LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA

[Presidemente]

En el puesto número 24


Geddy Lee (Quinta parte)




“Hold Your Fire”, es el duodécimo álbum de estudio de la banda, lanzado el 8 de septiembre de 1987.

Fue grabado en The Manor Studio en Oxfordshire, Ridge Farm Studio en Surrey, AIR Studios en Montserrat y McClear Place en Toronto.

Fue el último álbum de estudio de Rush lanzado fuera de Canadá por PolyGram / Mercury.

La bajista y vocalista de Til Tuesday, Aimee Mann, contribuyó con voces en "Time Stand Still" y apareció en el video dirigido por Zbigniew Rybczyński.





El álbum no tuvo tanto éxito comercial como la mayoría de los lanzamientos de la banda en la década de 1980, alcanzando el puesto número 13 en las listas de Billboard, el puesto más bajo para un álbum de Rush desde “Hemispheres” de 1978.

Sin embargo, finalmente fue Certificado Oro por la RIAA.

Después de que la gira “Power Windows” de Rush de 1986 terminó, los miembros de la banda se tomaron el verano libre para pasar más tiempo con sus familias.

Pasaron algunos meses y el grupo decidió comenzar a escribir material nuevamente.

Neil Peart comenzó a escribir letras en una cabaña a principios de septiembre.

Mientras tanto, Geddy Lee comenzó a componer en su configuración de teclado controlada en una computadora Macintosh usando un software llamado Digital Performer, que sería útil tanto para las etapas de escritura como de producción, y Alex Lifeson estaba haciendo cintas experimentales en casa.

Peart también usó la Mac para escribir algunas letras para el álbum.

Peart quería hacer algo en la misma línea que “Power Windows”, esta vez trabajando en torno al tema del tiempo.

Sin embargo, después de escribir la letra para la primera canción que escribió, "Time Stand Still", Peart comenzó a crear más material que convertiría el tema en "Instinct", que fue la razón para titular el álbum “Hold Your Fire”.

Una tarde de ese mismo mes, Peart y Lee mostraron juntos en qué habían estado trabajando y también discutieron algunas ideas líricas que no habían podido escribir en papel, las cuales se incluirían en "Mission", "Open Secrets" y "Turn the Page".

El grupo comenzó las sesiones de composición en Elora Sound Studio, Ontario, el 27 de septiembre de 1986.

Lifeson mostró sus cintas experimentales, mientras que Lee trajo improvisaciones de prueba de sonido que había hecho ese año.

Según Peart, las cintas de Lifeson "proporcionarían algunas buenas partes para varias canciones" y las improvisaciones de prueba de sonido de Lee fueron "clasificadas y etiquetadas como posibles versos, puentes, estribillos o fragmentos instrumentales, y por lo tanto sirvieron como una biblioteca de referencia de ideas espontáneas que podían usarse a voluntad".

Lifeson usó una caja de ritmos para escribir las partes de batería, que Lee grabó en una grabadora Lerxst Sound.

A principios de noviembre, se habían escrito ocho canciones, lo que el grupo consideró insuficiente para que el álbum tuviera una buena cantidad de variedad musical.

Peart dijo: "Decidimos ir un poco más allá esta vez. Éramos conscientes de que solo un pequeño porcentaje de personas compra discos hoy en día, la gran mayoría elige casetes o CDs. Por lo tanto, pensamos, ¿por qué preocuparnos por las limitaciones de tiempo del antiguo disco de vinilo? Pensamos que nos gustaría tener 10 canciones y ofrecer unos 50 minutos de música. Así que lo hicimos".

El productor Peter Collins llegó a Elora Sound a principios de diciembre para darle a la banda sugerencias para mejorar las canciones.

Entre muchos pequeños cambios, un par de sugerencias importantes fueron nuevas estrofas para "Mission" y revisiones del estribillo de "Open Secrets".

Con nueve canciones ya escritas, Collins también sugirió que la banda hiciera una décima pista para el álbum, y la canción "Force Ten" se escribiría el último día de preproducción, el 14 de diciembre.





La grabación de “Hold Your Fire” comenzó el 5 de enero de 1987 en The Manor Studio en Inglaterra.

Allí se grabaron la batería, el bajo, los teclados básicos, las guitarras principales y la voz principal.

Los teclados, las guitarras y la voz se grabaron digitalmente, mientras que la batería y el bajo, como prefería Peart, se grabaron con una grabadora de cinta analógica, que luego se convirtió a cinta digital.

El 7 de febrero, la banda fue a Ridge Farm Studio para que Andy Richards grabara teclados dinámicos adicionales y emocionantes "eventos", además de digitalizar todas las pistas de instrumentos grabadas.

Lifeson también pudo escribir sobregrabaciones de guitarra mientras grababa en Ridge Farm.

La banda se dirigió a AIR Montserrat el 1 de marzo para comenzar a producir sobregrabaciones de guitarra, y más tarde a McClear Place Studios en Toronto tres semanas después para terminar las sobregrabaciones, grabar arreglos orquestales de Steve Margoshes para "High Water", "Mission" y "Second Nature", y grabar partes vocales adicionales, como las voces de Aimee Mann para "Time Stand Still" y "Prime Mover", y coro gospel.

