En el puesto número 36
Les Claypool (Tercera parte)
Primus, junto con Ministry y Philip H. Anselmo & The Illegals, también abrió el concierto de Slayer en la última etapa norteamericana de su gira de despedida en noviembre de 2019.
A principios de 2020, la banda anunció una gira en la que cada noche interpretarían el álbum de Rush de 1977, “A Farewell to Kings”, en su totalidad.
La gira se pospuso dos veces: una debido a que Primus se unió a Slayer en su gira de despedida y otra debido a la pandemia de COVID-19.
En noviembre de 2020, anunciaron una transmisión en vivo titulada "Alive From Pachyderm Station" que se emitiría el 11 de diciembre en Primuslive.com si el público compraba una entrada.
El concierto se filmó en la bodega de Claypool, "Claypool Cellars". El evento marcó la primera vez en 20 años que se interpretaron canciones de “Antipop” en vivo, incluyendo la primera interpretación oficial de la canción (aparte de su interpretación en la prueba de sonido en Milwaukee en 1999) "Eclectic Electric".
La gira "Tribute to Kings" comenzó en agosto de 2021 y originalmente finalizó en octubre, seguida de una extensión a partir de abril de 2022.
En una entrevista de agosto de 2021 con The Spokesman-Review, Claypool confirmó que un nuevo álbum de Primus estaba en proceso: "Se están barajando algunas ideas, pero aún no hemos llegado a ese punto. Tendremos un nuevo álbum en algún momento. Nos estamos centrando en esta gira y eso es suficiente para nosotros por ahora".
En marzo de 2022, Claypool reveló que la banda planeaba lanzar un nuevo sencillo de doce pulgadas con una canción de 13 minutos llamada "Conspiranoia" y dos canciones como caras B.
El EP “Conspiranoid” se lanzó el 22 de abril de 2022.
Lanzado en vinilo y CD, este EP incluye la canción más larga de la banda hasta la fecha, "Conspiranoia", con una duración de once minutos; fue lanzado como sencillo el 5 de abril de 2022, junto con un video musical creado por Cage Claypool, hijo de Les Claypool.
También es el último lanzamiento de Primus con el baterista Tim "Herb" Alexander antes de dejar la banda por tercera vez en octubre de 2024.
Les Claypool, reveló la inspiración para el EP en una entrevista con Consequence, diciendo que "surgió de una semilla que planté en mi cuaderno hace aproximadamente un año: unas líneas que comentaban sobre el estado mental del mundo contemporáneo".
Se inspiró en lo que Claypool percibía como una creciente división entre las personas, causada por "la desinformación, la información errónea, la información distorsionada y los cuentos de hadas, perpetuados por cualquiera con un mínimo de aptitud para el diseño web".
El tema tiene un tono aleccionador y contiene referencias líricas a las estelas químicas, QAnon, la Tierra plana, las teorías conspirativas sobre la COVID-19, Donald Trump y las teorías conspirativas antisemitas.
El título del EP es una combinación de las palabras "conspiracy" y "paranoid".
Primus inicialmente tenía la intención de hacer la continuación de “The Desaturating Seven” (2017), pero no les interesaba escribir material suficiente para un álbum debido a limitaciones de tiempo.
En su lugar, comenzaron a escribir un sencillo, inicialmente con la idea de crear una canción larga, tortuosa y descomunal de veinte minutos de duración. Esta canción se convirtió en "Conspiranoia".
Además, la banda terminó un tema ya existente, "Follow the Fool", así como la nueva composición "Erin on the Side of Caution", esta última también basada en escritos del cuaderno de Claypool.
En mayo de 2023, Claypool declaró que se había hablado de otro álbum de Primus, pero agregó que "no sería pronto" debido a sus compromisos con varios proyectos.
El 9 y 10 de agosto de 2022, Primus actuó en el Concierto del 25º Aniversario de South Park junto a Matt Stone y Trey Parker, creadores de "Ween" y "South Park".
Se emitió en Comedy Central el 13 de agosto y en Paramount+ el 14 de agosto.
Primus colaboró en la canción "Pablo's Hippos" de Sessanta EPPP, un EP compartido con Puscifer y A Perfect Circle, lanzado en marzo de 2024 coincidiendo con la gira de Sessanta, en la que participaron las tres bandas mencionadas.
Durante una parada de la gira en el festival Sick New World, el equipo de la banda se retrasó debido a una tormenta de nieve; en lugar de cancelar el concierto, Claypool y Lalonde simplemente fueron a un Guitar Center local y compraron una guitarra y un bajo Fender a juego, y tocaron con ellos.
El bajo de Claypool aún conservaba la etiqueta del clavijero durante el concierto.
Más tarde anunciarían que subastarían los dos instrumentos a beneficio del Hospital de Investigación Infantil St. Jude.
El 17 de octubre de 2024, Alexander anunció inesperadamente a sus compañeros de banda que dejaría la banda con efecto inmediato. Alexander declaró que había "perdido la pasión por tocar", sin más detalles.
Primus confirmó oficialmente su salida el 29 de octubre de 2024; la banda también anunció que planeaban buscar al "mejor baterista del mundo", con más detalles próximamente.
Alexander explicaría más tarde en una entrevista con Rolling Stone en noviembre que las preocupaciones por su salud también influyeron en su decisión de dejar la banda.
Primus ofreció su primer concierto desde la tercera salida de Alexander en el Fox Oakland Theatre el 30 de diciembre de 2024, donde se interpretaron tres repertorios diferentes, incluyendo canciones del álbum debut en solitario de Claypool de 1996, “Highball with the Devil”, como "The Holy Mackerel", una semi-reunión de Frog Brigade (con LaLonde a la guitarra) y Primus tocando con el baterista Brain por primera vez en 24 años.
Para reemplazar a Alexander, se audicionaron al menos 6200 bateristas, y la ronda final incluyó a Thomas Lang, Thomas Pridgen y Nikki Glaspie; la banda documentó el proceso de audición en una serie web documental llamada "Primus Interstellar Drum Derby" en YouTube.
Finalmente, Claypool anunció al baterista de Dirtfoot, John Hoffman, como el reemplazo de Alexander el 7 de febrero de 2025.
Hoffman hizo su debut en vivo con Primus en el festival Tool in the Sand en marzo de 2025 en Punta Cana, República Dominicana, junto al baterista de Tool, Danny Carey.
La primera gira de Hoffman con Primus fue el "Sessanta V2.0 Tour" con A Perfect Circle y Puscifer, que tuvo lugar de abril a junio de 2025.
La nueva formación lanzó su primera canción grabada, "Little Lord Fentanyl", con Maynard James Keenan, el 1 de mayo de 2025.
En julio de 2025, Hoffman dijo que había una "fuerte probabilidad" de que se lanzara un nuevo álbum de Primus.
Otros proyectos
Sausage (ya comentado anteriormente)
En 1988, Claypool fundó una breve banda de rock alternativo/funk con Todd Huth a la guitarra y Jay Lane a la batería.
El grupo lanzó su primer álbum en abril de 1994, "Riddles Are Abound Tonight", de Prawn Song Records.
Realizaron algunas giras cortas y fueron teloneros de grupos como Helmet, Rollins Band y Slayer.
La banda se reunió para un concierto el 31 de diciembre de 2019, como teloneros de The Claypool Lennon Delirium, y no han vuelto desde entonces.
Holy Mackerel (ya comentado anteriormente)
En 1996, Claypool produjo, dirigió y lanzó un álbum en solitario, "Les Claypool and the Holy Mackerel presenta Highball with the Devil".
Se le atribuye la participación en el bajo, la batería y la voz en varios temas, además de la guitarra.
También participan en el álbum Mark "Mirv" Haggard, Adam Gates, Jay Lane, Joe Gore, Charlie Hunter y Henry Rollins.
La gira que lo acompañó incluyó a Haggard y Gates en las guitarras y a Bryan Mantia en la batería.
Durante la gira de Holy Mackerel se anunció que Mantia había sido elegido como el próximo baterista de Primus.
Oysterhead
En abril de 2000, Claypool colaboró con Trey Anastasio (de Phish) y Stewart Copeland (de The Police) para formar un supergrupo llamado Oysterhead.
El sonido ecléctico de la banda se ha descrito como una fusión de funk alternativo.
Claypool y Anastasio habían estado buscando una oportunidad para colaborar. Ambos tenían un interés mutuo en tocar con Copeland, quien había sido un ídolo del rock en su adolescencia.
Además, Claypool y Copeland ya tenían una amistad establecida.
En abril de 2000, Superfly Presents le pidió a Claypool que reuniera una banda para actuar durante el New Orleans Jazz Fest.
Claypool contactó a Anastasio y juntos se acordaron de un héroe mutuo, Copeland.
Oysterhead originalmente estaba destinado a ser una actuación en vivo singular en el New Orleans Saenger Theatre el 4 de mayo de 2000.
La banda compiló un conjunto de material casi en su totalidad original para el espectáculo, ensayando en el Frauenthal Theatre de Muskegon.
Las entradas se revendieron por hasta 2.000 dólares cada una; los miembros de la audiencia incluyeron a Francis Ford Coppola y Matt Groening.
Aunque tímidos ante la repentina y sorprendente popularidad de la banda, decidieron grabar y salir de gira.
“The Grand Pecking Order”, el álbum debut de la banda, se grabó en el estudio de grabación Barn del guitarrista Trey Anastasio y fue lanzado el 2 de octubre de 2001.
Muchas de las canciones de su primera actuación están en el álbum, incluyendo "Little Faces" (una versión reelaborada de "I Am Oysterhead"), "Mr. Oysterhead", "Rubberneck Lions", "Pseudo Suicide" y "Owner of the World".
La canción "Oz is Ever Floating" se refiere al ingeniero de grabación del álbum, Oz Fritz, y sus creencias en el psicoanalista Dr. John C. Lilly.
La canción "Birthday Boys" trata sobre los cumpleaños temporalmente próximos de Claypool (29 de septiembre) y Anastasio (30 de septiembre) mientras estaban en Las Vegas en 2000.
