes en el funeral.

Los servicios se llevaron a cabo el lunes siguiente en la Capilla Conmemorativa de Macon. Asistieron cerca de 300 amigos, familiares y admiradores. El estuche de la guitarra de Duane estaba frente al ataúd adornado con flores y el equipo de la banda estaba instalado en la parte trasera.

A las 3 de la tarde, los miembros restantes del grupo, Greg, Berry Oakley, Dicky Betts, Jai Johanny Johnson, Butch Trucks y el amigo cercano de la banda, el arpista Thom Doucette, tomaron sus lugares. Comenzaron con el patrón familiar de una introducción al blues lento, y luego, detrás de sus gafas oscuras, Greg cantó: "El cielo está llorando, mira las lágrimas rodar por mis mejillas". Tocaron “Keys to the Highway”, que Duane había grabado con Eric Clapton en Layla, luego tocaron “Stormy Monday” y “Elizabeth Reed”.

Tocaron la música que habían estado haciendo durante el último año con Dicky tocando para Duane en los lugares donde normalmente se habría escuchado a Duane y con las personas que realmente conocían la música de Duane aportando de memoria las líneas faltantes de las armonías elaboradas durante mucho tiempo.

Los jóvenes asistentes comenzaron a aplaudir después de cada canción y a responder visiblemente a la música. Red Dog, el legendario road manager del grupo, alentó la receptividad, dejando claro que el tributo de la banda a Duane radicaba en interpretar su música para quienes más la amaban. Mientras algunos de los amigos musicales más cercanos de Duane se sentaban y miraban (incluían toda la sección rítmica de Muscle Shoals con la que había grabado muchos discos, Jimmy Johnson, David Hood, Roger Hawkins y Barry Beckett), otros se unieron a la banda en el escenario.

Mac Rebennack, que había volado desde Nueva York con el vicepresidente ejecutivo de Atlantic Records, Jerry Wexler, tocaba la guitarra y Bobby Caldwell, anteriormente con Johnny Winters, se unió a la batería. Delaney Bramlett gravitó gradualmente hacia el centro y guió a todos en un espeluznante “¿Se mantendrá el círculo intacto?”, en el que la gente aplaudía y lloraba al mismo tiempo. Luego, Delaney, solo, hizo un breve homenaje a Duane, cantando lo que dijo que era su canción favorita, "I Still Remember", y luego una que él y Duane solían tocar, "Come in My Kitchen".

Greg Allman luego cantó solo un par de canciones. La última la presentó como una de las favoritas de su hermano, una canción que escribió hace tres años y de la que dijo “nunca me gustó mucho pero se la voy a cantar”. Cuando terminó, se despejó la nave pero luego el grupo decidió regresar y hacer una última canción, la que habían estado usando para abrir su set durante el último año y medio: “Statesboro Blues”.

Cuando la banda terminó, Dicky Betts tomó la Les Paul Gibson que había estado tocando (era la guitarra de Duane), la colocó junto al estuche de la guitarra de Duane, frente al ataúd, y se fue.

Luego se presentó a Jerry Wexler para pronunciar el panegírico. Al leer una declaración escrita, con frecuencia se detenía para recuperarse y logró ofrecer un conmovedor homenaje a un amigo y músico a quien había utilizado por primera vez en una de sus sesiones hace tres años.

Algunas de sus declaraciones incluyeron: “Fue en el funeral de King Curtis cuando vi por última vez a Duane Allman, y Duane, con lágrimas en los ojos, me dijo que el aliento y los elogios de Curtis eran valiosos para él en la búsqueda de su música y su carrera. Ambos eran músicos talentosos y con una capacidad ilimitada para la improvisación verdaderamente melódica.

Ambos nacieron en el Sur y aprendieron su música de grandes músicos y cantantes de blues negros. Ambos estaban completamente dedicados a su música, y ambos eran intolerantes con las fallas y lo meritorio y nunca permitirían la incorporación del compromiso comercial a su música, ni por amor ni por dinero.

“…Recuerdo una mágica noche musical de verano cuando Duane y Delaney se sentaron en un patio al aire libre con vista al agua, ambos tocando guitarras acústicas lo más suavemente posible y ambos cantando: Blind Willie Johnson, Robert Johnson, Jimmy Rodgers y un inolvidable Canción de Jimmy Davis llamada 'Shackled and Chained'.

La música era increíblemente pura, completamente libre de afecto, y casi evitaba la personalidad, ya que cada uno de ellos se entregó a la inefable belleza de la música gospel, country y blues sureña como sólo los músicos sureños pueden hacerlo.

“…Aquellos de nosotros que tuvimos el privilegio de conocer a Duane lo recordaremos de todos los estudios, camerinos detrás del escenario, los Downtowners, los Holiday Inn, los Sheratons, las noches, relajándose después de las sesiones, el whisky y la charla musical, tocando. Los casetes hasta que la noche dio paso al amanecer, las comidas y los juegos en la piscina, y la pesca en Miami y Long Island, este joven que amamos tanto pero que no está perdido para nosotros, porque tenemos su música, y la música es imperecedero”.

El servicio terminó poco después del elogio y la banda tocó durante un rato después de que terminó. Más tarde, la banda y sus amigos regresaron a su Casa Grande mientras muchos de los invitados se unían a Phil Walden en su casa. El sepelio será en una fecha posterior.

Cuando Greg Allman actuó solo brevemente durante el funeral, tocó la guitarra antigua bellamente diseñada de Duane. Cuando terminó de cantar, bajó la cabeza, tocó nerviosamente la guitarra y dijo: “Esta es una guitarra muy antigua, una pieza muy hermosa. Fue hecho en 1920 y estoy muy orgulloso de tenerlo”. Luego, mirando a los invitados reunidos, añadió: "Y estoy muy orgulloso de que todos ustedes hayan venido".

Legado

Después del funeral de Allman y algunas semanas de luto, los cinco miembros supervivientes de Allman Brothers Band continuaron, reanudando las actuaciones en directo y terminando el trabajo de grabación interrumpido por la muerte de Duane.

Llamaron a su próximo álbum "Eat a Peach" por la respuesta de Duane a la pregunta de un entrevistador: "¿Cómo estás ayudando a la revolución?" y el respondió: "Estoy dando un golpe por la paz, y cada vez que estoy en Georgia como un melocotón por la paz. Pero no se puede ayudar a la revolución, porque simplemente hay evolución. Soy un jugador. Y los jugadores no te importa nada más que tocar...."

Publicado como álbum doble en febrero de 1972, contiene una cara de temas en vivo y de estudio con Duane, dos caras de "Mountain Jam", grabadas con Duane al mismo tiempo que "At Fillmore East" en marzo, y un lado de las pistas de los cinco miembros supervivientes de la banda.

El bajista de Allman Brothers Band, Berry Oakley, murió menos de 13 meses después, también a la edad de 24 años, en un accidente de motocicleta similar con un autobús urbano, a tres manzanas del lugar del accidente fatal de Duane. Oakley fue enterrado junto a Duane en el cementerio Rose Hill en Macon, Georgia.

La variedad del trabajo de sesión de Duane y la dirección de banda de The Allman Brothers Band se puede escuchar con buenos resultados en dos lanzamientos póstumos de Capricornio, "An Anthology" (1972) y "An Anthology Volume II" (1974). También hay varios lanzamientos de archivo de actuaciones en vivo de Allman Brothers Band de lo que la banda llama "la era de Duane".

Poco después de la muerte de Duane, Ronnie Van Zant de Lynyrd Skynyrd dedicó la canción "Free Bird" a su memoria. Van Zant a veces aludía a esto en los conciertos.

En la interpretación que la banda hizo en 1976 de "Free Bird" en Knebworth, Inglaterra, Van Zant le dijo al pianista Billy Powell : "Tócala para Duane Allman". La canción fue escrita mucho antes de que Duane muriera y no fue escrita pensando en él (Allen Collins escribió la canción después de que su entonces novia le hiciera la pregunta "si me voy de aquí mañana, ¿todavía te acordarías de mí?")

En 1998, la Legislatura del Estado de Georgia aprobó una resolución que designaba un tramo de la Carretera Estatal 19, Ruta 41 de los EE. UU., dentro de Macon, como Duane Allman Boulevard en su honor. La ruta, que pasa cerca del Museo The Allman Brothers Band (en "The Big House", donde una vez vivió la banda) y el restaurante H&H, donde los miembros de la banda solían cenar, cruza el puente Raymond Berry Oakley III.

El cantante de country Travis Tritt , en la canción "Put Some Drive in Your Country" de su álbum debut, canta "Ahora todavía amo el viejo country / No estoy tratando de dejarlo / Pero maldita sea, extraño a Duane Allman / Ojalá todavía estuviera por aquí".

"Skydog", una caja de siete CD que rastrea el virtuosismo de Duane en la guitarra, fue lanzado en 2013 con la ayuda de su hija, Galadrielle Allman. Una entrevista con ella el 16 de marzo en la edición de fin de semana de NPR del sábado realizada por Scott Simon dura más de ocho minutos, incluye muchos detalles y se destaca con clips de su interpretación, que incluyen enlaces a un archivo de audio preparado para la transmisión.

Duane Allman fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 como miembro de Allman Brothers Band.

Billy Gibbons de ZZ Top, dijo sobre Duane Allman a la revista Rolling Stone: “Duane comenzó a hacer cosas que nadie había hecho antes en el rock americano. Sencilla y simplemente, fue un músico impresionante, excepcional y singular que se fue demasiado pronto”.

Eric Clapton aseveró sobre él: “Era un guitarrista de un talento, una sensibilidad y una garra como ninguno de su generación tuvo en la América de los 70”.

Joe Bonamassa, en una entrevista en el proyecto radiofónico de Rockola FM allá por 2009, aseguró: “Ningún guitarrista ha sido ni será tan grande como Duane Allman en el rock sureño. Aprendo de él infinidad de cosas cada vez que escucho un disco de la Allman Brothers Band”.

En una entrevista en 2015, su hermano Gregg habló sobre el período que Duane estuvo en la banda y aseguro: “Fueron días muy felices. No teníamos mucho dinero. Bueno, Duane tenía algo más porque trabajaba mucho como músico de sesión, pero no éramos ricos. Y no nos importaba porque estábamos tocando nuestra música, vivíamos haciendo lo que nos gustaba y con el mero hecho de que durante un ensayo en el local surgiera una nueva canción, eso ya valía por todo. Cuando una nueva canción sale del cascarón, funciona y hace “clic”, hombre, eso es como un regalo el día de Navidad”.

Como músico, Duane Allman era un gato espiritual que, aunque se alimentaba del alcohol y las drogas, siempre estaba en contacto con el poder de la música.

Su trabajo de guitarra slide, siempre realizado con un frasco de pastillas de Coricidin y, a menudo, en afinación en Mi abierta, fue el resultado de innumerables horas de arduo trabajo. Su breve vida (ni siquiera llegó al club 27) estuvo repleta de actuaciones musicales icónicas, y poco antes de su muerte resumió su propio legado: “Desarrolla tu talento, hombre, y deja algo al mundo”, dijo Allman. “Los discos son realmente regalos de la gente. Pensar que un artista te amaría lo suficiente como para compartir su música con cualquiera es algo hermoso”.

Duane Allman estaba demasiado adelantado a su tiempo, y marcó esa actitud con un estilo de vida que simplemente no podía seguirle el ritmo. Pero su prematura desaparición no impidió que "Skydog" dejara un volumen de trabajo que aún sería recordado durante más de medio siglo.

Duane Allman tiene todo el mérito de ser considerado uno de los guitarristas más grandes y asombrosos que se ha visto en la historia del rock. También es uno de los guitarristas de slide más grande de todos los tiempos. La forma en que hizo que la guitarra sonara casi idéntica a la voz humana cuando movía ese slide arriba y abajo del mástil de la guitarra fue como presenciar otra personificación de Jimi Hendrix, la forma en que el instrumento era como una extensión anatómica de su corazón y su alma. Yendo aún más lejos que eso, la influencia, habilidad, diversidad y magnitud duradera de Duane Allman podría rivalizar incluso con la de Hendrix.

Para Héctor Muñoz de Radio Futuro Chile estos son los mejores solos de Duane

"Whipping Post" (en vivo Fillmore East)
La versión del álbum debut de The Allman Brothers Band es increíble, pero es su improvisación de "Fillmore East" la que merece todos los elogios. Duane Allman dispara con el blues rock más pesado que jamás haya aparecido en el escenario.

Cada componente lo convirtió en un intelectual del instrumento. Su velocidad, consistencia, conocimiento e imprevisibilidad hicieron que cada una de sus actuaciones en vivo fuera tan emocionante para sumergirse. Duane hace un gran trabajo creando tensión antes de que Greg regrese con el coro. Finalmente, Duane concluye toda la canción con un solo más suave que ayuda a los oyentes a recuperar el aliento después de veinte minutos de pura euforia del rock n ‘roll. Es la espontaneidad de guitarra de esta inmensidad lo que convierte a "Skydog" en uno de los gigantes de su oficio.

Blue Sky
"Eat a Peach" de 1972 fue el último álbum grabado en el que estuvo Duane Allman antes de su muerte; es lo que lo convierte en una pieza de la historia del rock clásico que es aún más especial. Ciertamente, "Blue Sky" es una belleza por derecho propio; siendo una canción que fue escrita y cantada por el guitarrista Dickey Betts.

Escribió esta maravillosa balada sobre el amor de su vida que fue apodada "Bluesky", y mostró tanto a él como a Duane en su momento más vulnerable y definitorio del alma; ambos están en su apogeo aquí. Pero es el solo de Duane en la marca de un minuto lo que debe ser honrado; es una valiosa pieza de brillantez instrumental.






Statesboro Blues (en vivo Fillmore East)
Esta fue la canción que abrió "Live at Fillmore East", y es espectacular; es todo lo que esperarías del calibre de una banda como The Allman Brothers Band. Lo intrigante de "Statesboro Blues" es que es una interpretación de la versión de Taj Mahal, que en sí misma era una versión del original de Blind Willie McTell.

Greg le había dado a Duane el registro de Taj Mahal que contenía su versión para su cumpleaños; también recibió un frasco de pastillas de Coricidin porque estaba enfermo. Así que Duane puso el disco, sacó las pastillas del frasco, lo usó como slide, comenzó a tocarlo y el resto fue historia.

Así es como Duane creó el estilo de blues de cuello de botella por el que se hizo famoso; por supuesto, su impecable tono de guitarra se sumaba a ello. Esos tres solos, el inicial, el segundo que comienza antes de los dos minutos y el final hacia el final, han tenido el mayor impacto en el blues rock.

Layla (Derek and the Dominos)
No podemos dejar de incluir "Layla". Es el tipo de canción que realmente resume la carrera de un músico; en este caso, es Eric Clapton. Pero no mucha gente se da cuenta de que Duane Allman entregó una gran cantidad de aportes artísticos durante la creación de la canción.

En primer lugar, ese riff icónico fue idea de Duane; tomó prestada una línea vocal de una canción de Albert King, "As the Years Go Passing By"; y la tradujo a la guitarra pero la tocó el doble de rápido. Luego está el solo de guitarra slide que cierra la primera mitad antes de la coda de piano.

Es uno de los mayores esfuerzos de Duane que tiende a ser pasado por alto por todos los demás aspectos de esta epopeya. Es todo un solo de guitarra vocal, en el sentido de que Duane mueve el slide más allá del traste 23 de la guitarra, creando estas notas que uno tendría dificultades para encontrar sin la ayuda de un slide. La forma en que trata el solo de guitarra como si fuera una persona real que acompaña al riff principal de la canción es lo que convirtió a Duane en el tesoro que era.

Mountain Jam (en vivo)
Este es un excelente ejemplo de las influyentes credenciales de improvisación de The Allman Brothers Band. Este corte de "Eat a Peach", que fue grabado durante su histórico show en Fillmore East, dura unos buenos cuarenta minutos; así es: tocaron una sola canción durante cuarenta minutos. Todo el mundo está en pleno apogeo aquí; cada miembro derrama cada gramo de su improvisación musical con absoluto cuidado y precisión. Pero por ahora, solo destacaremos a Duane, quien es la verdadera estrella. Primero, desata un solo en la marca de 2:42; este es un verdadero placer para los oídos.

Con su tono «ligero, pero no demasiado ligero», te lleva a través de una odisea de melodías de bienvenida, frases dominantes frigias y una bulliciosa diatriba de acentos de blues que literalmente suena como uno de esos cantantes de R&B de los años 50 y 60. Finalmente, regresa veintitrés minutos con el mejor slide de su vida. Cada sonoridad, vibrato, cambio de dirección en el diapasón y comprensión del ritmo y la sincronización demostraron que Duane podía convertir algo tan primitivo como el blues en una pintura de Picasso.

Why Does Love Got to be So Sad? (Derek and the Dominos)
Aquí hay otra grabación fantástica de Derek and the Dominos que ilumina a Duane; eso no quita el hecho de que Eric Clapton también es genial aquí, pero es solo que esta lista es sobre Duane. De todos modos, comparte tres solos de guitarra en esta pista; una breve durante la introducción, una segunda durante el descanso intermedio y una final para cerrar la canción.

Los tres son Duane por excelencia, con sus ejecuciones melódicas menores aterrorizando el paisaje enamorado del mensaje general de la melodía, pero es ese solo de guitarra final el que realmente lleva todo a un desenlace perfecto; especialmente esa bonita lamida durante los últimos treinta segundos.






You Don’t Love Me (en vivo Fillmore East)
Este corte en vivo que dura unos quince minutos, alberga algunos de los mejores momentos de Duane. Primero están sus solos de guitarra slide. El que llega a los dos minutos es una de las eufonías más violentas que jamás haya creado. El segundo ataca aproximadamente a las 6:45 minutos. A los siete minutos, todo el mundo desconecta.

Todo está en silencio. Luego, Duane comienza a gritar estas deliciosas escalas de blues empapadas del poder y la animosidad de Hendrix, pero con la competencia de Eric Clapton. Este gigantesco solo dura aproximadamente ocho minutos, y es sencillamente increíble.

Don’t Keep Me Wonderin
Apareciendo por primera vez en el disco de 1970, "Idlewild South", este impresionante número se interpretó en vivo durante el mayor espectáculo de su carrera: su concierto en Fillmore East. El trabajo de slide de Duane aquí es en su máxima expresión. No hace muchos tecnicismos; en cambio, golpea sin piedad estos dos solos de guitarra en el escenario con impunidad.






Equipo

Allman Joys, Hour Glass
Fender Telecaster, modificada con un mástil de Stratocaster
Amplificador Marshall, con seis altavoces de 10 pulgadas y dos bocinas

Primeros trabajos de sesión
Fender Stratocaster de 1954, utilizada en las sesiones de Muscle Shoals Sound Studio, ahora en el Hard Rock Cafe de Londres
Dallas Arbiter Fuzz Face, con viejas pilas de 9 voltios para mejorar la distorsión
Fender Twin Reverb con altavoces JBL
Maestro Echoplex
Fender Bassman de 1959

Allman Brothers Band, Layla, trabajo de sesión posterior
1961 Fender Stratocaster (para los primeros trabajos de sesión, coincidiendo con la formación de la Allman Brothers Band)
1958–1962 Gibson ES-345 de cuerpo semihueco (primer álbum)
1957 Gibson Les Paul Standard goldtop, nº de serie. 7 3312, cambiada el 16 de septiembre de 1970 por una:
1959 Gibson Les Paul Standard cherry sunburst, excepto las pastillas
1958 Gibson Les Paul Standard tobacco sunburst, adquirida en junio de 1971
1961 Gibson SG, utilizada para slide, regalada por Dickey Betts
Cabezal Marshall de 50 vatios, dos cajas Marshall 4x12 con altavoces JBL
Amplificador combinado Fender Champ (Layla)

Otros
Guitarra acústica Gibson L-00
Cuerdas Fender Rock N' Roll 150 (Hour Glass)
Frasco de medicina Coricidin (slide)

Discografía

The Allman Brothers Band
The Allman Brothers Band (1969)
Idlewild South (1970)
At Fillmore East (1971)
Eat a Peach (1972) en las pistas 4-9

Derek & the Dominos
Layla and Other Assorted Love Songs (1970) en las pistas 4–14

Fuentes: duaneallman.com, atlantico.net, loudersound.com, futuro.cl, rollingstone.com, Wikipedia y flickr

En el puesto número 8


Eddie Van Halen


Eddie Van Halen fue un músico neerlandés-estadounidense, conocido mundialmente por ser el guitarrista y miembro fundador de la banda de hard rock Van Halen junto a su hermano Alex y a Mark Stone en 1972.

Está considerado como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock y fue conocido por popularizar la técnica de la guitarra tapping, permitiendo tocar arpegios rápidos con las dos manos en el diapasón.

Fue considerado por la revista Rolling Stone como el octavo mejor guitarrista de la historia y fue uno de los pioneros del estilo conocido como heavy metal y su solo de guitarra “Eruption” fue votado como el segundo mejor de la historia según la revista Guitar World y el sexto mejor según la revista Rolling Stone.

Van Halen tuvo numerosos problemas de salud desde la década de 1990. Murió en octubre de 2020 debido a complicaciones de un cáncer de garganta.






Edward Lodevijk Van Halen nació en Amsterdam (Países Bajos) el 26 de enero de 1955. Hijo de Jan van Halen y Eugenia (de soltera van Beers). De padre holandés, mientras que su madre era de Rangkasbitung, en la isla de Java, en las Indias Orientales Holandesas (ahora Indonesia).

Su padre era clarinetista, saxofonista y pianista de jazz, hecho que influyó notablemente en su pasión temprana por la música. Tras pasar un tiempo en la ciudad holandesa de Nimega, se trasladó con su familia a los Estados Unidos en febrero de 1962.

Se establecieron cerca de otros miembros de la familia en Pasadena, California, donde Eddie y su hermano Alex asistieron a una escuela primaria segregada. Dado que los niños no hablaban inglés como primer idioma, se los consideraba estudiantes "minoritarios" y sufrieron acoso por parte de estudiantes blancos.

Comenzaron a aprender a tocar el piano a los seis años, viajando desde Pasadena a San Pedro, Los Ángeles para estudiar con un anciano profesor de piano, Stasys Kalvaitis.

Fue su padre quien hizo que los hermanos amaran la música, y les convirtió muy pronto en concertistas de piano. A Eddie nunca le enseñaron a leer música, en cambio, veía recitales del repertorio de Bach o Mozart e improvisaba.

Entre 1964 y 1967, ganó el primer premio en el concurso anual de piano del Long Beach City College.

Sus padres querían que los niños fueran pianistas clásicos, pero cautivados por el rock and roll e influenciados por bandas de la invasión británica de los años 60 como los Beatles y Dave Clark Five, los hermanos van Halen decidieron aprender a tocar otro tipo de instrumentos. Inicialmente Edward se interesó por la batería y Alex por la guitarra.

En consecuencia, cuando Alex empezó a tocar la guitarra, Eddie compró una batería; sin embargo, después de escuchar la interpretación de Alex del solo de batería de The Surfaris en la canción "Wipe Out", le dio a Alex la batería y comenzó a aprender a tocar la guitarra eléctrica. Según él, cuando era adolescente a menudo practicaba mientras caminaba por casa con su guitarra atada o sentado en su habitación durante horas con la puerta cerrada.

Eddie comenzó a brillar con su guitarra, con una marcada tendencia hacia el hard rock, con influencias de Eric Clapton, Jimi Hendrix, George Harrison o Jimmy Page.

Eddie y Alex formaron su primera banda con otros tres chicos, se llamaron The Broken Combs, y actuaban regularmente en la escuela Hamilton de Pasadena, donde Eddie cursaba cuarto grado. Más tarde citó estas actuaciones como clave para su deseo de convertirse en músico profesional.

Tiempo después, el guitarrista declaró que la versión de “I'm So Glad” del álbum “Goodbye” de Cream, fue una de sus principales influencias musicales, asegurando además que había aprendido casi todos los solos de Eric Clapton en la banda nota por nota.

En una entrevista para la revista Guitar World, Eddie afirmó: “Siempre he dicho que Eric Clapton fue mi principal influencia... sin embargo, yo era más parecido a Jimmy Page de una manera más bien temeraria”.

Eddie y su hermano Alex formaron la banda Mammoth en 1972 con el bajista Mark Stone. Dos años más tarde, David Lee Roth, un joven cantante que alquilaba a los hermanos Van Halen el equipo de sonido para voz, entra al grupo, ya que Eddie y Alex vieron que podrían ahorrarse ese dinero y Eddie detestaba ser el vocalista principal del grupo.

Michael Anthony es invitado también a tocar en el grupo ese mismo año. El nombre de Mammoth tenía que ser cambiado, ya que otro grupo lo estaba utilizando, y entre los cuatro buscaron un nuevo nombre para el grupo; David Lee Roth sugirió el apellido de los hermanos Van Halen.

La banda se convirtió en todo un éxito en el circuito de clubes de Los Ángeles (California) en los años 70, tocando versiones de bandas populares, especialmente de Aerosmith.

En un concierto celebrado en 1976 en el Starwood de California, la banda actuó como telonera de UFO. El bajista de Kiss, Gene Simmons, vio la actuación y dijo: "Estaba esperando entre bastidores a la tercera canción y pregunté a la banda por sus planes. Me dijeron: "Hay un fabricante de yogures que va a invertir en nosotros".

Gene les convenció de que no siguieran ese camino y les invitó a grabar unas maquetas en los Electric Lady Studios de Greenwich Village, en Nueva York. Gene los fichó entonces para su compañía y el grupo grabó las primeras maquetas de sus canciones, entre ellas "Runnin' with the Devil".

Entusiasmado con el grupo, Gene se dirigió a Bill Aucoin, mánager de Kiss, y a Paul Stanley, líder de la banda, para hablarles de ellos, pero éstos desestimaron su deseo de ficharlos para la empresa de Aucoin. Stanley dijo más tarde que "rechazó a Van Halen para proteger a Kiss". Esta situación no afecta el ánimo del cuarteto que continúa ofreciendo espectáculos abarrotados.

Mo Ostin, un ejecutivo de Warner Bros. Records, asistió también a un show en el Club Starwood de Los Ángeles junto con Ted Templeman, y le ofreció a la banda un contrato de grabación al finalizar el show, lo que hizo que se convirtiera en su principal casa discográfica.

La banda entró inmediatamente al estudio con Templeman como productor y graba su primer álbum, el cual fue lanzado en 1978 obteniendo un éxito inmediato, alcanzando la posición número 19 en las listas de música pop de Billboard y convirtiéndose en uno de los debuts de mayor éxito comercial en la historia del rock.

Con el título homónimo “Van Halen”, el álbum presentaba innovaciones en ejecución, producción y arreglos. Incluía algunos de sus solos icónicos, y fue elogiado como uno de los mejores álbumes de rock jamás publicados.

La pista instrumental “Eruption” introdujo al mundo del rock and roll una nueva técnica para solos de guitarra, llamada tapping, en la que se hace uso de ambas manos en el mástil de la guitarra.

Otros músicos ya habían desarrollado técnicas con ambas manos en el mástil desde los años 50, pero la técnica de Eddie Van Halen era mucho más compleja: un ataque de notas y efectos muy amplificada y melódica.

“Eruption” le otorgó a Eddie Van Halen inmediatamente el estatus de dios de la guitarra con tan sólo 21 años. Se dice que antes del lanzamiento de su primer álbum, Eddie tocaba sus solos dando la espalda al público para esconder su técnica de los imitadores.





La banda estuvo de gira casi por un año, siendo durante parte de ella teloneros de Black Sabbath y estableciendo firmemente su reputación como una talentosa y excitante banda en vivo. La química se basaba en la mágica técnica de Eddie Van Halen y los actos inusuales y estrafalarios del vocalista David Lee Roth, un contraste que más tarde se convertiría en un conflicto entre el grupo.

En diciembre de 1978, mientras el grupo junto con su productor Ted Templeman festejaban la Navidad y el año exitoso que terminaba, Eddie Van Halen mostró sus dotes musicales en una guitarra acústica.

Esto agradó a Templeman, quien le sugirió que grabara un solo similar a “Eruption” en acústico en el próximo álbum, “Van Halen II”, el cual fue titulado “Spanish Fly”.







La banda regresa al estudio en 1979 para la grabación del álbum “Van Halen II”, muy similar en estilo y sonido a su predecesor. Este álbum contenía como primer sencillo “Dance the Night Away”, el cual lograría establecerse fácilmente dentro de las listas de popularidad.

Para los próximos cuatro años, la banda continuaría alternando lanzamientos de discos con giras, para así incrementar su éxito comercial y ante la crítica. Durante la época del lanzamiento del álbum “Women and Children First” en 1980, Van Halen era la banda más exitosa e influyente del mundo del rock and roll estadounidense.

Sin embargo, en 1981, mientras se grababa el álbum “Fair Warning”, comenzaban a surgir las tensiones entre los deseos de experimentación de Eddie en crear canciones con instintos pop, con la utilización de sintetizadores, y el espíritu rockero de David Lee Roth.

“Fair Warning” fue al inicio una decepción en ventas, pero más tarde tomaría fuerza gracias a las recomendaciones que se hacían de persona en persona. Inclusive para muchos fanáticos de la banda, este es el mejor álbum grabado por ellos durante la era Roth y en el que se incluyen clásicos como “Meanstreet”, “Hear About it Later”, “So this is Love” y “Unchained”.







Después de la gira de promoción de “Fair Warning”, la banda inicialmente quiso reducir el ritmo y tomarse un descanso. Lanzaron sólo un sencillo, "(Oh) Pretty Woman"/"Happy Trails", destinado a ser un lanzamiento independiente.
Sin embargo, el sello de la banda pidió otro álbum debido al éxito de la cara A y la banda grabó su quinto álbum de estudio, “Diver Down”.

A pesar de tratarse mayoritariamente de un álbum de versiones, contiene algunas de las mejores canciones originales de la carrera de la banda, como "Secrets", "Little Guitars" o "Hang 'Em High" y el éxito clásico de Roy Orbison “Oh, Pretty Woman”.