La grabación se terminó el 24 de abril, y la mezcla tuvo lugar a partir del 7 de mayo en William Tell Studio en París.

Lee masterizó el álbum con Bob Ludwig en Masterdisk en la ciudad de Nueva York a mediados de julio.

Lee tocó un bajo Wal para “Hold Your Fire”, además de ser vocalista y tecladista.

Los sintetizadores y otros instrumentos y dispositivos electrónicos utilizados, todos programados con la ayuda de Andy Richards y Jim Burgess, fueron varios samplers Akai S900, dos sintetizadores Prophet, un PPG 2.3, un Roland Super Jupiter y un D-550, dos controladores MIDI Yamaha KX-76, dos secuenciadores QX-I y un DX-7, dos MIDI Mappers, pedales MIDI Korg y pedales Moog Taurus.

Peart tocó con una combinación de batería Ludwig-Musser, una batería Pearl Drums, Premier Drums y Tama Drums con herrajes chapados, platillos Avedis Zildjian y un pad Simmons a través de uno de los samplers Akai, que producía sonidos de bloques de templo, un timbal, crótalos, un Tama, un bombo de gong, cencerros, campanillas de viento y marimbas.

La canción "Tai Shan" fue un experimento de composición.

Estuvo influenciada por la música clásica china, y su título era una referencia al Monte Tai en la provincia de Shandong, China, del cual Peart tuvo conocimiento por primera vez durante un viaje en bicicleta por China.

Al final de la canción se utiliza una muestra invertida de la voz de Aimee Mann de otra pista.

En una entrevista de 2009 con Blender, Lee expresó su arrepentimiento por haber incluido "Tai Shan" en el álbum, calificándolo de "error" y diciendo "deberíamos haberlo sabido".

Lifeson calificó la canción de "un poco cursi" en una entrevista de 2012 con Total Guitar.

En 2016, Lifeson consideró "Tai Shan" y "Panacea" las peores canciones que Rush había grabado.

“Hold Your Fire” ha sido categorizado como new wave, pop rock, heavy metal / hard rock, rock progresivo de estadio, y britpop progresivo "delgado y de cuerdas finas".

Las canciones están impulsadas por una guitarra de bajo que es una mezcla de potente y melódica.

Aunque hay momentos de solos distorsionados y extremos, el trabajo de guitarra eléctrica de Lifeson en el álbum es principalmente textural, con la guitarra acústica de cuerdas de acero cumpliendo un papel rítmico, lo que produce un sonido general brillante.

“Hold Your Fire” comenta sobre el estado sociopolítico del mundo moderno, con la angustia existencial de “The Joshua Tree” (1987) de U2.

Publicaciones musicales como Metal Hammer, Kerrang! y Sounds otorgaron a “Hold Your Fire” puntuaciones perfectas.

Stefan Chirazi de Kerrang! afirmó que era uno de los mejores álbumes de 1987, otro LP de Rush con "clase, calidad y consistencia" y un disco raro por contener diez temas perfectos.

Paul Elliot de Sounds elogió a la banda por no perder su "calidez", "corazón" y "humanidad" a pesar del pulido de estudio de doce álbumes.

La evolución de Rush con “Hold Your Fire” fue un tema destacado, con diversas reacciones.

En el lado positivo, algunos críticos percibieron que la banda expandía continuamente su territorio musical y sonoro, manteniendo al mismo tiempo su perfeccionismo y complejidad compositiva.

Algunos apreciaron el álbum por ser más accesible al público general y por tener composiciones más compactas que sus trabajos anteriores.

Menos favorablemente, Guitar for the Practicing Musician y el Omaha World-Herald clasificaron el disco como los tropos más rancios de Rush prominentes en todos sus álbumes, pero combinados con un sonido estéril, predecible, técnicamente sofisticado y cargado de sintetizadores característico del grupo en la década de 1980.

NME, una publicación que históricamente criticó la música de Rush y sus creencias sociopolíticas bromeó: "Atrapado en una distorsión temporal junto con la música, [Peart] todavía está empeñado en idear un LP basado en un concepto".

En el peor de los casos, Nester Aparicio de The Evening Sun calificó el producto general como "débil" y "insustancial", sin nada de la "gloria" de álbumes como “2112” y “Moving Pictures”.

Elliot y Anand Agneshwar del Press & Sun-Bulletin describieron las letras como humanas y personales, con vulnerabilidad e introspección.

Por el contrario, "son demasiado pesadas y distantes para ser aceptadas" por Guitar for the Practicing Musician.

“Hold Your Fire” alcanzó el puesto número 13 en la lista de álbumes Billboard 200, siendo la primera vez que un álbum de estudio de Rush se situaba fuera del Top 10 desde “Hemispheres” de 1978.