La canción "Radon Balloon" aparecería como una versión instrumental reelaborada en el álbum homónimo de Anastasio como "Ray Dawn Balloon".
La canción "Wield the Spade" se basó en un discurso del último líder comunista de Rumania, Nicolae Ceauşescu.
Finalmente, el lanzamiento de este álbum fue respaldado por una breve gira por América del Norte que se extendió del 21 de octubre al 18 de noviembre de 2001, acompañado por North Mississippi Allstars, Drums & Tuba, The Cancer Conspiracy, Lake Trout, Mark Ribot y Los Cubanos Postizos y New Orleans Klezmer Allstars.
Se habían programado dos espectáculos de calentamiento previos a la gira en Toad's Place en New Haven, Connecticut, para el 14 de septiembre de 2001 y en el Irving Plaza en la ciudad de Nueva York, (como parte de CMJ Music Marathon) para el 15 de septiembre de 2001, pero fueron cancelados a raíz de los ataques del 11 de septiembre.
El 15 de noviembre de 2001, la banda interpretó la canción "Oz Is Ever Floating" en Late Night with Conan O'Brien.
AllMusic elogió el álbum, comentando: “Sería difícil encontrar tres músicos con voces tan singularmente disímiles como las de Trey Anastasio, Les Claypool y Stewart Copeland, y mucho menos intentar fusionarlos eficazmente en la misma banda. Sin embargo, esto es precisamente lo que Oysterhead logra en su álbum debut”.
Aclararon que “las señas de identidad de cada miembro se mantienen intactas: los fluidos pasajes de guitarra de Anastasio, el impresionante tono grave de Claypool y el hábil trabajo de hi-hat y platillos de Copeland; pero a diferencia de muchos álbumes de supergrupos anteriores, [...] los músicos parecen escucharse atentamente y tocar en sintonía en todo momento, y disfrutar haciéndolo”.
El 16 de junio de 2006, Oysterhead se reunió para un concierto de dos horas en el Festival de Música de Bonnaroo.
La banda interpretó música de “The Grand Pecking Order” durante el concierto.
En 2016, Les intentó reunir al grupo, pero terminó lanzando un álbum con The Claypool Lennon Delirium.
En octubre de 2019, Oysterhead creó cuentas de redes sociales en Instagram y Twitter y anunció que tocarían dos shows de reunión en febrero de 2020 en el 1stBank Center en Broomfield, Colorado.
Si bien la banda continuó programando fechas de gira adicionales para 2020 en California y en varios festivales de EE. UU., solo se realizaron las dos fechas de Colorado antes de que las otras fechas se interrumpieran por la pandemia de COVID-19.
Oysterhead reanudó la gira en 2021.
Cuando se le preguntó en marzo de 2022 si la banda planeaba grabar un segundo álbum, Claypool dijo que no lo tenía claro: "Siempre lo hablamos cuando estamos sentados, pero los tres estamos muy ocupados. Realmente no hemos encontrado el tiempo para hacerlo. Es un proyecto. Tienes a tres chicos que son los alfas en la misma habitación. Es más bien un proyecto, creo, pero quién sabe. He estado hablando con Stewart últimamente sobre intentar juntarnos y empezar a improvisar algo a ver qué pasa".
The Frog Brigade (Colonel Les Claypool's Fearless Flying Frog Brigade)
Claypool formó la banda para tocar en el Festival Mountain Aire, un festival de bandas de jam que se celebra en el norte de California cada año durante el fin de semana del Día de los Caídos.
La banda, “de los chicos más increíbles que podría encontrar”, debutó ese fin de semana y tocó en varios festivales, incluyendo moe.down.
Originalmente, iba a llamar a la banda Les Claypool's Thunder Brigade. Claypool comentó: “Originalmente iba a hacer el evento con dos bateristas, Herb y Jack Irons, así que lo iba a llamar la Brigada del Trueno de Les Claypool. Michael Bailey, de Bill Graham Presents, me comentó que quizá sonara demasiado fuerte para el público de Mountain Aire y que quizás probara algo diferente relacionado con el evento en sí. Dado que era la sede del Salto de Rana del Condado de Calaveras, de ahí la Brigada de Rana, que luego evolucionó a la Brigada de Rana Voladora Intrépida del Coronel Les Claypool”.
Su formación inicial incluía a Marc Haggard de MIRV en la guitarra, Skerik en el saxofón y a Jack Irons (ex-Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers) y Tim Alexander de Primus en la batería.
En agosto de 2000, Claypool creó una nueva formación de Frog Brigade y la llevó de gira ese otoño.
La banda estaba formada por Jay Lane en la batería y Todd Huth en la guitarra, que había trabajado con Claypool en Sausage (que en sí mismo fue una reforma de la primera formación de Primus), el guitarrista Eenor, que consiguió un lugar en la banda al ganar un concurso de pedidos por correo, Jeff Chimenti, el teclista de Ratdog (Jay Lane también ha trabajado con Ratdog), y Skerik continuando en el saxofón.
El receso de Primus le permitió volver a sus raíces musicales, interpretando canciones de bandas como Pink Floyd, King Crimson y los Beatles. Claypool ha llamado a Frog Brigade su "banda de la crisis de la mediana edad".
Las reseñas indicaban que, aunque Claypool se estaba inclinando hacia la jam band, la selección de versiones era audaz y la fusión reunió a una combinación única de fans.
En los conciertos, se observó “una peculiar convergencia de poncho punks, antiguos Deadheads, extravagantes fans del funk y juerguistas de Halloween todo el año, creando uno de los públicos de rock más improbables de los últimos tiempos".
Tras esta gira, la Brigada lanzó dos grabaciones en vivo, ambas de los conciertos de otoño de 2000 que la banda dio en el Great American Music Hall de San Francisco; “Live Frogs, Vol. 1” contenía material del primer set de formato libre, y “Live Frogs, Vol. 2” era una grabación de la banda interpretando “Animals”.
El Set 1 de “Live Frogs” ganó el premio al "Mejor Álbum en Vivo" en la segunda edición anual de los Jammy Award (también conocidos como Jammys), una entrega de premios para bandas, conocidas como jam bands, y otros artistas asociados con la música improvisada en vivo, creada por Dean Budnick y Peter Shapiro.
The Brigade encabezó el primer SnoCore Icicle Ball a principios de 2001.
El verano siguiente, la banda quedó compuesta por Claypool, Skerik, Eenor y un nuevo baterista, Paul Svena.
Les comenzó a componer material nuevo y a tocar en directo.
En 2002, Mike Dillon se incorporó como percusionista y Frog Brigade grabó su único álbum de estudio hasta la fecha, “Purple Onion”, lanzado el 24 de septiembre.
Si bien los habituales de la Brigade son consistentes en gran parte del disco, como Jay Lane, Eenor Wildeboar, Skerik y el nuevo percusionista Mike "Tree Frog" Dillon, también aparecen muchos invitados especiales en el álbum.
Los invitados en múltiples temas incluyen a Ben Barnes y Sam Bass (ambos de Deadweight en ese entonces).
"D's Diner", un tributo a un restaurante de Sebastopol, California, presenta a la intérprete de sitar Gabby La La, además de la avalancha de contrabajo de Claypool, Norwood Fisher (Fishbone) y Lonnie Marshall (Wamen of Choice).
Warren Haynes (Allman Brothers Band, Gov't Mule) agrega la guitarra slide en "Buzzards of Green Hill" y Fish Fisher (baterista de Fishbone) en "Whamola".
"Whamola" fue un clásico de los conciertos en vivo, llamado así por el singular instrumento que Les usa: un bajo de una sola cuerda tocado con una baqueta. La canción apareció posteriormente como remix del tema de la décima temporada de South Park.
"Barrington Hall" es un homenaje a la residencia de estudiantes de la Universidad de California en Berkeley, conocida entre los años 60 y 80 por su influencia contracultural.
"Purple Onion" se lanzó en vinilo por primera vez el 24 de noviembre de 2009 y su recepción fue positiva.
El College Music Journal (CMJ) escribió que “la potente voz de Claypool y su forma de hablar de feria distorsionan las canciones como el interior de un espejo de feria”.
La revista Rolling Stone le dio al álbum una calificación de tres sobre cinco y afirmó que “permite al maestro del bajo dar rienda suelta a su rareza... Seguro que encantará a los fans más acérrimos”.
La reseña de AllMusic de Jesse Jarnow le otorgó tres estrellas sobre cinco y escribió que “la música no es ni de lejos tan vanguardista ni angular como su trabajo con Primus, pero en definitiva está bien”.
Tom Waits lo colocó en el puesto 19 de sus álbumes favoritos.
En 2003, Eenor dejó la banda y se unió el guitarrista Bryan Kehoe. A lo largo de sus giras, la banda ha cambiado de baterista varias veces.
El baterista Paulo Baldi también entró en la rotación en 2003. Baldi, exintegrante del trío Deadweight del Área de la Bahía, ahora separado, encaja a la perfección con Tim Alexander y Jay Lane.
Hasta agosto de 2011, Frog Brigade no había grabado material nuevo desde “Purple Onion”, y la banda no había realizado una gira importante desde el verano de 2003, aunque se había reagrupado ocasionalmente para tocar en otros conciertos y festivales de música.
Claypool estuvo de gira en 2006 y 2007 con Paulo Baldi, Gabby La La, Mike Dillon y Skerik como Les Claypool's Fancy Band.
En 2023, Claypool reformó la banda para una gira titulada "Summer of Green", con una formación casi completamente nueva: Sean Lennon a la guitarra, Harry Waters a los teclados, Paulo Baldi a la batería y Mike Dillon a la percusión.
Skerik era el único miembro original, aparte de Claypool, que se reincorporaba al grupo reformado; sin embargo, Skerik se vio obligado a retirarse de la gira debido a una misteriosa lesión en el hombro y el cuello.
Colonel Claypool's Bucket of Bernie Brains
En 2002, Claypool formó una nueva banda, Colonel Claypool's Bucket of Bernie Brains (una combinación de los nombres de todos los miembros de la banda), con el guitarrista Buckethead, el tecladista Bernie Worrell y el exbaterista de Primus Bryan Mantia (también conocido como Brain).