Ese mismo año a Eddie se le pidió que añadiera un solo de guitarra a la canción de Michael Jackson "Beat It" cuando el guitarrista de The Who, Pete Townshend, no estuvo disponible y lo recomendó.

Cuando Quincy Jones contactó con él, Eddie pensó que estaba recibiendo una llamada de broma. Habiendo establecido que la llamada era genuina, Eddie aceptó sin estar seguro de qué podía agregar a una canción pop. Tocó la canción y terminó reestructurándola y agregando el solo clásico.

Usó un amplificador personalizado que tomó prestado del guitarrista británico Alan Holdsworth, configurado para usarlo junto con su guitarra Frankenstrat y la sección de preamplificador de un Echoplex.

En una entrevista de CNN en 2012, dijo: "Escuché la canción e inmediatamente dije: '¿Puedo cambiar algunas partes?' Me volví hacia el ingeniero y le dije: 'Está bien, desde la ruptura, corta esta parte, ve a esta pieza, al pre-estribillo, al estribillo, afuera'. Le tomó unos 10 minutos armarlo y procedí a improvisar dos solos sobre él".

Añadió: "Estaba terminando el segundo solo cuando entró Michael. Y ya sabes, los artistas son gente un poco loca. Todos somos un poco extraños. No sabía cómo reaccionaría él ante lo que yo estaba haciendo. Así que le advertí antes de que escuchara y le dije: 'Mira, cambié la sección central de tu canción'. Ahora, en mi opinión, sus guardaespaldas me echarán por destrozar su canción, o le va a gustar".

"Entonces la escuchó, se volvió hacia mí y dijo: 'Guau, muchas gracias'. por tener la pasión no sólo de entrar y tocar un solo, sino de preocuparse por la canción y mejorarla".







Eddie estaba tan contento que rechazó el pago por su trabajo: "Lo hice como un favor", dijo más tarde el músico. "Era un completo tonto, según el resto de la banda, nuestro mánager y todos los demás. No estaba acostumbrado. Sabía lo que estaba haciendo; no hago algo a menos que quiera hacerlo".

Eddie multiplicó su número de fans en todo el mundo al exponer su contundente sonido de guitarra en un álbum básicamente de estilo pop-soul (hay que aclarar que Eddie únicamente grabaría el solo de estudio; la base rítmica de la canción fue obra de Steve Lukather, guitarrista de Toto).

Lukather, recordó: "Al principio, lo tocamos porque Eddie había tocado un buen solo, pero Quincy pensó que era demasiado difícil. Así que tuve que reducir el sonido de guitarra distorsionado y eso es lo que se lanzó".

Se grabaron dos versiones del solo. Eddie dijo en 2015 que también reorganizó la canción y le pidió a Jones que editara los acordes para que su solo pudiera estar en la clave de Mi. Tanto Lukather como Porcaro tuvieron que volver a cortar las partes de guitarra, bajo y batería de la canción para que encajaran con la voz principal de Jackson y el solo de guitarra con la ayuda del ingeniero Humberto Gatica.

Tras la muerte de Jackson en 2009, Eddie describió trabajar con él como "uno de mis mejores recuerdos de mi carrera".

Irónicamente, “Thriller” de Jackson alcanzó el puesto número uno en las listas, empujando al sexto álbum de Van Halen, “1984”, al puesto número dos.

Lanzado el 9 de enero de ese mismo año, se convirtió en el pináculo comercial y artístico de la banda, así como en el punto de ruptura para la alineación original. “1984” integraba teclados electrónicos al sonido de la banda (ya se habían utilizado anteriormente en otras grabaciones, como por ejemplo, en “Dance the Night Away” y “And the Cradle Will Rock”, pero nunca tan prominentemente).

El primer sencillo, “Jump” (su videoclip fue estrenado en la Nochevieja de 1983 en la MTV), presentaba una tonada en sintetizador como gancho, una letra muy pegadiza y dos increíbles solos ejecutados por Eddie, uno de guitarra y otro de sintetizador, que lo convirtió en su primer nº 1 en el Billboard Hot 100 y les valió una nominación al Grammy.







“1984” es el segundo de dos álbumes de Van Halen que alcanzaron el estatus de Diamante de la RIAA , vendiendo más de diez millones de copias en los Estados Unidos. Su debut “Van Halen” fue el primero.

Los siguientes sencillos del álbum, "I'll Wait" y "Panama", con sintetizadores, alcanzaron el puesto 13 de Billboard en las listas de pop, respectivamente, en marzo y junio. "Hot for Teacher" fue un éxito moderado en el Billboard Hot 100, alcanzando el puesto 56.

Para promocionar el álbum, la banda realizó un concurso en MTV. El concurso se llamó "Fin de semana perdido con Van Halen".

Los fanáticos enviaron por correo más de 1 millón de postales a MTV con la esperanza de ganar el concurso. En la promoción, David Lee Roth dijo: "No sabrás dónde estás, no sabrás qué va a pasar y cuando regreses, no tendrás ningún recuerdo de ello".

Kurt Jeffries ganó el concurso y fue trasladado en avión a Detroit para unirse a la banda. A Jeffries se le permitió traer a su mejor amigo. Le regalaron una camiseta y un sombrero de Lost Weekend. También lo llevaron al escenario y le estamparon un gran pastel en la cara, seguido por una docena de personas que le echaron champán.

En medio de su gran gira y éxito comercial, la tensión personal y artística entre los músicos de la banda lo llevó a un punto de quiebre y David Lee Roth abandona al grupo en abril de 1985.

Para mediados de 1985, Van Halen se encontraba sin vocalista principal. Se rumoreaban varios nombres del siguiente cantante y los hermanos Van Halen confirmaron que alguna vez se pensó en invitar a varios artistas para que interpretaran las canciones de su siguiente disco.

Pero en ese mismo año, mientras Eddie visitaba el taller Claudio's para arreglar su Lamborghini Countach, comentó con el dueño que estaba en busca de un nuevo vocalista.

Claudio menciona el nombre de Sammy Hagar, con el que acababa de hablar para avisarle de que su Lamborghini ya estaba listo. Eddie se pone en contacto con Hagar y arregla una visita al estudio para hablar con toda la banda.

Después de una corta reunión, Eddie comenzó a tocar una canción en la que estaba trabajando en esos momentos y Hagar comienza a cantar una letra inventada. Esta canción más tarde se convertiría en el sencillo "Summer Nights", incluido en el siguiente álbum, que es lanzado en 1986 con el título “5150”, del cual se desprendieron otros sencillos, como "Why Can't This Be Love?", "Dreams" y "Love Walks In" que seguían con la marcada ejecución de sintetizadores por parte de Eddie.

El período de Van Halen con Sammy Hagar, a menudo llamado "Van Hagar", estaba caracterizado por la expansión del éxito comercial de la banda y la aceptación de una audiencia mayor, mientras que al mismo tiempo crecía un resentimiento en parte de sus fans por la salida de Roth.

La sensibilidad musical de Hagar permitió a Van Halen obtener acceso a una audiencia mayor, con letras más maduras, introspectivas y soñadoras. Esto, acompañado por una instrumentación ampliada de Eddie, demostró elementos más firmes y temáticos y una mezcla avanzada de texturas musicales en cada canción.

El resultado fue un sonido más maduro e integrado, muy diferente al pesado y cargado sonido roquero de los trabajos anteriores del grupo. Los seguidores de la alineación clásica calificaban el nuevo estilo como muy suave y flojo, comparado con la actitud más roquera de la época de Roth, que alguna vez este mismo describió como una mezcla de religión y hockey.

En 1988 y con el lanzamiento del álbum “OU812”, Van Halen salió de gira encabezando el festival Monsters of Rock, en el cual compartían el escenario con las bandas Kingdom Come, Picture, De Staat, Queensrÿche, Metallica, Dokken y Scorpions; teniendo una muy buena respuesta de los seguidores y del público que llenaban los estadios en que se presentaban.

Durante la estancia de Hagar la banda estableció una fórmula musical que fue un éxito comercial en los Estados Unidos. Los cuatro álbumes de estudio producidos durante este período alcanzaron el puesto número 1 de las listas Billboard; fue también en esta época en que 17 temas alcanzaron los primeros 12 lugares en las listas de rock.

Adicionalmente, Van Halen fue nominado para dos premios Grammy, ganándolo en 1991 por el Mejor Acto de Hard Rock con Vocales por el álbum "For Unlawful Carnal Knowledge", popularmente conocido como "F.U.C.K.", producido por Ted Templeman (quien produjera los primeros seis discos con David Lee Roth).

Van Halen continuó disfrutando de un éxito popular durante los 1990's, mientras que muchas bandas contemporáneas se apartaban del gusto de la gente.

La segunda encarnación de Van Halen también vio crecer el uso de la marca Van Halen, expandiéndose a otros medios con películas de alto presupuesto, grabaciones de conciertos en vivo y hasta su propia cantina en Cabo San Lucas, México.

Si bien el estilo innovador de David Lee Roth convirtió a Van Halen en líder de todas las bandas de hard rock de ese momento, el estilo más conservador y de hombre trabajador hizo de Van Halen una franquicia y un ícono del rock.

En 1993 se lanza un disco en vivo por primera vez en la historia del grupo, titulado "Right Here, Right Now", mostrando la energía que el grupo exhibía en el escenario, donde no solo se oían todos los temas de su disco anterior y algunos éxitos previos, esta vez en directo, sino que se podía disfrutar de magníficos solos de los miembros de la banda y algunos temas inéditos.

Posteriormente, en 1995 fue lanzado el último álbum de esta alineación, titulado "Balance", de nuevo aclamado por crítica y público. El título se debía a que en ese momento Eddie intentaba equilibrar su vida y superar su alcoholismo, tal y como había prometido hacer, junto con su hermano, cuando murió su padre unos años antes (de hecho, los cánticos que abren el disco son los que escuchaba Eddie para relajarse en su terapia).

Pero volvieron los problemas: Hagar no estaba de acuerdo en que participaran en la banda sonora de la película “Twister”, Eddie criticó duramente las letras que Sammy había compuesto, y éste se fue (o le echaron, no quedó claro) antes de finalizar el proyecto.

El último sencillo con Hagar se llamó "Humans Being", del que Eddie comentaría que tuvo que escribir él la letra porque las de Sammy Hagar eran muy cursis, ofendiendo a Sammy, quien tampoco parecía interesado en trabajar en una banda sonora. Se fue a Hawái para el parto de su hijo y mientras tanto, Eddie y Alex Van Halen grabaron la otra cara del álbum, "Respect the Wind" que, no contando con Hagar, quedó como un tema instrumental.







Otra discrepancia era que los hermanos querían publicar un recopilatorio de éxitos, y Sammy opinaba que él llevaba muy poco tiempo en la banda para algo así. Finalmente, el “Best Of Van Halen – Volume I” se grabó con la colaboración de David Lee Roth y llegó al nº 1 de las listas al igual que el sencillo "Me Wise Magic".

El 4 de septiembre de 1996 Van Halen, con David Lee Roth, hizo una aparición en la entrega de premios MTV, siendo esta su primera aparición en público en 11 años y recibiendo una gran ovación del público; desafortunadamente esta también sería la última aparición del Van Halen clásico.

Mucha gente pensó que David Lee Roth regresaba con la banda, pero instantes después en una entrevista tras bambalinas Eddie negaba que tuvieran alguna gira o álbum planeado con Roth; y días más tarde en un comunicado David informaba que no estaba de regreso con Van Halen, aun cuando él sentía que así se lo hizo creer Eddie Van Halen.

Esto creó mucha controversia entre los fans y Van Halen, una vez más, no contaba con vocalista principal.

Ray Danniels, quien ahora era el manager de la banda, también llevaba a Extreme y sugirió a Gary Cherone como el nuevo vocalista para Van Halen. Gary se reunió con Van Halen y tocaron algunas canciones del Van Halen clásico; Cherone fue admitido inmediatamente.

El resultado de esta nueva agrupación fue el álbum "Van Halen III" que fue lanzado el 17 de marzo de 1998 llegando hasta el lugar 4 de las listas de éxitos, y el sencillo "Without You" debutó como nº 1 en las listas de Billboard.







Esta agrupación no duraría mucho: los fans y el público no respondieron muy bien hacia el nuevo álbum, que ha vendido hasta la fecha alrededor de 500.000 copias, siendo este el único álbum de Van Halen que no ha llegado al estatus de disco de platino.

Además, la gira promocional de dicho álbum no tuvo el éxito que se había tenido con anterioridad, aun cuando Gary mostraba una gran energía en cada presentación e interpretaba canciones de todas las eras por las que la banda había pasado (Sammy Hagar se negaba a cantar muchas de las canciones de David Lee Roth).

Nunca se ha explicado el motivo real de la separación de Cherone de la agrupación en 1999; muchos especulan que los ejecutivos de Warner Brothers persuadieron a los hermanos Van Halen para terminar con Cherone por las bajas ventas del disco “Van Halen III”. La separación fue amistosa y pacífica, a diferencia de las separaciones anteriores.

El nuevo milenio comenzó con varios años de silencio musical, y muchos comentarios sobre la salud de Eddie (operado de cadera, físicamente “jodido” tras años de excesos y tratándose un incipiente cáncer de lengua que desembocaría más adelante en el cáncer de garganta que finalmente se lo llevó.

También sobre su situación sentimental (divorciándose de su mujer, Valerie, tras 21 años de matrimonio) y sobre sus cuestiones legales (acabando el contrato con Warner y siendo demandado por David Lee Roth, por el reparto de los derechos de sus canciones).

En marzo de 2004 Van Halen anunció el lanzamiento de un nuevo álbum de éxitos y una gira solamente dentro de los Estados Unidos con Sammy Hagar y Warner Brothers lanza el álbum "Best of Both Worlds" conteniendo tres nuevos temas con Hagar "It's About Time", "Up For Breakfast" y "Learning To See".

Este álbum de éxitos incluye únicamente temas de las épocas de David Lee Roth y Sammy Hagar, excluyendo totalmente la época con Gary Cherone. El público reaccionó bien a esta nueva gira. Pero una vez más los fans y el público no saben nada sobre el futuro de Van Halen.

Desde el término de la gira, en noviembre de 2004, la banda vuelve a sumirse en un silencio total. Muchos fans mantuvieron la esperanza de que David Lee Roth regresara a la banda para una última gira de despedida.

El 13 de agosto de 2007 Van Halen anunció en una rueda de prensa su nueva gira con David Lee Roth como vocalista y Wolfgang Van Halen en el bajo.

En la rueda de prensa se dijo que piensan dar conciertos alrededor del mundo y que habrá una nueva producción discográfica muy pronto; según fuertes rumores el nuevo álbum será en vivo, por lo que la banda mira con buenas perspectivas el futuro para goce y disfrute de los fans.

A finales del verano Van Halen se embarcó en una gira de conciertos por Canadá, México y Estados Unidos con la participación de su original vocalista David Lee Roth, en la guitarra Eddie Van Halen, en la batería Alex Van Halen, en la guitarra rítmica Percy Hornickel y en el bajo el hijo de Eddie, Wolfgang, quien se ha unido a la banda con solo 17 años.

La gira se inicia el 27 de septiembre en Charlotte, Carolina del Norte y se prevé que sean 26 fechas de conciertos por Norteamérica.







Después de este exitoso tour y debido a la gran respuesta del público Van Halen anunció en su página web que alargaría la gira reanudándola en enero y acabándola el 7 de abril de 2008 en Milwaukee; de momento solo por Estados Unidos y con casi 30 nuevos conciertos.

En 2009 se publicó Guitar Hero: Van Halen, un videojuego que contiene sus más grandes éxitos y canciones de bandas que inspiraron y que se han inspirado en la banda.

A principios de octubre de 2010 la revista Rolling Stone publicó que la banda estaría de nuevo de gira en 2011; sin embargo, no se indicó si con nuevo material o no. Finalmente, tal gira no tuvo lugar, aunque sí se grabó un nuevo álbum de estudio.

El 26 de diciembre de 2011 Van Halen puso en su web tres cortos con imágenes de la grabación del nuevo vídeo, pero con el audio de tres temas del álbum "1984", anunciando además que las entradas para los conciertos comenzarían a venderse el 10 de enero.

Además, a través de su lista de correo envió un mensaje de correo electrónico con una sola imagen y una frase: "The future...", en la imagen se ve el frontal de una vieja locomotora, así como el logotipo del grupo y una fecha: 2.7.12.

A comienzos de enero David Lee Roth anunció que el título del nuevo álbum de estudio sería “A Different Kind of Truth”, cuya salida quedó fijada para el 7 de febrero de 2012. El álbum debutó en el puesto 2 de Billboard y a la semana de su salida, llevaba 180.000 copias vendidas.

En mayo de 2012, Van Halen anuncia la cancelación de 30 conciertos pactados porque se sentían exhaustos. "Mordimos más de lo que nos entraba en la boca" expresó Eddie Van Halen en una entrevista al referirse a la frustrada gira. Sin embargo, los rumores indican que habría tensiones entre Eddie y David nuevamente.

En 2012 la gira por Japón de Van Halen se cancela debido a que Eddie Van Halen se sometió a una cirugía de emergencia por un grave ataque de Diverticulitis. Y la recuperación se espera para 6 meses, por lo tanto, la gira en Japón se posterga al 2013 según van-halen.com.

En febrero de 2014 David Lee Roth anunció en una entrevista en la radio que Van Halen preparaba nuevo material de estudio a lanzarse aproximadamente en 2015 junto a una nueva gira mundial.

En 2015 salió al mercado el álbum en vivo titulado “Tokyo Dome Live in Concert”, recogiendo una presentación en directo de la gira soporte de “A Different Kind of Truth”.







Hablando en un evento en el Museo Nacional de Historia Estadounidense del Smithsonian en 2015, Eddie Van Halen habló sobre su vida y el sueño americano y dijo: "Vinimos aquí con aproximadamente 50 dólares y un piano, y no hablábamos el idioma. Ahora mire dónde estamos. Si ese no es el sueño americano ¿cuál es?".

En marzo de 2019 la banda fue ubicada en la posición número veinte en la lista de la RIAA de los artistas con mayor número de ventas en los Estados Unidos, habiendo vendido 56 millones de álbumes en ese país y más de 80 millones a nivel mundial.

Además, la agrupación consiguió ubicar trece éxitos número uno en la historia de la lista Mainstream Rock de Billboard. VH1 la ubicó en el séptimo lugar en su lista de los cien mejores artistas de hard rock de todos los tiempos.

En 2019, se dio a conocer a los fans un impactante diagnóstico de cáncer. La batalla de Eddie contra el cáncer de garganta fue difícil, pero aun así consiguió actuar hasta que la enfermedad se agravó demasiado.

El 26 de septiembre de 2020 falleció uno de los miembros fundadores de Van Halen, Mark Stone, tras no superar el cáncer de páncreas que padecía. Diez días después, el 6 de octubre de 2020, falleció Eddie Van Halen en Santa Mónica, California, a los 65 años de edad.

Su pérdida fue un duro golpe para el negocio de la música. No se puede subestimar su enfoque innovador a la hora de tocar el instrumento y su pasión por él. El impacto de su fallecimiento fue sentido por su familia, amigos y fans, que le rindieron homenaje con numerosos memoriales y tributos.

Wolfgang Van Halen descartó, vía Twitter, que la banda siguiera sin su padre, debido a rumores de reunión con Sammy Hagar y Michael Anthony.

El 7 de noviembre de 2020, tuvo lugar en Los Ángeles una asamblea de devotos admiradores para honrar a un músico muy querido. El acto tuvo lugar en el aparcamiento del estudio original del músico, 5150, e incluyó diversas actividades y música dedicadas a él. Se animó a los participantes a llevar sus propios instrumentos y tocar al unísono en el espíritu del artista.

El 11 de noviembre de 2020, el Paseo de la Fama de Hollywood conmemoró al difunto músico con una estrella. El día de la ceremonia, los fans se presentaron para rendirle homenaje, y muchos de ellos tocaron sus canciones. Al acto asistieron miembros de la familia, así como diversas personalidades de la industria musical.


Otros proyectos

El guitarrista adelantó varios proyectos musicales en solitario. En 1976, tanto Eddie como su hermano Alex grabaron tres maquetas con Gene Simmons, bajista de la agrupación Kiss. Las canciones “Christine Sixteen”, “Tunnel of Love” y “Got Love for Sale” fueron grabadas y finalmente publicadas en el boxset de 2017 de Simmons titulado “The Vault”.

En 1978 tocó la guitarra en la canción “Can't Get Away From You”, que hizo parte del álbum debut de la cantante Nicolette Larson.

En 1982 tocó el solo de guitarra de la canción “Beat It” de Michael Jackson, perteneciente al exitoso álbum “Thriller” del artista de Indiana.

Un año después aportó partes de guitarra y coros en el álbum en solitario de Brian May, “Star Fleet Project”.

En 1984 apareció junto a David Lee Roth en la introducción de un video musical de Frank Sinatra llamado “L.A. Is My Lady” y en septiembre de ese mismo año grabó una canción en solitario llamada “Donut City” para la película “The Wild Life” del cineasta Art Linson.

En 1987 aportó el bajo en el álbum en solitario de Sammy Hagar “I Never Said Goodbye”, tocando además el solo de guitarra en la canción “Eagles Fly”.

En 1994 compuso el riff de la canción “Evil Eye” con Tony Martin, Tony Iommi y Geezer Butler, miembros del grupo británico Black Sabbath. El tema formó parte del álbum “Cross Purposes”, pero Eddie no apareció en los créditos debido a las restricciones impuestas por la compañía discográfica.

En 1996 grabó con su hermano la canción “Respect the Wind” para la banda sonora de la película “Twister” y dos años después aportó el solo de guitarra en el tema de Roger Waters, “Lost Boys Calling”, para la banda sonora del filme “The Legend of 1900”.

En 2003 el guitarrista grabó “Joy to the World” con Steve Lukather de Toto para el disco “Santamental” y en 2006 compuso dos nuevos temas instrumentales, “Rise” y “Catherine” para la película erótica “Sacred Sin”, dirigida por su amigo Michael Ninn.

En 2009 realizó un cameo en el estreno de la séptima temporada de la comedia “Two and a Half Men”, en la que interpretó el riff principal de “As Is” del álbum de Van Halen “A Different Kind of Truth”.

Ese mismo año colaboró en las canciones “Not Leaving You Tonight” y “We're the Greatest” del disco “Authentic” del rapero LL Cool J.


Estilo e influencia

El estilo de Eddie Van Halen como guitarrista ha influido en toda una generación de músicos. Como muchos guitarristas de rock, nunca aprendió completamente a leer música.

El instrumental “Eruption” del álbum “Van Halen” de 1978 fue ubicado en la segunda posición de la lista de los 100 mejores solos de guitarra en la revista Guitar World. La canción es un claro ejemplo de la técnica conocida como tapping, en la que ambas manos tocan en el diapasón de la guitarra simultáneamente.

Aunque popularizó el tapping, no fue su inventor, ya que la técnica había sido usada esporádicamente por otros guitarristas con anterioridad. Según el portal MusicRadar, Steve Hackett de Genesis usaba la técnica en la década de 1970 y se convirtió en una influencia para el propio Eddie.

Cuando se le consultó al respecto, Hackett afirmó: “Eddie y yo nunca hablamos de ello, pero sí, él reconoció que yo fui primero con el tapping... Eddie es un buen guitarrista, por supuesto, y él fue quien le dio nombre a la técnica”.

El guitarrista George Lynch aseguró en una entrevista que él y Eddie vieron a Harvey Mandel tocar en el Starwood en los años 1970 y se apropiaron de algunas de sus técnicas.

Eddie mencionó a Jimmy Page de Led Zeppelin como una influencia, diciendo en una entrevista con Guitar World : "Creo que se me ocurrió la idea de hacer tapping viendo a Jimmy Page hacer su solo de "Heartbreaker" allá por 1971. Estaba haciendo un pull-off con una cuerda al aire, y pensé, espera un minuto, cuerda abierta... hazlo. puedo hacer eso, pero ¿qué pasa si uso mi dedo como tuerca y lo muevo?".

Hasta que expiró en 2005, Van Halen tenía una patente para un dispositivo de soporte desplegable que se fija a la parte trasera de la guitarra eléctrica. Este dispositivo permite al usuario emplear la técnica de tapping tocando la guitarra de una manera similar al piano con la cara de la guitarra orientada hacia arriba en lugar de hacia adelante.

Nota de Presidemente: Seguirá la 2ª parte, hay tanta información de Van Halen que no me cabía en este.

Fuentes: redhardnheavy.com, comprarunaguitarra.com, aitorepasguitar.com, elmundo.es, wikipedia, flickr

En el puesto número 8


Eddie Van Halen (Segunda Parte)

Legado

En febrero de 2017, Eddie donó 75 guitarras de su colección personal a The Mr. Holland's Opus Foundation, un programa que proporciona instrumentos musicales a estudiantes de escuelas de bajos ingresos.

En los Billboard Music Awards 2020, Eddie Van Halen fue honrado por varios ex músicos con los que trabajó. Jack White de The White Stripes, GE Smith, Charlie Benante de Anthrax y Dierks Bentley pronunciaron discursos como homenaje a su carrera. Wolfgang Van Halen también compartió varias fotos personales entre él y su padre.

El 10 de octubre de 2020, Saturday Night Live rindió homenaje reproduciendo un clip de él actuando con GE Smith de un programa de febrero de 1987, que fue presentado por Valerie Bertinelli.

En 2020, la Biblioteca de Pasadena, ubicada en Pasadena, California, ofreció varios archivos y documentos relacionados con Eddie Van Halen. La colección incluía varios álbumes, junto con fotografías de Neil Zlozower y varios CD. La biblioteca también subió los álbumes de Van Halen a la plataforma de transmisión de medios de biblioteca web y móvil Hoopla.

El 16 de noviembre de 2020, su hijo Wolfgang Van Halen anunció en The Howard Stern Show que Van Halen no continuaría como banda, diciendo: "No puedes tener a Van Halen sin Eddie Van Halen".

Los Red Hot Chili Peppers rindieron homenaje a Van Halen en su canción "Eddie" de su álbum de 2022 “Return of the Dream Canteen”.

Equipo

Eddie Van Halen utilizó durante su carrera guitarras de variadas marcas como Gibson, Fender, Charvel, Kramer, Peavey, Music Man o Steinberger, aunque era un gran fanático de la personalización de sus instrumentos.

En los últimos años utilizó un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang).

En 1986, para el álbum “5150”, utilizó la guitarra Steinberger GL2t 5150 en las canciones “Summer Nights” y “Get Up”.

A principios de los años 1990, en la época del disco "F.U.C.K.", el músico pasó a ser endorser de Music Man, marca que lanzó el modelo EVH en su honor.

Posteriormente decidió seguir con la producción de ese modelo bajo la denominación Axis, que difería del modelo EVH principalmente en dos aspectos, la distinta disposición del selector de pastillas y que el potenciómetro de volumen venía serigrafiado como «volume» a diferencia de la Music Man EVH original que, debido a una broma del músico, venía serigrafiado como «tone», cuando se trata de una guitarra que no tiene control de tono.

En 2005 la marca Charvel lanzó una serie que imitaba las guitarras de Eddie de los años 1980.

En 2007 Fender comercializó una réplica de su guitarra personalizada Frankenstrat con la marca EVH Gear. La misma empresa fabricó en su nombre el amplificador EVH 5150 III y comercializó la réplica exacta de la Frankenstrat ya mencionada con un valor de 25 mil dólares.

El músico poseía su propia marca EVH, poniendo a la venta varios modelos y variaciones de la guitarra Wolfgang y presentando tres réplicas de sus guitarras más características (roja blanca y negra, negra y amarilla, blanca y negra) muy similares a comercializadas por Charvel en 2005, solo que con un precio bastante inferior.

También comercializó dos modelos de amplificador EVH 5150 III (50W y 100W) y varios accesorios como cuerdas y pastillas.

Adicionalmente, el guitarrista contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado D-Tuner, que permite afinar la sexta cuerda de la guitarra E (Mi) a D (Re) y viceversa en un solo movimiento.

Guitarras

Frankenstrat Originsl (1974)
Primera guitarra eléctrica conocida de Eddie Van Halen y la más mítica de todas. No verás un listado de las guitarras más famosas del mundo en el que no aparezca la Frankenstrat.

Con los años se hicieron muchas réplicas y variaciones, pero la original data aproximadamente de 1974. Eddie pretendía comprar una guitarra que mezclara una Fender Stratocaster y una Gibson en una sola guitarra, pero como no existía decidió fabricársela él mismo con su bajo presupuesto.

Eddie le compró el cuerpo de fresno y el mástil de arce al no tan conocido por aquel entonces Wayne Charvel por poco más de 100 dólares al ser piezas defectuosas. Como pastillas instaló una single coil y una Gibson PAF sacada de una Gibson ES-335 y las intentó conectar sin tener muchos conocimientos del tema.

Con la de bobina simple no lo consiguió por lo que simplemente quedó como adorno de la guitarra quedando la PAF como única pastilla funcional de la guitarra. Como puente utilizó un Floyd Rose, colocando una moneda de 25 centavos en el lugar de la palanca de vibrato.

Ésta primera versión de la Frankenstrat fue pintada de blanco y negro y fue utilizada ya en el álbum de debut de la banda, el homónimo “Van Halen” (se puede ver a Eddie con ella en la portada del disco).

¿Obra de arte? ¿construcción cutre? lo cierto es que demostró que con muy poco presupuesto y sin calidad de construcción se podía llegar a sonar bien, pero que muy bien.

Frankenstrat Bumblebee (hasta 1979)
Para el segundo disco de la banda, “Van Halen II” de 1979, Eddie quiso rediseñar parte de su guitarra y a nivel estético modificó todo el cuerpo para colorearla de negro y amarillo, motivo por el que se acuñaría con el nombre de BumbleBee (abejorro).

Esa guitarra creada en 1979 sería regalada a los padres de Dimebag Darrell en 2004 tras el asesinato del guitarrista de Pantera, y fue enterrada junto al cuerpo del ya también legendario guitarrista de metal.