Aunque “Hold Your Fire” fue certificado disco de oro en Estados Unidos poco después de su lanzamiento, no logró alcanzar el estatus de platino según la RIAA, convirtiéndose en el primer álbum de estudio de Rush en no hacerlo desde “Caress of Steel” de 1975.

Para Adrien Begrand, “Hold Your Fire” fue el mejor álbum de Rush de la era que comenzó con “Signals”, con un equilibrio mucho más armonioso entre el rock al estilo U2/Big Country y los sonidos electrónicos vanguardistas que “Power Windows”.

Por el contrario, Jordan Blum de Loudwire lo consideró el peor de la era de teclados de la banda, un "trabajo pesado, aburrido e incómodo que inevitablemente se siente anticuado y desacertado".

Las clasificaciones de los álbumes de estudio de Rush de las décadas de 2010 y 2020 generalmente colocaron a “Hold Your Fire” cerca o en el último lugar. Muy pocos los colocaron en el medio.

Sin embargo, las opiniones sobre el álbum, incluso para las clasificaciones que lo colocaron en último lugar, fueron mixtas en lugar de directamente negativas.

Señalaron su destreza técnica y letras autorreflexivas, pero también una falta de "golpe dinámico", energía y "peculiaridad" de sus mejores álbumes.

Discutieron principalmente sobre la producción suave del álbum, que fue considerada la más pulida en la discografía de la banda y que alienó a los fanáticos.

También fueron las pistas más duras fuera de "Time Stand Still", "Force Ten" y "Mission", calificándolas de "insípidas" y "olvidables", "relleno", donde "el control de calidad de la composición disminuye a medida que avanza el disco".





Se publicó una remasterización en 1997.

La bandeja tiene una imagen de tres huellas dactilares, azul claro, rosa y verde lima (de izquierda a derecha), con "The Rush Remasters" impreso en mayúsculas justo a la izquierda, imitando la portada de “Retrospective II”.

Todas las remasterizaciones desde “Moving Pictures” hasta “A Show of Hands” son así.

Incluye todas las ilustraciones que venían con el álbum original, excepto la letra de "Prime Mover".

“Hold Your Fire” fue remasterizado nuevamente en 2011 por Andy VanDette para los sets de cajas "Sector", que reeditaron todos los álbumes de Rush de la era Mercury. Está incluido en el set “Sector 3”.

Para la remasterización de 2011, se utilizaron inadvertidamente cintas maestras que contenían diferentes mezclas de “Hold Your Fire”, con el resultado de que la mezcla es notablemente diferente de lanzamientos anteriores en varios lugares; particularmente durante "Mission", donde se pueden escuchar partes de cuerda que no estaban presentes en el lanzamiento original, y en la introducción de "Tai Shan", donde se han agregado campanillas de viento.

También hay un efecto de paneo estéreo en las voces durante el primer pre-estribillo de "Turn the Page" que está ausente en la mezcla original.

En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.

Un tercer álbum y vídeo en directo, “A Show of Hands” (1989), fue lanzado por Anthem y Mercury tras las giras “Power Windows” y “Hold Your Fire”, mostrando las facetas de Rush en la década de 1980.

La mayoría de las interpretaciones de este álbum fueron de la gira “Hold Your Fire” de 1988, grabada en las ciudades estadounidenses de Nueva Orleans, Phoenix y San Diego, y en la ciudad británica de Birmingham.

"Mystic Rhythms" y "Witch Hunt" fueron grabadas en East Rutherford, Nueva Jersey, durante la gira “Power Windows” de 1986.

La pista de apertura "Intro" presenta el tema de "Los Tres Chiflados" sonando de fondo; la banda usó esta música para abrir muchos de sus conciertos durante la década de 1980.

Con la excepción de "Closer to the Heart", la lista de canciones se centra casi por completo en el material de la banda de la década de 1980, y es el único disco en directo de Rush que no incluye interpretaciones de canciones publicadas antes de 1977.

A diferencia de “All the World's a Stage” y “Exit... Stage Left”, este álbum no tiene ninguna canción que haya tenido que omitirse para su lanzamiento en CD individual.

Los dos primeros se publicaron antes de la introducción de los discos compactos y eran álbumes dobles, mientras que este álbum se publicó inicialmente en CD, por lo que las limitaciones de tiempo ya se habían tenido en cuenta.

El vídeo se grabó en el primero de los dos conciertos que tuvieron lugar en Birmingham (Reino Unido) los días 23 y 24 de abril de 1988 en el NEC Arena de la ciudad, una de las fuentes del álbum en directo.

El orden y la selección de las canciones del vídeo difieren de los del álbum en directo.

La edición en laserdisc también incluye la canción "Lock and Key".





“A Show of Hands” recibió una gran acogida por parte de los fans, pero el crítico de Rolling Stone, Michael Azerrad, lo calificó de "fuerza musical" con 1,5 estrellas, afirmando que los fans de Rush veían a su trío favorito como "la santa trinidad".

No obstante, “A Show of Hands" alcanzó el disco de oro en Estados Unidos y el de platino en Canadá.