Esta banda tuvo una génesis muy similar a la de Frog Brigade; se formó para tocar en el Festival de Bonnaroo de ese año y desde entonces ha estado de gira, y sus grabaciones se han convertido en álbumes en vivo.
Sus conciertos empujaron los límites de la improvisación al no preparar material ni ensayar de antemano.
En uno de sus espectáculos, prepararon sándwiches en el escenario para que los miembros del público comieran.
El grupo Bucket of Bernie Brains del Coronel Claypool, conocido por sus fans como C2B3, se reunió en 2004 para grabar “The Big Eyeball in the Sky”, un álbum con canciones instrumentales y vocales a partes iguales publicado por el propio sello discográfico de Les Claypool, Prawn Song.
La canción “Junior” trata sobre la guerra de Irak y es una crítica a la política exterior de la administración Bush.
Hal Horowitz de AllMusic le dio al álbum una reseña por encima del promedio, escribiendo: "Los gráficos, dominados por los ojos, parecen un homenaje a The Residents, y la música busca de manera similar una colisión experimental entre el enfoque no comercial de esa legendaria banda vanguardista y una mezcla de jazz-rock al estilo de Frank Zappa".
La banda comenzó una gira por 18 estados de EE. UU. el 24 de septiembre de 2004.
Claypool dijo que la gira fue "un espectáculo itinerante de marionetas, descomunal, inspirado en los personajes de una película de Tobe Hooper y con música de Danny Elfman bajo los efectos del ácido".
El álbum cuenta con una única invitada, la talentosa Gabby La La en voz y sitar.
También abrió todos los conciertos de la gira de 2004 como solista, recibiendo críticas mixtas, a veces con miembros de C2B3.
Claypool también produjo y tocó en el primer álbum de Gabby La La, “Be Careful What You Wish For...”.
Gabby La La es la primera artista que Les ha fichado para su sello desde Charlie Hunter en 1993. Ha realizado algunos conciertos con ella (incluido el Festival de Música Bonnaroo de 2005 ) y la incorporó a su entonces nueva banda de gira, Les Claypool & His Fancy Band.
Les Claypool's Fancy Band (ya comentado anteriormente)
Con la Fancy Band realizó giras nacionales en 2006 y 2007.
Se grabó un DVD en directo, "Fancy", durante la gira de 2006 y se publicó en 2007. La pista de audio incluye una mezcla de grabaciones de mesa de mezclas y grabaciones caseras.
Una canción del álbum, "One Better", se utilizó en la película "National Lampoon's TV: The Movie" en una escena de pelea entre Preston Lacy y Lee Majors .
Además de su gira nacional en el verano de 2007 con Fancy Band, Claypool actuó ese mismo octubre con una versión de la banda, denominada Fancy Trio.
El trío estaba formado por Claypool, Skerik al saxofón y Mike Dillon a la batería, el vibráfono y la percusión.
Tocaron en The Echo Project, un festival inaugural de tres días con conciencia ecológica que tuvo lugar en Fairburn, Georgia, en la granja de la familia Boukeart.
El repertorio fue similar al de las giras de Fancy Band, con temas de los álbumes en solitario de Claypool y de Frog Brigade, además de una versión de "One Step Beyond" de Prince Buster y fragmentos de otras canciones, incluyendo varios temas de Primus, a lo largo de sus improvisaciones.
Durante muchos años, Claypool ofreció un espectáculo de Nochevieja en The Fillmore de San Francisco.
Más recientemente, este espectáculo se ha convertido en un baile anual de sombrereros que incluye un concurso de sombreros.
El 31 de diciembre de 2007 se celebró la tercera edición de este evento anual.
En 2008, la gira por Estados Unidos se extendió del 29 de febrero al 5 de abril. Comenzó en el Neighborhood Theatre de Charlotte, Carolina del Norte, y finalizó en The Warfield de San Francisco. La gira de 2008 fue un cuarteto formado por Claypool, Dillon, Skerik y Baldi.
El 31 de diciembre de 2008, Claypool celebró la llegada del Año Nuevo con su espectáculo anual de Nochevieja. Tuvo lugar en la Ópera de San Francisco, compartiendo cartel con Zappa Plays Zappa, que actuó como telonero.
Claypool también fue juez en la séptima edición de los Independent Music Awards. Sus contribuciones ayudaron a impulsar las carreras de artistas independientes emergentes.
En 2009, Claypool salió de gira con Matisyahu, actuando en un espectáculo doble, además de presentarse juntos en el escenario.
El 28 de marzo de 2010, Claypool interpretó una versión de "The Spirit of Radio" de Rush para su ingreso al Salón de la Fama de los Compositores Canadienses.
El 6 de septiembre de 2012, se reveló un nuevo proyecto paralelo como una banda acústica llamada Duo de Twang, con Claypool y originalmente Marc Haggard.
Después de dos conciertos, Haggard fue reemplazado por Bryan Kehoe. Ambos guitarristas tocan juntos en la banda asociada MIRV.
El 4 de febrero de 2014, Duo de Twang lanzó su álbum debut “Four Foot Shack” y comenzó su gira a finales de febrero.
The Claypool Lennon Delirium
El 19 de enero de 2016 se anunció que The Claypool Lennon Delirium, una colaboración entre Claypool y Sean Lennon, debutaría en Bonnaroo 2016.
The Claypool Lennon Delirium está compuesta por el bajista y vocalista Les Claypool, el guitarrista y vocalista Sean Ono Lennon de The Ghost of a Saber Tooth Tiger, el tecladista y vocalista João Nogueira de Stone Giant y el baterista Paulo Baldi de Cake.
Lennon clasificó la música del grupo como "progadélica".
La banda se concibió en 2015, cuando Claypool sabía que Primus se tomaría un año sabático después de la gira junto a The Ghost of a Saber Tooth Tiger y Dinosaur Jr.
Se mantuvo en contacto con el vocalista de The Ghost of a Saber Tooth Tiger, Sean Ono Lennon, quien no había planeado ningún proyecto musical para el año siguiente.
Tenían la idea de hacer un disco de rock progresivo, psicodélico y de la vieja escuela. Claypool invitó a Lennon a su casa de huéspedes para beber vino, intercambiar ideas y tocar la batería.
Claypool habló con entusiasmo de la colaboración, afirmando: “Sean es un mutante musical que me llega al alma. Sin duda refleja su genética, no solo la sensibilidad de su padre, sino también la perspectiva abstracta y el enfoque único de su madre. El resultado es una mezcla extraña y gloriosa”.
En el transcurso de seis semanas, escribieron y grabaron diez canciones, compartiendo ambos diversas responsabilidades vocales e instrumentales, yendo más allá de sus instrumentos principales de bajo y guitarra, y culminando con el lanzamiento de su primer álbum de estudio, “Monolith of Phobos”.
Lanzado el 3 de junio de 2016, el álbum recibió críticas generalmente positivas por parte de los críticos musicales, obteniendo una puntuación de 70 en Metacritic.
Asimismo, el álbum fue bien recibido por el público en general, con una calificación de 8.6 por parte de los usuarios en Metacritic al 1 de agosto de 2017.
El álbum debutó en el Top 10 de tres listas de Billboard: Top Vinyl Albums, Top Tastemakers Albums y Top Alternative Albums.
Poco después lanzaron “Lime and Limpid Green”, un EP de versiones. El álbum incluye cuatro versiones de canciones originales de Pink Floyd, The Who, King Crimson y Flower Travellin' Band.
Lennon, cuya madre, Yoko Ono, le presentó la obra de Flower Travellin' Band y que conocía a sus miembros, eligió su canción como un homenaje a sus compatriotas japoneses, quienes, según él, habían estado sufriendo desde el terremoto y tsunami de Tōhoku de 2011.
Fue lanzado originalmente para el Record Store Day de 2017, pero finalmente se puso a disposición en plataformas de streaming.
La portada incluye una referencia evidente a los Cylons de “Battlestar Galactica”, con la evolución del hombre desde simio a humano, luego a una forma cibernética y finalmente a una tostadora, término coloquial para referirse a los Cylons en la serie de 2004.
El título del EP deriva de la primera línea de "Astronomy Domine".
El 22 de febrero de 2019, el dúo lanzó su segundo álbum de estudio, “South of Reality”. El LP fue escrito y grabado durante dos meses en el estudio de grabación casero de Claypool en California.
El dúo se embarcó en una breve gira como cabeza de cartel para apoyar el disco a finales de 2018, con fechas sucesivas en la primavera de 2019.
El álbum fue precedido por el sencillo principal y el video musical de "Blood and Rockets", seguido de dos temas de prelanzamiento sucesivos: "Easily Charmed by Fools" a finales de 2018 y "Amethyst Realm" a principios de 2019.
El álbum recibió críticas generalmente positivas de los críticos musicales, con una calificación de 78 basada en 7 reseñas en Metacritic, que superó la puntuación de 70 recibida por su LP debut, “Monolith of Phobos”.
Los críticos elogiaron el sonido inusual del álbum y la mejora con respecto a su proyecto debut: la revista Paste le otorgó al álbum un 8.5/10, escribiendo "South of Reality es extraño. Es poco ortodoxo... Eso es lo que hace que el álbum sea tan genial".
AllMusic señaló que "Si la sátira del dúo a veces parece barata —las burlas a Tinder en 'Easily Charmed by Fools' son un poco demasiado fáciles— lo compensan con puro buen humor, razón por la cual la juguetonería de South of Reality encanta en lugar de alienar".
Uncut llamó al álbum como "Un festín maximalista sustancioso, más rico y maduro que su predecesor".
En una entrevista de mayo de 2023, Claypool indicó que se estaba grabando otro álbum. El bajista declaró: "Estoy a mitad de camino de un disco de Delirium con Shiner...".