Frankenstrat Schwinn
Finalmente, en 1979 tras publicarse “Van Halen II”, Edward decide volver a cambiar el diseño y darle la estética definitiva que sería la famosa que todos conocemos con los colores rojo, blanco y negro a base de tiras de cinta. El motivo que le llevó a este cambio fue por las bicicletas Schwinn, modelos de mucho éxito en aquellos años y en los que predominaba ese rojo.

Para los acabados de la guitarra no se le ocurrió otra cosa que hacer lo típico que suelen hacer algunos guitarristas, añadirle unas luces de camión por detrás, unas cuantas quemaduras de cigarrillo y la moneda de 25 centavos.

Kramer Frankenstrat (1983)
En 1981 Edward conoció a Dennis Berardi, ejecutivo de Kramer, con el que desde entonces mantuvo contacto hasta que en 1983 se fraguó la alianza que llevó a EVH a comercializar por primera vez sus guitarras bajo la marca Kramer.

Los diseños de Kramer se basaban en la Frankenstrat original pero con piezas Kramer de mayor calidad y una pastilla single coil esta vez totalmente funcional y no simplemente como adorno, aunque antes de esta serie el propio EVH construiría la Kramer 5150.

La primera fue construida por el propio Eddie en la fábrica de Kramer de New Jersey con estas características: cuerpo de álamo, mástil de arce, diapasón de arce, puente Floyd Rose, pastilla Seymour Duncan SH-11 Custom, potenciómetros Gotoh, estética con las cintas rojas, negras y blancas.

Ibanez Destroyer “The Shark”
Además de su Frankenstrat, EVH utilizó en sus primeros años con la banda una Ibanez Destroyer a la que después de unos años rediseñaría y apodaría como “The Shark”, ya que buscaba poder variar en determinados momentos el sonido de la strato y para ello escogió el modelo Explorer de Ibanez.

Aquella Explorer fue fabricada con madera de sen, un árbol de origen japonés de la familia de la hiedra de color ceniza, con el mástil de arce y el diapasón de palorosa.
Originalmente la guitarra era blanca, si bien con los años, fue rediseñada de forma y estética con la míticas cintas rojas, negras y blancas copiando la estética de la Frankenstrat.

Sus características eran: cuerpo de caoba, mástil de caoba atornillado, diapasón de palorosa, escala 24-7, 22 trastes médium, puente tight-tune, herrajes cromados, pastillas DiMarzio pasivas.

Ernie Ball Music Man (1991)
Tras varios problemas con Kramer, Eddie Van Halen rompe con la marca y firma con Ernie Ball para construir la que sería la Music Man EVH.

Podemos ver como EVH abandona el estilo super strato tradicional de la guitarra para adoptar un estilo con formas más curvas y menos agresivas que lo representaría durante años, tanto con Music Man como posteriormente con Peavey.

La relación de Eddie con Ernie Ball terminaría en 1995 al no poder la marca cubrir las necesidades de producción que exigía el músico. Este motivo le llevaría a cambiarse a Peavey y cambiar la Music Man por la que acabaría siendo la EVH Wolfgang.

Las características de la Ernie Ball Music Man EVH eran: cuerpo de tilo de 2 piezas con recubrimiento superior de arce tallado, mástil de arce atornillado, diapasón de arce, puente Music Man Floyd Rose, escala 25-5, 2 pastillas humbuckers DiMarzio, selector de 3 posiciones con 1 control de volumen.

Peavey EVH Wolfgang (1996-2001)
En 1995 Peavey y EVH comenzaron a trabajar en la elaboración de un nuevo modelo de guitarra que, según palabras del propio Eddie, reuniese todos los años de conocimiento y experimentación que había tenido en lo que a construcción de guitarras se refiere. De esta colaboración y trabajo surgió la Peavey EVH Wolfgang.

El nombre de esta guitarra proviene del propio hijo de Edward, Wolfgang Van Halen, nacido en 1991 y su diseño se basó, como ya se ha comentado antes, en el modelo de Ernie Ball Music Man.

La Peavey EVH Wolfgang tenía estas características: cuerpo de tilo de 2 piezas y algunos modelos llevaban un recubrimiento superior de arce tallado, mastil de arce atornillado, diapasón de arce, 22 trastes jumbo, escala 25-5, 2 pastillas humbucker Peavey Custom, 2 controles para tono y volumen cromados con acabado plateado.

EVH Brand (desde 2001)
En 2001, tras unos años trabajando con Peavey, Eddie Van Halen decidió crear su propia marca de distribución de guitarras, amplificadores y pantallas, EVH.

La nueva marca de EVH firmó un acuerdo con Fender para la fabricación de las guitarras y ha destacado todos estos años por traer al gran público las reediciones de las series Wolfgang, Wolfgang Special, 5150 y, como no, la Frankenstrat en sus diferentes ediciones.

Wolfgang Special Sassafras
En julio de 2020, pocos meses antes de su fallecimiento, EVH anunció la distribución de una nueva Wolfgang en edición limitada que, a la postre, sería la última guitarra fabricada bajo las directrices de Eddie, la Wolfgang Special Sassafras.

Esta nueva Wolfgang sigue la estela de las anteriores Specials y destaca sobre todo por tener construido el cuerpo con madera de sassafras y por disponer en el cuerpo de un botón que te permite afinar en RE la sexta cuerda y así con un solo golpe de botón cambiar la afinación de la guitarra a Drop D, una auténtica maravilla.

El cuerpo de sassafras presenta la parte superior arqueada y es más suave que la caoba, aunque con un sonido similar.

La guitarra fue todo un éxito y desde hace tiempo ya no se comercializa al haber agotado sus existencias, teniendo que recurrir al mercado de segunda mano o de coleccionista si se desea conseguir una.

Las características de la Wolfgang Special Sassafras son: cuerpo de sassafras con acabado en negro, mástil de arce atornillado, diapasón de arce tostado, binding de color crema, 22 trastes Jumbo, 2 pastillas humbucker Wolfgang Alnico II, puente Floyd Rose con bloqueo, botón D-Tune.

Cuerdas

El primer acuerdo de patrocinio de cuerdas de Van Halen se produjo alrededor de 1989, cuando Ernie Ball lanzó la línea de cuerdas para guitarra 5150 EVH.

El calibre de las cuerdas difería ligeramente de las cuerdas típicas de guitarra eléctrica de la época, que eran 9, 11, 16, 24, 32 y 42 (en milésimas de pulgada); las cuerdas EVH Ernie Ball medían 9, 11, 15, 24, 32 y 40.

Después de que finalizó este acuerdo de patrocinio, las cuerdas de guitarra pasaron a formar parte de la línea Fender EVH y ahora se venden como EVH Premium Strings.

Pastillas

Van Halen usó una variedad de pastillas, incluidas las Mighty Mites de la década de 1970, que fueron fabricadas por Seymour Duncan y eran copias de las pastillas DiMarzio Super Distortion. También utilizó Gibson PAF, uno de los cuales fue rebobinado por Seymour Duncan en 1978.

En una entrevista con Guitar World en 1985, Van Halen afirmó que su estilo de sonido de guitarra, al que llamó "sonido marrón", es "... básicamente un tono, un sentimiento en el que siempre estoy trabajando... Viene de la persona" Si la persona ni siquiera sabe cuál es ese tipo de tono del que estoy hablando, realmente no puede trabajar para lograrlo, ¿verdad?”.

En una entrevista con la revista Billboard en junio de 2015, afirmó que con la expresión "sonido marrón" en realidad intentaba describir el sonido del tambor de su hermano Alex , el cual pensó "...suena como si estuviera golpeando un log. Es muy orgánico. Así que no fue mi sonido marrón, fue el de Alex".

Teclados

La primera obra de teclado grabada por Van Halen es "And the Cradle Will Rock...", escrita e interpretada en un piano eléctrico Wurlitzer a través de un amplificador Marshall.

El riff de "Dancing in the Street" en “Diver Down”, fue escrito e interpretado en un Minimoog.

"Jump" y "I'll Wait” fueron escritas e interpretadas en un Oberheim OB-Xa, mientras que "Dreams", "Why Can't This Be Love" y "Love Walks In" son con Oberheim OB-8. Eddie también escribió "When It's Love" y "Right Now" en teclados.

Durante las giras de “5150” y “OU812”, Eddie Van Halen tocaba partes del teclado en vivo mientras Hagar tocaba la guitarra. Desde la gira “For Unlawful Carnal Knowledge”, Van Halen tocó la guitarra durante todos los conciertos, mientras que los teclados fueron tocados detrás del escenario por el teclista de gira Alan Fitzgerald hasta 2004, un hecho que se mantuvo en secreto en la prensa.

Amplificadores

En 1993, Van Halen colaboró con Peavey Electronics para desarrollar una serie de amplificadores y gabinetes, denominados colectivamente Serie 5150, que finalizó en 2004. Luego, Van Halen comenzó a trabajar con Fender, desarrollando los productos y la marca EVH.

Las 10 canciones imprescindibles de Van Halen

You really got me (1978)
Van Halen saltó a la fama con esta versión del tema de The Kinks que apareció en su primer álbum en 1978. La guitarra de Eddie se dio a conocer con su toque personal e inimitable.







Eruption (1978)
Si algo marca a un guitarrista es un solo, así que en esta pieza instrumental Eddie Van Halen se consagra en apenas dos minutos. Considerado uno de los mejores solos de guitarra de la historia, Van Halen popularizó con ella el tapping, una técnica utilizada posteriormente hasta la saciedad en el heavy metal y el hard rock.

Dance The Night Away (1979)
La segunda canción de su álbum de 1979 “Van Halen II” se convirtió en el primer éxito de Van Halen capaz de entrar en el top 20. Mientras que el resto de los temas habían tenido una vida previa en los clubes donde tocaba la banda, esta fue la única canción escrita durante las sesiones de grabación del álbum, lo que se palpa en su espléndido acabado.

And The Cradle Will Rock (1980)
El tercer disco de la banda, “Women And Children First” permitió a Eddie, considerado ya un maestro de la guitarra, experimentar con el teclado, siendo esta la primera canción en la que demostraba su desenvoltura con el mismo.

Unchained (1981)
En el cuarto álbum de la banda, “Fair Warning”, el grupo ya se había consolidado. En gira continua, su tono se endureció. Y aunque esto fue bien recibido por la crítica especializada, esta producción es recordada como la menos vendida del grupo pese a contar con canciones tan potentes como este “Unchained”.







Where Have All The Good Times Gone? (1982)
Esta es una de las cinco versiones que contiene el álbum “Diver Down”. Entre 1978 y 1982 Van Halen lanzaba un disco al año y necesitaban un descanso creativo, algo que las versiones le proporcionaban fácilmente. ¿Y a quién recurrir mejor que a The Kinks, que tanto éxito les había dado en su primer sencillo?

Jump (1984)
La única canción del grupo que alcanzó el número 1 del Billboard Hot 100 y probablemente la más conocida de la banda... aunque en ella Eddie no tocara la guitarra. Pero daba igual: él fue el artífice de que el sintetizador brillara de tal manera en este tema escrito por el cantante David Lee Roth.

Why Can't This Be Love (1986)
La canción fue publicada como el primer sencillo de “5150”, producción en la que debutó Sammy Hagar como vocalista. Fue un éxito en todo el mundo y en ella ya se palpaba un cambio hacía el pop-metal, quizás por la influencia del propio Hagar.







When It's Love (1988)
Esta potente balada fue lanzada como single de “OU812”, título que jugaba con la pronunciación, es decir "Oh, you ate one too" (Oh, también te comiste uno). Fue la canción más popular del disco y Van Halen confesó que su solo de guitarra era un homenaje a Eric Clapton.

Tattoo (2012)
Fue el primer single y videoclip de “A Different Kind Of Truth”, el último álbum de estudio de la banda. Para la ocasión volvió David Lee Roth, ausente desde 1984. El bajista de toda la vida, Michael Anthony, es sustituido por Wolf Van Halen, hijo de Eddie. Dado que el batería es Alex Van Halen, hermano de Eddie, todo quedó en familia.






Discografía

Con Van Halen
Van Halen (1978)
Van Halen II (1979)
Women and Children First (1980)
Fair Warning (1981)
Diver Down (1982)
1984 (1984)
5150 (1986)
OU812 (1988)
For Unlawful Carnal Knowledge (1991)
Balance (1995)
Best of Volume I (1996)
Van Halen III (1998)
The Best of Both Worlds (2004)
A Different Kind of Truth (2012)

Álbumes en directo con Van Halen
Live: Right Here, Right Now (1993)
Tokyo Dome Live in Concert (2015)

Colaboraciones
Nicolette Larson - Nicolette (1978)
Michael Jackson - Thriller (1982)
Brian May - Star Fleet Project (1983)
Sammy Hagar - I Never Said Goodbye (1987)
Steve Lukather - Lukather (1989)
Thomas Dolby - Astronauts & Heretics (1992)
Rich Wyman - Fatherless Child (1996)
David Garfield - Tribute to Jeff (1997)
Steve Lukather - Santamental (2003)
LL Cool J - Authentic (2013)

Fuentes: redhardnheavy.com, comprarunaguitarra.com, aitorepasguitar.com, elmundo.es, wikipedia, flickr

En el puesto número 7


Chuck Berry

Chuck Berry fue un cantante, compositor, intérprete y guitarrista estadounidense. Es considerado uno de los músicos más influyentes de la historia del rock and roll, siendo uno de los pioneros de dicho género musical.

Apodado el "Padre del Rock and Roll", refinó y desarrolló el rhythm & blues hasta convertirlo en los principales elementos que hicieron distintivo al rock and roll con canciones como "Mayellene" (1955), "Roll Over Beethoven" (1956), "Rock and Roll Music" (1957), y "Johnny B. Goode" (1958).

Al escribir letras que se centraban en la vida adolescente y el consumismo y desarrollar un estilo musical que incluía solos de guitarra y espectáculo, Berry fue una gran influencia en la música rock posterior, tanto en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton) como en compositores (Bob Dylan o John Lennon, ferviente admirador suyo).

Su manera de tocar nerviosa, frenética, casi histérica, era un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo.

La revista Rolling Stone lo presenta como el intérprete n.º 5 en su lista "The Immortals", que reúne a los mejores artistas musicales, superado solo por Elvis Presley, The Beatles, Bob Dylan y The Rolling Stones, y como el séptimo mejor guitarrista de todos los tiempos.

Asimismo, "Johnny B. Goode" su canción más popular, es considerada la mejor canción de guitarra de la historia del rock and roll, según la misma revista.

Por su legado al género rock, ganó en 2014 el Premio Polar, considerado el "Premio Nobel de la música".





Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en una familia negra de clase media en St. Louis, Missouri. Era el tercero de seis hermanos.

Su padre, Henry William Berry (1895-1987) era contratista y diácono de una iglesia bautista cercana; su madre, Martha Bell (Banks) (1894-1980) era directora certificada de una escuela pública.

Creció en un vecindario segregado de clase media donde absorbió el gospel, el blues, y el rithm & blues junto con la música country y estudió en la Summer High School, la primera escuela de secundaria para afroamericanos al oeste del río Misisipi, en la que también estudió Tina Turner.

Berry tuvo interés por la música desde una edad temprana y fue precisamente en esta escuela donde realizó su primera presentación musical, una versión de la canción "Confessin' the Blues" de Jay McShann.

Berry había aprendido a tocar guitarra gracias a un libro titulado “Nick Manoloff's Guitar Book of Chords” y la ayuda de sus vecinos. Su primer instrumento fue una guitarra tenor de cuatro cuerdas que le habían prestado.

Durante este tiempo fue influido por géneros como el boogie-woogie, el blues y el swing. Uno de sus primeros maestros fue un guitarrista de jazz llamado Ira Harris. Berry comenzó su trabajo como músico tocando en fiestas.

En 1944, durante un viaje que realizó a Kansas City junto a dos amigos, fue arrestado y condenado por el delito de robo a mano armada. Los jóvenes habían robado tres tiendas y un automóvil con la ayuda de una pistola que habían encontrado. Berry y sus amigos fueron sentenciados a 10 años de prisión.

El relato de Berry en su autobiografía es que su automóvil se averió y detuvo a un automóvil que pasaba y lo robó a punta de pistola con una pistola que no funcionaba.

El guitarrista cumplió tres años de la condena en el reformatorio juvenil de Algoa, cerca de Jefferson City, donde formó un grupo de canto y además se dedicó al boxeo. El grupo de canto se volvió lo suficientemente competente como para que las autoridades le permitieran actuar fuera del centro de detención.

Berry fue liberado en 1947 y siete meses después conoció a la que sería su esposa. El 28 de octubre de 1948, se casó con Themetta "Toddy” Suggs, quien dio a luz a Darlin Ingrid Berry el 3 de octubre de 1950.

Berry mantuvo a su familia aceptando varios trabajos en St. Louis, trabajando brevemente como trabajador de una fábrica en dos plantas de ensamblaje de automóviles y como conserje en el edificio de apartamentos donde vivían él y su esposa.

Posteriormente, se formó como esteticista en el Poro College of Cosmetology, fundado por Annie Turnbo Malone, todo ello sin dejar de lado su carrera como músico.

En 1950 le estaba yendo lo suficientemente bien como para comprar una "pequeña cabaña de ladrillo de tres habitaciones con baño" en Whittier Street, que ahora figura como la Casa Chuck Berry en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

A principios de la década de 1950, Berry trabajaba con bandas locales en clubes de St. Louis como fuente adicional de ingresos. Había estado tocando blues desde su adolescencia, y tomó prestados riffs de guitarra y técnicas de espectáculo del músico de blues T-Bone Walker.

A principios de 1953, Berry actuaba con el trío de Johnnie Johnson, iniciando una colaboración de larga duración con el pianista. El grupo tocaba en un popular club de St. Louis llamado Cosmopolitan.

La banda tocaba blues y baladas, además de country. Berry escribió: "La curiosidad me impulsó a contarle muchas cosas de nuestro país a nuestra audiencia predominantemente negra y parte de nuestra audiencia negra comenzó a susurrar '¿quién es ese campesino negro del Cosmo?' Después de que se rieron de mí un par de veces, comenzaron a pedirme cosas de campesinos y disfrutaron bailando".

Con el tiempo Berry fue adquiriendo mayor protagonismo dentro de la banda, la cual fue rebautizada como Chuck Berry Combo. Durante las presentaciones tocaban algunas canciones country, así como versiones de canciones de Nat King Cole o Muddy Waters.

La mezcla de ritmos atrajo a un público diverso en términos raciales. En la ciudad solo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.

En 1954, Berry grabó los temas “I Hope These Words Will Find You Well” y “Oh, ¡Maria!" con el grupo Joe Alexander & the Cubans. Las canciones fueron lanzadas como sencillo en el sello Ballad.

En mayo de 1955, aprovechando su estancia en Chicago, Berry fue a un club a ver una presentación de Muddy Waters. Siguiendo el consejo de este, el guitarrista contactó con la compañía discográfica Chess Records para grabar su primer disco.

El dueño de la compañía, Leonard Chess, aceptó escuchar las grabaciones de Berry, por lo que el músico regresó a San Luis para preparar una cinta de muestra. Entre las canciones que grabó se encontraba "Ida May" (una versión de la canción de country "Ida Red"), y una canción de blues titulada "Wee Wee Hours".

Aunque a Chess le gustó "Wee Wee Hours", que coincidía con el género musical con el que trabajaba su discográfica, se interesó más por la primera canción, por lo que decidió contratar a Berry.

El 21 de mayo de 1955, Berry grabó una adaptación de la canción "Ida Red", bajo el título "Maybellene", con Johnnie Johnson al piano, Jerome Green (de la banda de Bo Diddley) a las maracas, Ebby Hardy a la batería y Willie Dixon al bajo.

En julio de 1955 lanzaron el sencillo que vendió más de un millón de copias, alcanzando el número uno en la lista de R&B de la revista Billboard y el número cinco en su lista de Best Sellers in Stores del 10 de septiembre de 1955.





Berry dijo: "Llegó en el momento adecuado cuando la música afroamericana se estaba extendiendo al pop convencional".

Cuando Berry vio por primera vez una copia del disco de “Maybellene”, se sorprendió de que, a otras dos personas, incluido el DJ Alan Freed, se les hubiera dado el crédito por escribir la canción; eso les daría derecho a algunas de las regalías. Después de una batalla judicial, Berry pudo recuperar todo el crédito por escribirla.

La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la discográfica Chess Records, acompañado de su propia banda, con el pianista Johnnie Johnson, el legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.

El éxito alcanzado le permitió aparecer en la película “Rock, Rock, Rock” (1955), donde canta la canción "You Can't Catch Me".

Sus siguientes sencillos fueron "Thirty Days", "No Money Down" y "Too Much Monkey Business", los cuales tuvieron buenas ventas, pero no superaron el éxito de "Maybellene".

A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzó el puesto 29 en la lista Billboard Top 100, y Berry realizó una gira como uno de los "Top Acts of '56".

Él y Carl Perkins se hicieron amigos. Perkins dijo que "cuando escuché a Chuck por primera vez supe que la música country lo había afectado. Yo respetaba su forma de escribir; sus discos eran muy, muy buenos".

Su siguiente sencillo, "School Days", alcanzó la primera ubicación del ranking R&B, el tercer puesto del Billboard Top 100, y fue la primera canción de Berry en aparecer en los rankings de ventas británicos, llegando al puesto número 24.

En mayo de 1957 lanzó su primer álbum de estudio, titulado “After School Session” y ese mismo año, apareció en la película “Mister Rock and Roll”.

En septiembre participó en una gira llamada “Biggest Show of Stars”, que recorrió 75 ciudades de Estados Unidos. Organizada por Alan Freed, la gira contó con músicos como Buddy Holly, The Everly Brothers y The Drifters.

Ese mes lanzó un nuevo sencillo, "Rock and Roll Music", que alcanzó la sexta posición en el ranking de R&B y el octavo en el Hot 100.

Al año siguiente publicó dos de sus sencillos más exitosos. "Sweet Little Sixteen" alcanzó la primera posición en el ranking de R&B, la segunda en el Billboard Top 100 y el puesto 16 en el Reino Unido.





La actuación de Berry en el Newport Jazz Festival de aquel año fue incluida en el documental “Jazz on a Summer's Day”. La cinta fue dirigida por el fotógrafo Bert Stern y muestra además a músicos como Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Jimmy Giuffre, Thelonious Monk y Gerry Mulligan.

En abril lanzó "Johnny B. Goode", canción inspirada en su mentor y compañero de banda Johnnie Johnson. El sencillo llegó al segundo puesto del ranking de R&B y al octavo del Top 100.

El riff de guitarra inicial de "Johnny B. Goode" es similar al utilizado por Louis Jordan en su "Ain't That Just Like a Woman" (1946). Berry reconoció la deuda con Jordan y varias fuentes han indicado que su trabajo fue influenciado por Jordan en general.

Berry también apareció en la película “Go, Johnny Go!” (1959), cuyo título está extraído de una frase de su canción. Además de aquella canción, el guitarrista aparece en la cinta interpretando "Memphis Tennessee" y "Little Queenie".

A finales de la década de 1950, Berry era una estrella establecida de alto perfil con varios discos exitosos y apariciones en películas y una lucrativa carrera de giras. Había abierto un club nocturno racialmente integrado en St. Louis, Berry's Club Bandstand, e invirtió en bienes raíces.

Sin embargo, en diciembre de 1959 se enfrentó a una de las acusaciones más graves de su carrera.

Berry conoció a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti en Juárez (Texas). La muchacha, que provenía de Yuma (Arizona), le dijo al músico que tenía 21 años, cuando en realidad tenía 14 y Berry le ofreció un trabajo de camarera en su club Bandstand, así que la llevó a Saint Louis con él.

Algunas semanas después, la joven fue arrestada por ejercer la prostitución en un hotel de la ciudad. Este hecho llevó a que Berry fuese arrestado por infringir la ley Mann, por "transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales".

Después de un juicio de dos semanas en marzo de 1960, fue declarado culpable, multado con 5.000 dólares y sentenciado a cinco años de prisión. Apeló la decisión argumentando que los comentarios y la actitud del juez eran racistas y predisponían al jurado en su contra.

La apelación fue estimada y se celebró un segundo juicio en mayo y junio de 1961, que resultó en otra condena y una pena de prisión de tres años. Después de que otra apelación fracasara, Berry cumplió un año y medio de prisión, desde febrero de 1962 hasta octubre de 1963.

Había seguido grabando y actuando durante los juicios, pero su producción se había ralentizado a medida que su popularidad declinaba; su último sencillo lanzado antes de ser encarcelado fue "Come On".

Su experiencia en la cárcel llegó a cambiar su personalidad. Según Carl Perkins, el nuevo Berry era "frío, muy distante y cortante".

Mientras el guitarrista estuvo privado de libertad, y durante los años siguientes, Estados Unidos comenzó a experimentar la llamada "invasión británica", con bandas como The Beatles, The Rolling Stones, The Yardbirds y The Animals.

La música de estos grupos estaba influida por el estilo de Berry, llegando incluso a realizar nuevas versiones de sus canciones, por lo que cuando Berry salió de prisión en 1963, su regreso a la grabación y la actuación se hizo más fácil.

En 1963 el grupo estadounidense The Beach Boys lanzó el exitoso sencillo "Surfin' USA", cuya melodía estaba basada en la canción "Sweet Little Sixteen". El guitarrista posteriormente los demandó por infracción de derechos de autor y obtuvo una sentencia favorable, siendo acreditado como uno de los escritores de la canción.

En 1964 y 1965, Berry lanzó ocho sencillos, incluidos tres que tuvieron éxito comercial, alcanzando el top 20 del Billboard 100: "No Particular Place to Go" (una reelaboración humorística de "School Days", sobre la introducción del asiento cinturones en los coches) que alcanzó la décima posición en el ranking de ventas, "You Never Can Tell" y la rockera "Nadine".






En 1964 realizó su primera gira por el Reino Unido, y lanzó un álbum junto al guitarrista Bo Diddley, titulado “Two Great Guitars”.

En octubre además participó en un concierto llamado “The T.A.M.I Show” (The Teen Age Music International Show), junto a músicos como The Beach Boys, James Brown, The Rolling Stones, The Supremes, Marvin Gaye y Smokey Robinson. El concierto, realizado en Santa Mónica (California), fue grabado y estrenado como un documental.

En 1965 lanzó el sencillo "Dear Dad", que se convirtió en la última canción de Berry en entrar a los rankings de ventas durante aproximadamente siete años.

Al año siguiente firmó con la compañía discográfica Mercury Records. Durante la vigencia del contrato publicó cuatro álbumes con Mercury, incluyendo su segundo álbum en vivo (y el primero grabado íntegramente en el escenario), “Live at the Fillmore Auditorium”, donde contó con el respaldo de la Steve Miller Band.

Las ventas de estos trabajos no fueron buenas, pero el guitarrista continuó realizando conciertos.

En julio de 1969 participó en el Schaefer Music Festival celebrado en el Central Park de Nueva York, junto a artistas como The Byrds, Fleetwood Mac, Miles Davis, Led Zeppelin, B. B. King, Frank Zappa y Patti LaBelle.

En octubre del mismo año tocó en el Toronto Rock and Roll Revival, un concierto que contó con un importante número de músicos de los años 50 y 60, incluyendo a Fats Domino, The Everly Brothers, The Coasters, Little Richard y Jerry Lee Lewis.

Berry regresó a Chess de 1970 a 1973. No hubo ningún sencillo exitoso del álbum "Back Home" de 1970, pero en 1972, Chess lanzó una grabación en vivo de "My Ding-a-Ling", una canción novedosa que había grabado anteriormente en un formato diferente en su LP de 1968 “From St. Louie to Frisco”, y que llevaba por título "My Tambourine".

La pista se convirtió en su único sencillo en alcanzar la primera posición en la lista de ventas de Billboard. Sin embargo, la versión que alcanzó el éxito de ventas fue una grabada en febrero de 1972 durante un concierto en Coventry (Inglaterra).







La letra de la canción causó controversia al utilizar un doble sentido que hacía referencia al aparato reproductor masculino, lo que llevó a la activista británica Mary Whitehouse a intentar censurarla de las radios de aquel país. La petición de Whitehouse fue desestimada por la BBC.

Una grabación en vivo de "Reelin' and Rockin'", publicada como sencillo de seguimiento ese mismo año, fue su último éxito en el Top 40 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido.

Ambos sencillos se incluyeron en el álbum en parte en vivo y en parte de estudio “The London Chuck Berry Sessions”.
Su segundo periodo con la discográfica Chess terminó en 1975, con la publicación del álbum ”Chuck Berry”, después del cual no hizo un disco de estudio hasta “Rockit” para Atco Records en 1979, que sería su último álbum de estudio en 38 años.

Durante la década de 1970 Berry realizó giras a lo largo del país, gracias a sus éxitos anteriores. Estuvo de gira durante muchos años, llevando sólo su guitarra Gibson y sus representantes debían preocuparse de contratar, en cada ciudad donde se presentara, a una banda local para que lo acompañase, ya que era más barato que viajar junto a los músicos durante toda la gira.

AllMusic dijo que en este período sus "actuaciones en vivo se volvieron cada vez más erráticas, ... trabajando con bandas de respaldo terribles y realizando presentaciones descuidadas y desafinadas que empañaron su reputación entre los fanáticos más jóvenes y los veteranos por igual".

En marzo de 1972, fue filmado, en el BBC Television Theatre en Shepherds Bush, para “Chuck Berry in Concert”, parte de una gira de 60 fechas respaldada por la banda Rocking Horse.

Entre los muchos líderes de banda que desempeñaron un papel de respaldo con Berry en la década de 1970, estaban Bruce Springsteen y Steve Miller cuando cada uno apenas comenzaba su carrera. (Springsteen relató en el documental “Hail! Hail! Rock 'n' Roll” que Berry no le daba a la banda una lista de canciones y esperaba que los músicos le siguieran después de cada introducción de guitarra).