En ese momento, el grupo decidió cambiar de sello discográfico internacional, pasando de Mercury a Atlantic.

Tras la marcha de Rush en 1989, Mercury lanzó una recopilación de dos volúmenes de su catálogo de Rush, “Chronicles” (1990), que alcanzó el doble platino.

La recopilación fue el primer álbum de la banda en ser lanzado en la década de 1990, aunque fue ensamblado sin la participación de la banda.

Una edición complementaria de videos musicales de Rush de 1981 a 1987, titulada “Chronicles: The Video Collection”, también fue lanzada en VHS y laserdisc el 23 de octubre de 1990.

La edición de video fue relanzada en un solo DVD en 2001, titulado “Rush Chronicles – The DVD Collection”, con dos pistas de video adicionales que son “huevos de Pascua” ocultos.

Rush comenzó a desviarse de su estilo de los años 80 con los álbumes “Presto” (1989) y “Roll the Bones” (1991).

“Presto” es su decimotercer álbum de estudio y fue lanzado el 17 de noviembre de 1989 por Anthem Records; fue el primer álbum de la banda lanzado internacionalmente por Atlantic Records, después de la salida del grupo de Mercury.

Cuando el grupo decidió no renovar sus contratos con el distribuidor internacional Mercury Records; Lifeson dijo que se separaron porque la relación se había estancado para entonces.

Peart escribió más tarde que, con la banda ahora "libre de plazos y obligaciones" por primera vez en 15 años, decidieron aprovechar tomando un descanso de seis meses.

En diciembre de 1988, el grupo se reunió en casa de Peart para discutir el siguiente paso y acordaron comenzar un nuevo álbum de estudio después del descanso.

El trabajo en “Presto” comenzó cuando Rush alquiló un estudio en el campo para escribir y ensayar material nuevo.

Adoptaron su método habitual: Lifeson y Lee trabajaban en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.

Peart escribió: “Al final del día, podía entrar al estudio, con el tintineo de los cubitos de hielo, y escuchar lo que habían estado haciendo, y si había tenido suerte, mostrarles algo nuevo”.

Rush trabajaba en el estudio durante la semana y regresaba a casa los fines de semana.

“Presto” marca el comienzo del regreso de Rush a un sonido más impulsado por la guitarra, después de lo que muchos conocen como el "período de sintetizadores" de los cuatro lanzamientos anteriores.

Cuando Lifeson y Lee discutieron qué dirección musical tomar, coincidieron en que el núcleo del sonido, la emoción y la energía de la banda provenían de la guitarra, algo a lo que querían regresar para “Presto”. Esto resultó en un álbum mucho más satisfactorio para Lifeson.

Lifeson se había sentido limitado en su forma de tocar la guitarra desde que los sintetizadores comenzaron a jugar un papel más dominante en la composición y la interpretación en “Signals” (1982), lo que continuó durante la década de 1980.

Lee explicó que Rush quería que “Presto” fuera "más un álbum para cantantes, y creo que notarán que los arreglos musicales apoyan la voz. [...] Las letras de Neil me parecen mucho más sentidas. [...] Este álbum fue una verdadera reacción contra la tecnología en cierto sentido. Estaba harto de trabajar con computadoras y sintetizadores. [...] Hicimos un pacto para mantenernos alejados de las cuerdas, los pianos y los órganos, para mantenernos alejados de la tecnología digital. Al final, no pudimos resistirnos a usarlos para dar color".

A diferencia de los álbumes anteriores “Grace Under Pressure” (1984), “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire”, el álbum no contiene un tema lírico general continuo, ni lo que Peart describió como mensajes líricos "pesados", sino que adopta un enfoque más libre donde cada pista hace su propia declaración.

Peart usó la palabra "respuesta" para describir el contenido lírico en su conjunto.

"La idea de que no pasas por la vida solo mirando las cosas. No importa si has estado por todo el mundo, puede que lo hayas visto, pero si no lo has sentido, no has estado allí".

Peart agregó: "Hay muchos hilos y un fuerte motivo de mirar la vida hoy y tratar de actuar dentro de ella".

El título del álbum fue una idea que Rush había considerado usar para “A Show of Hands”, pero cuando Peart comenzó a escribir una canción titulada "Presto", se usó como título del álbum.

Después de haber trabajado en varias canciones, la banda sintió que era el momento adecuado para presentar su material a un coproductor.

Sin embargo, su primera opción, Peter Collins, quien había trabajado en “Power Windows” y “Hold Your Fire”, rechazó a regañadientes la oferta de trabajar en “Presto”, ya que deseaba producir a otras bandas.

Aunque Rush se sentía lo suficientemente seguro como para encargarse ellos mismos de la producción, aún querían a alguien en quien pudieran confiar y que les proporcionara un punto de vista objetivo sobre sus ideas.

Entre los diversos candidatos se encontraba el productor, compositor y tecladista inglés Rupert Hine, cuya experiencia con una variedad de artistas atrajo al grupo.