El 25 de febrero de 2026, la banda anunció su tercer álbum de larga duración, “The Great Parrot-Ox and the Golden Egg of Empathy”, que se lanzará el 1 de mayo. Al anuncio le siguió el sencillo “The Golden Egg of Empathy”, con la colaboración de WILLOW.
Otros trabajos
Claypool fue una estrella invitada especial en un episodio de "Space Ghost Coast to Coast" con la mayor cantidad de celebridades en Cartoon Network en 1996.
El primer libro de Claypool, “South of the Pumphouse”, fue publicado el 1 de julio de 2006 por Akashic Books. Se vendieron ejemplares durante su gira por Estados Unidos en 2006, tras el lanzamiento de “Of Whales and Woe”.
El libro es una historia sombría sobre hermanos, asesinato, drogas y pesca; se ha comparado con la obra de Hunter S. Thompson. Claypool concedió su primera entrevista sobre el libro el 11 de mayo de 2006.
También en 2006, Claypool escribió y dirigió el falso documental “Electric Apricot: Quest For Festeroo”. Se proyectó en varios festivales de cine y es una parodia de la escena de las bandas de jam centrada en la banda ficticia Electric Apricot, con Claypool también interpretando al baterista y corista de la banda.
La banda realizó conciertos reales en el área de California (como el High Sierra Music Festival) para el rodaje de la película.
Durante una sesión de preguntas y respuestas en el Festival de Cine de Tiburon, donde se estrenó la película, dijo que el DVD incluiría un CD con la banda sonora.
La película ha ganado premios, incluido el de Mejor Largometraje (elección del público) en el Festival de Cine de Malibú.
Claypool también dijo que la banda posiblemente realizaría algunos conciertos selectos, pero la gira nunca se concretó ya que la estrella de la película, Adam Gates, trabajaba para Pixar, lo que dificultó las giras.
En 2007, Claypool creó Claypool Cellars, un proyecto vinícola que se convirtió en una bodega boutique. Elabora vino con uvas cultivadas en el Russian River Valley de California.
Los vinos llevan nombres inspirados en su música, como "Purple Pachyderm" y "Pink Platypus". "Purple Pachyderm" en particular fue creado en colaboración con la esposa de Claypool, Chaney.
Además de la prominencia de su forma de tocar el bajo en las obras grabadas a lo largo de su discografía, el estilo de Claypool también incorpora varias otras técnicas inusuales, como rasgueos al estilo flamenco, tapping , slapping y acordes similares a los de la guitarra.
Ha hecho un uso prominente de un sistema de vibrato "bass tremolo" Kahler, así como efectos como cajas de fuzz y filtros de envolvente.
Durante la mayor parte de su carrera, Claypool ha tocado bajos de cuatro cuerdas, pero ha experimentado con bajos de rango extendido , sobre todo modelos de seis cuerdas.
Claypool ha citado a Rush y a su bajista Geddy Lee, Larry Graham, Chris Squire, Tony Levin, Roger Waters, Paul McCartney, Geezer Butler, Bootsy Collins, Stanley Clarke, John Paul Jones y The Residents como influencias musicales.
Claypool es conocido por su personalidad excéntrica, su sentido del humor surrealista, su consumo de cannabis y su amor por el vino.
El 12 de junio de 2018, el alcalde de Cincinnati, John Cranley, declaró el "Día de Les Claypool".
Durante el concierto de Primus esa misma noche en el Riverbend Music Center, miembros de la Cincinnati USA Music Heritage Foundation, junto con Bootsy Collins, amigo e influencia de Claypool, le entregaron el reconocimiento.
Equipo
Claypool lleva mucho tiempo promocionando los bajos Carl Thompson, pero también utiliza un bajo "Pachyderm" personalizado, construido por el luthier Dan Maloney, y un contrabajo NS Design.
Utiliza amplificadores Mesa/Boogie y una amplia gama de pedales de efectos.
Discografía
Con Blind Illusion
The Sane Asylum (1988)
Con Primus
Sausage (demo) (1988)
Sucking Songs (demo) (1988)
Suck on This (1989)
Frizzle Fry (1990)
Sailing the Seas of Cheese (1991)
Miscellaneous Debris (1992)
Pork Soda (1993)
Tales from the Punchbowl (1995)
The Brown Album (1997)
Rhinoplasty (1998)
Antipop (1999)
Animals Should Not Try to Act Like People (2003)
They Can't All Be Zingers: The Best of Primus (2006)
Green Naugahyde (2011)
Primus & The Chocolate Factory With the Fungi Ensemble (2014)
The Desaturating Seven (2017)
Conspiranoia/Follow The Fool (2022)
Con Sausage
Riddles Are Abound Tonight (1994)
Con Les Claypool and the Holy Mackerel
Highball with the Devil (1996)
Con Colonel Les Claypool's Fearless Flying Frog Brigade
Live Frogs Set 1 (2001)
Live Frogs Set 2 (2001)
Purple Onion (2002)
Con Buckethead
Monsters and Robots (1999) (coescribiendo 6 temas)
Con Colonel Claypool's Bucket of Bernie Brains
The Big Eyeball in the Sky (2004)
Con Oysterhead
The Grand Pecking Order (2001)
En solitario (Les Claypool)
Of Whales and Woe (2006)
Of Fungi and Foe (2009)
Con The Claypool Lennon Delirium
Monolith of Phobos (2016)
South of Reality (2019)
Fuentes: rollingstone.com, allaboutjazz.com, biographycentral.com, Wikipedia y Flickr
LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 35
Louis Johnson
Si Louis Johnson no hubiera hecho nada más que tocar la implacable y rítmica línea de bajo que da forma e impulsa a "Billie Jean" de Michael Jackson, probablemente aún merecería estar en esta lista.
Pero como uno de los bajistas de sesión predilectos de Quincy Jones, Johnson tocó en un sinfín de éxitos de finales de los setenta y principios de los ochenta, ayudando a crear algunos de los pop más sofisticados y enérgicos de la historia.
Era un maestro de la innovación melódica de James Jamerson: escuchen el estribillo de "Off the Wall" de Jackson, donde Johnson toca una línea fluida tan elegante y precisa como la enérgica voz de Jackson.
Pero Johnson también comprendió el valor de la técnica de "golpear y puntear" de Larry Graham, capaz de hacer vibrar las ventanas.
Ahí está de nuevo en "I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)" de Michael McDonald, esta vez tocando partes graves y contundentes: ¿cuántas notas logra meter en el riff alrededor del segundo 10? — eso inspiraría a una generación de productores de hip-hop.
“Me senté con él y le enseñé a manejarlo según lo que sabía de lo que había escuchado en ese momento”, dijo George, hermano y compañero de banda de Johnson, apodado Lightnin' Licks frente a Thunder Thumbs de Louis, al hablar de cómo introdujo a su hermano al bajo.
“Era como ser un mariscal de campo estrella y pasar el balón. A Louis le encantaba. Tomaba el balón y corría con él para anotar un touchdown cada vez”.
Louis E. Johnson nació el 13 de abril de 1955 en Los Ángeles, California, en una familia de fuerte inclinación musical.
Mientras estudiaba en Los Ángeles, Louis formó la banda Johnson Three Plus One, de la que formaban parte su primo Alex y sus hermanos George y Tommy, a finales de la década de los 60, siendo aún adolescente.
Cuando se convirtieron en profesionales, la banda acompañó a artistas de R&B de gira como Bobby Womack y The Supremes.
George y Louis Johnson se unieron más tarde a la banda de Billy Preston y escribieron selecciones para sus álbumes “Music Is My Life” y “The Kids & Me” antes de dejar su grupo en 1973.
En 1975 el legendario productor Quincy Jones contrató a ambos para la grabación de su LP “Mellow Madness”.
El álbum dio a conocer al público del R&B a The Brothers Johnson, quienes coescribieron cuatro de las canciones del álbum.
Tras la correspondiente gira en Japón con la banda de Jones, el productor acabaría produciendo el álbum de debut de los Brothers Johnson en 1976, lo que señalaría el inicio de una larga y fructífera colaboración entre ambos, pues Quincy Jones contó con los servicios de Johnson en una gran cantidad de sus producciones.
En 1976, los Brothers hicieron una versión de la canción de los Beatles, "Hey Jude", para el documental musical “All This and World War II”.
“Look Out for #1” fue su álbum debut. Lanzado en 1976 por A&M Records, el álbum alcanzó el puesto número 1 en la lista US Billboard Top Soul Albums, el número 3 en la lista US Billboard Top Jazz Albums y el número 9 en la lista US Billboard 200.
“I'll Be Good to You", fue escrita por George Johnson después de decidir comprometerse con una relación con una sola mujer, en lugar de salir con varias a la vez.
Mientras George grababa una demo para la canción, la amiga de la familia Sonora Sam pasó y agregó algunas letras.
El productor y mentor de Brothers Johnson, Quincy Jones, escuchó la canción, le gustó y convenció a George para que cantara la voz principal en la pista final.
Dos de las canciones de la banda aparecieron en la banda sonora de la película de 1976, “Mother, Jugs & Speed”, y una en la de la película de 1997, “Jackie Brown”.
El tema instrumental "Thunder Thumbs and Lightnin' Licks" hace referencia a los apodos de los hermanos.
"Get the Funk Out Ma Face" fue coescrita con Quincy Jones.
Craig Lytle de AllMusic comentó: "Los Brothers Johnson obtuvieron reconocimiento nacional como artistas discográficos al interpretar el sensual y funky tema de ritmo medio Is It Love That We're Missin, incluido en el álbum Mellow Madness de Quincy Jones. El dinámico dúo mantiene ese mismo ritmo en este, su primer lanzamiento con A&M Records".
“Right on Time”, su segundo álbum, fue publicado en 1977 y alcanzó el número dos en la lista de álbumes de R&B y el número trece en la lista de álbumes pop en Estados Unidos.
Incluye la canción número uno de R&B "Strawberry Letter 23" y la ganadora de un premio Grammy en 1978 a la Mejor Interpretación Instrumental de R&B, "Q".