Springsteen respaldó a Berry nuevamente cuando apareció en el concierto del Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995.

En junio de 1979 el guitarrista fue invitado a la Casa Blanca para tocar frente al presidente Jimmy Carter.

El estilo de gira de Berry, viajando por el circuito de los "viejos" en la década de 1970 (a menudo pagados en efectivo por los promotores locales), añadió munición a las acusaciones del Internal Revenue Service de que Berry había evadido el pago de impuestos sobre la renta al no declarar todo el dinero ganado en sus conciertos.

Al enfrentarse a una sanción penal por tercera vez, Berry se declaró culpable de evadir casi 110.000 dólares en impuestos federales sobre la renta adeudados por sus ganancias de 1973. Los informes periodísticos de 1979 cifraron sus ingresos conjuntos en 1973 (con su esposa) en 374.982 dólares.

Berry fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1000 horas de trabajo comunitario, las que cumplió realizando conciertos a beneficio.

Berry continuó realizando entre 70 y 100 conciertos por año durante los años 1980, todavía viajando solo y requiriendo que una banda local lo respaldara en cada parada.

En 1982, realizó un especial de televisión en The Roxy en West Hollywood con Tina Turner como su invitada especial. El concierto fue lanzado un año después en video casero.

El director Taylor Hackford hizo un documental titulado “Hail! Hail! Rock 'n' Roll” (1987), sobre un concierto que Keith Richards organizó en honor al 60 cumpleaños de Berry, llevado a cabo en su ciudad natal.

Eric Clapton, Etta James, Julian Lennon, Robert Cray y Linda Ronstadt, entre otros, aparecieron con Berry en el escenario y en la película.







Durante el concierto, Berry tocó una Gibson ES-355, la versión de lujo de la ES-335 que prefería en sus giras de los años 70. Richards tocó una Fender Telecaster Custom negra, Cray una Fender Stratocaster y Clapton una Gibson ES 350T, el mismo modelo que Berry usó en sus primeras grabaciones.

El mismo año en que se estrenó el documental el guitarrista publicó su autobiografía. Entre los temas tratados en el libro se encuentran su familia, sus influencias musicales, la discriminación racial que sufrió durante su carrera y las controversias que protagonizó.

A finales de la década de 1980, Berry compró Southern Air, un restaurante en Wentzville, Missouri. También poseía un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.

En 1987, Berry fue acusado de agredir a una mujer en el hotel Gramercy Park de Nueva York. Fue acusado de causar "laceraciones en la boca que requirieron cinco puntos, dos dientes flojos y contusiones en la cara". Se declaró culpable de un cargo menor de acoso y pagó una multa de 250 dólares.

Berry volvió a ser tema de atención en diciembre de 1989 por supuesto voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su restaurante. Según la camarera que denunció el hecho, se habían instalado cámaras escondidas que tenían por objetivo grabar a quienes ocuparan el baño, aunque Berry afirmó que había instalado la cámara para captar a un trabajador sospechoso de robar en el restaurante.

Un grupo de mujeres demandó a Berry, pero todo llegó a su fin tras un acuerdo extrajudicial. Uno de sus biógrafos, Bruce Pegg, dijo que se estimó que el músico pagó aproximadamente 1,2 millones de dólares a las denunciantes.

En 1990 su hogar fue allanado y se encontraron 62 gramos de marihuana, así como videos de mujeres usando el baño, una de las cuales era aparentemente menor de edad.

Se presentaron cargos por delitos graves de drogas y abuso infantil. Los cargos de abuso infantil finalmente fueron retirados y Berry aceptó declararse culpable del delito menor de posesión de marihuana.

Le impusieron una sentencia de cárcel suspendida de seis meses, dos años de libertad condicional sin supervisión y se le ordenó donar 5.000 dólares a un hospital local. Sus abogados dijeron que había sido víctima una conspiración para aprovechar su riqueza.

En enero de 1993 participó junto a músicos como Fleetwood Mac, Michael Jackson, Barbra Streisand, Aretha Franklin y Little Richard en la gala de la investidura presidencial de Bill Clinton.

En noviembre de 2000, Berry se enfrentó a problemas legales cuando fue demandado por el pianista Johnnie Johnson, con quien había colaborado durante años, por la autoría de aproximadamente cincuenta canciones, incluidas "No Particular Place to Go", "Sweet Little Sixteen" y "Roll Over Beethoven".

Según Johnson, las canciones habían sido compuestas por ambos músicos, pero solo Berry fue acreditado como autor. La causa fue desestimada por el tribunal debido al tiempo que había transcurrido entre la creación de los temas y la interposición de la demanda.

En 2008, Berry realizó una gira por Europa, con paradas en Suecia, Noruega, Finlandia, Reino Unido, Países Bajos, Irlanda, Suiza, Polonia y España. A mediados de 2008, actuó en el Virgin Festival de Baltimore.

Durante un concierto el día de Año Nuevo de 2011 en Chicago, Berry, sufriendo de agotamiento, se desmayó y tuvo que ser ayudado a salir del escenario.

Berry vivía en Ladue, Missouri, aproximadamente a 16 kilómetros al oeste de St. Louis. También tenía una casa en Berry Park, cerca de Wentzville, Missouri, donde vivió a tiempo parcial desde la década de 1950 y fue la casa en la que murió. Esta casa, con la piscina en forma de guitarra, se ve en escenas cercanas al final de la película “Hail! Hail! Rock 'n' Roll”.

Actuó regularmente un miércoles de cada mes en Blueberry Hill, un restaurante y bar ubicado en el vecindario Delmar Loop de St. Louis, de 1996 a 2014.

Berry anunció en su 90 cumpleaños que su primer nuevo álbum de estudio desde “Rockit” en 1979, titulado “Chuck”, se lanzaría en 2017.

Su primer disco nuevo en 38 años incluye a sus hijos, Charles Berry Jr. e Ingrid, tocando la guitarra y la armónica, con canciones "que cubren el espectro desde rockeros duros hasta cápsulas del tiempo conmovedoras y estimulantes del trabajo de una vida" y dedicadas a su esposa Toddy.

El 18 de marzo de 2017, Berry fue encontrado inconsciente en su casa cerca de Wentzville, Misuri. Los trabajadores de emergencia llamados al lugar no pudieron reanimarlo y su médico personal lo declaró muerto.

El funeral de Berry se celebró el 9 de abril de 2017 en The Pageant, en la ciudad natal de Berry, St. Louis.
Fue visto con su guitarra Gibson ES-335 color rojo cereza atornillada a la tapa interior del ataúd y con arreglos florales que incluían uno enviado por los Rolling Stones con forma de guitarra.







Posteriormente se llevó a cabo un servicio privado en el club para celebrar la vida y la carrera musical de Berry, y la familia Berry invitó a 300 miembros del público al servicio.

Gene Simmons de Kiss pronunció un elogio improvisado y no anunciado en el servicio, mientras que Little Richard estaba programado para encabezar la procesión fúnebre pero no pudo asistir debido a una enfermedad. La noche anterior, muchos bares del área de St. Louis realizaron un brindis masivo a las 10 pm en honor de Berry.

Uno de los abogados de Berry estimó que su patrimonio valía 50 millones de dólares, incluidos 17 millones de dólares en derechos musicales. La publicación musical de Berry representó 13 millones de dólares del valor del patrimonio.

El patrimonio de Berry poseía aproximadamente la mitad de sus créditos como compositor (principalmente de su carrera posterior), mientras que BMG Rights Management controlaba la otra mitad; la mayoría de las grabaciones de Berry son actualmente propiedad de Universal Music Group.

En septiembre de 2017, Dualtone, el sello que lanzó el último álbum de Berry, "Chuck", acordó publicar todas sus composiciones en Estados Unidos.

Berry está enterrado en un mausoleo en el cementerio Bellerive Gardens en St. Louis.

Legado

Si bien no se puede decir que ningún individuo haya inventado el rock and roll, Chuck Berry es la figura que más se acerca a ser quien unió todas las piezas esenciales.

Fue su genio particular el que injertó licks de guitarra country y western en un chasis de ritmo y blues. Pionero del rock and roll, Berry tuvo una influencia significativa en el desarrollo tanto de la música como de la actitud asociada con el estilo de vida de la música rock.

En sus canciones mezcló varios de los ritmos musicales con los que creció, incluyendo el country, blues, boogie-woogie, swing, big band y pop.

En su primer sencillo, "Maybellene", Berry combinó notas de guitarra inspiradas en el country sobre una base rítmica de rhythm and blues. La revista Rolling Stone la ubicó en el puesto número 18 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, describiéndola como el punto de partida del rock and roll.

Con canciones como "Roll Over Beethoven" (1956), "Rock and Roll Music" (1957) y "Johnny B. Goode" (1958), Berry refinó y desarrolló el ritmo y el blues hasta convertirlo en música mayor.

Estos elementos hicieron que el rock and roll fuera distintivo, con letras dirigidas exitosamente a atraer al mercado adolescente temprano mediante el uso de descripciones gráficas y humorísticas de bailes adolescentes, coches rápidos, vida en la escuela secundaria y cultura de consumo, y utilizando solos de guitarra y talento para el espectáculo que sería una gran influencia en la música rock posterior.

Así, Berry, el compositor, según el crítico Jon Pareles, inventó el rock como "una música de deseos adolescentes cumplidos y buenos momentos (incluso con policías persiguiéndolos)".

Berry contribuyó con tres cosas a la música rock: una arrogancia irresistible, un enfoque en el riff de guitarra como elemento melódico principal y un énfasis en la composición de canciones como narración.

El guitarrista y crítico musical Cub Koda escribió: "de todos los pioneros del rock and roll, ninguno es más importante como compositor para el desarrollo de la música que Chuck Berry. Él es el compositor más grande, el formador principal de la voz instrumental, uno de los mejores guitarristas, y uno de sus más grandes artistas".

Sus discos son un rico depósito de los componentes líricos, teatrales y musicales esenciales del rock and roll.

Su influencia alcanzó a músicos como The Beatles, Bob Dylan, The Beach Boys o The Rolling Stones. Según el crítico musical Robert Christgau, "Berry le enseñó a George Harrison y Keith Richards cómo tocar la guitarra mucho antes de conocerlos".

Aunque no tiene logros técnicos, su estilo de guitarra es distintivo: incorporó efectos electrónicos para imitar el sonido de los guitarristas de blues de cuello de botella y se basó en la influencia de guitarristas como Carl Hogan y T-Bone Walker, para producir un sonido claro y emocionante que muchos guitarristas posteriores reconocerían como una influencia en su propio estilo.

El talento para el espectáculo de Berry ha influido en otros guitarristas de rock, particularmente su rutina de salto con una sola pierna, y su peculiar "paseo del pato", que utilizó por primera vez cuando era niño cuando caminaba "agachado con rodillas completamente dobladas, pero con la espalda y la cabeza verticales" debajo de una mesa para recuperar una pelota y su familia lo encontró divertido; lo usó cuando "actuó en Nueva York por primera vez y algún periodista lo calificó como el paseo del pato".

Cuando le otorgó el Premio Kennedy en 2000, el presidente de Estados Unidos, Bill Clinton, lo describió como "uno de los músicos más influyentes del siglo XX".

El 29 de julio de 2011, Berry fue honrado con la dedicación de una estatua de Chuck Berry en movimiento de dos metros y medio en Delmar Loop en St. Louis, justo al otro lado de la calle de Blueberry Hill. Berry dijo: "Es glorioso; lo aprecio muchísimo, de eso no hay duda. Ese tipo de honor rara vez se otorga. Pero no lo merezco".

El crítico de rock Robert Christgau considera a Berry "el más grande del rock and roll", y John Lennon dijo, "si intentaras darle otro nombre al rock and roll, podrías llamarlo 'Chuck Berry".

Ted Nugent dijo: "Si no conoces cada lick de Chuck Berry, no puedes tocar la guitarra rock". Bob Dylan llamó a Berry "el Shakespeare del rock 'n' roll". Bruce Springsteen tuiteó: "Chuck Berry fue el mejor guitarrista y escritor de rock 'n' roll puro que jamás haya existido".

Cuando Keith Richards lo presentó en el Salón de la Fama del Rock, dijo: "Es difícil para mí presentar a Berry, ¡porque siempre he machacado lo que él tocaba!".

John Lennon, otro de sus devotos, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You Can't Catch Me" para su canción "Come Together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry.

Angus Young de AC/DC ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, llegando a imitar sobre los escenarios su "paso del pato" (duckwalk).

Cuando se le preguntó qué causó la explosión de popularidad del rock 'n roll que tuvo lugar en la década de 1950, Berry dijo: "Bueno, en realidad empezaron a escucharla, ya ves, porque ciertas emisoras ponían cierta música. La música que nosotros, los negros, tocábamos, las culturas estaban tan alejadas, que teníamos que tener una emisora para poder tocarla. Las culturas empiezan a juntarse, y empiezas a ver la vena de vida de unos y otros, entonces la música se juntó".

Reconocimiento

A lo largo de su carrera ha obtenido diversos reconocimientos.

Su canción "Johnny B. Goode" fue incluida en el disco de oro de las Voyager, unas sondas espaciales que fueron lanzadas en 1977. La idea de los discos fue adoptada por Carl Sagan, que lo vio como una cápsula del tiempo que alberga sonidos e imágenes representativos de la diversidad en la Tierra.

Entre su contenido se encuentran saludos en diferentes idiomas, imágenes, sonidos y canciones provenientes de diversas partes del mundo. La canción de Berry fue seleccionada por Estados Unidos junto a otras dos de Louis Armstrong y Blind Willie Johnson.

En 1984 recibió un premio Grammy a la carrera artística, debido a su trayectoria. Dos años después fue incluido en el Salón de la Fama del Rock, en la primera ceremonia celebrada por la institución. Berry subió al escenario donde interpretó canciones con músicos como Keith Richards, Neil Young y Billy Joel.







En octubre de 1987 fue premiado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

El año 2000 recibió el Premio Kennedy, y en 2002 la organización BMI lo homenajeó junto a los músicos Bo Diddley y Little Richard, siendo denominados "padres fundadores del rock & roll".

En 2012 fue premiado junto a Leonard Cohen por la asociación literaria PEN Club Internacional, siendo los primeros compositores en obtener el galardón.

Ese mismo año la revista Guitar World realizó una encuesta entre sus lectores para escoger a los mejores guitarristas de todos los tiempos, quedando Chuck Berry en el puesto 44.

Dos años después fue galardonado junto al director de teatro Peter Sellars con el Premio de Música Polar, entregado anualmente por la Real Academia Sueca de Música. Según la organización del premio: "Cada riff y solo tocado por guitarristas de rock durante los últimos 60 años posee un ADN que puede ser rastreado hasta Chuck Berry".

La revista Time lo incluyó en las listas de los 100 mejores artistas y 100 mejores guitarristas, en el quinto y séptimo puesto, respectivamente.

El semanario musical NME ubicó a "Johnny B. Goode" como el octavo mejor solo de guitarra de la historia, y como la mejor canción de los años 50.

Berry ha sido también incluido en varias listas creadas por la revista Rolling Stone.

En septiembre de 2003, la revista lo ubicó en el puesto número 6 en su lista de los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos". En noviembre, su álbum recopilatorio “The Great Twenty-Eight” ocupó el puesto 21 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

El guitarrista fue además ubicado en el quinto puesto de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

En marzo de 2004, Berry ocupó el quinto lugar en la lista de "Los Inmortales - Los 100 mejores artistas de todos los tiempos".

Joe Perry escribió en homenaje: “Como compositor, Chuck Berry es como el Ernest Hemingway del rock & roll. Va directo al grano. Cuenta una historia en frases cortas. Te haces una gran idea de lo que está pasando, en muy poco espacio, con palabras bien escogidas... los chavales de hoy tocan los mismos tres acordes, intentan tocar con el mismo estilo. Sube el volumen de las guitarras y es punk rock. Son los Ramones y los Sex Pistols. También lo oigo en los White Stripes. La gente siempre versionará canciones de Chuck Berry. Cuando las bandas vayan a hacer sus deberes, tendrán que escuchar a Chuck Berry. Si quieres aprender sobre rock & roll, si quieres tocar rock & roll, tienes que empezar por ahí".

En diciembre de 2004, seis de sus canciones fueron incluidas en "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos": " Johnny B. Goode" (7), "Mayellene" (18), "Roll Over Beethoven" (97), "Rock and Roll Music" (128), "Sweet Little Sixteen" (272) and "Brown Eyed Handsome Man" (374).

En junio de 2008, su canción "Johnny B. Goode" ocupó el primer lugar entre las "100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos".

En 2023, Rolling Stone clasificó a Berry en el puesto 96 en su lista de los 200 mejores cantantes de todos los tiempos.

El periodista Chuck Klosterman ha sostenido que dentro de 300 años Berry seguirá siendo recordado como el músico de rock que capturó más fielmente la esencia del rock and roll.

La revista Time declaró: "No había nadie como Elvis. Pero definitivamente no había nadie como Chuck Berry".

Rolling Stone lo llamó "el padre del rock & roll", quien "le dio a la música su sonido y su actitud, incluso mientras luchaba contra el racismo (y sus propias fechorías) todo el tiempo".

Kevin Strait, del Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana en Washington, DC, dijo que Berry es "uno de los principales arquitectos sonoros del rock and roll".

Según Troy L. Smith de Cleveland.com, "Chuck Berry no inventó el rock and roll solo. Pero fue el hombre que tomó el Rhythm and Blues y lo transformó en un nuevo género que cambiaría la música popular. Canciones como “Maybellene”, “Johnny B. Goode”, “Roll Over Beethoven” y “Rock and Roll Music” mostrarían los elementos centrales de lo que se convertiría en el rock and roll. El sonido, el formato y el estilo se construyeron sobre la música. Berry creó, hasta cierto punto, y todos los que le siguieron fueron imitadores".

En 2020, la Unión Astronómica Internacional nombró un pequeño cráter en Mercurio en honor a Berry.

7 de las mejores canciones de Chuck Berry

"Sólo hay un verdadero rey del rock and roll. Su nombre es Chuck Berry", dijo Stevie Wonder.

Sus grabaciones eran modernas y emocionantes. Aunque él fue el primero en admitir que se inspiraba en músicos anteriores. "Realmente no hay nada nuevo bajo el sol", dijo en la película de mediados de los 80 "Hail, Hail Rock 'n' Roll", citando a los músicos T-Bone Walker y Charlie Christian como sus predecesores.

Incluso las famosas introducciones de guitarra "Chuck Berry", que abrían algunos de sus hits, fueron tomadas, de una grabación de Louis Jordan, según el mismo Berry.

Sin embargo, convirtió esas influencias en algo distinto. Escribió odas desafiantes a autos y a mujeres, en un momento en que las letras del rock eran todo "tutti frutti y 'a-wop-bop-a-loo-bop'".

Como dijo Brian Wilson, de los Beach Boys, Berry escribió "todas las grandes canciones y probó todos los ritmos del rock and roll". "Él hizo la ley", comentó también Eric Clapton.

Aquí repasamos siete de sus canciones más influyentes.

Maybellene (1955)
La primera canción de Chuck se posicionó entre las cinco más populares de Estados Unidos, un año antes de que Elvis Presley hiciera su debut.

Se basaba en “Ida Red”, un éxito de 1938 de Bob Wills y sus Texas Playboys. Pero Berry agregó una sección rítmica estruendosa y la letra hablaba de la fantasía adolescente de viajar en autos rápidos, a pesar de que estaba a mediados de los 20 años cuando lo escribió.

"Mientras corría por la colina, vi a Maybellene en un Coupé-de-Ville / Cadillac rodando por la carretera abierta / intentando escapar de mi Ford V-8", dice el tema.

Los discs jockeys Alan Freed y Russ Fratto fueron "alentados" a tocar la canción a cambio de ser acreditados como co-autores y así nació la carrera de Berry.

Roll over Beethoven (1956)
Es ampliamente considerado como un manifiesto del rock and roll, pero en realidad se trataba de un guiño cariñoso para la hermana de Berry, Lucy, que pasaba tanto tiempo en el piano familiar, que él no podía usarlo.






Sin embargo, el mensaje que “Beethoven y Tchaikovsky habían sido desplazados por el poder de Chuck y su guitarra Gibson de color rojo cereza” tuvo amplio eco en músicos de todo el mundo.

La canción fue reinterpretada por The Beatles, los Rolling Stones e incluso Iron Maiden.

School Days (1957)
Chuck le hablaba directamente a su público adolescente. "School Day" es un ejemplo perfecto.






Expresa esa sensación horrible, de estar enjaulados, que sienten los niños que esperan que suene la campana de la escuela para irse. Berry tenía más de 30 años cuando la canción fue lanzada.

"De vuelta en el aula, abre tus libros", canta. "Gee, pero la maestra no sabe lo mala que se ve".

Brown eyed handsome man (1956)
Mientras que la mayoría de sus canciones son despreocupadas, esta toma un tono más político.






"Arrestado bajo cargos de desempleo / Estaba sentado en la tribuna de los testigos / La esposa del juez llamó al fiscal del distrito / Ella dijo, 'libere a ese hombre de ojos marrones'", dice la letra.

Berry se inspiró para escribir la canción mientras daba conciertos en barrios negros y latinos de California, al inicio de su carrera.

"Lo que no vi, al menos en las áreas en las que toqué, fue demasiados ojos azules", escribió en su autobiografía de 1987.

"Los auditorios estaban predominantemente llenos de hispanos y 'nosotros'. Pero vi una increíble armonía entre la mezcla, que hizo que la idea de la canción comenzara", cuenta.

You never can tell (1964)
La canción más bailable de Chuck suena un poco más siniestra cuando uno descubre que el músico la escribió después de ser arrestado por cruzar un límite estatal con una niña de 14 años, sin el consentimiento de sus padres.

"Era una boda adolescente y la gente vieja les deseaba bien", canta el artista. "Podías ver que Pierre realmente quería a la 'mademoiselle'".






"Y ahora el joven señor y la señora han tocado la campana de la capilla.'C'est la vie', dicen los viejos, y se demuestra que uno nunca sabe", sigue.

Chuck fue condenado a tres años de prisión en 1962, pero fue puesto en libertad después de 20 meses, en 1963, cuando ya el rock británico estaba en pleno auge.

Memphis, Tennessee (1959)
Es una de las mejores y más tiernas letras de Chuck. Trabajó en ella durante más de un mes. "Memphis, Tennessee" se inspiró en el clásico "Long Distance Operator", de Muddy Waters.

En la letra, la "estrella le pide a un operador telefónico que le ayude a encontrar a una chica llamada Marie, cuya madre la ha separado de él". En el verso final uno descubre que la niña es su hija de seis años.

En una devastadora línea, le dice al operador: "La última vez que vi a Marie, me estaba diciendo adiós con la mano / Con lágrimas en las mejillas, que goteaban de sus ojos, por volver a casa".

Johnny B. Goode (1958)
Iniciada por la introducción de guitarra más memorable en el rock, "Johnny B. Goode"s una historia semi-autobiográfica de un guitarrista pobre que termina volviéndose famoso.

"Las palabras originales eran, por supuesto, "ese pequeño muchacho de color podía tocar", le dijo Chuck a la revista Rolling Stone en 1972. "Las cambié a 'muchacho del campo', de lo contrario no habría llegado a la radio".

Esta canción también demuestra el genio de Chuck como arreglista. Es una de las primeras en usar overdubs (técnica para grabar un arreglo sobre una pista musical pregrabada): Chuck añade un solo de guitarra a la grabación original de estudio.

Este clásico ha demostrado ser sumamente adaptable, con versiones de artistas como Jerry Lee Lewis y Jimi Hendrix.

Mientras el rock exista, alguien, en algún lugar estará tocando una versión de esta canción.

Discografía

After School Session (1957)
One Dozen Berrys (1958)
Chuck Berry Is on Top (1959)
Rockin' at the Hops (1960)
New Juke Box Hits (1961)
Chuck Berry Twist (1962)
Chuck Berry on Stage, en directo (1963)
St. Louis to Liverpool (1964)
Chuck Berry in London (1965)
Fresh Berry's (1965)
Chuck Berry in Memphis, en directo (1967)
Live at the Fillmore Auditorium, en directo (1967)
From St. Louie to Frisco (1968)
Concerto in B Goode, en directo (1969)
Rock Rock (1969)
Back Home (1970)
Home Again (1971)
San Francisco Dues (1971)
The London Chuck Berry Sessions, en directo (1972)
Back in the U.S.A. (1973)
Bio (1973)
Chuck Berry 75 (1975)
Rock It (1979)
Tokyo Session, en directo (1981)
Hail! Hail! Rock 'N Roll (1987)
Chuck Berry (1991)
The Collection (1991)
The Very Best of Chuck Berry (1991)
The Best of Chuck Berry (1994)
That Good Old Times: Chuck Berry in Concert, en directo (1995)
The Best of Chuck Berry (1996)
Super Stars (1997)
Star Power (2002)
Sidy by Side (2006)
Chuck (2017)

Fuentes: biografiasyvidas.com, bbc.com, Wikipedia y flickr

En el puesto número 6


B. B. King

B. B. King, fue un guitarrista, cantante, compositor y productor discográfico de blues estadounidense. Introdujo un estilo sofisticado de solos basado en la flexión fluida de las cuerdas, el vibrato brillante y el punteo entrecortado que influyó en muchos guitarristas eléctricos de blues posteriores.

Está ampliamente considerado como uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, recibiendo el apodo de "Rey del Blues" y el sobrenombre de "uno de los tres reyes (kings) de la guitarra blues" junto a Albert King y Freddie King.

King tuvo una gran influencia en el aspecto musical y social sobre el cantante Elvis Presley habiéndose conocido y desarrollado una amistad en los pubs de Beale Street en Memphis a principios de los años 50.

Posteriormente The Beatles le mencionaron en la canción “Dig It” (1970). Además, la revista Rolling Stone lo situó en el puesto seis de la lista de los "100 Mejores Guitarristas de Todos los Tiempos" y figura en el puesto 17 de la lista "Top 50 Guitarists of All Time" elaborada por Gibson.

Con los años, King desarrolló un estilo de guitarra identificable en su obra musical, con elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop.

Galardonado en infinidad de ocasiones, incluidos quince premios Grammy, en 1987 entraría a formar parte del Salón de la Fama del Rock and Roll junto con otros grandes de la música. AllMusic reconoció a King como "el guitarrista eléctrico más importante de la última mitad del siglo XX".

Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada “Lucille”, también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980.

King es también reconocido por su prolífica nómina de actuaciones en directo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970.





Riley B. King nació el 16 de septiembre de 1925, en una pequeña cabaña de una plantación de algodón de Berclair, llamada Bear Creek, en el condado de Leflore, cerca de la ciudad de Itta Bena, Mississippi.

Sus padres, Albert King y Nora Ella Farr, eran aparceros. Cuando King tenía cuatro años, su madre dejó a su padre por otro hombre.

El niño, que pasó su infancia entre su casa materna y la de su abuela Eleanor, a los siete años ya sabía lo que eran las largas y extenuantes jornadas de trabajo en la plantación.

Tras la muerte de su madre cuando tenía nueve años, y con un padre ausente, Riley se fue a vivir definitivamente con su abuela.

El joven Riley conducía un arado doce horas al día durante seis días a la semana, y fue durante ese duro trabajo en los campos de algodón donde quedó prendado de las melodías que entonaban los trabajadores bajo aquel sol de justicia.
Siempre había alguien que iniciaba una canción y otra persona, desde el otro extremo del campo, respondía con otra melodía.

Así nació una forma muy particular de blues, el llamado "call and response" (llamada y respuesta). Los oídos de Riley pronto empezaron a familiarizarse con este tipo de melodías y su ritmo cadencioso, sobre todo cuando su abuela lo llevaba los fines de semana a casa de su tía Mima y esta le dejaba escuchar sus viejos discos de blues de músicos como Blind Lemon Jefferson y Lonnie Johnson.

King creció cantando en un coro de góspel en la iglesia baptista Elkhorn de Kilmichael, pero se sintió atraído por la Iglesia Pentecostal de Dios en Cristo por su música.

Con 12 años y con la ayuda de un préstamo de Flake Cartledge, capataz de la plantación, pudo comprarse su primera guitarra eléctrica por 15,15 dólares. Cartledge retuvo dinero del salario de King durante los dos meses siguientes hasta que se pagara la deuda, aunque otra fuente indica que fue un regalo de Bukka White, primo de su madre.

Riley empezó en el mundo de la música de la mano de Archie Fair, el ministro de su iglesia, quien a mitad de cada celebración religiosa dejaba que el muchacho difundiera la palabra de Dios acompañado de su guitarra eléctrica.

Poco después, el jovencísimo Riley ya tocaba por las calles cuando era su día libre. Pero pronto volvería a golpearle la desgracia: su abuela falleció y el joven tuvo que dejar la cabaña donde vivía con ella y mudarse con su padre, a quien apenas conocía, aunque esa situación no duraría mucho.

En noviembre de 1941, King Biscuit Time se emitió por primera vez en KFFA en Helena, Arkansas. Era un programa de radio que presentaba el blues del delta del Mississippi. King lo escuchó mientras estaba de descanso en una plantación. Guitarrista autodidacta, quiso convertirse en músico de radio.

En 1943, King abandonó Kilmichael para trabajar como conductor de tractores y comenzó a tocar la guitarra con el Famous St. John's Quartet en Inverness, actuando en iglesias de la zona y en la estación de radio WGRM de Greenwood.

King sirvió en el ejército de los EE. UU. durante la Segunda Guerra Mundial, pero fue liberado después de ser declarado "esencial para la economía de guerra" basándose en su experiencia como conductor de tractor.

Una noche, mientras conducía un tractor, tuvo un aparatoso accidente. Riley pensó que aquella era su oportunidad para cambiar de vida y se fue a Memphis con tan sólo dos dólares en el bolsillo.

Allí, bajo la tutela de su primo, el famoso cantante de blues Bukka White, Riley aprendió todo lo que necesitaba saber sobre el negocio de la música. Su primera gran oportunidad le vendría de la mano de Sonny Boy Williamson en la emisora KWEM de West Memphis, donde comenzó a desarrollar una audiencia.