Peart recordó el momento en que le presentaron sus ideas a Hine: "Estábamos un poco desconcertados [...] ¡al final de algunas de ellas parecía que se estaba riendo! Nos miramos unos a otros, con las cejas arqueadas como diciendo: '¿Cree que nuestras canciones son graciosas?' Pero evidentemente era una risa de placer; se quedó 'hasta el final'".

A sugerencia de Hine, el grupo contrató a Stephen W. Tayler como ingeniero de grabación y mezcla.

Las sesiones con Rush y Hine juntos fueron productivas; inicialmente, se asignaron 10 días para el trabajo de preproducción con una pista por día, pero se completó después de solo un día y medio.

“Presto” se grabó de junio a agosto de 1989.

Como parte de su acuerdo con Hine, la banda aceptó grabar partes del álbum en Londres.

“Presto” se terminó aproximadamente cuatro semanas antes de lo previsto.

Cuando el álbum estuvo terminado, Rush buscó un nuevo contrato discográfico y firmó con Atlantic Records después de que el ejecutivo Doug Morris, quien había querido fichar al grupo durante varios años, hiciera una oferta atractiva.

"Show Don't Tell", "The Pass" y "Superconductor" se lanzaron como sencillos; el primero llegó al número 1 en la lista US Album Rock Tracks.




 
“The Pass” trata sobre un amigo de Peart que lo acompañó en un paseo en bicicleta y una vez hablaron sobre el suicidio juvenil, lo que inspiró la letra de la canción.

Peart la consideró la canción en la que más había trabajado, debido a la delicadeza del tema.

La canción se convirtió en una de las favoritas del grupo; Peart la citó como la razón por la que volverían a grabar el álbum “Presto”, si pudieran.





“Scars” presenta un patrón de batería complejo en el que se utilizan tanto tambores acústicos como electrónicos.

Este patrón se inspiró en un ritmo tribal que Peart escuchó durante un viaje en bicicleta por África (que más tarde narró en su primer libro, “The Masked Rider: Cycling in West Africa”).

Posteriormente, incorporó este patrón a sus solos de batería en directo.

La canción también incluye el uso de un secuenciador en lugar de un bajo, instrumento con el que a menudo se confunde.

Lifeson dijo que la canción principal trata sobre "sentirse más activo en el corazón que en la cabeza, no tener las respuestas a los problemas".

"Superconductor" aborda la superficialidad de la música comercial. Este tema también aparece en otras canciones, como "Grand Designs", del álbum “Power Windows”.

En "Anagram (for Mongo)", cada línea contiene una o más palabras formadas con letras de otra palabra de la misma línea (por ejemplo, "No hay asiento seguro en el festín"), y algunas líneas contienen palabras anagramadas (por ejemplo, "Los milagros tendrán sus reclamantes").

Su título se inspiró en el personaje Mongo de la película de 1974 “Blazing Saddles”.

Lifeson habló sobre la letra: "No significa nada, solo fue algo divertido, pero tiene algunos giros geniales".

"Hand over Fist" era originalmente una pieza instrumental que Rush tenía previsto incluir en “Presto”, pero Peart siguió presentando ideas para la letra a Lifeson y Lee; una en particular encajaba bastante bien con la música y se descartó el plan de una pieza instrumental.

En el libro de la gira del álbum, Peart utilizó el simbolismo que representa el juego de manos "piedra, papel o tijera", que se convirtió en una rima infantil y se utilizó como cántico lírico en "Hand over Fist".

La portada del álbum fue diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush: un diseño en blanco y negro que representa un sombrero de mago levitando sobre una colina con un conejo emergiendo de él. En primer plano, el campo está lleno de conejos.

Rush ideó el concepto y se lo presentó a Syme, quien luego produjo varias ideas que representaban lo que ellos sugerían.

Lifeson recordó el momento en que vieron el diseño elegido: “Todos empezamos a reírnos histéricamente: ¡Esto es genial, es perfecto!".

Rush produjo tres videos musicales para Presto: "Show Don't Tell", "The Pass" y "Superconductor".





“Presto” recibió críticas mixtas.

Gregory Heaney de AllMusic describió el álbum como "operario" y alejado de la creatividad de sus trabajos anteriores.

Sin embargo, afirmó que las canciones no eran terribles, solo que algo no terminaba de encajar, quizás debido al tiempo que había pasado desde que la banda compuso canciones más tradicionales, basadas en la guitarra.

Sin embargo, antes de que se publicara la reseña de Heaney, el sitio había publicado una reseña favorable de 4,5 estrellas (de un máximo de 5) del álbum por Mackenzie Wilson, quien describió el álbum como uno que "conduce inteligentemente a Rush a los 90 sin pesimismo musical".

“Presto” alcanzó el puesto número 7 en Canadá y el número 16 en Estados Unidos.

Rush promocionó el álbum con la gira “Presto Tour” de febrero a junio de 1990.

“Presto” obtuvo la certificación de oro por la Recording Industry Association of America por vender 500.000 copias.