En una reseña contemporánea para The Village Voice, el crítico musical Robert Christgau le dio al álbum una calificación de "C+" y criticó duramente al dúo por lo "insípido" y sin vida que hicieron su funk: "Profesionalismo pop reducido a un concepto en el que se eliminan todas las molestias y otros signos de vida".
En una reseña retrospectiva, Stephen Cook de AllMusic reconoció a Quincy Jones por producir una "mezcla impecable de pop y funk".
“Blam!” es su tercer álbum y fue publicado en 1978.
El álbum alcanzó el número uno en la lista de álbumes de R&B de Billboard y el número siete en la lista de álbumes pop.
Fue certificado Platino en Estados Unidos por la RIAA.
Alex Henderson de AllMusic escribió que el álbum "demuestra que el funk puede ser elegante y crudo al mismo tiempo... ¡Blam! es excelente de principio a fin".
Su popular álbum “Light Up the Night” se lanzó en marzo de 1980 y alcanzó el número uno en la lista de álbumes de R&B de Estados Unidos y el número cinco en la lista de álbumes pop.
El sencillo "Stomp!" se convirtió en un éxito bailable, llegando al número uno en la lista de sencillos Dance.
En los EE. UU. alcanzó el número uno en la lista de sencillos R&B y llegó al número 7 en el Billboard Hot 100 a principios de 1980.
En el Reino Unido entró en la lista de sencillos en el número 65 el 23 de febrero de 1980, y subió a su posición más alta, el número 6, para el 30 de marzo de 1980. Pasó un total de 12 semanas en la lista de sencillos del Reino Unido.
La canción también alcanzó el número uno en la lista de sencillos de Nueva Zelanda, manteniéndose en esta posición durante seis semanas en 1980.
“Light Up the Night” fue el último álbum de Brothers Johnson producido por Quincy Jones. Cuando Jones dejó A&M Records, se le prohibió contractualmente tener contacto con los hermanos.
Este álbum incluye la canción "This Had to Be", coescrita por Michael Jackson.
Los hermanos autoprodujeron el álbum posterior, “Winners”; lanzado en julio de 1981, solo alcanzó el puesto número 48 en la lista Billboard 200.
Alex Henderson de AllMusic comentó: "Winners fue el primer álbum de Brothers Johnson que Jones no produjo, y también fue su primer álbum decepcionante... Definitivamente no es uno de los lanzamientos esenciales de Brothers Johnson, Winners solo se recomienda para coleccionistas".
The Brothers Johnson se separó en 1982 para dedicarse a proyectos diferentes.
Louis Johnson grabó un álbum de música gospel en 1981 con su propio grupo Passage.
Passage fue el proyecto en solitario de Louis con el que mostró al mundo su amor por Jesucristo y la música gospel.
Acompañado por su esposa Valerie Johnson y el ex percusionista y cantante de Brothers Johnson, Richard Heath, el álbum aporta un sonido "funk y R&B" a la joven escena de la música cristiana contemporánea.
El trabajo de Louis Johnson aparece en muchos discos conocidos de artistas prominentes.
Johnson tocó en los álbumes de Michael Jackson “Off the Wall”, “Thriller” y “Dangerous” , y en los éxitos "Billie Jean" y "Don't Stop 'Til You Get Enough".
También tocó en “Give Me the Night” de George Benson y fue uno de los tres bajistas en el álbum “Rise” de Herb Alpert de 1979, que incluía su tema principal de disco/jazz, ganador del Grammy y que alcanzó el top 10.
Debido a su estilo distintivo, Johnson fue apodado "Thunder-Thumbs" (Pulgares de Trueno).
Su técnica de slap bass llegó poco después de que Larry Graham la popularizara, y ambos son considerados los "abuelos" del slap bass.
En 1984, los hermanos se reunieron en el estudio de grabación. El LP resultante, producido por Leon Sylvers, “Out of Control”, no igualó su éxito anterior, pero sí les brindó otro éxito de R&B con "You Keep Me Coming Back".
En 1985 grabó un sencillo, "Kinky", en Capitol Records; aparece en su álbum “Evolution” que se lanzó exclusivamente en Europa ese año.
Luego, Louis hizo 3 cintas de video instructivas para la compañía de distribución de videos Starlicks en las que compartió sus habilidades para tocar el bajo. El primero se lanzó en 1985.
Luego se estableció para disfrutar de la vida familiar con su esposa e hijo, pero en 1988 su entonces mánager Diane Taren lo convenció de regresar al estudio de grabación.
Los hermanos se unieron nuevamente en 1988 para grabar “Kickin'”, cuyo tema principal ("Kick It to the Curb") fue una colaboración con su entonces vecina Irene Cara.
Aunque "Kick It to the Curb" se convirtió en un éxito menor, el éxito del álbum fue aún más limitado.
También participaron en “Street Shadows”, un álbum del tecladista y arreglista David Diggs, quien había proporcionado arreglos de metales y cuerdas para “Winners”, “Blast!” y “Passage” de Louis.
"Last Night", la canción que abre “Street”, muestra el talento de Louis con el bajo.
Louis comenzó su academia de bajo durante la década de 1990 y dio talleres clínicos a través de su propio sitio web.
Louis Johnson murió el 21 de mayo de 2015, a los 60 años. Su última actuación fue en 2013.
Estilo
Louis Johnson debió su considerable éxito como músico de estudio a una versatilidad musical que queda demostrada por la gran amplitud de estilos que abarca la lista de sus colaboraciones.
Dotado de una tremenda habilidad con su instrumento, el bajista es considerado como uno de los padres del slap en el bajo eléctrico, técnica que –según él mismo afirmó– desarrolló antes de oír a Larry Graham.
El bajo de Johnson ha modelado –muchas veces de forma anónima– el oído de varias generaciones de bajistas que han crecido escuchando sus líneas funky en innumerables superhits de los 70 y los 80.
Así, Johnson permanece hoy, junto a James Jamerson, Anthony Jackson o Donald "Duck" Dunn como uno de los mayores unsung heroes del bajo eléctrico, referente, sin embargo, imprescindible para entender su historia.
Aunque a lo largo de su dilatada carrera Louis Johnson empleó una gran cantidad de instrumentos diferentes, hoy se asocia preferentemente su figura al Stingray de Musicman que el propio Leo Fender en persona había construido para él.
Sus líneas de bajo slap figuran prominentemente en su trabajo con Stanley Clarke en el álbum “Time Exposure”, su trabajo con Grover Washington, Jr. (“Hydra”), George Duke (“Guardian of the Light”, “Thief in the Night”), Jeffrey Osborne (“Jeffrey Osborne” y “Stay with Me Tonight”).
La línea de bajo para "I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)" de Michael McDonald ha sido sampleada como pista de acompañamiento para docenas de canciones de rap.
Un ejemplo de su forma de tocar con el pulgar se puede escuchar en la canción "Kiko" de Earl Klugh.
Sin ningún punteo, Johnson establece una línea de bajo funky compleja usando una combinación de slap contrapunto con la mano derecha usando el pulgar derecho, contrapunto con el dedo medio de la mano izquierda como una técnica de sordina, llamada slap choke, creando así un sonido percusivo como la batería, agregando a las notas del bajo.
Su estilo incorporó más punteos funk en combinación con su golpeteo, lo que junto con el sonido Music Man StingRay da un sonido muy funky y único.
Johnson también trabajó con Andrae Crouch, Angela Bofill, Aretha Franklin, Billy Preston, Bill Withers, Björk, Dave Grusin, David Diggs, Deniece Williams, Donna Summer, Donn Thomas, Gábor Szabó, Herbie Hancock, Hiroshima, Irene Cara, The Jacksons, James Ingram, Karen Carpenter, Kent Jordan, Kenny Loggins, Leon Haywood, Lesley Gore, Makoto Izumitani, Natalie Cole, Paul McCartney, Peabo Bryson, Peggy Lee, Phil Collins, Pointer Sisters, Rene & Angela, The Ritz, Rufus, Sérgio Mendes, Side Effect, Sister Sledge, Stevie Nicks, Stevie Wonder, Sweet Comfort Band, Temptations, Toshiki Kadomatsu y The Supremes.
Discografía
En solitario
Passage (1981)
Evolution (1985)
Con The Brothers Johnson
Look out for #1 (1976)
Right on Time (1977)
Blam (1978)
Light up the Night (1980)
Winners (1981)
Blast (1982)
Out of Control (1984)
Kickin' (1988)
Funkadelia (1994)
Brothers in Love (1996)
Stomp! (2001)
Strawberry Letter 23: Live (2004)
Colaboraciones
Con Aretha Franklin
Aretha (Arista Records, 1980)
Love All the Hurt Away (Arista Records, 1981)
Jump to It (Arista Records, 1982)
Who's Zoomin' Who? (Arista Records, 1985)
Through the Storm (Arista Records, 1989)
Con Barbra Streisand
Till I Loved You (CBS Records, 1988)
Con Betty Wright
Wright Back At You (Epic Records, 1983)
Con Bill Withers
Making Music (Columbia Records, 1975)
Con Billy Preston
Music Is My Life (A&M Records, 1972)
Pressin' On (Motown, 1982)
Con Bobby Womack
Making Music (Columbia Records, 1975)
Con Deniece Williams
I'm So Proud (Columbia Records, 1983)
Con Donna Summer
Donna Summer (Geffen, 1982)
Con Earl Klugh
Low Ride (Capitol, 1982)
Con George Benson
Give Me the Night (Warner Bros. Records, 1980)
Con Grover Washington Jr.