Las apariciones de King llevaron a compromisos constantes en el Sixteenth Avenue Grill en West Memphis y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de radio WDIA de Memphis. El anuncio de radio se hizo tan popular que se amplió y se convirtió en el Sepia Swing Club.

Trabajó en WDIA como cantante y disc jockey. Su fama empezó a crecer, y muy pronto necesitó un nombre que resultara pegadizo: primero se hizo llamar Beale Street Blues Boy, nombre que se convirtió en Blues Boy King y finalmente en B. B. King.

Fue allí donde conoció a T-Bone Walker. King dijo: "Una vez que lo escuché por primera vez, supe que yo mismo debería tener una guitarra eléctrica. Debía tener una, o incluso robarla".

A finales de los años 1940 y principios de los 1950, King era parte de la escena del blues en Beale Street. "Beale Street fue donde todo comenzó para mí", dijo King.

Actuó con Bobby Bland, Johnny Ace y Earl Forest en un grupo conocido como Beale Streeters.

Según King y Joe Bihari, Ike Turner presentó a King a los hermanos Bihari mientras era buscador de talentos en Modern Records, y en 1949, King comenzó a grabar canciones bajo contrato con RPM Records, con sede en Los Ángeles, una subsidiaria de Modern.

Muchas de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien más tarde fundó Sun Records. Antes de su contrato con RPM, King había debutado en Bullet Records con el sencillo "Miss Martha King" (1949), que no tuvo buenos resultados en las listas.






"Mis primeras grabaciones en 1949 fueron para una compañía de Nashville llamada Bullet, la compañía Bullet Record Transcription", recordó King. "Tenía instrumentos de viento en la primera sesión. Tenía a Phineas Newborn en el piano; su padre tocaba la batería y su hermano, Calvin, tocaba la guitarra conmigo. Tenía a Tuff Green en el bajo, Ben Branch en el saxo tenor, su hermano, Thomas, en la trompeta y una mujer trombonista, Sammie Jett. La familia Newborn era la banda de la casa en el famoso Plantation Inn en West Memphis”.

King formó su banda, BB King Review, bajo el liderazgo de Millard Lee. La banda inicialmente estaba formada por Calvin Owens y Kenneth Sands (trompeta), Lawrence Burdin (saxo alto), George Coleman (saxo tenor), Floyd Newman (saxo barítono), Millard Lee (piano), George Joyner (bajo) y Earl Forest y Ted Curry (batería).

Al contrato discográfico de King le siguieron giras por todo Estados Unidos, con actuaciones en los principales teatros de ciudades como Washington, Chicago, Los Ángeles, Detroit y St. Louis, así como numerosos conciertos en pequeños clubes y locales de música del sur de Estados Unidos.

El primer gran éxito de B. B. King llegaría en 1952 con un arreglo del tema “Three O’Clock Blues” del guitarrista de blues Lowell Fulson. La canción encabezó las listas de éxitos durante nada menos que quince semanas. El mismo año, King consigue su segundo número uno con “You Know I Love You”.







Entre 1953 y 1955, alcanzaría dos números uno más en Billboard, entre otros éxitos: “Story from My Heart and Soul” (n.º 9), “Woke Up This Morning” (n.º 3), “Please Love Me” (n.º 1), “Please Hurry Home” (n.º 4), “When My Heart Beats like a Hammer” (n.º 8), “You Upset Me Baby” (n.º 1), “Whole Lot Of Love” (n.º 8), “Every Day I Have the Blues” (n.º 8), “Sneakin' Around” (n.º 14), “Ten Long Years” (n.º 9).

Esto provocó un aumento significativo de sus ingresos semanales, que pasaron de unos 85 dólares a 2.500 dólares, con actuaciones en lugares tan importantes como el Howard Theater de Washington y el Apollo de Nueva York, así como giras por el "Chitlin' Circuit".

A mediados de la década, King actuaba en un local de Twist, Arkansas, cuando estalló una violenta pelea entre dos hombres. Durante la reyerta, los contendientes hicieron caer una estufa de queroseno que provocó un aparatoso incendio. Clientes y trabajadores, incluido King, salieron a toda prisa del local para salvar sus vidas.

Una vez en el exterior, el músico se dio cuenta de que había dejado su guitarra atrás. Sin pensárselo dos veces volvió a entrar para rescatar a su Gibson 335, a la que desde ese día apodó "Lucille" como homenaje a la mujer por la cual aquellos dos hombres habían empezado a pelear.

A partir de entonces comenzó lo que se convirtió en una vida de giras casi continuas por todo el país y más tarde por el mundo. A menudo tocaba 300 o más conciertos de una noche al año con su banda de 13 integrantes. 1956 se convirtió en un año de récords, con 342 conciertos programados y tres sesiones de grabación.

Ese mismo año fundó su propio sello discográfico, Blues Boys Kingdom, con sede en Beale Street, en Memphis. Allí, entre otros proyectos, fue productor de artistas como Millard Lee y Levi Seabury.

En 1960, su versión del éxito de la canción de Joe Turner, “Sweet Sixteen”, llega al puesto número dos de la lista de Billboard.







En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records, que más tarde fue absorbida por MCA Records (que a su vez fue absorbida por Geffen Records).

En noviembre de 1964, King grabó el álbum “Live at the Regal” en el Regal Theater de Chicago. King dijo más tarde que "Regal Live" "es considerada por algunos la mejor grabación que he hecho nunca... ese día en particular en Chicago todo se juntó".

A partir de finales de los sesenta, su nuevo manager, Sid Seidenberg, empujó a King hacia un tipo de escenario diferente, ya que artistas de blues-rock como Eric Clapton y Paul Butterfield estaban popularizando la apreciación de la música blues entre el público blanco.

King adquirió mayor visibilidad entre el público más rockero como telonero de la gira estadounidense de los Rolling Stones en 1969.

A finales de la década de 1960 los guitarristas de rock reconocían su influencia y prioridad; presentaron a King y su guitarra, "Lucille", a un público blanco más amplio, que hasta entonces había escuchado blues principalmente en versiones derivadas.

Uno de sus temas más legendarios es la canción “The Thrill is Gone”, de 1969, y a pesar de que la versión original es del músico tejano Roy Hawkins, B. B. King lo convertiría en una joya musical, alcanzando el puesto número 3 en la lista de R&B y el número 15 en la lista de música pop.

También se elevó al puesto 183 en las “500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos” de la revista Rolling Stone y en 1970 se convirtió en el primero de sus 15 premios Grammy.






Durante los años siguientes, King siguió sumando éxitos y dando conciertos sin parar; y también realizó numerosas colaboraciones con otros artistas. El reconocimiento recibido por su aportación a la música empezaba a llegarle de todos los rincones del planeta.

Pero su enfermedad (King era diabético) lo obligaría a reducir la intensidad de sus giras mundiales, aunque sus conciertos nunca duraban menos de dos horas.

Las incesantes giras de King fortalecieron su derecho al título de rey indiscutible del blues, y fue un elemento habitual en las listas de Billboard hasta mediados de la década de 1980.

Sus álbumes de estudio más fuertes de esta época fueron aquellos que más estrechamente intentaron emular la experiencia en vivo, y el aclamado por la crítica “Live in Cook County Jail” (1971), grabado en la cárcel de Chicago, fue particularmente digno de mención.

En la actualidad, “Live in Cook County Jail” está considerado como uno de los mejores discos que se hayan grabado en directo.

Las décadas de 1980 y 1990 vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se le ve con más movimiento y realizando hasta 300 conciertos en un año.

En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda irlandesa U2 en su álbum “Rattle and Hum”. Ese mismo año grabó “BB Kings and Friends” junto a Albert King, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

En 1996, publicó “Blues All Around Me”, fascinante autobiografía que dramatiza sus vertiginosas aventuras desde el Memphis de los años cuarenta hasta el Moscú de los noventa con franqueza y sinceridad inquebrantables.

También encontró el éxito comercial a través de una serie de colaboraciones de estrellas. En “Deuces Wild” (1997), King reclutó a artistas como Van Morrison, Bonnie Raitt y Eric Clapton para crear una fusión de blues, pop y country que dominó las listas de blues durante casi dos años.

En diciembre de 1997, actuó en el quinto concierto anual de Navidad del Vaticano y presentó su guitarra característica "Lucille" al Papa Juan Pablo II .

En 1998, King apareció en “The Blues Brothers 2000”, interpretando el papel del cantante principal de los Louisiana Gator Boys, pedazo de banda formada entre otros muchos por Eric Clapton, Dr. John, Koko Taylor, Bo Diddley y un largo etcétera de tremendos músicos.







Ese mismo año BB King y Albert King, el “Big brother of blues”, como llamaba BB King cariñosamente a Albert en el Japan Blues Carnival de 1989, volvieron a tocar juntos.

En 2000, él y Clapton se unieron nuevamente para grabar “Riding With the King”, que presentaba una colección de estándares del catálogo de King y que ganó un premio Grammy al "Mejor Álbum de Blues Tradicional".

En 2003, King compartió el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.

B. B. King también hizo diversas apariciones en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el Festival de 2004 tocó “Rock Me Baby” junto a Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan y Bonnie Raitt.

En la edición de 2007 interpretó: "Paying the Cost to Be the Boss" y "Rock Me Baby" con The Robert Cray Band con Jimmie Vaughan y Hubert Sumlin.

En la edición de 2010 cerró el Festival interpretando su tema mítico "The Thrill Is Gone" con Eric Clapton, Robert Cray, Jimmie Vaughan y otros. Y en la edición de 2013 interpretó "Every Day I Have The Blues" con The Robert Cray Band con Eric Clapton y Jimmie Vaughan.






Recapturó la magia pop del álbum “Deuces Wild” con “B. B. King & Friends: 80” (2005), una celebración de su 80 cumpleaños que contó con Sheryl Crow, John Mayer y una destacada actuación de Elton John.

En 2006, King realizó una gira mundial de "despedida", aunque después permaneció activo. La gira fue apoyada en parte por el guitarrista norirlandés Gary Moore, con quien King había realizado giras y grabado anteriormente.

Comenzó en el Reino Unido y continuó con actuaciones en el Festival de Jazz de Montreux y en el Blues at Sunset de Zúrich. Durante su show en Montreux en el Stravinski Hall, tocó con Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Leela James, Andre Beeka, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke.

En junio de 2006, King estuvo presente en un acto conmemorativo de su primera emisión radiofónica en el Three Deuces Building de Greenwood, Mississippi, donde se erigió un marcador oficial de la Mississippi Blues Trail.

Ese mismo mes se colocó la primera piedra de un nuevo museo dedicado a King en Indianola, Mississippi. El Museo B.B. King y el Centro Interpretativo del Delta abrió sus puertas el 13 de septiembre de 2008.

A finales de octubre de 2006, King grabó un álbum de concierto y un vídeo titulado “BB King: Live at his BB King Blues Clubs” en Nashville y Memphis. El video de la producción de cuatro noches presentó a su banda habitual y capturó su espectáculo mientras lo presentaba todas las noches en todo el mundo. Lanzados en 2008, documentaron sus primeras actuaciones en vivo en más de una década.

King volvió a sus raíces con “One Kind Favor” (2008), una colección de canciones de las décadas de 1940 y 1950, incluidos clásicos del blues de artistas como John Lee Hooker y Lonnie Johnson.

El álbum fue producido por T-Bone Burnett y King estuvo acompañado, entre otros, por el pianista de Nueva Orleans Dr. John, el baterista de sesión Jim Keltner y los bajistas Nathan East y Mike Elizondo. El álbum le valió a King su último Grammy al "Mejor Álbum de Blues Tradicional".

En el verano de 2008, King actuó en el Bonnaroo Music and Arts Festival de Manchester (Tennessee), donde le entregaron una llave de la ciudad. También en 2008, fue incluido en el Hollywood Bowl Hall of Fame.

King actuó en el Festival Mawazine en Rabat, Marruecos, el 27 de mayo de 2010. También contribuyó al álbum “Memphis Blues” de Cyndi Lauper, que fue lanzado el 22 de junio de 2010.

En 2011, King tocó en el Festival de Música de Glastonbury, y en el Royal Albert Hall de Londres, donde grabó un vídeo del concierto.

El 21 de febrero de 2012, King estuvo junto con Mick Jager, Buddy Guy y Jeff Beck entre otros en "In Performance at the White House : Red, White and Blues", durante el cual el presidente Barack Obama cantó parte de "Sweet Home Chicago".





King grabó para el álbum debut del rapero y productor Big KRIT, quien también es oriundo de Mississippi.

El 5 de julio de 2012, King realizó un concierto en el Festival Internacional de Byblos en el Líbano.

El 26 de mayo de 2013, King apareció en el Festival de Jazz de Nueva Orleans.

El 3 de octubre de 2014, después de completar su presentación en vivo en el House of Blues de Chicago, un médico le diagnosticó deshidratación y agotamiento.
Los últimos ocho conciertos de la gira fueron cancelados debido a sus problemas de salud causados por complicaciones derivadas de la hipertensión y la diabetes.

El 14 de mayo de 2015, a la edad de 89 años, murió mientras dormía a causa de una demencia vascular provocada por una serie de pequeños derrames cerebrales como consecuencia de su diabetes tipo 2. Dos de sus hijas alegaron que fue envenenado deliberadamente por dos socios que trataban de inducirle un shock diabético; la autopsia no mostró pruebas de ello.

Su cuerpo fue trasladado en avión a Memphis el 27 de mayo de 2015. Un cortejo fúnebre recorrió Beale Street, con una banda de música marchando delante del coche fúnebre mientras tocaba "When the Saints Go Marching In".

La gente se agolpaba en la calles para contemplar la procesión y dar su último adiós a una de las más grandes leyendas del blues. Tras recorrer la Ruta 61 (que abarca 2.300 kilómetros desde Nueva Orleans a Wyoming, siguiendo el curso del río Mississippi), el féretro con los restos de B. B. King llegó a su localidad natal, Indianola, donde reposa para siempre en el Museo B.B. King. El funeral tuvo lugar en la Iglesia Bautista Misionera Bell Grove de Indianola, el 30 de mayo.

Equipo

King utilizó equipos característicos en las diferentes épocas en las que tocó. Tocó guitarras fabricadas por varios fabricantes al principio de su carrera.

Tocó una Fender Esquire en la mayoría de sus grabaciones con RPM Records. Más tarde, fue más conocido por tocar variantes de la Gibson ES-355.

En la edición de septiembre de 1995 de la revista Vintage Guitar, las primeras fotografías lo muestran tocando una Gibson ES-5 a través de un amplificador Fender tweed. En referencia a la foto, King afirmó: "Sí; en mi opinión, los viejos amplificadores Fender eran los mejores que jamás se hayan fabricado. Tenían un buen sonido y eran duraderos; los muchachos los tiraban en el camión y los sostenían".

“Tenían válvulas y se calentaban mucho, pero tenían un sonido que es difícil de expresar con palabras. El Fender Twin era genial, pero tengo un viejo amplificador Lab Series que ya no se fabrica. Me enamoré de él, porque su sonido está justo entre los viejos amplificadores Fender que solíamos tener y el Fender Twin. Es lo que estoy usando esta noche".

Más tarde pasó de los grandes instrumentos Gibson de cuerpo hueco, que eran propensos a la retroalimentación cuando se tocaban a volúmenes altos, a varios modelos semi-huecos, comenzando primero con la ES-335 y luego una versión de lujo llamada ES-355, que empleaba una opción estéreo.

En 1980, Gibson Guitar Corporation lanzó el modelo B.B. King Lucille, una ES-355 con opciones estéreo, un selector de varitono, y afinadores finos (ninguno de los cuales fue utilizado por King) y, a petición directa de King, sin agujeros en Fa para reducir aún más la retroalimentación.

En 2005, Gibson fabricó una tirada especial de 80 Gibson Lucille, denominada 80th Birthday Lucille, cuyo primer prototipo se entregó como regalo de cumpleaños a King, y que éste utilizó a partir de entonces.







King usó un amplificador combinado Lab Series L5 de 2 × 12, y usó este amplificador durante mucho tiempo. Fue fabricado por Norlin Industries para Gibson en las décadas de 1970 y 1980. Otros usuarios populares de L5 son Allan Holdsworth y Ty Tabor de King's X. El L5 tiene un compresor integrado, ecualización paramétrica y cuatro entradas. King también usó un Fender Twin Reverb.

Usó su modelo de cuerdas característico Gibson SEG-BBS BB King Signature Electric Guitar Strings con calibres: 10–13–17p–32w–45w–54w y púas D'Andrea 351 MD SHL CX (medianas de 0,71 mm, carey, celuloide).

Premios y reconocimientos

1971 Premio Grammy Mejor Interpretación de Vocal Masculina R&B por “The Thrill Is Gone”
1982 Premio Grammy Mejor Grabación de Música Étnica o Tradicional por “There Must Be a Better World Somewhere”
1984 Premio Grammy Mejor Interpretación de Blues Tradicional por “Blues 'N' Jazz”
1986 Premio Grammy Mejor Interpretación de Blues Tradicional por “My Guitar Sings the Blues”
1987 Premio Grammy a la Carrera Artística
1990 Medalla Nacional de las Artes
1991 Premio Grammy Mejor Interpretación de Blues Tradicional por “Live at San Quentin”
1992 Premio Grammy Mejor Interpretación de Blues Tradicional por “Live at the Apollo”
1994 Premio Grammy Mejor Álbum de Blues Tradicional por “Blues Summit”
1995 Centro de Honores Kennedy por “los cumplimientos y extraordinarios talentos de la vida de los más prestigiosos artistas de nuestra Nación”.
1997 Premio Grammy Mejor Interpretación Instrumental de Rock por "SRV Shuffle" (junto a otros artistas)
2000 La Biblioteca del Congreso le otorgó la Medalla Leyenda Viviente por su vida de contribuciones al diverso patrimonio cultural de Estados Unidos
2000 Premio Grammy Mejor Álbum de Blues Tradicional por “Blues on the Bayou”
2001 Premio Grammy Mejor Álbum de Blues Tradicional por “Riding with the King”
2001 Anexo Premio Grammy a la Mejor Colaboración Vocal de Pop por “Is You or Is You Ain't (Baby)” con Dr. John
King ocupó el tercer puesto en la lista de "Los 100 mejores Guitarristas de la Historia" de 2003 elaborada por la revista Rolling Stone, solo por detrás de Jimi Hendrix y Duane Allman.
2003 Premio Grammy Mejor Álbum de Blues Tradicional por “A Christmas Celebration of Hope”
2003 Premio Grammy Mejor Interpretación Instrumental de Pop por "Auld Lang Syne"
2004 Premio Golden Plate de la Academia Estadounidense de Logros
2004 Ph.D honorario de la Universidad de Mississippi
2004 Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música por sus “significantes contribuciones al blues”.
2006 Premio Grammy Mejor Álbum de Blues Tradicional por “B. B. King & Friends: 80”
El 15 de diciembre de 2006, el presidente de Estados Unidos George W. Bush le entregó a King la Medalla Presidencial de la Libertad.
2007 Doctorado Honorario en Música por la Universidad de Brown
2009 Premio Grammy Mejor Álbum de Blues Tradicional por “One Kind Favor”
En la reedición de 2011 de "Los 100 mejores Guitarristas de la Historia" ocupó el sexto puesto detrás de Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page, Keith Richards y Jeff Beck.
2018 premio MMP Music Award y fue incluido en el Salón de la Fama de MMP por el Mississippi Music Project

Discografía

Singin' the Blues (1957)
The Blues (1958)
B.B. King Wails (1959)
King of the Blues (1960)
Sings Spirituals (1960)
The Great B.B. King (1960)
My Kind of Blues (1961)
Blues for Me (1961)
Blues in My Heart (1962)
Easy Listening Blues (1962)
B.B. King (1963)
Mr. Blues (1963)
Confessin' the Blues (1966)
Blues on Top of Blues (1968)
Lucille (1968)
Live & Well (1969)
Completely Well (1969)
Indianola Mississippi Seeds (1970)
B.B. King in London (1971)
L.A. Midnight (1972)
Guess Who (1972)
To Know You Is to Love You (1973)
Lucille Talks Back (1975)
King Size (1977)
Midnight Believer (1978)
Take It Home (1979)
There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Love Me Tender (1982)
Blues 'N' Jazz (1983)
Six Silver Strings (1985)
King of the Blues: 1989 (1988)
There Is Always One More Time (1991)
Blues Summit (1993)
Lucille & Friends (1995)
Deuces Wild (1997)
Blues on the Bayou (1998)
Let the Good Times Roll (1999)
Makin' Love Is Good for You (2000)
Riding with the King (2000, con Eric Clapton)
A Christmas Celebration of Hope (2001)
Reflections (2003)
B.B. King & Friends: 80 (2005)
One Kind Favor (2008)

Videografía

The Electric B. B. King - His Best (1960)
Great Moments with B. B. King (1981)
The King of the Blues: 1989 (1988)
Got My Mojo Working (1989)
King of the Blues (Box Set, 1992)
Why I Sing the Blues (1992)
B. B. King: Live By Request (2003) DVD
Martin Scorsese Presents the Blues: B. B. King; (2003)
Ultimate Collection (2005)

Fuentes: historia.nationalgeographic.com.es, britannica.com, wikipedia y flickr

En el puesto número 5


Jeff Beck

Jeff Beck fue un guitarrista británico de rock y blues que tocó en varias bandas influyentes en las décadas de 1960 y 1970. Fue uno de los tres notables guitarristas que tocaron en The Yardbirds, siendo Eric Clapton y Jimmy Page los otros dos.

Considerado por las publicaciones especializadas y por otros músicos como uno de los mayores virtuosos que han tocado la guitarra, Beck destacó como un gran innovador tanto con los Yardbirds como al frente del Jeff Beck Group.

Durante 25 años mantuvo una esporádica carrera en solitario. Aunque grabó dos álbumes exitosos (en 1975 y 1976) como solista, Beck no estableció ni mantuvo un éxito comercial como el de sus contemporáneos y compañeros de banda.

Experimentó con el blues rock, el rockabilly, el heavy metal y el jazz fusión y en su última época había absorbido influencias del techno, creando una innovadora mezcla de música heavy metal y música electrónica.

Beck participó en álbumes de artistas como Rod Stewart, Mick Jagger, Ozzy Osbourne, Tina Turner, Morrissey, Donovan, Diana Ross, Jon Bon Jovi, Malcolm McLaren, Kate Bush, Roger Waters, Stevie Wonder, Les Paul, Zucchero, Cyndi Lauper, Brian May, Roger Taylor, Stanley Clarke, Screaming Lord Sutch, ZZ Top y Toots and the Maytals.

Fue ubicado en la quinta posición de la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia elaborada por la revista Rolling Stone, publicación en la que apareció en tres ocasiones en portada y que lo mencionó como “uno de los guitarristas líderes más influyentes en la historia del rock”.

Beck ganó el Premio Grammy en la categoría de mejor interpretación instrumental de rock en seis oportunidades y de mejor interpretación instrumental pop una vez.

En 2014 recibió el Premio Ivor Novello por su contribución a la música británica y fue presentado en dos ocasiones en el Salón de la Fama del Rock and Roll, como miembro de The Yardbirds (1992) y como músico solista (2009).

Precisamente una de sus últimas actuaciones más conocidas fue cuando apareció en escena en mayo de 2023 junto al actor Johnny Depp en Sheffield (Inglaterra) justo después de que terminara el mediático juicio por difamación que lo enfrentó a su exmujer Amber Heard.






Geoffrey Arnold Beck nació el 24 de junio de 1944, hijo de Arnold y Ethel Beck en el 206 de Demesne Road, Wallington, Surrey (ahora distrito londinense de Sutton, Gran Londres).

Cuando Geoffrey era pequeño, su madre lo obligaba a tocar el piano unas dos horas al día, en esa vieja tradición inglesa por conservar las artes musicales. “Eso era bueno, porque me hizo dar cuenta de que musicalmente era bueno y que estaba tocando material que no era mío”, recordaría en una entrevista de 1968 en Guitar Player.

Desde los diez años empezó a cantar en el coro de la iglesia. Cursó sus estudios básicos en las escuelas Sutton Grammar School y Sutton East County Secondary Modern School.

Beck citó a Les Paul como el primer guitarrista eléctrico que realmente lo impresionó y afirmó que escuchó por primera vez el sonido de una guitarra eléctrica a los seis años, cuando escuchó a Les Paul tocando “How High the Moon” en la radio.

Le preguntó a su madre qué era ese instrumento y después de que ella le respondiera que era una guitarra eléctrica y que todo eran trucos, él dijo: "Eso es para mí".

En esa revelación casi religiosa que le produjo oír sonidos eléctricos producidos por las seis cuerdas, Geoffrey Beck, posteriormente conocido como Jeff Beck, comenzó a interiorizarse en el rock and roll y el blues americano.

Cliff Gallup, guitarrista principal de Gene Vincent and the Blue Caps, también fue una de las primeras influencias musicales, al igual que B.B. King y Steve Cropper. Beck consideraba también a Lonnie Mack "un guitarrista de rock que fue injustamente pasado por alto y una gran influencia para él y muchos otros".

De adolescente aprendió a tocar una guitarra prestada e hizo varios intentos de construir su propio instrumento, primero pegando cajas de cigarros para el cuerpo y un poste de valla para el mástil, con los trastes simplemente pintados.

Tras finalizar sus estudios básicos, Beck se inscribió en la Escuela de Arte de Wimbledon, realizando poco tiempo después trabajos ocasionales como pintor y decorador, jardinero en un campo de golf y pintor de coches.

A eso de los 14 años, en plena adolescencia y cuando ya había elegido a la guitarra como su compañera de vida, su hermana Annetta le comentó que en su escuela había un “chico raro, con una guitarra rara” como la suya. Se trataba de un joven Jimmy Page, con quien haría buenas migas y quien terminaría siendo fundamental en su carrera.

Mientras asistía a la Escuela de Arte de Wimbledon, Beck se ganó la reputación apoyando a Screaming Lord Sutch and the Savages en 1962 cuando la banda grabó el sencillo "Dracula's Daughter"/"Come Back Baby" para Oriole Records.

Un año después, después de que el músico Ian Stewart de The Rolling Stones le inculcara el gusto por el R&B, Beck formó The Nightshift, con quienes se presentó en la famosa sala de conciertos 100 Club en Oxford Street y grabó el sencillo "Stormy Monday" para la discográfica Piccadilly.

Acto seguido se unió a The Rumbles, una banda originaria de Croydon, por un corto período como guitarrista principal tocando principalmente versiones de Gene Vincent y Buddy Holly, mostrando talento para imitar estilos de guitarra.

Posteriormente se unió a The Tridents, una banda del área de Chiswick. "Realmente me gustaban porque tocaban R&B al estilo Jimmy Reed, y lo potenciamos todo y lo hicimos realmente rockero. Eso me gustó, aunque solo era blues de doce compases".







Ofició como músico de sesión en un sencillo de 1964 para Parlophone titulado "I'm Not Running Away" con la banda Fitz and Startz.

En los sesenta, Beck tocó en varios grupos alcanzando popularidad local en Londres. Sin embargo, el conjunto que se llevaba todas las luces a mediados de aquella década en el ámbito del blues rock era The Yardbirds, agrupación que contaba con un novel Eric Clapton y que se paseaba por los boliches londinenses tocando largas jams con fuerte acento instrumental.

En un momento dado, cuando el grupo pensó en dar un giro hacia una vertiente más pop y cosechar algún éxito radial, Clapton –entonces apodado “Slowhand”– decidió partir. Fue cuando a Jimmy Page le ofrecieron el puesto de guitarrista principal, lo cual rechazó.

“Durante el año anterior, Beck se había convertido en uno de los guitarristas más de moda de Londres, al frente de una oscura banda de baile llamada Tridents”, se señala en el libro “El Martillo de los Dioses” (2008) de Stephen Davis, que recorre la biografía de Led Zeppelin y que en varias páginas destaca el trabajo de Beck.

En marzo de 1965, el guitarrista se unió a la banda The Yardbirds para reemplazar a Eric Clapton despues de que su amigo Jimmy Page lo recomendara.

Davis afirma en su libro que, por ese entonces, Beck siempre andaba sin dinero, lo que le impedía incluso cambiar las cuerdas de su guitarra.

Es así como el mánager de The Yardbirds, Giorgio Gomlesky, tomó a Beck y lo llevó a una peluquería para que le dieran un nuevo corte de pelo, el que lo acompañó medianamente igual a lo largo de los años, y le compró una llamativa indumentaria para las futuras presentaciones del conjunto inglés. La idea era transformar al guitarrista en la figura principal.

En los momentos en que The Yardbirds se encontraban despegando en su carrera, Beck dio su sello propio al conjunto incorporando acoples, distorsión y efectos psicodélicos, distanciándose de su antecesor. Beck imprimió un giro que llevó al grupo a pasar a la historia como pioneros de la psicodelia británica.

Fue en ese momento cuando el grupo se fue de gira a Estados Unidos. "Jeff había dejado boquiabiertos a los adolescentes americanos con sus poses sexuales y su nervio visceral de su estilo", afirma Davis en su libro. Eso sí, agrega que la actitud de Beck era cada vez más frustrante para el resto de la banda, siendo "temperamental, vanidoso y propenso a unos terribles dolores de cabeza".

The Yardbirds grabaron la mayoría de sus canciones más exitosas durante la estancia de Beck en la agrupación. El guitarrista pudo grabar un disco con la banda, titulado “Roger the Engineer” (“Over Under Sideways Down” en los Estados Unidos) y publicado en 1966.

En mayo de 1966, en paralelo a The Yardbirds, Beck grabó uno de sus más reconocidos éxitos sesenteros: “Beck’s Bolero”. El tema instrumental contó con una agrupación de súper nombres: Jimmy Page en la guitarra de 12 cuerdas, Keith Moon en la batería, John Paul Jones en el bajo y Nicky Hopkins en teclados.