El álbum fue remasterizado en 2004 y 2013, este último como parte del box set de 2013 “The Studio Albums 1989–2007”.

En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios, tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.

“Roll the Bones” es el decimocuarto álbum de estudio de la banda, lanzado el 3 de septiembre de 1991 por Anthem Records en Canadá y Atlantic Records a nivel internacional.

Producido por la banda y Rupert Hine, el álbum continuó la transición desde los arreglos con predominio de teclados de la década de 1980 hacia un sonido más orientado a la guitarra, una transición que había comenzado con su lanzamiento anterior, “Presto” (1989).

Las sesiones, realizadas principalmente en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, vieron a la banda incorporar influencias de funk y jazz, sobre todo en la inclusión de un segmento de rap interpretado por el bajista Geddy Lee en la canción que da título al álbum.

En cuanto a las letras, el álbum explora temas como el azar, el destino y el peso de las circunstancias, inspirados por el interés del baterista Neil Peart en el papel de la fortuna en la vida humana.

El título es un término coloquial para referirse a lanzar dados, un motivo que se refleja en la portada, ganadora del premio Juno y diseñada por Hugh Syme.

El tema instrumental "Where's My Thing?", nominado al Grammy, marcó el regreso de la banda a las pistas instrumentales desde 1981.





“Roll the Bones” fue un éxito comercial, alcanzando el Nº 3 en el Billboard 200 —la posición más alta de la banda en las listas estadounidenses desde “Signals” (1982)— y obteniendo la certificación de platino de la Recording Industry Association of America.

La recepción de la crítica fue generalmente positiva, con los críticos elogiando la renovada energía musical y el enfoque melódico del grupo, aunque algunos críticos contemporáneos se polarizaron por la sección de rap de la canción principal.

Ha sido remasterizado varias veces, la más reciente en 2015 por Sean McGee en Abbey Road Studios.

El álbum sigue siendo una entrada significativa en la discografía de Rush, uniendo su era synth-rock con el sonido más depurado y pesado de su trabajo de 1990.

En junio de 1990, Rush terminó la gira de su álbum anterior, “Presto” (1989).

Decidieron acortar la gira a propósito, lo que, según Lee, se debió a que el grupo se sentía demasiado cauteloso al presentar el álbum en directo.

Sin embargo, se convirtió en una experiencia agradable y positiva para ellos, y cuando terminó, "estábamos tan llenos de energía que queríamos seguir tocando".

Esta energía renovada en la banda se mantuvo durante las sesiones de composición y grabación de “Roll the Bones”.

Luego se tomaron un descanso, pero decidieron acortarlo para comenzar a trabajar en nuevo material para un disco posterior.

Al igual que con “Presto”, Rush comenzó a trabajar retirándose a Chalet Studios, un estudio remoto en Claremont, Ontario.

Se quedaron durante dos meses y medio; Lee y Lifeson trabajaron en la música mientras Peart escribía las letras.

Los tres se reunían por las noches, cuando Peart escuchaba lo que los otros dos habían compuesto durante el día.

Lee había desarrollado un interés por la observación de aves y se aseguró de que algunos comederos rotos junto a la ventana del estudio fueran reparados y llenados de alimento, que disfrutaba observando mientras escribía. Las notas del álbum incluyen un agradecimiento a las aves.

Las demos se grabaron con una grabadora TASCAM 388 de ocho pistas y una mesa de mezclas integrada conectada a un secuenciador con el software C-Lab Notator.

Lee configuró patrones de batería sencillos en el ordenador para que Lifeson y él trabajaran con ellos.

Tardaron entre nueve y diez semanas en componer y ensayar para el álbum, y ocho semanas en grabarlo.

El álbum muestra el cambio continuo en el sonido del grupo que comenzó en “Presto”, con una reducción en los teclados y un regreso a canciones impulsadas por la guitarra.

Lee dijo que el cambio fue "una reacción contra el estilo de escritura más computarizado" que había dominado su sonido durante la década de 1980, y la banda ahora optó por usar sintetizadores y secuenciadores como un "dispositivo de orquestación", en lugar de un componente clave en la composición de canciones.

Las sesiones de composición para “Presto” habían involucrado solo bajo, guitarra y voces, lo que contribuyó al cambio de estilo, y el grupo continuó con este enfoque para “Roll the Bones”.

Otro aspecto que se trasladó de "Presto" fue la intención de Lee de crear fuertes melodías vocales al principio y basar el resto de la canción en ella.

Lifeson había querido intentar tocar ritmos funk y, después de haberlo intentado en “Presto”, deseaba explorarlo más en “Roll the Bones”.

La mayoría de los arreglos elaborados en la etapa de composición permanecieron sin cambios, lo que permitió al grupo usar las demos como guía para la grabación, que se realizó transfiriendo las demos completas a 24 pistas y volviendo a grabar las partes.

El álbum contiene un tema lírico recurrente sobre el elemento del azar en diferentes aspectos de la vida, que Peart ideó mientras experimentaba con las letras.