Feel So Good (CTI/Kudu 1975)
Con Irene Cara
Carasmatic (Elektra Records, 1987)
Con Jeffrey Osborne
Jeffrey Osborne (A&M Records, 1982)
Stay with Me Tonight (A&M Records, 1983)
Don't Stop (A&M Records, 1984)
Con John Mellencamp
Uh-huh (Riva Records, 1983)
Con Michael McDonald
If That's What It Takes (Warner Bros. Records, 1982)
Con Michael Jackson
Off the Wall (Epic Records, 1979)
Thriller (Epic Records, 1982)
Dangerous (Epic Records, 1991)
Con Patti Austin
Every Home Should Have One (Qwest Records, 1981)
Con Peabo Bryson
Straight from the Heart (Elektra Records, 1984)
Con Pointer Sisters
Having a party (abc, 1977)
Con Quincy Jones
Mellow Madness (A&M, 1975)
The Dude (A&M, 1981)
Con Rene & Angela
Dto (Capitol, 1980)
Rise (Capitol, 1983)
Con Rufus
Party 'Til You're Broke (MCA, 1981)
Con Wah Wah Watson
Elementary (Sony/CBS, 1976)
Fuentes: rollingstone.com, Wikipedia y Flickr
Louis Johnson
Si Louis Johnson no hubiera hecho nada más que tocar la implacable y rítmica línea de bajo que da forma e impulsa a "Billie Jean" de Michael Jackson, probablemente aún merecería estar en esta lista.
Pero como uno de los bajistas de sesión predilectos de Quincy Jones, Johnson tocó en un sinfín de éxitos de finales de los setenta y principios de los ochenta, ayudando a crear algunos de los pop más sofisticados y enérgicos de la historia.
Era un maestro de la innovación melódica de James Jamerson: escuchen el estribillo de "Off the Wall" de Jackson, donde Johnson toca una línea fluida tan elegante y precisa como la enérgica voz de Jackson.
Pero Johnson también comprendió el valor de la técnica de "golpear y puntear" de Larry Graham, capaz de hacer vibrar las ventanas.
Ahí está de nuevo en "I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)" de Michael McDonald, esta vez tocando partes graves y contundentes: ¿cuántas notas logra meter en el riff alrededor del segundo 10? — eso inspiraría a una generación de productores de hip-hop.
“Me senté con él y le enseñé a manejarlo según lo que sabía de lo que había escuchado en ese momento”, dijo George, hermano y compañero de banda de Johnson, apodado Lightnin' Licks frente a Thunder Thumbs de Louis, al hablar de cómo introdujo a su hermano al bajo.
“Era como ser un mariscal de campo estrella y pasar el balón. A Louis le encantaba. Tomaba el balón y corría con él para anotar un touchdown cada vez”.
Louis E. Johnson nació el 13 de abril de 1955 en Los Ángeles, California, en una familia de fuerte inclinación musical.
Mientras estudiaba en Los Ángeles, Louis formó la banda Johnson Three Plus One, de la que formaban parte su primo Alex y sus hermanos George y Tommy, a finales de la década de los 60, siendo aún adolescente.
Cuando se convirtieron en profesionales, la banda acompañó a artistas de R&B de gira como Bobby Womack y The Supremes.
George y Louis Johnson se unieron más tarde a la banda de Billy Preston y escribieron selecciones para sus álbumes “Music Is My Life” y “The Kids & Me” antes de dejar su grupo en 1973.
En 1975 el legendario productor Quincy Jones contrató a ambos para la grabación de su LP “Mellow Madness”.
El álbum dio a conocer al público del R&B a The Brothers Johnson, quienes coescribieron cuatro de las canciones del álbum.
Tras la correspondiente gira en Japón con la banda de Jones, el productor acabaría produciendo el álbum de debut de los Brothers Johnson en 1976, lo que señalaría el inicio de una larga y fructífera colaboración entre ambos, pues Quincy Jones contó con los servicios de Johnson en una gran cantidad de sus producciones.
En 1976, los Brothers hicieron una versión de la canción de los Beatles, "Hey Jude", para el documental musical “All This and World War II”.
“Look Out for #1” fue su álbum debut. Lanzado en 1976 por A&M Records, el álbum alcanzó el puesto número 1 en la lista US Billboard Top Soul Albums, el número 3 en la lista US Billboard Top Jazz Albums y el número 9 en la lista US Billboard 200.
“I'll Be Good to You", fue escrita por George Johnson después de decidir comprometerse con una relación con una sola mujer, en lugar de salir con varias a la vez.
Mientras George grababa una demo para la canción, la amiga de la familia Sonora Sam pasó y agregó algunas letras.
El productor y mentor de Brothers Johnson, Quincy Jones, escuchó la canción, le gustó y convenció a George para que cantara la voz principal en la pista final.
Dos de las canciones de la banda aparecieron en la banda sonora de la película de 1976, “Mother, Jugs & Speed”, y una en la de la película de 1997, “Jackie Brown”.
El tema instrumental "Thunder Thumbs and Lightnin' Licks" hace referencia a los apodos de los hermanos.
"Get the Funk Out Ma Face" fue coescrita con Quincy Jones.
Craig Lytle de AllMusic comentó: "Los Brothers Johnson obtuvieron reconocimiento nacional como artistas discográficos al interpretar el sensual y funky tema de ritmo medio Is It Love That We're Missin, incluido en el álbum Mellow Madness de Quincy Jones. El dinámico dúo mantiene ese mismo ritmo en este, su primer lanzamiento con A&M Records".
“Right on Time”, su segundo álbum, fue publicado en 1977 y alcanzó el número dos en la lista de álbumes de R&B y el número trece en la lista de álbumes pop en Estados Unidos.
Incluye la canción número uno de R&B "Strawberry Letter 23" y la ganadora de un premio Grammy en 1978 a la Mejor Interpretación Instrumental de R&B, "Q".
En una reseña contemporánea para The Village Voice, el crítico musical Robert Christgau le dio al álbum una calificación de "C+" y criticó duramente al dúo por lo "insípido" y sin vida que hicieron su funk: "Profesionalismo pop reducido a un concepto en el que se eliminan todas las molestias y otros signos de vida".
En una reseña retrospectiva, Stephen Cook de AllMusic reconoció a Quincy Jones por producir una "mezcla impecable de pop y funk".
“Blam!” es su tercer álbum y fue publicado en 1978.
El álbum alcanzó el número uno en la lista de álbumes de R&B de Billboard y el número siete en la lista de álbumes pop.
Fue certificado Platino en Estados Unidos por la RIAA.
Alex Henderson de AllMusic escribió que el álbum "demuestra que el funk puede ser elegante y crudo al mismo tiempo... ¡Blam! es excelente de principio a fin".
Su popular álbum “Light Up the Night” se lanzó en marzo de 1980 y alcanzó el número uno en la lista de álbumes de R&B de Estados Unidos y el número cinco en la lista de álbumes pop.
El sencillo "Stomp!" se convirtió en un éxito bailable, llegando al número uno en la lista de sencillos Dance.
En los EE. UU. alcanzó el número uno en la lista de sencillos R&B y llegó al número 7 en el Billboard Hot 100 a principios de 1980.
En el Reino Unido entró en la lista de sencillos en el número 65 el 23 de febrero de 1980, y subió a su posición más alta, el número 6, para el 30 de marzo de 1980. Pasó un total de 12 semanas en la lista de sencillos del Reino Unido.
La canción también alcanzó el número uno en la lista de sencillos de Nueva Zelanda, manteniéndose en esta posición durante seis semanas en 1980.
“Light Up the Night” fue el último álbum de Brothers Johnson producido por Quincy Jones. Cuando Jones dejó A&M Records, se le prohibió contractualmente tener contacto con los hermanos.
Este álbum incluye la canción "This Had to Be", coescrita por Michael Jackson.
Los hermanos autoprodujeron el álbum posterior, “Winners”; lanzado en julio de 1981, solo alcanzó el puesto número 48 en la lista Billboard 200.
Alex Henderson de AllMusic comentó: "Winners fue el primer álbum de Brothers Johnson que Jones no produjo, y también fue su primer álbum decepcionante... Definitivamente no es uno de los lanzamientos esenciales de Brothers Johnson, Winners solo se recomienda para coleccionistas".
The Brothers Johnson se separó en 1982 para dedicarse a proyectos diferentes.
Louis Johnson grabó un álbum de música gospel en 1981 con su propio grupo Passage.
Passage fue el proyecto en solitario de Louis con el que mostró al mundo su amor por Jesucristo y la música gospel.
Acompañado por su esposa Valerie Johnson y el ex percusionista y cantante de Brothers Johnson, Richard Heath, el álbum aporta un sonido "funk y R&B" a la joven escena de la música cristiana contemporánea.
El trabajo de Louis Johnson aparece en muchos discos conocidos de artistas prominentes.
Johnson tocó en los álbumes de Michael Jackson “Off the Wall”, “Thriller” y “Dangerous” , y en los éxitos "Billie Jean" y "Don't Stop 'Til You Get Enough".
También tocó en “Give Me the Night” de George Benson y fue uno de los tres bajistas en el álbum “Rise” de Herb Alpert de 1979, que incluía su tema principal de disco/jazz, ganador del Grammy y que alcanzó el top 10.
Debido a su estilo distintivo, Johnson fue apodado "Thunder-Thumbs" (Pulgares de Trueno).
Su técnica de slap bass llegó poco después de que Larry Graham la popularizara, y ambos son considerados los "abuelos" del slap bass.
En 1984, los hermanos se reunieron en el estudio de grabación. El LP resultante, producido por Leon Sylvers, “Out of Control”, no igualó su éxito anterior, pero sí les brindó otro éxito de R&B con "You Keep Me Coming Back".
En 1985 grabó un sencillo, "Kinky", en Capitol Records; aparece en su álbum “Evolution” que se lanzó exclusivamente en Europa ese año.
Luego, Louis hizo 3 cintas de video instructivas para la compañía de distribución de videos Starlicks en las que compartió sus habilidades para tocar el bajo. El primero se lanzó en 1985.
Luego se estableció para disfrutar de la vida familiar con su esposa e hijo, pero en 1988 su entonces mánager Diane Taren lo convenció de regresar al estudio de grabación.
Los hermanos se unieron nuevamente en 1988 para grabar “Kickin'”, cuyo tema principal ("Kick It to the Curb") fue una colaboración con su entonces vecina Irene Cara.
Aunque "Kick It to the Curb" se convirtió en un éxito menor, el éxito del álbum fue aún más limitado.