El tema logró tal reconocimiento que los músicos pensaron en formar una banda. Todo esto previo a la formación de Led Zeppelin. Sin embargo, la idea quedó ahí.

En junio, Page se unió a los Yardbirds, al principio como bajo y luego como segunda guitarra solista.





El dúo de guitarras de Beck y Page fue grabado interpretando una versión de la canción "Train Kept A-Rollin” titulada "Stroll On", para la película “Blow Up” de Michelangelo Antonioni de 1966 .

El guitarrista estuvo cerca de dos años en los Yardbirds, logrando el reconocimiento global. Tras ese período, fue despedido debido a tensiones en el grupo: en uno de los momentos finales de una gira por EE. UU., rompió su guitarra, tiró sus amplificadores y dejó el escenario.

En 1967, grabó varios sencillos en solitario para el productor pop Mickie Most, incluidos "Hi Ho Silver Lining" y "Tallyman", que también incluían su voz. Acto seguido formó su propia agrupación, The Jeff Beck Group.

La primera alineación del grupo se formó en Londres a inicios de 1967 e incluyó en la guitarra solista a Jeff Beck, al vocalista Rod Stewart y al guitarrista rítmico Ronnie Wood, cambiando regularmente de bajista y baterista.

Los primeros bajistas fueron Jet Harris y Dave Ambrose, con Clem Cattini y Viv Prince alternando en la batería. La alineación pasó por meses de cambios de personal, notablemente no menos de cuatro bateristas antes de establecerse Aynsley Dunbar y cambiar a Ron Wood al bajo.

Esta alineación pasó la mayoría de 1967 tocando en el circuito de clubes del Reino Unido y apareció varias veces en BBC Radio. Beck firmó un contrato personal de gerencia con el productor y mánager Mickie Most, quien no tenía interés en el grupo sino en la carrera como solista de Beck.

Frustrado porque la banda no estaba tocando un set de blues suficientemente estricto para su gusto, el baterista Dunbar se fue y fue remplazado por Roy Cook para un show, antes de que Stewart recomendara a Micky Waller. Waller llegó a tocar con la banda durante todo 1968 y principios de 1969, siendo su baterista más duradero.

Peter Grant, mánager en ese momento, había estado en los Estados Unidos con The New Vaudeville Band, y estaba consciente del nuevo formato orientado a conciertos y álbumes desarrollado allí.

En ese momento era posible lanzar una banda sin usar la fórmula del sencillo exitoso. Grant notó que la banda de Beck era ideal para este mercado y trató varias veces de comprarle el contrato de Beck a Mickie Most, quien se negó a dejar ir al guitarrista.

A principios de 1968 la banda estaba lista para tirar la toalla, pero Grant los convenció de no separarse y agendó una corta gira estadounidense para ellos. La banda llegó a Nueva York a brindar cuatro conciertos en el Fillmore East, donde acompañaron a los Grateful Dead.

Sus presentaciones sorprendieron gratamente a la crítica. Cuando terminaron la gira en el Fillmore West de San Francisco, Peter Grant les había conseguido un contrato con Epic Records.

La banda regresó rápidamente a Inglaterra y, mientras Jimmy Page probaba suerte con Led Zeppelin, Jeff Beck debutaba con su banda para Columbia Records (Epic en EE. UU.) en 1968 con “Truth”, una innovadora fusión de blues y rock duro.

El álbum alcanzó el número 15 en las listas de Estados Unidos. Los temas se grabaron en dos semanas, con algunos arreglos añadidos al mes siguiente. La alineación extra para estas sesiones incluía a John Paul Jones en el órgano Hammond, el baterista Keith Moon y Nicky Hopkins en el piano.

Lanzado cinco meses antes del primer álbum de Led Zeppelin, incluye "You Shook Me", una canción escrita por Willie Dixon y grabada por primera vez por Muddy Waters, también versionada en el debut de Led Zeppelin con un arreglo similar.

(Jeff Beck Group), regresó a los Estados Unidos para realizar una gira promocional. Jimi Hendrix, fanático de Beck, tocó con la banda en el Café Wha durante esta y sus siguientes giras.

Se embarcaron en su tercera gira en diciembre de 1968 con Hopkins que, aunque delicado de salud, decidió tocar en vivo. Aceptó la invitación de Beck, a pesar de que Led Zeppelin le había ofrecido más dinero. Más tarde lamentó esa decisión.

Incluso con sus mejores intenciones, la última etapa de la gira se vio restringida por su enfermedad. Beck entonces pospuso una cuarta gira por los Estados Unidos en febrero de 1969, por sentir además que la banda no debía seguir tocando el mismo material sin nada nuevo que añadir.

Se escribió nuevo material, Waller fue reemplazado por el baterista Tony Newman y Wood fue despedido, solo para ser contratado de nuevo al poco tiempo.

El éxito de "Truth" despertó un nuevo interés en Most, quien se encargó de producir el siguiente álbum de la agrupación: "Beck-Ola".

“Beck-Ola” fue el segundo álbum de estudio y el primero acreditado al Jeff Beck Group. Fue lanzado en junio de 1969 por Epic Records en los Estados Unidos y en agosto siguiente por Columbia Records en el Reino Unido.

El álbum alcanzó el puesto 15 en el Billboard 200 y el 39 en la lista de álbumes del Reino Unido. El título del álbum hace juegos de palabras con el nombre de la compañía de máquinas de discos Rock-Ola.

Al final, en mayo de 1969, la banda se embarcó en su cuarta gira por los Estados Unidos, esta vez con Hopkins como miembro oficial. La gira se desarrolló sin problemas y “Beck-Ola” tuvo una cálida recepción.

Sin embargo, los problemas internos entre los músicos empezaron a aparecer. La banda finalizó la gira y regresó a Inglaterra, solo para volver a los Estados Unidos en julio de 1969 por quinta y última vez.

Beck decidió disolver la agrupación en la víspera del Festival de Woodstock, en el que estaban programados para actuar, una decisión que Beck más tarde lamentó profundamente.

En su autobiografía, Nick Mason recuerda que, durante 1967, Pink Floyd había querido reclutar a Beck para que fuera su guitarrista tras la marcha de Syd Barrett, pero "ninguno de nosotros tuvo el descaro de pedírselo". En 1969, tras la muerte de Brian Jones, se le acercó a Beck para que se uniera a los Rolling Stones.

Tras la ruptura de su banda, Beck participó en el proyecto de "supersesión" Music from Free Creek al lado de renombrados artistas como Eric Clapton, Keith Emerson, Buzz Feiten, Mitch Mitchell y Linda Ronstadt y contribuyó con la guitarra principal en cuatro canciones, incluida una coescrita por él.

En septiembre de 1969, formó equipo con la sección rítmica de Vanilla Fudge : el bajista Tim Bogert y el baterista Carmine Appice (cuando estaban en Inglaterra para resolver cuestiones contractuales), pero cuando Beck se fracturó el cráneo en un accidente automovilístico cerca de Maidstone en diciembre, el plan fue pospuesto por dos años y medio, tiempo durante el cual Bogert y Appice formaron Cactus.

Beck afirmó años más tarde: "Todos tienen una idea errónea de la década de 1960. En realidad, fue un periodo muy frustrante en mi vida. El equipo electrónico no estaba a la altura de los sonidos que tenía en mi cabeza".

En 1970, después de recuperar su salud, se propuso formar una banda con el baterista Cozy Powell. Beck, Powell y el productor Mickie Most volaron a los Estados Unidos y grabaron varias pistas en el famoso Estudio A de Motown en Hitsville, EE. UU., con los Funk Brothers, la banda interna de Motown, pero los resultados no se publicaron.

En abril de 1971, Beck había completado la formación de este nuevo grupo con el vocalista Alex Ligertwood, el teclista Max Middleton, el baterista Cozy Powell y el bajista Clive Chaman.

La nueva banda actuó como The Jeff Beck Group, pero tenía un sonido sustancialmente diferente al de la primera formación.

En junio de 1971, Beck firmó un contrato discográfico con la CBS y se puso a la búsqueda de un nuevo cantante. Tras escuchar a Bobby Tench con su banda Gass, Beck lo contrató como vocalista y segundo guitarrista.

A Tench le dieron solo unas semanas para escribir nuevas letras y añadir su voz al álbum “Rough and Ready”, antes de que se reanudara la mezcla de los temas previamente grabados en Londres por Beck y los demás miembros de la banda.







“Rough and Ready” fue lanzado en el Reino Unido el 25 de octubre de 1971, con el lanzamiento en los Estados Unidos en febrero de 1972. Siguió una gira promocional de dieciséis días por los Estados Unidos y el álbum alcanzó el número 46 en las listas de éxitos.

Era el primer álbum que grabaron como nueva formación y en el que Beck escribió o coescribió seis de las siete pistas del álbum (la excepción fue escrita por Middleton), que incluía elementos de soul, rhythm and blues y jazz, presagiando la dirección que tomaría la música de Beck más adelante en la década.

En enero de 1972 la banda viajó a los Estados Unidos para unirse a Beck en los estudios de TMI en Memphis, Tennessee. Allí grabaron el álbum “Jeff Beck Group”, con Steve Cropper como productor.

El álbum mostró una fuerte influencia soul, cinco de las nueve pistas eran versiones de canciones de artistas estadounidenses. Una, "I Got to Have a Song", fue la primera de cuatro composiciones de Stevie Wonder versionadas por Beck.

“Jeff Beck Group” fue lanzado en el Reino Unido el 9 de junio de 1972. La gira promocional que siguió incluyó una aparición en la serie In Concert de la BBC Radio 1, que fue grabada el 29 de junio de 1972.

Poco después del lanzamiento del álbum, el 24 de julio de 1972, la banda fue oficialmente disuelta y en una declaración oficial el mánager de Beck dijo: "La fusión de los estilos musicales de los miembros ha tenido éxito dentro de los términos individuales, sin embargo, no sentían que habían creado un nuevo estilo musical con la fuerza que habían buscado originalmente".

Luego, Beck comenzó a colaborar con el bajista Tim Bogert y el baterista Carmine Appice, quienes estuvieron disponibles después de la desaparición de Cactus pero continuaron de gira como Jeff Beck Group en agosto de 1972, para cumplir con las obligaciones contractuales con su promotor, con una formación que incluía a Bogert, Appice, Max Middleton y el vocalista Kim Milford.

Después de seis apariciones, Milford fue reemplazado por Bobby Tench, quien llegó en avión desde el Reino Unido para la presentación del Arie Crown Theatre de Chicago y el resto de la gira, que concluyó en el Paramount North West Theatre de Seattle.

Después de la gira, Tench y Middleton dejaron la banda y surgió el power trío Beck, Bogert & Appice. Appice asumió el papel de vocalista con Bogert y Beck contribuyendo ocasionalmente.

La agrupación fue incluida en el cartel del Rock at The Oval en septiembre de 1972 todavía como The Jeff Beck Group, presentación que marcó el inicio de una gira por el Reino Unido, los Países Bajos y Alemania.

Otra gira por Estados Unidos comenzó en octubre de 1972, comenzando en el Hollywood Sportatorium de Florida y concluyendo el 11 de noviembre de 1972 en The Warehouse en Nueva Orleans.

En abril de 1973 se lanzó el álbum “Beck, Bogert & Appice” (en Epic Records). Si bien los críticos reconocieron la destreza instrumental de la banda, el álbum no fue bien recibido comercialmente, excepto por su versión del éxito de Stevie Wonder "Superstition".





El 3 de julio de 1973 Beck compartió escenario con David Bowie para interpretar las canciones "The Jean Genie", "Love Me Do" y "Around and Around". La presentación fue filmada y finalmente estrenada en el documental de Bowie de 2022 “Moonage Daydream”, pero en ninguna de las ediciones finales se incluyó la participación de Beck.

En octubre del mismo año, el guitarrista grabó algunas canciones para el disco de Michael Fennelly “Lane Changer” y participó en sesiones de grabación con la banda Hummingbird, iniciando una gran cantidad de colaboraciones con otros artistas que sería el común denominador en su carrera subsecuente.

A principios de enero de 1974, Beck, Bogert & Appice tocaron en el Rainbow Theatre de Londres como parte de una gira europea. El concierto fue retransmitido íntegramente en el programa estadounidense Rock Around the World en septiembre del mismo año. Este último trabajo grabado de la banda adelantó material destinado a un segundo álbum de estudio, incluido en el disco pirata “At Last Rainbow”.

Durante esta etapa fueron grabadas las canciones "Blues Deluxe" y "BBA Boogie", incluidas en el álbum recopilatorio “Beckology” de 1991.

Beck, Bogert & Appice se disolvieron en abril de 1974 antes de que se terminara su segundo álbum de estudio (producido por Jimmy Miller). Su álbum en vivo “Beck, Bogert & Appice Live in Japan”, grabado durante su gira de 1973 por Japón, no fue lanzado hasta febrero de 1975 por Epic/Sony.

Después de unos meses, Beck entró en Underhill Studio y se reunió con la banda Upp; los reclutó para que fueran la banda de acompañamiento para su aparición en el programa de televisión de la BBC Guitar Workshop en agosto de 1974.






Beck produjo y tocó en su álbum debut homónimo y en su segundo álbum “This Way Upp”, aunque sus contribuciones al segundo álbum no quedaron acreditadas.

Durante 1974, participó en las sesiones de grabación del primer álbum de la banda Hummingbird del ex miembro de Jeff Beck Group, Bobby Tench, pero no contribuyó al álbum.

Para la mitad de los setenta, con ya un montón de agrupaciones y colaboraciones en el cuerpo, Beck comenzó a involucrarse en el jazz rock fusión. "En 1975, Beck anunció que estaba cansado de trabajar con vocalistas", señalaba la revista especializada Guitar World.

Beck comenzó a grabar sesiones instrumentales en AIR Studios con Max Middleton, quien también estaba asociado con Hummingbird, el bajista Phil Chen y el baterista Richard Bailey usando a George Martin como productor y arreglista.

Estos formaron la base para el que sería su álbum instrumental más destacado: “Blow by Blow” (marzo de 1975). El álbum alcanzó el número cuatro en lista Billboard 200 y es el lanzamiento de mayor éxito comercial de Beck. En ese disco, Beck muestra un despliegue de virtuosismo en terrenos nuevos para el guitarrista.

Beck, exigente con las sobre grabaciones y a menudo insatisfecho con sus solos, solía regresar a AIR Studios hasta quedar satisfecho. Un par de meses después de terminar las sesiones, el productor George Martin recibió una llamada telefónica de Beck, pidiéndole que regresaran al estudio para realizar algunas modificaciones. Desconcertado, Martin respondió: "Lo siento, Jeff, ¡pero el disco está en las tiendas!".

“A mucha gente le gustaba “Blow by Blow”, porque simplificaba a John McLaughlin y complicaba el rock and roll”, señaló más tarde en una entrevista con Guitar World, donde además destacó el trabajo de Martin. “George es casi como un padre: relajado, muy concentrado en el sonido. Fue probablemente el mejor productor que he tenido, el tipo que podía estructurar lo que yo hacía sin interferir”.

De hecho, fue Martin quien lo llevó a reconfigurar su sonido y, de alguna manera, ofrecer un sonido más limpio. “Algunos de mis solos favoritos fueron desechados porque él pensó que eran horribles, no musicales”. “Ese es realmente el ruido más terrible que he escuchado”.

El guitarrista formó una nueva banda de soporte para iniciar una gira por Estados Unidos, que fue precedida por un pequeño concierto no anunciado en The Newlands Tavern en Peckham, Londres.

Estuvo de gira durante abril y mayo de 1975, principalmente apoyando a la Mahavishnu Orchestra, conservando a Max Middleton en los teclados pero con una nueva sección rítmica del bajista Wilbur Bascomb y el destacado baterista de sesión Bernard "Pretty" Purdie, quien curiosamente también estuvo asociado con Hummingbird.

En un espectáculo de mayo de 1975 en el Music Hall de Cleveland, se sintió frustrado con una primera versión de la caja de resonancia que utilizó en su arreglo de la canción de los Beatles "She's a Woman" y, después de romper una cuerda, arrojó su legendaria Fender Stratocaster de la época de The Yardbirds fuera del escenario.

Hizo lo mismo con la talk box y terminó el espectáculo tocando una guitarra Les Paul sin la caja. Durante esta gira actuó en el World Rock Festival de Yuya Uchida, tocando ocho canciones con Purdie.

Además, interpretó un instrumental de guitarra y batería con Johnny Yoshinaga y, al final del festival, se unió a una improvisación en vivo con el bajista Felix Pappalardi de Mountain y el vocalista Akira "Joe" Yamanaka de Flower Travellin' Band. Sólo se grabó y publicó su set con Purdie.

Regresó al estudio para grabar el disco “Wired” (1976), contando con la participación del ex baterista y compositor de la Mahavishnu Orchestra, Narada Michael Walden y el teclista Jan Hammer. El álbum utilizó un estilo de fusión de jazz-rock, que sonaba similar al trabajo de sus dos colaboradores.

Para promocionar el álbum, Beck unió fuerzas con Jan Hammer Group, tocando en un espectáculo de apoyo a Alvin Lee en The Roundhouse en mayo de 1976, antes de embarcarse en una gira mundial de siete meses. Como resultado, fue grabado el álbum en vivo “Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live” (1977).

En ese momento, Beck era un exiliado fiscal y fijó su residencia en los EE. UU., permaneciendo allí hasta su regreso al Reino Unido en el otoño de 1977.

En la primavera de 1978, comenzó a ensayar con el ex bajista de Return to Forever, Stanley Clarke, y el baterista Gerry Brown para una aparición proyectada en el Festival de Knebworth, pero fue cancelada después de que Brown se retirara.

Beck realizó una gira por Japón durante tres semanas en noviembre de 1978 con un grupo ad hoc formado por Clarke y los recién llegados Tony Hymas (teclados) y Simon Phillips (batería), provenientes de la banda de Jack Bruce.

Luego comenzó el trabajo en un nuevo álbum de estudio en Who 's Ramport Studios en Londres y continuó esporádicamente a lo largo de 1979, dando como resultado “There & Back” en junio de 1980.

Incluía tres pistas compuestas y grabadas con Jan Hammer, mientras que cinco fueron escritas con Hymas. Stanley Clarke fue reemplazado por Mo Foster en el bajo, tanto en el álbum como en las giras posteriores. A su lanzamiento le siguió una extensa gira por Estados Unidos, Japón y el Reino Unido.

Un año después realizó una serie de históricos recitales con su predecesor de The Yardbirds, Eric Clapton, en los conciertos benéficos patrocinados por Amnistía Internacional, denominados The Secret Policeman's Other Ball Shows. Tocó con Clapton las canciones "Crossroads", "Further on up the Road" y su arreglo de "Cause We've Ended As Lovers" de Stevie Wonder y finalizó el espectáculo tocando "I Shall Be Released" con Clapton, Sting, Phil Collins, Donovan y Bob Geldof.

Las contribuciones de Beck se vieron y escucharon en el álbum y la película resultantes, los cuales lograron un éxito mundial en 1982.

Otro espectáculo benéfico, el Concierto ARMS para la esclerosis múltiple, contó con una improvisación con Beck, Eric Clapton y Jimmy Page. El trío interpretó las canciones "Tulsa Time" y "Layla".







En 1985, Beck publicó un nuevo álbum como solista, titulado “Flash”, producido por Nile Rodgers. Un disco de pop/rock grabado con una amplia variedad de vocalistas. “Flash” dio el único hit single de la carrera de Beck, el cantado por Rod Stewart, “People Get Ready”.

También le dio su primer Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Rock por la canción “Escape”.
Fue grabado un videoclip para la canción, aprovechando la por entonces creciente popularidad del canal MTV.

En la ceremonia de inducción de Stewart en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992, Beck fue el encargado de presentar al cantante, afirmando: "Tenemos una relación de amor y odio – él me ama y yo lo odio".

Durante este periodo, Beck realizó diversas colaboraciones y apariciones, incluyendo la película de Ivan Reitman “Twins”, donde tocó la guitarra al lado de la cantante Nicolette Larson. También colaboró en la grabación del álbum debut en solitario de Mick Jagger “She's the Boss” (1985) y en su segunda producción, “Primitive Cool” (1987).

Después de una pausa de cuatro años, regresó a la música instrumental con el álbum de 1989 “Jeff Beck's Guitar Shop”, el primer álbum que presenta a Beck como guitarrista con los dedos, dejando el estilo de tocar con púa. Fue sólo su tercer álbum lanzado en la década de 1980. Gran parte de la escasa y esporádica agenda de grabaciones de Beck se debió en parte a una larga batalla contra la enfermedad de tinnitus.

En la década de 1990, Beck tuvo una mayor producción musical. Contribuyó al álbum debut en solitario de Jon Bon Jovi, “Blaze of Glory”, en 1990, interpretando el solo principal de la canción principal del álbum, que también fue el tema principal de la película “Young Guns II”.

El mismo año, apareció en la banda sonora de Hans Zimmer para la película “Días de Trueno”. Tocó la guitarra solista en el álbum de retorno de Roger Waters de 1992, “Amused to Death”, y en los álbumes de 1993 “The Red Shoes” de Kate Bush y “Love Scenes” de Beverley Craven.

Grabó el álbum de banda sonora instrumental de la miniserie australiana de 1992 “Frankie's House”, así como “Crazy Legs” (1993), un álbum tributo al grupo de rockabilly de los años 50 Gene Vincent and The Blue Caps y su influyente guitarrista Cliff Gallup.

Beck realizó algunos ensayos con la banda de hard rock Guns N' Roses para su concierto en París en 1992, pero no pudo tocar en el concierto debido a problemas auditivos causados por el sonido de los platillos del baterista Matt Sorum durante los ensayos, por lo que debió tomarse algunos días de descanso.

La banda The Yardbirds fue presentada en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992. En su discurso de aceptación, Beck comentó: “Alguien me dijo que esta noche debería sentirme orgulloso ... Pero en realidad no lo estoy, estos tipos me echaron de su banda... Lo hicieron ... ¡Que se jodan”.

El guitarrista colaboró con el cantante británico Paul Rodgers en el álbum “Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters” en 1993.

Tras una larga espera, Beck regresó en 1999 con el álbum “Who Else" su primera incursión en la electrónica basada en guitarras.

El disco marcó la primera colaboración de Beck con una mujer en su discografía, la guitarrista Jennifer Batten, reconocida por su trabajo con Michael Jackson. Batten siguió ligada a la banda de Beck realizando presentaciones en vivo y grabando el primer álbum del guitarrista en el nuevo milenio “You Had It Coming” y realizando la gira posterior al lanzamiento.







Beck ganó su tercer premio Grammy, en esta oportunidad en la categoría Mejor Interpretación Instrumental de Rock por la canción "Dirty Mind" de disco “You Had It Coming” de 2001.

La publicación en 2003 de “Jeff” mostró que el nuevo estilo eléctrico usado en los dos álbumes anteriores continuaba dominando. Este estilo ha sido laureado por los críticos. Beck funde magistralmente su influencia electrónica con su pasado de blues/jazz; un estilo fuertemente influido por el sonido "marrón" de posteriores guitarristas, como Eddie Van Halen o Joe Satriani. La canción "Plan B", de este mismo disco, le dio en otoño su cuarto premio Grammy.

El guitarrista sirvió como acto de apertura para algunos conciertos de B.B. King en el verano de 2003 y tocó en el Crossroads Guitar Festival de 2004. Ese mismo año aportó la guitarra en la canción "54-46 Was My Number" de Toots and the Maytals como parte del álbum “True Love”, el cual fue galardonado en los Premios Grammy como mejor álbum de reggae.

En 2007 acompañó a la cantante Kelly Clarkson en la interpretación de la canción original de Patty Griffin "Up to the Mountain" durante un episodio del programa de concurso American Idol. La actuación fue grabada en vivo y luego fue inmediatamente puesta a la venta.




Ese año apareció una vez más en el Crossroads Guitar Festival de Clapton en una banda conformada por Vinnie Colaiuta, Jason Rebello y la joven bajista de 21 años Tal Wilkenfeld. Esa misma formación brindó un concierto en el famoso Ronnie Scott's Jazz Club, la cual fue plasmada en el álbum en directo “Live at Ronnie Scott's”.

Beck tocó la canción "Black Cloud" en el álbum de Morrissey de 2009 “Years of Refusal” y más tarde ese año, Harvey Goldsmith se convirtió en el manager de Beck.

El 4 de abril de 2009, Beck fue presentado en el Salón de la Fama del Rock and Roll en homenaje a su carrera como solista. El premio fue presentado por su amigo Jimmy Page. En la gala, Beck interpretó "Train Kept A-Rollin'" junto con Page, Ronnie Wood, Joe Perry, Flea y los miembros de Metallica James Hetfield, Robert Trujillo, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Jason Newsted.






El 4 de julio del mismo año, David Gilmour acompañó a Beck en una presentación en el Royal Albert Hall, intercambiando solos en "Jerusalem" y cerrando el recital con "Hi Ho Silver Lining".

Un nuevo álbum como solista, “Emotion & Commotion”, vio la luz en abril de 2010, presentando una mezcla de canciones originales y versiones de otros artistas. Imelda May y Joss Stone participaron en las sesiones de grabación y aportaron sus voces.

Dos canciones del álbum le valieron premios Grammy a Beck: "Nessun Dorma" (Mejor Interpretación Instrumental de Pop) y "Hammerhead" (Mejor Interpretación Instrumental de Rock).

El músico preparó una nueva banda para salir de gira en 2010, con Narada Michael Walden en la batería, Rhonda Smith en el bajo y Jason Rebello en los teclados. En octubre publicó el disco en directo “Live and Exclusive from the Grammy Museum” y el DVD “Rock 'n' Roll Party” con Imelda May.







Un año después recibió una beca honoraria de la Universidad de las Artes de Londres en reconocimiento a su contribución a la música británica. También en 2011 recibió un doctorado honorario de la Universidad de Sussex.

El guitarrista registró una colaboración en la canción "Imagine" para el álbum de Herbie Hancock “The Imagine Project” con Seal, P!nk, India Arie, Konono N°1 y Oumou Sangare. La composición ganó un Grammy a la Mejor Colaboración Vocal de Pop en 2011.

En 2013, se anunció que actuaría en el álbum en solitario del fundador de Beach Boys, Brian Wilson (junto a Al Jardine y David Marks ) en Capitol Records. El 20 de junio, el sitio web de Wilson anunció que el material podría dividirse en tres álbumes; uno de nuevas canciones pop, otro de temas en su mayoría instrumentales con Beck y otro de temas entrelazados denominada "la suite".

Beck también acompañó a Wilson (junto con Jardine y Marks) en una gira de dieciocho fechas en el otoño de 2013 que comenzó a finales de septiembre y terminó a finales de octubre, antes de lo cual Beck dejó muy claro que “consideraba compartir el escenario con Wilson como un completo honor para él”.

En 2014, para marcar el comienzo de la gira mundial de Jeff en Japón, se lanzó un CD de tres pistas titulado “Yosogai” el 5 de abril; el álbum aún no se había finalizado en el momento de la gira.

En noviembre de 2014 acompañó a Joss Stone en el Festival of Remembrance de The Royal British Legion en el Royal Albert Hall.

En 2016 fue publicado un nuevo álbum de estudio del guitarrista, titulado “Loud Hailer”, un álbum protesta por el estado del mundo, con títulos que van desde “Thugs' Club” pasando por “Scared for the Children” hasta “OIL (Can't Get Enough of That Sticky)”.

Para el álbum contó con una renovada banda compuesta por Carmen Vandenberg a la guitarra, Rosie Bones a la voz, Davide Sollazi a la batería y Giovanni Pallotti al bajo.

El disco se ubicó en la posición número 27 en el Reino Unido y en la 41 en los Estados Unidos, marcando altas posiciones en las listas de Nueva Zelanda y Francia.

El 16 de abril de 2020, Beck publicó un nuevo sencillo en el que colaboró el actor y músico Johnny Depp. "Isolation", versión de la canción de John Lennon, se convirtió en la primera de varias colaboraciones entre ambos artistas, según el propio Beck.

Refiriéndose al hecho de que el sencillo fue lanzado durante el período de aislamiento durante la pandemia del COVID-19, Beck explicó: "Johnny y yo hemos trabajado juntos en la música desde hace tiempo y grabamos esta pista el año pasado. No esperábamos lanzarlo tan pronto, pero dadas las circunstancias actuales, decidimos que podría ser el momento adecuado para que todos lo escuchen".

El 2 de junio de 2022, Beck apareció en las noticias después de que Depp apareciera con él en The Sage en Gateshead, tras su victoria en el sonado caso de difamación contra su ex esposa Amber Heard.

Ambos también habían actuado en el Royal Albert Hall de Londres a principios de semana.

El primer sencillo de Beck y Depp de su álbum colaborativo “18”, titulado "This Is a Song for Miss Hedy Lamarr", se anunció el 10 de junio de 2022.

El álbum incluye dos canciones originales escritas por Depp y una selección de versiones de Killing Joke, los Beach Boys, Marvin Gaye, Miracles, Velvet Underground, Everly Brothers y Janis Ian.

Beck y Depp se conocieron en 2016 y rápidamente se llevaron muy bien, formando una estrecha amistad. Según Beck, encontró un "espíritu afín" en Depp y los dos se unieron por "los coches y las guitarras y pasaban la mayor parte del tiempo juntos intentando hacerse reír el uno al otro".

Beck estaba convencido de que debían grabar música juntos y comenzaron a hacerlo en 2019. Beck y Depp sintieron que tocar juntos "encendió su espíritu juvenil y creatividad" y, según Beck, ambos bromeaban diciendo que se sentían cómo si hubiesen vuelto de nuevo a los 18 años, de ahí su decisión sobre el título del álbum.

Depp agregó: "Es un honor extraordinario tocar y escribir música con Jeff, uno de los verdaderos grandes y alguien a quien ahora tengo el privilegio de llamar mi hermano".

En septiembre de 2019, Depp se unió a Beck en el escenario para algunos conciertos de la gira estadounidense de este último e interpretaron la canción "Isolation" en vivo por primera vez.