La primera letra que escribió para el álbum se usó en "Face Up", específicamente: "Súbele el volumen, o baja esa carta comodín".

Recordó estar sentado en el suelo de su cabaña "con una pila de papeles a mi alrededor" de notas de los dos años anteriores, que consistían principalmente en frases escritas en giras o durante "ese momento onírico antes de dormir".

Comenzó a experimentar con las frases "súbele el volumen" y "baja esa carta", lo que lo llevó a la idea de bajar una carta y una carta comodín, y las aplicó a eventos que una persona puede enfrentar.

“Roll the Bones” se grabó en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Place en Toronto, entre febrero y mayo de 1991. Las voces se grabaron en Inglaterra.

La banda retomó el trabajo con el coproductor Rupert Hine y el ingeniero Stephen Tayler, quienes habían trabajado en “Presto”.

Rush quería seguir trabajando con Hine debido a su talento como compositor, la retroalimentación que les brindaba a sus canciones y su capacidad para permitir que el grupo lograra un sonido más suelto que en álbumes anteriores.

Lee dijo que varios trucos de producción que habían aprendido trabajando con Peter Collins en la década de 1980 se utilizaron en “Presto” y “Roll the Bones”.

Las partes de bajo y batería se grabaron en cuatro días, y las guitarras en ocho. Lee estaba asombrado de cómo Peart había aprendido sus partes para una canción completa antes de grabarla, y que "nueve de cada diez veces solo necesitaba una pasada para clavarla".

La banda originalmente había planeado lanzar el álbum en enero de 1992, pero lo terminaron dos meses antes.

Agradecieron al canal de noticias CNN en las notas del álbum, ya que tenían el canal encendido mientras escribían, y Lee recordó que a veces era difícil dejar de verlo mientras sucedían numerosos eventos.

Lee usó dos bajos Wal diferentes en el álbum. Le gustaba su rango medio y su sonido de graves "ricos", y el hecho de que no tenía que agregar mucha ecualización.

Conoció el instrumento por primera vez cuando la banda estaba grabando en Inglaterra, y sabía que el bajista Percy Jones usó uno en los álbumes de Brand X, de los cuales era un gran fan.

Lee había tocado uno por sugerencia de Peter Collins durante la grabación de “Power Windows” (1985).

El bajo de Lee se mezcló más cerca del rango del bombo de Peart, lo que liberó espacio en la música para las partes de guitarra.

Peart también cambió su sonido, y aunque no tomó la decisión consciente de evitar la electrónica por completo, descubrió que la mayoría de las canciones no se beneficiaban de que tocara una batería electrónica y en su lugar usó principalmente baterías acústicas.

Peart se dio cuenta de que tenía tendencia a hacer que sus partes de batería fueran "demasiado organizadas, demasiado arquitectónicas" en un álbum, así que para “Roll the Bones”, dejó deliberadamente partes de las canciones sin ensayar y las grabó el día de la grabación con la intención de capturar una interpretación más espontánea.

Peart escribió que el grupo encontró cada etapa del proceso de grabación particularmente agradable y satisfactoria, lo que despertó una "nueva convicción, una sensación de renacimiento" dentro del grupo.

Lee describió las sesiones de composición para el álbum como "muy positivas" y "optimistas".

La portada fue diseñada por Hugh Syme, colaborador de Rush desde hace mucho tiempo.

Las notas del álbum contienen la críptica frase "Ahora está oscuro". Peart reveló más tarde que la frase aparece en la película “Blue Velvet” de 1986.

Los créditos incluyen una broma recurrente que comenzó en “Power Windows”, cuando el grupo notó que varios títulos de canciones comenzaban con la letra "M".

Por "diversas razones", continuaron la broma en “Roll the Bones”, con "Presentado por la letra B".

La estrofa inicial de "Dreamline" contiene referencias a la astronomía, que inspiraron a Peart tras recorrer en bicicleta cien millas desde Cincinnati hasta Columbus entre dos conciertos de la gira “Presto”.

Al llegar, vio la popular serie de divulgación científica Nova en PBS , y un programa sobre imágenes satelitales capturó su imaginación.

"Bravado" trata sobre cómo uno no debe rendirse después de fracasar, en contraposición a terminar con la vida por suicidio, tema que Peart había abordado en "The Pass" en “Presto”.





La canción fue particularmente emotiva para Lee, quien la calificó como una de las mejores canciones de la banda, en parte debido a su textura diferente al resto del álbum.

La banda era optimista sobre su forma musical, pero se enfrentó al problema de sobrecargar su arreglo porque todas las partes les sonaban bien.

Al final, aprendieron que simplificar la canción resultó en una pista más fuerte.

"Roll the Bones" recibió su nombre de un relato de ciencia ficción de Fritz Leiber que Peart había leído unos 15 años antes, titulado "Gonna Roll the Bones".

Aunque el relato no influyó en la música ni en su mensaje, a Peart le gustó la frase en particular y la guardó en su cuaderno. La frase también es un término coloquial para referirse a tirar dados.