También participaron en “Street Shadows”, un álbum del tecladista y arreglista David Diggs, quien había proporcionado arreglos de metales y cuerdas para “Winners”, “Blast!” y “Passage” de Louis.
"Last Night", la canción que abre “Street”, muestra el talento de Louis con el bajo.
Louis comenzó su academia de bajo durante la década de 1990 y dio talleres clínicos a través de su propio sitio web.
Louis Johnson murió el 21 de mayo de 2015, a los 60 años. Su última actuación fue en 2013.
Estilo
Louis Johnson debió su considerable éxito como músico de estudio a una versatilidad musical que queda demostrada por la gran amplitud de estilos que abarca la lista de sus colaboraciones.
Dotado de una tremenda habilidad con su instrumento, el bajista es considerado como uno de los padres del slap en el bajo eléctrico, técnica que –según él mismo afirmó– desarrolló antes de oír a Larry Graham.
El bajo de Johnson ha modelado –muchas veces de forma anónima– el oído de varias generaciones de bajistas que han crecido escuchando sus líneas funky en innumerables superhits de los 70 y los 80.
Así, Johnson permanece hoy, junto a James Jamerson, Anthony Jackson o Donald "Duck" Dunn como uno de los mayores unsung heroes del bajo eléctrico, referente, sin embargo, imprescindible para entender su historia.
Aunque a lo largo de su dilatada carrera Louis Johnson empleó una gran cantidad de instrumentos diferentes, hoy se asocia preferentemente su figura al Stingray de Musicman que el propio Leo Fender en persona había construido para él.
Sus líneas de bajo slap figuran prominentemente en su trabajo con Stanley Clarke en el álbum “Time Exposure”, su trabajo con Grover Washington, Jr. (“Hydra”), George Duke (“Guardian of the Light”, “Thief in the Night”), Jeffrey Osborne (“Jeffrey Osborne” y “Stay with Me Tonight”).
La línea de bajo para "I Keep Forgettin' (Every Time You're Near)" de Michael McDonald ha sido sampleada como pista de acompañamiento para docenas de canciones de rap.
Un ejemplo de su forma de tocar con el pulgar se puede escuchar en la canción "Kiko" de Earl Klugh.
Sin ningún punteo, Johnson establece una línea de bajo funky compleja usando una combinación de slap contrapunto con la mano derecha usando el pulgar derecho, contrapunto con el dedo medio de la mano izquierda como una técnica de sordina, llamada slap choke, creando así un sonido percusivo como la batería, agregando a las notas del bajo.
Su estilo incorporó más punteos funk en combinación con su golpeteo, lo que junto con el sonido Music Man StingRay da un sonido muy funky y único.
Johnson también trabajó con Andrae Crouch, Angela Bofill, Aretha Franklin, Billy Preston, Bill Withers, Björk, Dave Grusin, David Diggs, Deniece Williams, Donna Summer, Donn Thomas, Gábor Szabó, Herbie Hancock, Hiroshima, Irene Cara, The Jacksons, James Ingram, Karen Carpenter, Kent Jordan, Kenny Loggins, Leon Haywood, Lesley Gore, Makoto Izumitani, Natalie Cole, Paul McCartney, Peabo Bryson, Peggy Lee, Phil Collins, Pointer Sisters, Rene & Angela, The Ritz, Rufus, Sérgio Mendes, Side Effect, Sister Sledge, Stevie Nicks, Stevie Wonder, Sweet Comfort Band, Temptations, Toshiki Kadomatsu y The Supremes.
Discografía
En solitario
Passage (1981)
Evolution (1985)
Con The Brothers Johnson
Look out for #1 (1976)
Right on Time (1977)
Blam (1978)
Light up the Night (1980)
Winners (1981)
Blast (1982)
Out of Control (1984)
Kickin' (1988)
Funkadelia (1994)
Brothers in Love (1996)
Stomp! (2001)
Strawberry Letter 23: Live (2004)
Colaboraciones
Con Aretha Franklin
Aretha (Arista Records, 1980)
Love All the Hurt Away (Arista Records, 1981)
Jump to It (Arista Records, 1982)
Who's Zoomin' Who? (Arista Records, 1985)
Through the Storm (Arista Records, 1989)
Con Barbra Streisand
Till I Loved You (CBS Records, 1988)
Con Betty Wright
Wright Back At You (Epic Records, 1983)
Con Bill Withers
Making Music (Columbia Records, 1975)
Con Billy Preston
Music Is My Life (A&M Records, 1972)
Pressin' On (Motown, 1982)
Con Bobby Womack
Making Music (Columbia Records, 1975)
Con Deniece Williams
I'm So Proud (Columbia Records, 1983)
Con Donna Summer
Donna Summer (Geffen, 1982)
Con Earl Klugh
Low Ride (Capitol, 1982)
Con George Benson
Give Me the Night (Warner Bros. Records, 1980)
Con Grover Washington Jr.
Feel So Good (CTI/Kudu 1975)
Con Irene Cara
Carasmatic (Elektra Records, 1987)
Con Jeffrey Osborne
Jeffrey Osborne (A&M Records, 1982)
Stay with Me Tonight (A&M Records, 1983)
Don't Stop (A&M Records, 1984)
Con John Mellencamp
Uh-huh (Riva Records, 1983)
Con Michael McDonald
If That's What It Takes (Warner Bros. Records, 1982)
Con Michael Jackson
Off the Wall (Epic Records, 1979)
Thriller (Epic Records, 1982)
Dangerous (Epic Records, 1991)
Con Patti Austin
Every Home Should Have One (Qwest Records, 1981)
Con Peabo Bryson
Straight from the Heart (Elektra Records, 1984)
Con Pointer Sisters
Having a party (abc, 1977)
Con Quincy Jones
Mellow Madness (A&M, 1975)
The Dude (A&M, 1981)
Con Rene & Angela
Dto (Capitol, 1980)
Rise (Capitol, 1983)
Con Rufus
Party 'Til You're Broke (MCA, 1981)
Con Wah Wah Watson
Elementary (Sony/CBS, 1976)
Fuentes: rollingstone.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 34
Richard Davis
La trayectoria de Richard Davis en los años sesenta se asemeja a un repaso de algunas de las obras musicales más desafiantes y perdurables de esa década, desde hitos del jazz progresivo como “Out to Lunch!” de Eric Dolphy y “Point of Departure” de Andrew Hill hasta la obra maestra del free folk “Astral Weeks” de Van Morrison.
Pero eso es solo una pequeña parte de su producción total: durante los últimos sesenta años, también ha enaltecido las bandas, las sesiones y las actuaciones de gigantes como Sarah Vaughan, Paul Simon e Igor Stravinsky.
Davis brilla con luz propia en entornos íntimos, donde su interpretación profundamente empática puede resplandecer, ya sea tocando conmovedoras líneas de arco en un dúo con Dolphy en "Come Sunday" de Duke Ellington, proporcionando una cálida base rítmica para la historia de un delincuente de poca monta de Bruce Springsteen en "Meeting Across the River", o evocando frases increíblemente emotivas para complementar la poesía de Morrison en temas como "Beside You".
“Para mí, Richard fue el alma del disco”, dijo Lewis Merenstein, productor de "Astral Weeks", al reflexionar sobre el álbum 40 años después.
Richard Davis nació en Chicago, Illinois, el 15 de abril de 1930. Su madre murió durante el parto y fue criado por Robert y Elmora Johnson.
Davis se inclinó por tocar el bajo y comenzó su carrera musical cantando bajo en el trío vocal de su familia.
Estudió contrabajo en el instituto con su profesor de teoría musical y director de banda Walter Dyett y fue miembro de la Orquesta Juvenil del Gran Chicago, tocando en la primera presentación de la orquesta en el Orchestra Hall de Chicago el 14 de noviembre de 1947.
Después de la escuela secundaria, estudió contrabajo con Rudolf Fahsbender de la Chicago Symphony Orchestra mientras asistía al VanderCook College of Music.
Tras la universidad, Davis actuó en grupos de baile y allí entabló amistad con el pianista Don Shirley.
A principios de la década de 1950, Richard Davis conoció y tocó con Sonny Blount (más tarde mundialmente conocido como el revolucionario orquestal Sun Ra) y pasó un año con el trío del pianista Ahmad Jamal, de gran éxito artístico y comercial.
Ahmad Jamal impulsó la carrera de Davis desde el principio. Las conexiones que hizo lo llevaron al pianista Don Shirley.
Ambos se trasladaron en 1954 a Nueva York y actuaron juntos dos años, hasta 1956, cuando Davis empezó a tocar con la Sauter-Finegan Orchestra.
En 1957 pasó a formar parte de la sección rítmica de Sarah Vaughan, realizando giras y grabando con ella hasta 1960.
“Se podría decir que estudié en la Universidad de Sarah Vaughan”, declaró Davis a Isthmus en 2014. “Una vez que has demostrado tu valía con músicos de ese nivel, otros vocalistas empiezan a llamarte, porque dan por hecho que debes saber algo”.
Davis llegó a ser uno de los bajistas más solicitados de Nueva York, especialmente dentro del emergente movimiento del free jazz.
“Su trayectoria en los años 60 parece un compendio de algunas de las obras musicales más desafiantes y perdurables de esa década”, escribió Rolling Stone cuando lo incluyó en el puesto número 34 de la lista de los 50 mejores bajistas de todos los tiempos. “Pero eso es solo una pequeña parte de su producción total”.
Durante la década de 1960, Davis tenía mucha demanda en varios círculos musicales y trabajó con muchos de los pequeños grupos de jazz de la época, incluidos los dirigidos por Eric Dolphy, Jaki Byard, Booker Ervin, Andrew Hill, Elvin Jones y Cal Tjader.
En 1964, Davis se asoció con el grupo rítmicamente complejo Point of Departure de Andrew Hill.
A medida que Richard Davis continuaba desarrollándose, se inspiró mucho en Mingus.
En 1964, Richard Davis participó en el álbum debut de Tony Williams, “Life Time”, mostrando su enfoque innovador.
En 1968, con “Astral Weeks” de Van Morrison, Davis se desempeñó como director musical de facto, liderando al conjunto de improvisación durante la creación del álbum.