Beck también aparece en dos canciones (la canción principal y "A Thousand Shades") del álbum “Patient Number 9” de Ozzy Osbourne, que se lanzó el 24 de junio de 2022. En el álbum de 2020 de Dion DiMucci, “Blues with Friends”, tocó guitarra solista en "Can't Start Over Again".

La última grabación de Beck antes de su muerte fue su contribución a la grabación de un supergrupo conocido como Mark Knopfler's Guitar Heroes de "Going Home” para apoyar a Teenage Cancer Trust y Teen Cancer America.

Beck murió de una infección de meningitis bacteriana en un hospital cerca de Riverhall el 10 de enero de 2023, a la edad de 78 años. A los pocos minutos del anuncio de su muerte, músicos y amigos comenzaron a rendir homenaje.

Jimmy Page escribió: "El Guerrero de las seis cuerdas ya no está aquí para que admiremos el hechizo que podía tejer en torno a nuestras emociones mortales. Jeff podía canalizar la música de lo etéreo. Su técnica era única. Su imaginación parecía no tener límites. Jeff, te echaré de menos junto a tus millones de fans".

Mick Jagger expresó sus condolencias y escribió: "Con la muerte de Jeff Beck, hemos perdido a un hombre maravilloso y uno de los mejores guitarristas del mundo. Todos lo extrañaremos mucho".

Ronnie Wood, ex compañero de banda de Beck declaró: "Ahora que Jeff se ha ido, siento que uno de mis hermanos ha dejado este mundo y lo voy a extrañar muchísimo".

"Lo mejor que podemos hacer en su memoria es escuchar sus dos primeros álbumes en solitario y vibrar con su grandeza", fueron las palabras del bajista de Kiss, Gene Simmons.

El funeral de Beck tuvo lugar en la iglesia de Santa María en Beddington, Sutton, el 3 de febrero. Entre los asistentes se encontraban Johnny Depp, Rod Stewart, Eric Clapton, Tom Jones, Ronnie Wood, David Gilmour, Bob Geldof, Robert Plant y Chrissie Hynde.

Jimmy Page pronunció un elogio refiriéndose a Jeff Beck como "el jefe silencioso". Siguió en Riverhall un entierro privado, al que solo asistieron la viuda de Beck, Sandra, el perro de la pareja y Johnny Depp.

Estilo e influencia

Descrito por la revista Rolling Stone como "uno de los guitarristas principales más influyentes del rock", Beck citó sus principales influencias como Les Paul, The Shadows, Cliff Gallup, Ravi Shankar, Roy Buchanan, Chet Atkins, Django Reinhardt, Steve Cropper y Lonnie Mack.

Beck dijo de John McLaughlin "nos ha brindado tantas facetas diferentes de la guitarra y nos ha presentado a miles de personas la música mundial, al combinar la música india con el jazz y la clásica. Yo diría que era el mejor guitarrista vivo". McLaughlin también elogió a Beck, llamándolo su artista de rock progresivo favorito.

Según el musicólogo e historiador Bob Gulla, a Beck se le atribuye haber popularizado el uso de la retroalimentación de audio y la distorsión en la guitarra. Durante su breve tiempo con los Yardbirds, la experimentación de Beck con retroalimentación, distorsión y tono "fuzz" "empujó a la banda en direcciones que abrirían la puerta al rock psicodélico mientras impulsaba al rock británico hacia adelante".

Si bien Beck no fue el primer guitarrista de rock en experimentar con la distorsión electrónica, ayudó a redefinir el sonido y el papel de la guitarra eléctrica en la música rock. Su uso de una caja de fuzz comercial para "Heart Full of Soul" de los Yardbirds (junio de 1965) ha sido citado como quizás el primer uso significativo del efecto.

El trabajo de Beck con los Yardbirds y el álbum “Truth” de 1968 del Jeff Beck Group fueron influencias fundamentales en la música heavy metal, que surgió con toda su fuerza a principios de la década de 1970.

Gulla identifica uno de los rasgos característicos de Beck como su sentido del tono, particularmente al ejercitar la barra de golpe para crear sonidos que van desde "bombas en picada hasta melodías armónicas sutiles y perfectamente afinadas".

Según el guitarrista y autor Jack Wilkins, Beck está considerado junto con Jimi Hendrix y Eric Clapton como uno de los mejores guitarristas de su generación, y recibe elogios por su habilidad técnica y su interpretación versátil.

Stephen Thomas Erlewine lo considera "tan innovador como Jimmy Page, tan elegante como Eric Clapton y casi tan visionario como Jimi Hendrix", aunque incapaz de lograr su éxito general, "principalmente debido a la forma desordenada en que abordó su carrera" aunque a menudo carece de un cantante estrella que ayude a hacer su música más accesible.

Sobre su producción grabada en 1991, Erlewine comentó que "nunca un músico tan talentoso había tenido una discografía tan irregular", creyendo que Beck había lanzado en gran medida discos en solitario "notablemente desiguales" y sólo "unos pocos álbumes fantásticos".

En “Christgau's Record Guide” (1981), Robert Christgau esencializó a Beck como "un técnico" y cuestionó su capacidad para "improvisar líneas largas, o animarlas con un mínimo de delicadeza, o, de hecho, volverse funky", aunque luego observó una "concentración habitual, lealtad y coherencia en el gusto".

En 2015, Beck ocupó el puesto número 5 en la lista de la revista Rolling Stone de los "100 mejores guitarristas". En un ensayo adjunto, el guitarrista Mike Campbell aplaudió a Beck por su "brillante técnica" y "personalidad" en su forma de tocar, incluido el sentido del humor, expresado a través del gruñido de sus efectos wah-wah. Campbell también le dio crédito a Beck por ampliar los límites del blues, particularmente en sus dos colaboraciones con Stewart.

Técnica y equipamiento

Aproximadamente desde principios de la década de 1990, la guitarra principal de Beck fue la Fender Stratocaster, que utilizó en varias versiones a lo largo de su carrera.

Beck dejó de utilizar regularmente una púa de guitarra en la década de 1980. Produjo una amplia variedad de sonidos usando su pulgar para pulsar las cuerdas de la guitarra, su dedo anular en la perilla de volumen y su dedo meñique en la barra de vibrato.

Al tocar una cuerda y luego "avanzar gradualmente" el sonido con la perilla de volumen, creó un sonido único que puede parecerse a una voz humana, entre otros efectos.

Con frecuencia usaba pedales y slides wah-wah tanto en vivo como en el estudio. Eric Clapton dijo una vez: "Con Jeff, todo está en sus manos".

Junto con las Stratocasters, Beck ocasionalmente también tocaba modelos Fender Telecaster y Gibson Les Paul.

En sus primeros días con los Yardbirds, Beck también utilizó una guitarra Fender Esquire de 1954 (ahora propiedad de Seymour W. Duncan y alojada en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Cleveland) a través de un amplificador Vox AC30s.

También tocó con una variedad de pedales de fuzz y unidades de eco junto con esta configuración. La pastilla se basa en una pastilla Gibson rebobinada por Duncan y utilizada en una Telecaster recuperada apodada "Tele-Gib" que había construido como un regalo a Beck.

Scott Morgan de Rationals, que en un momento compartió camerino con los Yardbirds, recuerda cómo Beck amplificaba su guitarra solista a través de un Vox Super Beatle mientras utilizaba cuerdas de banjo para la cuerda G desenrollada de su guitarra porque "no hacían sets con una G desenrollada en ese momento".

En el álbum "Beck-Ola", usó ampliamente el pedal wah-wah, del que se le consideraba un pionero. También ha utilizado una amplia variedad de pedales fuzz junto con pedales de eco. El más famoso de los empleados es el pedal de distorsión Pro Co RAT.

Sus amplificadores eran principalmente Fender y Marshall.

En 1987, Beck pidió que la recién inaugurada Fender Custom Shop fabricara una guitarra Stratocaster según sus especificaciones. La guitarra resultante se hizo conocida por su color amarillo graffiti, a juego con el Ford Hot Rod de 1932 de Beck.

Basándose en estas especificaciones, Fender lanzó la Strat Plus, ya que Beck había vetado el uso de su nombre para comercializar ese modelo. Sin embargo, en 1991, Fender lanzó una Jeff Beck Stratocaster con algunas de esas mismas características, que a partir de 2024 ha estado en el mercado continuamente, con actualizaciones en varios momentos y cambios particularmente significativos realizados en 2001.

Gibson lanzó la edición limitada del modelo Jeff Beck 1954 Les Paul Oxblood en dos acabados diferentes en 2009.

Premios Grammy

1986 - Mejor interpretación instrumental de rock - "Escape"
1990 - Mejor interpretación instrumental de rock – “Jeff Beck's Guitar Shop” con Terry Bozzio y Tony Hymas
2002 - Mejor interpretación instrumental de rock - "Dirty Mind"
2004 - Mejor interpretación instrumental de rock - "Plan B"
2010 - Mejor interpretación instrumental de rock - "A Day in the Life"
2011 - Mejor colaboración pop con voz - "Imagine"
2011 - Mejor Interpretación Instrumental Pop - "Nessun Dorma"
2011 - Mejor interpretación instrumental de rock - "Hammerhead"

Discografía

En estudio
Truth (1968)
Beck-Ola (1969)
Rough and Ready (1971)
Jeff Beck Group (1972)
Beck, Bogert & Appice (1973)
Blow by Blow (1975)
Wired (1976)
There & Back (1980)
Flash (1985)
Jeff Beck's Guitar Shop (1989)
Frankie's House (1992)
Crazy Legs (1993)
Who Else! (1999)
You Had It Coming (29001)
Jeff (2003)
Emotion & Commotion (2010)
Loud Hailer (2016)

En vivo
Live in Japan (1974)
Jeff Beck With the Jan Hammer Group Live (1977)
Live At BB King Blues Club (2006)
Live In Tokyo 99' (2006)
Official Bootleg USA '06 (2007)
Live at Ronnie Scott's (2008)
Live and Exclusive from the Grammy Museum (2010)
Rock & Roll Party: Honoring Les Paul (2011)
Live+ (2015)

Recopilatorios
Beckology (1991)
The Best of Beckology (1995)

DVD
Performing This Week... Live at Ronnie Scott's (2008)
Rock & Roll Party: Honoring Les Paul (2011)
Live In Tokyo (2014)
Live at the Hollywood Bowl (2017)
Still On the Run: The Jeff Beck Story (2018)

Sencillos
"Hi Ho Silver Lining" / "Beck's Bolero" (1967)
"Tallyman" / "Rock My Plimsoul" (1967)
"Love Is Blue (L'amour est bleu)" / "I've Been Drinking" (1968) (Jeff Beck & Jeff Beck Group)
"Goo Goo Barabajagal (Love Is Hot)" / "Bed with Me" (1969) (Donovan & Jeff Beck Group)
"Hi Ho Silver Lining" / "Beck's Bolero" / "Rock My Plimsoul" (1972)
"I've Been Drinking" / "Morning Dew" / "Greensleeves" (1973) (Jeff Beck & Rod Stewart)
"Cause We've Ended As Lovers" (1975)
"The Final Peace" / "Space Boogie" (1980)
"The Final Peace" / "Scatterbrain" / "Too Much to Lose" / "Led Boots" (1981)
"Hi Ho Silver Lining" / "Beck's Bolero" / "Rock My Plimsoul" (1982)
"Ambitious" / "Escape" (1985)
"Gets Us All in the End" (1985)
"Stop, Look and Listen" / "You Know, We Know" (1985)
"People Get Ready" / "Back on the Street" / "You Know, We Know" (1985) (Jeff Beck & Rod Stewart)
"Guitar Shop" / "People Get Ready" / "Behind the Veil" (1989) (Jeff Beck, Terry Bozzio & Tony Hymas)
"Day in the House" / "Guitar Shop" (Jeff Beck, Terry Bozzio & Tony Hymas)
"People Get Ready" / "The Train Kept A-Rollin'" (1992) (Jeff Beck & Rod Stewart)
"Yosogai" / "Why Give It Away" (con Sophie Delila)
"Loaded" / "Danny Boy" (con Imelda May)

Colaboraciones
Beck ha registrado una gran cantidad de colaboraciones, entre las que destacan:
Donovan: Barabajagal (1968)
Stevie Wonder: Talking Book (1972)
Stanley Clarke: Journey to Love (1975)
Narada Michael Walden: Garden of Love Light (1976)
Folkways Records: Candy Band Sings Going Home (1980)
Mick Jagger: She's the Boss (1985) y Primitive Cool (1987)
Jon Bon Jovi: Blaze of Glory (1990)
Buddy Guy: Damn Right, I've Got the Blues (1991)
Roger Waters: Amused to Death (1992)
Kate Bush: The Red Shoes (1993)
Duff Mckagan: Believe in Me (1993)
Seal: Seal (1994)
Brian May: Another World (1998)
ZZ Top: XXX (1999)
Joe Cocker: Heart & Soul (2004)
Roger Taylor: Fun on Earth (2013)
Imelda May: Life Love Flesh Blood (2017)
Van Morrison: Roll With The Punches (2017)
Ozzy Osbourne: Patient Number 9 (2022)

Fuentes: rockaxis.com, guitarlions.com, rtve.es, elmundo.es, Wikipedia y flickr

En el puesto número 4


Keith Richards


Keith Richards es un músico, compositor, cantante y productor discográfico inglés.

Reconocido mundialmente por ser fundador (junto a Brian Jones y Mick Jagger) de la banda de rock The Rolling Stones, además de ser uno de los dos miembros originales junto a Mick Jagger que continúan en la banda, y parte ininterrumpidamente de la misma desde 1962, donde junto al cantante Mick Jagger y el batería Charlie Watts fueron la asociación más larga en la historia del rock.

Este grupo de rock enérgico y contundente, uno de los más exitosos de la historia de la música, debe gran parte de su éxito al estilo de interpretación de Richards, basado en acordes, que tiene sus raíces en los ritmos y técnicas de la música blues de principios del siglo XX .

A partir de mediados de la década de los 60 se convirtió junto a Jagger en el motor creativo de los Stones, componiendo desde esa época casi todas de las canciones del grupo, y en algunas ocasiones interpretando la voz principal, como en "You Got the Silver" o "Happy".

Desde la década de los setenta arrastró grandes diferencias con Jagger, situación que llegó a su punto máximo durante la mitad de los 80s, que coincidió con la edición de “Talk is Cheap” (1988) y posteriormente “Main Offender” (1992).

Pese a que casi toda su carrera musical la ha desarrollado como integrante de este grupo inglés, al igual que Jagger, también ha realizado trabajos en solitario y se unió a otros proyectos musicales como The New Barbarians, junto con su compañero stone Ronnie Wood.

En 1989, Richards fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en 2004 en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido con los Rolling Stones.

Fue elegido por la revista Rolling Stone en el puesto número 4 de la Lista de los 100 Guitarristas más Grandes de la Historia en 2011. La revista incluye catorce canciones que Richards escribió con Jagger en su lista de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos.





Keith Richards, nació el 18 de diciembre de 1943 en el Hospital Livingstone del poblado de Dartford, ubicado en el noroeste del estado de Kent, Inglaterra. Es el único hijo de Doris Maud Lydia (de soltera Dupree) y Herbert William Richards. Su padre era un trabajador de fábrica que resultó herido en la Segunda Guerra Mundial durante la invasión de Normandía.

Los abuelos paternos de Richards, Ernie y Eliza Richards, eran socialistas y líderes cívicos, a quienes él atribuyó el mérito de "crear más o menos el Partido Laborista de Walthamstow ", y ambos fueron alcaldes del distrito municipal de Walthamstow en Essex, y Eliza se convirtió en alcaldesa en 1941. La familia de su bisabuelo era originaria de Gales.

Su abuelo materno, Augustus Theodore "Gus" Dupree, fue miembro de la banda de jazz Gus Dupree and His Boys y fue el que fomentó el interés de Richards por la guitarra. Richards ha dicho que fue su abuelo quien le dio su primera guitarra.

Su abuelo "se burlaba" del joven Richards con una guitarra que estaba en una estantería que no podía alcanzar en ese momento. Finalmente, Dupree le dijo a Richards que, si podía alcanzar la guitarra, podía quedársela.

Richards ideó entonces todo tipo de maneras de alcanzar la guitarra, incluyendo poner libros y cojines en una silla, hasta que finalmente consiguió hacerse con el instrumento, tras lo cual su abuelo le enseñó los rudimentos de la primera melodía que tocó, "Malagueña". Trabajó en ella "como un loco", y luego su abuelo le dejó quedarse con la guitarra, a la que llamó "el premio del siglo".

Richards tocaba en casa, escuchando grabaciones de Billie Holiday, Louis Armstrong y Duke Ellington, entre otros. Uno de los primeros héroes guitarrísticos de Richards fue el guitarrista de Elvis, Scotty Moore.

Su padre no veía con mucho agrado que pasara mucho tiempo con su guitarra. Durante su infancia, junto con su madre, solía visitar a su abuelo Gus, que le introdujo a la música popular de esos días como Max Miller, Arthur English y Jimmy James.

Su abuelo se convirtió en una de las influencias tempranas del guitarrista para convertirse en músico. Dejando el preescolar atrás, ingresó en 1951 a la Wentworth Primary School, donde conoció a su futuro compañero de grupo Mick Jagger. Mick y Keith eran sólo conocidos a pesar de que vivían en el mismo vecindario. Él dejo de frecuentar a Jagger cuando se mudó a otro vecindario.

De 1955 a 1959, Richards asistió a la escuela secundaria Dartford Technical High School for Boys (ahora llamada Wilmington Grammar School), donde fue reclutado por el director del coro, RW "Jake" Clare, y cantó en un trío de niños sopranos en, entre otros lugares, la Abadía de Westminster para la Reina Isabel II.

En 1959 fue expulsado de la escuela por absentismo escolar y luego transferido a Sidcup, municipio de Bexley (Londres), para estudiar en la Sidcup Art College. En aquel lugar Keith tuvo mucho tiempo para desarrollar y mejorar su técnica como guitarrista, al igual que para escuchar a los bluesman americanos Little Walter y Big Bill Broonzy. En este punto, Richards ya había aprendido la mayoría de los solos de Chuck Berry.

Durante su estancia en Sidcup conoció a Dick Taylor y con su nuevo compañero comenzó tempranamente en esta época a experimentar con drogas.

En 1960 Keith y Mick se reencontraron en una estación de metro de Londres mientras Jagger asistía a la London School of Economics. Richards lo reconoció y comenzaron a hablar. Mick llevaba bajo su brazo unos LP de Chuck Berry, Little Walter y Muddy Waters debido a que, al igual que Keith, era fanático del R&B norteamericano. La cosa sorprendió al guitarrista debido a que estos materiales eran muy raros de conseguir en Gran Bretaña, a lo que Jagger le contó que los había pedido por correo a Estados Unidos, a Chess Records.

Junto con un amigo común, Dick Taylor, Jagger cantaba en una banda de aficionados, Little Boy Blue and the Blue Boys, a la que pronto se unió Richards.

A principios de 1961 llegó a la capital inglesa Brian Jones, exintegrante de The Ramrods, banda de su nativa Cheltenham. Tras su llegada participó ocasionalmente con el grupo de Alexis Korner, Blues Incorporated, un grupo importante dentro del circuito R&B londinense.

Jones quería formar una banda de R&B y puso un anuncio en el semanario Jazz News, al cual respondieron el pianista Ian Stewart y el guitarrista Geoff Bradford. Cuando los Little Boy Blue and the Blue Boys se disolvieron, Jagger y Richards pasaron al grupo Blues Incorporated de Alexis Korner.  

Una noche a inicios de 1962, Brian Jones, conocido en ese entonces como Elmo Lewis, y su grupo se presentaron en el Ealing Jazz Club. El espectáculo le causó una grata impresión a Keith Richards, y tras una breve conversación con Mick Jagger y Dick Taylor, decidieron que se juntarían con Brian Jones, Ian Stewart y Geoff Bradford para formar parte de un nuevo grupo todos juntos.

Pocas semanas después, ya en primavera, Bradford abandonó la agrupación, y contrataron al baterista de The Cliftons, Tony Chapman.

A mediados de año, Blues Incorporated canceló su presentación en el Club Marquee, situación que fue aprovechada por la nueva banda. El 12 de julio de 1962, Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Ian Stewart, Dick Taylor y Tony Chapman (otros citan a Mick Avory), ofrecieron su primer concierto oficial.
Después de esta primera presentación se embarcaron en una gira por distintos bares londinenses.

Chapman los dejó pronto, al no poder compatibilizar el grupo con su trabajo de comerciante. También Taylor dejó el grupo algunos días, aunque tiempo después regresaría, si bien solo por un breve periodo. Cuando Taylor los abandonó, Brian Jones le cambió el nombre a la banda por el de The Rolling Stones, después de que escuchara la canción "Rollin' Stone" del músico estadounidense de blues Muddy Waters.

Chapman recomendó a la banda a su amigo en The Cliftons, William Perks, conocido como Bill Wyman, quien hizo una audición con el grupo el 7 de diciembre y al instante se convirtió en el nuevo bajista de The Rolling Stones. “Me puse mi mejor traje y me presenté en el club, buscando a Mick Jagger o a Brian Jones. Me sorprendió ver que ellos vestían muy diferente, con playeras y jeans (destacando que Jagger vestía de color beige). Otra cosa que no me agradó fue darme cuenta de que más que a mí, querían mi amplificador".

Carlo Little aceptó cubrir la batería mientras encontraban un sustituto, y tras una breve temporada abandonó la banda; no obstante, antes de su partida, les recomendó la contratación de Charlie Watts, al cual conocían todos y acababa de dejar Blues Incorporated.

Watts aborrecía el rock and roll y el blues y se mostraba reacio a abandonar su trabajo, pero después de varios meses de persuasión se unió a los Stones en enero de 1963, “Pensé que estaban realmente locos. Trabajaban sin cobrar y tampoco les interesaba, pero me gustaba su espíritu y el R&B, así que acepté”.

El empresario Giorgio Gomelsky contrató a la banda para que tocaran cada domingo en el Crawdaddy Club de Richmond, este trabajo de ocho meses les sirvió para ganar una gran base de seguidores, incluidos The Beatles.

La creciente asistencia al Crawdaddy llamó la atención del periodista Peter Jones, quien recomendó el grupo a Andrew Loog Oldham, publicista de The Beatles. Después de observarlos en Richmond, los fichó junto a Eric Easton para su agencia Impact Sound el 6 de mayo de 1963, convirtiéndose Oldham en el primer representante oficial de la banda.

Para comercializar a la banda con una imagen de “vándalos juveniles”, Oldham retiró a Ian Stewart de la formación porque estéticamente no lo veía como un ídolo adolescente, aunque se quedó como ayudante en las giras y como pianista de la banda en sesiones y giras.

También le pidió a Richards que quitara la “s” de su apellido, creyendo que "Keith Richard", en sus palabras, "parecía más pop" y para que se emparejara con el apellido de Cliff Richard y Little Richard, estrellas de rock británico-estadounidense de la época. Para finales de la década de 1970, volvió a utilizar su apellido completo.

A mediados de mayo fueron contratados por Dick Rowe para la Decca Records tras la recomendación del beatle George Harrison. Después de firmar, iniciaron las grabaciones de sus primeros temas en los estudios Olympic de Londres.

Con Oldham como productor, los Stones grabaron el tema “Come On” de Chuck Berry y lo lanzaron acompañado de la canción de Muddy Waters “I Want to Be Loved” como su primer sencillo el 7 de junio.





Para publicitarlo realizaron su primera aparición en la televisión británica, en el programa Thank Your Lucky Stars, y emprendieron su primera gira oficial por Inglaterra, siendo teloneros de Bo Diddley, Little Richard y The Everly Brothers. A pesar de esto, el sencillo no tuvo la repercusión deseada y sólo escalaron hasta la posición 21 en el listado de éxitos del Reino Unido.

Con el fin de impulsar la carrera del grupo, Oldham le pidió a John Lennon y Paul McCartney de The Beatles que le compusieran una canción a los Stones. La pareja de compositores les entregaron en cinco minutos “I Wanna Be Your Man”, canción editada como sencillo en noviembre respaldada en la cara-B del disco por “Stoned” (atribuida a Nanker Phelge), la primera composición original de la banda.

Por fin lograron la atención del público (situándose dentro del Top-10 británico) y de los medios, quienes se centraron más en su aspecto desaseado y largo cabello que en su propuesta musical.

El 17 de enero de 1964, mientras se encontraban aún de gira por Inglaterra, publicaron su primer EP, “The Rolling Stones”. Aprovechando el impulso comercial de “I Wanna Be Your Man”, el citado disco de versiones ocupó el primer puesto en la lista de los EP más vendidos del Reino Unido y permaneció en cartelera durante 11 semanas.

Cinco semanas más tarde sacaron “Not Fade Away”, original de Buddy Holly, como su nuevo corte que no tardó en convertirse en su primer gran éxito comercial en Gran Bretaña, al situarse en tercera posición en el UK Singles Chart, contrastando con su modesto número 48 en EE. UU.

La enorme popularidad que habían obtenido acarreó consigo críticas constantes por parte de la sociedad británica y de la prensa, quienes se quejaban de su aspecto “desaliñado” y de la forma “obscena” de sus interpretaciones. De lo anterior surgieron las comparaciones con The Beatles, situación que deseaba Oldham debido a que ideó a The Rolling Stones como la antítesis de la banda de Liverpool.

El álbum debut de The Rolling Stones apareció el 17 de abril, bajo la producción de Oldham y Eric Easton. Titulado simplemente “The Rolling Stones”, el LP resultó prácticamente una reproducción de un concierto de los Stones, grabado en una sola toma en los Regent Studios de Londres, y contenía una colección de rock, R&B y blues en los que resaltaban la batería, la armónica y las guitarras.

Además de numerosas versiones, incluía la primera composición de Jagger y Richards, una balada de corte acústico titulada “Tell Me (You're Coming Back)”, y unos temas atribuidos a Phelge y Phil Spector. La crítica respondió con agrado y fue bien recibido en Inglaterra, manteniéndose 12 semanas en el primer lugar de ventas y otras 40 en la cartelera.





Después emprendieron una gira nacional y por los Países Bajos, acompañados por The Ronettes, y tras su finalización se embarcaron en su primera gira por Estados Unidos en vísperas del lanzamiento del LP en ese país, renombrado para la ocasión “England's Newest Hitmakers”.

Las presentaciones no atrajeron al público estadounidense, que hacía poco tiempo había recibido eufóricamente a The Beatles. Esto era en parte debido a sus desafortunadas apariciones en la televisión estadounidense. En The Hollywood Palace su aspecto fue motivo de burlas por parte de Dean Martin y en The Ed Sullivan Show el gran pandemónium que causaron obligó al presentador a vetarlos del programa, aunque nunca lo cumplió.

En Estados Unidos se tomaron un tiempo para grabar en los estudios de la Chess Records de Chicago y los RCA Records de Los Ángeles. Mientras tanto, editaron “Tell Me (You're Coming Back)”, que llegó al 24 del Billboard Hot 100.

Con la gira en plenitud, editaron su versión de “It's All Over Now” de The Valentinos, con la que consiguieron su primer número uno en el Reino Unido. Posteriormente fue seguido por el lanzamiento del EP “Five by Five” en Inglaterra y del LP “12 x 5” en Norteamérica, derivados de las grabaciones en los estudios de Chess y RCA Records.





Ambos lograron puestos altos en las carteleras de sus respectivos mercados. En concreto, “Five By Five” les supuso otro número uno en las listas de EP, mientras que “12 X 5” escaló hasta la tercera posición del Top LPs de la Billboard.

Por aquel entonces la revista inglesa Melody Maker nombró a The Rolling Stones como la “Banda del Año” y designó a su corte “Not Fade Away” como "Canción del Año".

Con el tema blues de Willie Dixon “Little Red Rooster” volvieron a la cima de las listas británicas de popularidad por segunda vez de manera consecutiva en diciembre; en contraste, su difusión fue boicoteada por las radios estadounidenses debido al contenido explícitamente sexual de la letra.

Su segunda producción discográfica, “The Rolling Stones No.2”, salió a la venta el 15 de enero de 1965 en Gran Bretaña, apoderándose rápidamente de la cima de las carteleras británicas por 13 semanas. Repitiendo la fórmula de su anterior trabajo, Oldham conjuntó un álbum de versiones, exceptuando las inéditas “Off the Hook”, “What a Shame” y “Grown Up Wrong”.

En “Rolling Stones No.2” se observa una evolución de la banda hacia el terreno R&B y blues, integrado por temas más lentos que su predecesor y que tienen como base rítmica la batería; además se aprecian la inclusión más constante de la slide guitar y de la armónica.

La publicación en los Estados Unidos se realizó al siguiente mes y al igual que en su anterior LP, sería editado bajo otra denominación, “The Rolling Stones, Now!”. Al contrario que su versión británica, este disco fue acompañado del éxito de “Heart of Stone”, canción que sustituyó a “Grown Up Wrong” en el álbum estadounidense, siendo el primer sencillo de la banda en el que figuraban como compositores.





El siguiente sencillo, “The Last Time”, se editó tanto en EE. UU. como en Inglaterra, siendo su primer corte original en Gran Bretaña. Con esta canción volvieron por tercera vez consecutiva a la cima de las listas de popularidad locales, mientras que en Norteamérica les valió su primer éxito en el Top 10.

El éxito rotundo les llegó con la publicación en 1965 del sencillo "(I Can't Get No) Satisfaction", cuyo riff característico fue obra del propio Richards. Durante la tercera gira en los Estados Unidos, en 1965, los Stones se hospedaban en el hotel Fort Harrison en Clearwater, Florida como parte de su gira. Una noche Richards se despertó de repente, encendió la grabadora de cinta y tocó el riff que abre “Satisfaction” antes de volver a la cama. Más tarde la describiría como: "Dos minutos de Satisfaction y 40 minutos de mis ronquidos".