Cuando la banda estaba grabando "Roll the Bones", Lee dijo que decidieron "divertirse" con ella e incluir una sección de rap.

Peart recordó cierto escepticismo por parte de sus compañeros de banda al principio y probaron diferentes maneras de presentarlo, incluyendo una voz femenina, pero "la transición fue demasiado brusca".

En su lugar, optaron por usar la voz de Lee con efectos de baja frecuencia aplicados.

"Where's My Thing?" fue el primer instrumental de la banda desde "YYZ" de “Moving Pictures” (1981).

Tiene el subtítulo humorístico de "Parte IV, Trilogía 'Gangster of Boats'", en referencia a una broma interna donde Lee y Lifeson amenazaron con llamar a un álbum de Rush “Gangster of Boats” si Peart alguna vez tenía dificultades para encontrar un título, así como la broma de que es la cuarta parte de una trilogía.

Peart escribió que el grupo había querido grabar un instrumental desde hacía tiempo y que el grupo se había "divertido mucho" grabándolo.

Habían querido incluir uno en “Presto”, pero cada vez que Lee y Lifeson tenían una pieza musical, Peart proporcionaba una letra que encajaba bien con ella.

Para este álbum, Peart dejó que los dos escribieran una pista instrumental y evitó deliberadamente darles letras hasta que hubieran escrito una.

En lugar de hacer de la pista una muestra de la habilidad musical del grupo, Lee y Lifeson querían darle una sección de estrofa y estribillo para que sonara como una "canción genuina".

“Heresy” es una canción de rock más directa con un ritmo que Lee describió como un “pulso de latido del corazón” que reflejaba algunas de las ideas líricas de Peart para ella.

Peart se inspiró en los acontecimientos que rodearon la caída del comunismo en Europa del Este a principios de la década de 1990 y la recuperación de las libertades de la gente.

En “Ghost of a Chance”, Lifeson toca una guitarra PRS, y él mismo calificó su solo en la canción como uno de los mejores.





La letra se basa en las concesiones que uno hace en una relación para que funcione.

Peart estaba particularmente orgulloso de la letra, ya que había escrito una canción de amor que evitaba los clichés de las letras más típicas y sentimentales de las canciones de amor.

Lee comentó que, a pesar de lo divertido que fue componer "You Bet Your Life", fue la canción más difícil de grabar, en parte debido a la dificultad de lograr un equilibrio en el estribillo entre la voz y la melodía vocal.

También fue difícil de mezclar, y Lee "nunca estuvo seguro de que lo hubiéramos conseguido del todo".

“Roll the Bones” se lanzó el 3 de septiembre de 1991.

Marcó un regreso al éxito comercial para la banda, alcanzando el Nº 3 en los EE. UU., su álbum más alto en las listas desde “Moving Pictures” (1981).

También alcanzó el Nº 10 en el Reino Unido y el Nº 11 en Canadá.

"Dreamline" alcanzó el Nº 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks de EE. UU.

En 1992, "Where's My Thing? (Part IV, "Gangster of Boats" Trilogy)" se convirtió en la segunda canción de Rush en ser nominada a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de rock.

La canción perdió ante "Cliffs of Dover" de Eric Johnson, quien abrió para Rush en la etapa de 1991 de la gira “Roll the Bones”.

Rush realizó una gira con el álbum entre octubre de 1991 y julio de 1992, recorriendo Canadá, Estados Unidos, Europa continental y el Reino Unido.

Dado que la experiencia de grabar el álbum fue productiva y positiva, estaban deseosos de salir de gira y promocionarlo, y la gira fue más larga que la de “Presto”.

Chuck Eddy, de Entertainment Weekly, opinó que el álbum exploraba nuevos territorios, señalando que sus "habituales guiños melódicos al metal de MTV y a las salas de conciertos del siglo XIX" ahora tenían "guiños rítmicos a los videojuegos de Nintendo y a África Occidental".

Eddy también destacó el rap en la canción que da título al álbum, concluyendo: "Por una vez, estos tipos parecen estar actuando de forma ridícula a propósito".

En reseñas retrospectivas, Eduardo Rivadavia de AllMusic calificó a “Roll the Bones” como "posiblemente el álbum más oscuro de Rush" en cuanto a letras, citando "Dreamline" como una de las mejores canciones de la banda de los 90.





Añadió que, "aunque su temática negativa puede resultar asfixiante a veces, temas excelentes como 'Bravado', 'The Big Wheel' y 'Heresy' presentan melodías y arreglos maravillosos".

Ultimate Classic Rock incluyó “Roll the Bones” en su lista de "Los 100 mejores álbumes de rock de los 90".

También lo clasificaron como el noveno (de 19) mejor álbum de Rush, con Dave Swanson escribiendo: "aunque los sintetizadores siguen sonando estridentes y algunos de los experimentos van demasiado lejos (eh, sí, es Geddy Lee quien rapea en la canción que da título al álbum), la composición es estupenda".






Nota de Presidemente: Continuara.......




Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com