Richards lo llevó al estudio donde los Stones estaban grabando. A Jagger le gustó el riff inmediatamente, pero Richards pensaba que se parecía demasiado a la canción “Dancing in the Street” de Martha & The Vandellas. En una entrevista, Jagger comentó: “Creo que Keith pensaba que el riff era un poco básico. Estaba muy enganchado a él y le parecía un tipo de riff tonto”.

Jagger escribió la letra para el riff intentando hacer una denuncia sobre el comercialismo salvaje que la banda británica había visto en América. Richards, refiriéndose al proceso de escritura de la letra para la canción, declaró: “Mick escribió todas las palabras que dicen algo y yo escribí el gancho, me levanté de la cama con este riff y me dije 'tengo que escribir esto”.

Richards describió luego su opinión sobre “Satisfaction”: “Sólo era un riff... Me desperté en medio de la noche, lo grabé en una cinta y pensé que era bueno. Fui a dormir y cuando me levanté parecía tan útil como cualquier otra canción de álbum. Lo mismo pasó con Mick al mismo tiempo, ya sabes, las cosas van da-da, da-da-da...y las palabras que escribí fueron “I can't get no satisfaction”. Pero igualmente podría haber sido "Auntie Millie's Caught Her Left Tit in the Mangle" ("la tía Millie se pilló la teta izquierda con el rodillo")”.

Se ha sugerido que el título pudo salir de una línea del sencillo de 1955, “30 Days” de Chuck Berry ("I don't get no satisfaction from the judge"), pero esto no ha sido confirmado, aunque en una entrevista hecha a Jagger en 1995, él indicó que "inconscientemente" Richards pudo haber tomado el título de esa línea. Fuentes de internet ponen la letra de Chuck como “I don't get no satisfaction”.

Esta composición estableció a la banda en la escena musical mundial y se convirtió en su primer éxito a nivel global.

Con este tema se daría inicio a una nueva etapa en la banda, en la que su música sería la nueva forma de provocación. Jagger comenzó a componer temas donde expresaba críticas hacia la sociedad, la política y el sexo femenino, situación notable en las canciones que fueron destinadas al mercado pop.

Su nuevo sencillo, inspirado en el consumismo estadounidense, retrataba a un adolescente atormentado por una frustración general, que sumado a sus referencias a las relaciones sexuales y sus tintes anticapitalistas fue visto como un ataque al statu quo.

No obstante el corte fue un inmenso éxito comercial tanto en su país como en los Estados Unidos, donde alcanzó por primera vez la cima de las listas y las encabezó por cuatro semanas de manera consecutiva. Su popularidad se extendió por todo el mundo, situándose en la cima de las listas de toda Europa, Canadá y Australia; lo que le significó a los Stones su primer número uno a nivel mundial.

Mientras tanto, en Inglaterra salió su primera producción en vivo, el EP “Got Live If You Want It!”, registro de sus presentaciones en Mánchester y Liverpool en marzo de ese año. Paralelamente, en EE. UU. pusieron en el mercado su álbum “Out of Our Heads”, única edición que incluyó los dos sencillos anteriores. Con la inclusión de cuatro temas originales, supuso un avance en su carrera, al probarse a ellos mismos que eran capaces de escribir sus propias canciones, aunque mantenían su base R&B/blues.

En su país fue publicado el 24 de septiembre acompañado simultáneamente por “Get Off of My Cloud”, la continuación de “Satisfaction”. Al igual que la canción anterior, se alzó con el número uno tanto en Inglaterra como en EE. UU. y en diversas partes del globo, obteniendo por segunda vez consecutiva otro número uno a nivel internacional.





Sirvió de antesala para la salida en Norteamérica de “December's Children”, una recopilación con numerosos temas originales extraídos de las ediciones británicas de sus álbumes y caras B, además de las inéditas “Get Off of My Cloud”, “Blue Turns to Grey”, “The Singer Not the Song” y “As Tears Go By”; esta última, número 6 en el listado del Billboard.

En febrero de 1966 la banda regresó al mercado con “19th Nervous Breakdown”, un gran éxito pese a que no pasó del segundo puesto en América y Gran Bretaña. Meses más tarde publicaron una canción que rompió con los estándares R&B plasmados por los Stones en sus pasados discos promocionales, “Paint It, Black”.

El exótico riff de Brian Jones en el sitar, le dio a “Paint It Black” ese ambiente misterioso y sombrío que catapultaría a los Stones al número uno en ambos lados del Atlántico y colocaría a la banda nuevamente en lo más alto de la cartelera mundial.

Apoyándose en este golpe comercial, Decca Records puso a la venta “Aftermath” el 15 de abril en la Gran Bretaña. Por primera vez el grupo entregó un trabajo original, integrado en su mayoría por canciones rescatadas del proyecto “Could You Walk on the Water?”.

Contrastando con sus anteriores producciones, ofrecieron un producto lejano de la influencia R&B y blues, y letras que llegaron a los límites de la misoginia, como “Stupid Girl” o “Under My Thumb”. Musicalmente representó un cambio en la dirección de la banda, consecuencia del protagonismo y experimentación de su entonces líder Brian Jones, quien en su calidad de multi-instrumentista incorporó marimbas, dulcimer, sitar, pianos y vibráfonos; otorgándole un sonido impactante y sofisticado al trabajo.

A pesar de ello, Jones, víctima de severas depresiones que en ocasiones derivaron en hospitalizaciones, comenzaba a sentirse excluido de la agrupación por Jagger y Richards.

A continuación, iniciaron una gira por Norteamérica a mediados de año para promocionar el lanzamiento de “Aftermath” en Estados Unidos. Esta se acompañó de “Mother's Little Helper”, sustituta de “Paint It Black” en la edición inglesa, un mordaz retrato de la familia británica que los llevó a recibir insultos de un diputado de la Cámara de los Comunes.

Al mismo tiempo, llegó al puesto 8 del Billboard, secundado por su cara B “Lady Jane” en el 24. De regreso en septiembre, emprendieron una gira nacional con Ike & Tina Turner y The Yardbirds que fue apoyada por la canción “Have You Seen Your Mother, Baby, Standing in the Shadow?”. Este éxito de top 10 mundial también promocionaría su primer álbum recopilatorio “Big Hits (High Tide and Green Grass)”, que vendió más de dos millones de copias.

El 20 de enero de 1967 editaron “Between the Buttons” en el Reino Unido, que fue su último disco bajo la dirección de Andrew Loog Oldham. El álbum era un trabajo ambicioso: la banda conjuntó las composiciones más maduras escritas por Jagger hasta ese momento, influenciado por Bob Dylan, y las complementó con la música y los finos arreglos de Jones, similares a los apreciados en The Beach Boys, para ofrecer una producción con matices y texturas de pop barroco y música psicodélica.

Sin embargo los círculos de la crítica no lo recibieron con el mismo entusiasmo que “Aftermath”, señalando que la banda había perdido su orientación por tratar de seguirle los pasos a The Beatles, Kinks y Bob Dylan. Los temas “Let's Spend The Night Together” y “Ruby Tuesday” acompañaron a la producción, lanzados para la ocasión como un sencillo doble.

“Ruby Tuesday” se convirtió en un número uno a nivel mundial, mientras que “Let's Spend The Night Together” fue relegada a posiciones más bajas principalmente porque en países como Estados Unidos fue censurada por su forma explícita en que aborda las relaciones sexuales. Por citar un ejemplo, Ed Sullivan amenazó a Jagger para que cambiara el coro (Let's Spend Some Time Together) para su presentación en The Ed Sullivan Show.





El 25 de junio de 1967, Richards, junto con Mick Jagger y muchos otros artistas invitados, participaron de la transmisión televisada en vivo que realizaron The Beatles para la canción “All You Need Is Love”.

Apenas transcurrido un mes desde el lanzamiento de su nuevo álbum, Mick Jagger fue acusado por el periódico británico The News of the World de consumir LSD, lo que posteriormente derivaría en su arresto, junto a Keith Richards, unas semanas más tarde.

Poco tiempo después Brian Jones fue arrestado por posesión de cocaína y de metanfetaminas. En los juicios, Jagger fue condenado a tres meses de prisión, Richards a un año y Jones a nueve meses; no obstante, este último salió bajo fianza y puesto en libertad condicional por la intervención de su psiquiatra, con la obligación de asistir a clínicas de rehabilitación.

Tras las constantes protestas de sus fans, fueron liberados por el Tribunal de Apelación de la Corte Suprema de Londres el 31 de julio. A su salida, graban el sencillo “We Love You” como muestra de agradecimiento a sus fieles seguidores. John Lennon y Paul McCartney colaboraron en los coros. Aunque oficialmente estaba dirigido a los fanáticos, también fue tomado como un ataque hacia el periódico The News of the World, a la policía y a algunos miembros de la judicatura británica.

Bajo estas circunstancias grabaron “Their Satanic Majesties Request”, un álbum producido por ellos mismos con el que intentaban responder al “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” de The Beatles. Se trata de un álbum de rock psicodélico, que posee influencias de la música oriental y africana, y pasajes experimentales a los que se incorporan múltiples instrumentos y orquestaciones.

Con fines promocionales lanzaron los sencillos “In Another Land”, y “She's a Rainbow”; la primera, composición firmada e interpretada por el bajista Bill Wyman, incluyó la participación de Steve Marriott en los coros, mientras que la segunda tuvo arreglos de cuerda de John Paul Jones y un delicado piano de Nicky Hopkins.

Para infortunio del grupo, sólo “She's a Rainbow” se hizo un lugar en las listas de éxitos. Paralelamente, el disco tampoco alcanzó las altas cifras de ventas de sus anteriores grabaciones.

Las primeras 25 000 copias tenían un holograma, lo que aumentó aún más el precio del álbum y dificultó su venta. Además, la crítica especializada recibió fríamente a “Their Satanic Majesties Request” y le dedicó duros comentarios. Este momento, tras las pobres ventas y duras críticas, representó el fracaso más grande en su carrera.

A principios de 1968 presentaron a Allen Klein, ex contable del grupo, como su nuevo mánager. Su nuevo cargo le fue asignado a manera de agradecimiento tras haberles conseguido grandes adelantos monetarios y un mayor porcentaje de ventas con Decca Records.

Después del fracaso de “Their Satanic Majesties Request” las relaciones en el seno de la banda se deterioraron, especialmente entre Jones y Richards, en gran parte debido a que este último se emparejó con Anita Pallenberg, entonces novia de Jones.

Bajo la presión de superar el paso en falso del disco anterior, Jagger recurrió a los servicios del productor estadounidense Jimmy Miller, que recientemente había producido a Traffic.

De las primeras sesiones se derivó “Jumpin' Jack Flash”, un corte con el que retornaron al panorama internacional y regresaron al primer puesto del listado de sencillos del Reino Unido después de dos años. Extrañamente, esta pista no fue incluida en el disco porque la banda quería crear un ambiente de expectación para su próximo material.

El riff inicial de la canción es acreditado a Richards, aunque Bill Wyman lo reclamó como propio. Wyman dijo en su autobiografía “Stone Alone” que el riff inicial de guitarra fue creado por él, pero no fue acreditado, algo que a Wyman nunca le agradó: "Estábamos en el estudio temprano una vez... de hecho creo que era un ensayo, no creo que haya sido durante una grabación. Y estábamos ahí Brian, Charlie y yo - la banda nunca llegaba al mismo tiempo, sabes - y Mick y Keith no habían llegado".

"Y estaba pasando el rato y me senté en el piano y comencé a tocar este riff: da-daw, da-da-daw, da-da-daw, y después Brian comenzó a tocar el bit de guitarra y Charlie le estaba dando el ritmo. Estuvimos tocándolo por 20 minutos, y llegaron Mick y Keith y páramos, ellos dijeron: “Hey, eso suena muy bien, continúen, ¿qué es?”. Al siguiente día lo grabamos, Mick escribió una grandiosa letra y resultó ser un muy buen sencillo".

La letra compuesta por Richards y Jagger fue escrita mientras ambos estaban en la casa de campo de Richards. El título de la canción fue inspirado por el jardinero del guitarrista, Jack Dyer.

Se cuenta que una mañana en la casa de campo de Richards, Jagger se despertó por el ruido que había afuera y entonces vio al jardinero pasar por la ventana y le preguntó a Keith que era ese ruido ("¿Qué es eso?"), a lo que él respondió: "Oh, es solo Jack, el saltarín Jack". El resto de la canción habla de él.





Sobre el sonido característico de la canción, Richards ha dicho: “Utilicé una Gibson Hummingbird acústica afinada en re abierto, seis cuerdas. Re abierto o Mi abierto, que es lo mismo -los mismos intervalos-, pero se aflojaba un poco para el Re. Luego tenía una cejilla para conseguir ese sonido tan ajustado. Además, había otra guitarra encima de esta, pero afinada en Nashville. Lo aprendí de alguien de la banda de George Jones en San Antonio en 1964. La guitarra de cuerdas agudas también era acústica. Ambas acústicas se pasaron por una grabadora de cassette Philips. Se ponía el micro en la guitarra y se reproducía a través de un altavoz de extensión”.

La nueva producción tenía como fecha de salida el 26 de julio, coincidente con el cumpleaños de Jagger, aunque su lanzamiento fue postergado por Decca debido a la polémica portada del disco, en la que aparecía un baño público sucio con múltiples inscripciones en los muros.

Después de meses de negociación, llegaron a un acuerdo y sustituyeron la portada original por otra completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso con letras doradas, lo que al principio generó críticas al compararlo con la portada minimalista de “The White Album” de The Beatles, lanzado por esas fechas.

En los primeros días de diciembre vio la luz “Beggars Banquet”, álbum fuertemente aclamado por la crítica musical y con el que se iniciaría una serie de cuatro álbumes de estudio que habitualmente se consideran como la “cima de la obra de los Stones”.

De igual forma tuvo una considerable repercusión comercial al establecerse en el puesto tres de ventas en Gran Bretaña y en el puesto cinco en el listado de los más vendidos de Billboard en los Estados Unidos.

Con “Beggars Banquet” la banda regresó a sus raíces musicales: el trabajo era esencialmente una selección de temas de rock, blues y R&B, donde también se incluyeron contadas canciones con apreciable influencia de la música country.

Pese a la gran reacción de crítica y público, el álbum no estuvo exento de polémica. Una de las primeras reacciones negativas hacia el LP fue la inclusión de “Sympathy for the Devil”, una canción con tintes tribales en cuya letra se expone al Diablo como un miembro más de la humanidad, y se hace referencia a los pasajes más violentos de la historia, como la Segunda Guerra Mundial o el asesinato de la familia Romanov. La mención del Diablo en la letra provocó miedo y repudio en diversos sectores religiosos, acusándolos de adoradores de Satanás y calificándolos de una mala influencia para la juventud.

Está considerada por la crítica musical como una de las mejores grabaciones de la banda y una de las mejores de la historia del rock: así, en el año 2004 la revista Rolling Stone incluyó a la canción en el puesto 32 en su Lista de las 500 Canciones más Grandes de la Historia, mientras que la cadena televisiva estadounidense VH1 la puso en el número 26 en su lista de Las 100 Canciones más Grandes de Rock and Roll. Según Acclaimed Music, es la 22ª canción más aclamada por los críticos de todos los tiempos.

Keith Richards no sólo se encargó del solo de la guitarra eléctrica, sino también del bajo, instrumento que se convirtió en el auténtico guía de la pieza. Sustituyó así en su puesto a Bill Wyman. Por su parte, Nicky Hopkins se ocupó del piano. Finalmente, las voces de fondo contaron con la participación de Keith, Brian Jones y Anita Pallenberg; aunque cabe señalar que en la película del mismo título de Jean-Luc Godard, se muestra en las voces de fondo a Marianne Faithfull, Anita Pallenberg, Brian Jones, Charlie Watts, el productor Jimmy Miller, Bill Wyman y Keith Richards. Estos últimos, junto con la percusión y los chillidos de Jagger contribuyen a crear un convincente ambiente de rito satánico primitivo.





El sencillo “Street Fighting Man” también generó malestar en las autoridades. Solo alcanzó lugares discretos entre los sencillos más populares en los EE. UU. porque fue impedida su reproducción radiofónica y poco después también su venta debido a la portada del corte, una fotografía de unos agentes de la policía golpeando a manifestantes, y al político contenido de la letra, que las autoridades estadounidenses consideraron “desestabilizadora” en vísperas de la Convención Nacional Demócrata de 1968.

Entre el 11 y el 12 de diciembre grabaron en el recinto Roundhouse de Londres el especial de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus, aunque nunca se emitió como tal. Se emitió en cines hasta 1996, después de estar casi 30 años guardado en un granero de Inglaterra.

Creado por idea de Mick Jagger y Keith Richards, el programa se produjo como un espectáculo circense que tuvo atracciones de artistas de circo además de contar con las actuaciones de algunos artistas famosos de ese tiempo: Jethro Tull, The Who, John Lennon, Yōko Ono, Eric Clapton, Taj Mahal, Marianne Faithfull y los propios Stones.

De entre estas actuaciones, sobresalió la interpretación de “Yer Blues” por parte del supergrupo The Dirty Mac, integrado por Lennon y Clapton en las guitarras, Keith Richards en el bajo y Mitch Mitchell en la batería.

Para la realización del álbum “Beggars Banquet”, Brian Jones había contribuido esporádicamente, aunque Mick Jagger llegó a decir de su compañero que: “No está psicológicamente apto para este tipo de vida”.

Con el paso del tiempo, sus problemas de adicción se agravaban y la confianza de la banda en él disminuía. Su abuso de las drogas se había convertido en un obstáculo para conseguir su visado estadounidense.

El 8 de junio de 1969 Jagger, Richards y Watts se reunieron en la casa de campo de Jones, Cotchford Farm, en el pueblo de Hartfield, Sussex; “Admitió que no podría seguir” y al final de la reunión, los tres acordaron despedirlo. Tras un arreglo monetario dejó The Rolling Stones el 10 de junio, difundiendo ese mismo día un comunicado de prensa: “Ya no nos comunicamos musicalmente. La música de los Stones no es de mi gusto. Quiero hacer mi propia música antes que tocar la de los otros. La única solución es que tomemos caminos separados, aunque sigamos siendo amigos”.

Tres días más tarde fue presentado el joven guitarrista Mick Taylor como nuevo miembro de la banda, quien había sido integrante de John Mayall & the Bluesbreakers.
Jones se retiró a su casa de campo y planeó su retorno al mundo de la música con una banda de blues local. Sin embargo, el 3 de julio de 1969, a un mes de su salida y dos días antes de que la banda diera un concierto en Hyde Park, fue hallado muerto en el fondo de su piscina. Janet Lawson, su enfermera, declaró: “Sobre las 10:30 de la noche Brian quiso darse un baño en la piscina. Había estado bebiendo y andaba un poco tambaleante. No estaba en condiciones de nadar, pero no me hizo caso”.

A pesar de la muerte repentina de Jones, no se canceló el concierto, durante el que Jagger recitó “Adonaïs” de Percy Shelley y se lanzaron cientos de mariposas a manera de homenaje. El concierto, presentación de Taylor como nuevo guitarrista, fue grabado por Granada Televisión para ser mostrado más adelante como “Stones in the Park” en la televisión británica.

El 4 de julio lanzaron “Honky Tonk Women”, acompañado por “You Can't Always Get What You Want” en la cara B, que se disparó rápidamente a la cima de las listas de éxitos en todo el mundo durante semanas, consiguiendo otro éxito mundial.

Este fue seguido por el disco “Let It Bleed”, lanzado el 28 de noviembre, que incluye tanto la participación de su difunto miembro Brian Jones como la de su nuevo guitarrista Mick Taylor, con dos temas cada uno. La producción fue muy aclamada por la crítica (“su gran obra maestra”, en palabras del crítico de música Stephen Davis) y alcanzó el número tres en las listas estadounidenses y el número uno en las británicas, permaneciendo 19 y 29 semanas entre los discos más vendidos, respectivamente.

El material incluía como primera pista “Gimme Shelter”, una de sus composiciones más reconocidas, inspirada en la guerra de Vietnam y descrita por el mismo Jagger como “una canción apocalíptica”. Escrita por Jagger y Richards, fue creada como fruto de la colaboración tanto del cantante como del guitarrista. Richards había estado trabajando en la melodía de apertura de la canción en Londres mientras Jagger estaba trabajando en la película “Performance”. La canción tiene la forma de un agitado medio-tempo roquero.

Comienza con la intro de Richards, rascando una guitarra con F-Hole, electro-acústica, una copia muy similar a la Gibson que el cantante estadounidense de rock and roll Chuck Berry, uno de los ídolos de Richards, usaba.

Ello le daba un aura tenebrosa a la canción que no tenía ningún precedente en el amplio repertorio de la banda. Después de la segunda estrofa de la canción, la cantante Merry Clayton interpreta con una desgarradora voz: "Rape, murder, it's just a shot away.", llegando a quebrársele la voz en 2 ocasiones.

Jagger y los demás en el estudio quedaron tan impresionados de su interpretación que es posible oír un "wow" en la grabación de lo sorprendidos que quedaron al oír la voz de la corista, a lo que le sigue un extenso solo de Richards.





Sobre su grabación y la del disco, Jagger comentó en una entrevista de la revista Rolling Stone en 1995: “Bueno, era una época muy violenta, muy dura. La Guerra de Vietnam. La violencia en las pantallas; saqueos e incendios”.

“Y Vietnam no era la guerra tal cual la conocíamos, en un sentido convencional; lo que pasaba con Vietnam es que no era como la Segunda Guerra, y no era como la Guerra de Corea, y no era como fue la Guerra del Golfo. Fue una guerra realmente asquerosa, y la gente no la quería. La gente se oponía a ella y no quería que se peleara. Los que estaban allí no lo estaban pasando muy bien que digamos”.

Afirmó que su inspiración principal, al igual que la de todo el disco “Let It Bleed”, fue la violencia en la guerra de Vietnam: “Creo que sí. Aunque estaba viviendo en los Estados Unidos sólo parcialmente, me influía. Pasaban todas aquellas imágenes por la televisión. Además, estaban las manifestaciones universitarias”. Sobre la canción misma, concluyó: “Esa es una canción tipo fin-del-mundo, realmente. Es el Apocalipsis. Todo el disco es así”.

El álbum también incluía la canción “You Got the Silver”, composición del propio Richards que parece estar inspirada en su novia de entonces, Anita Pallenberg. Esta fue la primera canción en la que Richards interpreta la voz solista en exclusiva (las otras habían sido breves aportaciones como en “Salt of the Earth” donde solo interpreta el primer verso).

Ese mes iniciaron una gira por los Estados Unidos, en la que se autoproclamaron “La banda de rock and roll más grande del mundo”, mote acreditado a su mánager de giras Sam Cutler.

La gira concluyó de forma trágica con la muerte de cuatro fanáticos, tres de manera accidental, en el recital gratuito de Altamont. El espectáculo terminó cuando un joven afrodescendiente se lanzó hacia el escenario con una pistola en la mano e inmediatamente fue interceptado por los Hells Angels, encargados de la seguridad del concierto, y apuñalado en medio de la confusión y la trifulca mientras el grupo interpretaba “Under My Thumb”. Este hecho quedó grabado en el documental de Albert y David Maysles, “Gimme Shelter”.





La banda se fortaleció con la llegada de Taylor. A pesar de la tragedia de Altamont, la gira fue un gran éxito y derivó en la aparición del álbum en directo “Get Yer Ya-Ya's Out! The Rolling Stones in Concert” en 1970, registrado durante las presentaciones en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York.

Este disco en vivo, al igual que sus dos álbumes de estudio anteriores, les ganó numerosos elogios por parte de la crítica. Lester Bangs lo calificó como “El mejor concierto que se haya puesto en un disco”.

Con el fin del año, los Stones también concluían su relación contractual con la Decca Records, y a pesar de que con “Get Yer Ya-Ya's Out!” y “Honky Tonk Women” creían que habían cumplido con sus cuotas de álbumes y sencillos para este sello y podían volar por su cuenta en un sello propio, la compañía les exigió entregar nuevo material musical. Los abogados de Decca pasaron su contrato por el microscopio y descubrieron que el grupo todavía debía una canción, susceptible de ser editada en single. ¿La respuesta de los Stones? De acuerdo, os vamos a pasar un tema nuevo, pero, ah, jamás os atreveréis a publicarlo. Nació así “El blues del chupapollas”.

En verdad, fue bautizada oficialmente como “Schoolboy blues”. Exagerando su querencia por los modos de los viejos bluesmen, Jagger retrataba a un colegial que llegaba al centro de Londres ansioso por convertirse en chapero. Un chapero dispuesto a hacérselo incluso con un policía (Mick usa el habitual “cerdos” para referirse a los uniformados, expresión entonces común en la contracultura, con lo que un despistado podía detectar incluso una sugerencia de bestialismo).

Cabe imaginar el horror entre los ejecutivos de Decca, que habían logrado imponer sus criterios de "buen gusto" respecto a, por ejemplo, la portada de “Beggars Banquet”, que inicialmente presentaba un retrete convenientemente pintarrajeado.

Efectivamente, Decca no fue capaz de publicar “Schoolboy blues” (y eso que explotaron todo lo que tenían de los Stones, en recopilaciones oportunistas que indignarían al grupo). Hacía 1983, se anunció su publicación en una caja alemana, “The Rest of the Best”, pero a última hora se eliminó la canción maldita. Nos quedamos sin saber si iban a sacar la versión acústica o la eléctrica.

En realidad, “Cocksucker blues” no fue tan maldita. Está en el mercado: se han publicado versiones de otros artistas (mención especial para los australianos Beasts of Bourbon), imagino que con todos los permisos. Incluso, los Stones jugaron a recuperarla para su repertorio de directo.

En 1978, ensayando en los estudios Bearsville de Woodstock, tocaron un extenso “Blues del chupapollas” con el añadido de Sugar Blue soplando armónica. No llegó al escenario.
No obstante, Allen Klein, su representante legal y financiero, se negó a dejarlos marchar. Después de una larga disputa, Klein se quedó con los derechos de todas sus canciones grabadas durante su contrato con Decca en los años 60 mientras que ellos continuaron como grupo independiente. Posteriormente, se dispusieron a fundar su propio sello, llamado Rolling Stones Records y decidieron encaminarse a la realización de nuevo material de estudio.

A inicios de 1970, la banda se metió en el estudio de grabación para trabajar en la producción de su nuevo álbum de estudio. Lo terminaron a finales del verano y decidieron emprender una gira por Europa en la que visitaron Suecia, Finlandia, Dinamarca, Alemania, Francia, Austria, Italia y los Países Bajos.

Mientras tanto, Mick Jagger probó suerte en el cine como actor en las películas “Performance” de Nicolas Roeg, a pesar de ser grabado en 1968, y “Ned Kelly” de Tony Richardson.

En septiembre, Jagger conoce a la modelo nicaragüense Bianca Pérez-Mora Macías en una fiesta después de una presentación del grupo, impresionándole tanto que se casaron poco después en una ceremonia católica el 12 de mayo de 1971 en Saint-Tropez, Francia.

Mientras Jagger empezaba una vida llena de lujos debido a su reciente matrimonio con la modelo latina, Richards prefería frecuentar otros círculos sociales, por lo que entabló amistad con el pionero de country-rock Gram Parsons. Este cambio en sus estilos de vida supuso un distanciamiento en la relación entre el vocalista y el guitarrista del grupo.

El 23 de abril de 1971 editan “Sticky Fingers”, primer álbum bajo su propio sello, una subsidiaria de Atlantic Records. El 7 de mayo hace su estreno mundial el sencillo “Brown Sugar”, nuevo corte del grupo que contó con “Bitch” y “Let It Rock”, original de Chuck Berry, como cara B para Norteamérica y Reino Unido respectivamente. El corte llegó al tope de las listas de popularidad en ambos países por dos semanas consecutivas.

“Brown Sugar” fue principalmente la obra de Jagger, quien la escribió en algún momento durante la filmación de "Ned Kelly" en 1969. La popularidad de la pista eclipsa frecuentemente su escandalosa letra, que es esencialmente un pastiche de temas tabú, como sexo interracial, esclavitud, uso de drogas, sadomasoquismo, etc.





El disco suscitó muy buenas críticas (al igual que su antecesor), destacando sus arreglos, su ambiente desconcertante y el trasfondo oscuro de las letras, que hacían referencia al uso y abuso de drogas, la esclavitud y las relaciones interraciales. La portada fue diseñada por el líder del movimiento pop art Andy Warhol, enfocándose en un pene marcado hacia la derecha en unos pantalones vaqueros y en la cremallera que los abría.

El material incluía también por primera vez el logotipo de la discográfica (se encontraba en la funda interior del disco), que reproduce una boca roja que sacaba la lengua, que se convirtió en el símbolo de la banda, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de los Stones a partir de entonces. Fue diseñado por John Pasche (aunque atribuido erróneamente durante años a Warhol) mientras estudiaba diseño gráfico en el Royal College of Art. Este fue creado a petición de Jagger, inspirado en un calendario hindú que mostraba a la diosa Kali sin cuerpo. El diseño fue censurado en España por el régimen de Franco y fue sustituido por la imagen de unos dedos saliendo en una lata de melaza.

Así mismo, el tema “Sister Morphine” fue sustituido por “Let It Rock”. Mick Taylor colaboró en varias canciones con Jagger, parcialmente debido a los devaneos excesivos con las drogas y a la cada vez mayor falta de fiabilidad que Richards le mostraba a Jagger. Sin embargo, todas las canciones fueron atribuidas como de costumbre a Jagger/Richards, lo que frustró a Taylor y contribuyó posteriormente a su salida.

El disco fue un éxito, pero pese a ello, los Rolling estaban endeudados con el fisco británico, por lo que decidieron abandonar Inglaterra siguiendo el consejo de su asesor financiero Rupert Lowenstein. Una breve gira inglesa de dos semanas en marzo marcó su despedida como residentes británicos y el comienzo de un exilio impositivo que duraría años.

Nota de Presidemente: Seguirá la 2ª parte, hay tanta información de Keith Richards que no me cabía en este.

Fuentes: lahiguera.net, the-rolling-stones.fandom.com, Elpais.com, britannica.com, Wikipedia, flickr