“Algunas personas se desilusionan mucho cuando les cuento sobre la grabación del disco”, declaró Davis a Rolling Stone. “No recuerdo haber hablado con él. Era bastante reservado. No hizo ninguna sugerencia sobre qué tocar, cómo tocarlo ni cómo darle estilo a lo que estábamos haciendo”.
“Para mí, Richard fue el alma del álbum”, dijo en una ocasión el productor Lewis Merenstein. Más tarde, Griel Marcus, de Rolling Stone, describiría el bajo de Davis en “Astral Weeks” como “el mejor bajo jamás escuchado en un álbum de rock”.
Sus líneas de bajo en “Astral Weeks” fueron elogiadas por la crítica por su profundidad emocional, lo que impulsó al álbum a convertirse en un clásico.
Tocó en “Watertown” de Frank Sinatra (1969).
Cuando Frank Sinatra grabó “Watertown”, tenía 54 años y, aunque muchos lo consideraban un artista icónico que todavía era “el rey de la colina y la cima del montón”, el mundo del pop que él conocía estaba cambiando más allá de lo reconocible.
Él todavía estaba vendiendo miles de discos a un público que lo adoraba, como lo demostró el éxito de su álbum “My Way”, pero el pop estaba en un estado de transición; era el apogeo de la era de la contracultura, cuando el acid rock, el soul psicodélico y el auge del pop de cantautor estaban desplazando la música de easy listening.
Sinatra ya había hecho concesiones al rock y al pop contemporáneo en “My Way” al hacer versiones de temas de Lennon & McCartney, Paul Simon, Jimmy Webb y Stevie Wonder, pero para su próximo proyecto, se adentró aún más en un terreno musical desconocido.
“Watertown”, creación de los compositores Bob Gaudio y Jake Holmes, fue un ciclo de canciones sobre un hombre cuya esposa lo deja a él y a sus dos hijos después de ser seducida por el encanto de la gran ciudad.
Sinatra interpreta a un personaje que es tanto el narrador como el protagonista central del álbum, y cuenta su historia a través de una serie de viñetas descriptivas.
Davis grabó con músicos de pop y rock en la década de 1970, apareciendo en “Smile” de Laura Nyro, en “Greetings From Asbury Park, NJ” y “Born to Run” de Bruce Springsteen y en “Something So Right” de Paul Simon.
El bajista también trabajó junto a Charles Mingus en su álbum de 1972, “Let My Children Hear Music, un proyecto que reunió a tres de los mejores bajistas de jazz: Mingus, Davis y Ron Carter.
Durante su carrera interpretó música clásica con los directores Igor Stravinsky, quien una vez describió su virtuosismo como "divino", Leonard Bernstein, Pierre Boulez, Leopold Stokowski y Gunther Schuller.
Además de sus contribuciones al pop y al rock, Davis fue miembro fundador y participante habitual de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra de 1966 a 1972.
Actuó como parte del New York Bass Violin Choir dirigido por Bill Lee.
Después de vivir 23 años en la ciudad de Nueva York, en 1977 Davis aceptó un puesto docente como Profesor de Bajo (Clásico Europeo y Jazz), Historia del Jazz e improvisación de combo en la Universidad de Wisconsin-Madison.
Davis tenía el deseo de guiar e inspirar a las futuras generaciones.
Richard Davis señala a varios bajistas mayores como influencias en su comprensión del bajo. Dice: “Escuché a Jimmy Blanton, Oscar Pettiford, todos esos viejos, Milton Hinton. Quería descubrir qué estaban haciendo. No quería tocar como ellos, pero de ahí surgió. Junto con el hecho de que estaba listo para aliviar las presiones de ser un músico independiente”.
Davis también fundó una filial del Instituto para la Sanación del Racismo en Madison para promover la concienciación sobre la diversidad.
En la década de 1990, también participó en una serie de grabaciones de tríos de post bop con el pianista John Hicks y el baterista Tatsuya Nakamura.
En 1993, fundó la Fundación Richard Davis para Jóvenes Bajistas con el fin de apoyar el desarrollo musical de jóvenes artistas que, anualmente, trae a 17 maestros instructores/intérpretes de bajo para enseñar a jóvenes bajistas de 3 a 18 años.
En 1998, creó el Proyecto de Acción para la Retención (RAP), centrado en las diferencias multiculturales.
En mayo de 2000, lanzó un CD grabado en Japón titulado “The Bassist”, que rendía homenaje a Diversity (King Records).
Su segundo CD con King Records, “So In Love”, también se lanzó posteriormente.
La última grabación de Davis fue “Blue Monk”, publicada exclusivamente en Japón en 2009, una colaboración a dúo con el fallecido pianista Junior Mance.
Davis siempre continuó tocando y grabando de forma semi-regular, y en marzo de 2009, participó en el club de Anderson en Chicago, el Velvet Lounge, del 18 al 22 de marzo, celebrando el 80 cumpleaños de la leyenda Fred Anderson el 22 de marzo.
Durante sus casi 40 años en la universidad, Davis hizo hincapié en el bajo clásico, la historia del jazz y la improvisación.
Entre sus numerosos reconocimientos y premios, destacan el concedido entre 1967 y 1974, como Mejor Bajista, por la Encuesta de Críticos Internacionales de la revista Downbeat, y reconocido “Maestro del jazz”, por la NEA en 2014, lo que le aseguró un lugar entre el panteón de los grandes del jazz.
Se retiró de la universidad en 2016.
Davis falleció el 6 de septiembre de 2023, después de dos años en cuidados paliativos, a la edad de 93 años, con más de 3.000 grabaciones en su haber.
"Agradecemos todo el cariño y el apoyo que la comunidad le ha demostrado a lo largo de los años", expresó su hija Persia Davis en un comunicado.
A lo largo de su vida, Davis recibió numerosos premios por su talento musical y su compromiso con el empoderamiento de las futuras generaciones.
Davis ha recibido doctorados honoris causa en Artes Musicales y Humanidades, así como el Premio Hilldale a la enseñanza destacada, otorgado por la ex rectora Donna Shalala, y un doctorado honoris causa en Humanidades del Edgewood College de Madison en 1998.
En el año 2000, recibió el Premio Humanitario Manfred E. Swarsensky del Club Rotario de Madison.
En 2001, recibió el Premio de Artes del Gobernador de Wisconsin.
El Premio Humanitario Reverendo Dr. Martin Luther King, Jr., otorgado anualmente por la ciudad de Madison, fue entregado al Dr. Richard Davis por la alcaldesa Susan JM Bauman durante la 18ª conmemoración anual del nacimiento del Dr. King, organizada por la ciudad y el condado, en el Centro Cívico de Madison, el lunes 20 de enero de 2003.
En 2008, Richard Davis recibió el premio MAMA (Madison Area Music Award), el premio Michael St. John a la trayectoria profesional, el premio de Derechos Humanos (Rev. James C. Wright), el premio FIGS 2008 al primer grupo de interés estudiantil (primer año), el premio TRIO (primer miembro de la familia en ir a la universidad), otorgado por Caroline McCormack.
En 2009 recibió el premio al servicio excepcional de la Universidad de Wisconsin-Madison (Gary Sandefur, decano) y el premio Spencer Tracy a la distinción en las artes escénicas (Sociedad Histórica de Wisconsin).
Neil Heinen en Spectrum escribió: “Como uno de los bajistas más destacados del mundo, la música de Davis ha conmovido a innumerables fans, y su enseñanza ha inspirado a generaciones de estudiantes tanto en las aulas como a través de la Fundación Richard Davis para Jóvenes Bajistas, Inc., que ofrece instrucción musical a jóvenes con dificultades económicas. Si bien el maestro y profesor de jazz podría haber concluido su renombrada biografía ahí, su pasión por la justicia social y por la superación del racismo ha transformado la vida de quienes han aceptado su invitación a abrir sus corazones, mentes y espíritus a la historia y la patología del racismo”.
Nota de Presidemente: aquí os dejo el artículo que escribió el bajista Josh Werner para bassmagazine.com tras es fallecimiento de Davis.
El bajista Josh Werner recuerda a la influyente leyenda que fusionaba diversos géneros y que falleció a principios de este mes, y comparte sus álbumes favoritos de su obra.
Recordando a Richard Davis
El mundo del bajo, el jazz, la música y el arte perdió a un gigante absoluto el 6 de septiembre con el fallecimiento de Richard Davis, a los 93 años.
El maestro Davis fue un bajista cuya creatividad, conocimiento y técnica conquistaron el mundo de la música.
Igualmente cómodo en la música clásica, el jazz, la vanguardia y el pop, su carrera trascendió etiquetas y géneros, permitiéndole conectar sonidos de cada uno de ellos de maneras innovadoras.
También se le atribuye una de las interpretaciones de bajo más icónicas de la historia del rock, en el aclamado álbum de Van Morrison, "Astral Weeks".
Tuve la suerte de tener al profesor Davis como mentor.
Como su alumno particular, fui testigo de cómo infundía confianza en sus estudiantes, promovía la diversidad y la igualdad en el campus, guiaba a generaciones de estudiantes hacia una vida de aprecio por el jazz y, en muchos casos, hacia una carrera profesional dedicada a la música.
Uno de los músicos más prolíficos de su época, la discografía de Davis, nacido en Chicago, es sencillamente impresionante.
Grabó con numerosas estrellas del jazz de su tiempo, como Eric Dolphy, Joe Henderson, Booker Ervin y Bobby Hutchinson, así como con leyendas que le precedieron, como Ben Webster, Sonny Stitt, Sarah Vaughan y Johnny Hodges.
Sin olvidar a gigantes de la música clásica como Igor Stravinsky y Leonard Bernstein, y a algunas de las mayores estrellas del pop de la época, como Barbra Streisand, Paul Simon, Bruce Springsteen y Frank Sinatra.
Aquí hay 10 discos que todo bajista debería conocer y en los que participa Richard Davis:
Sarah Vaughan, "Swingin' Easy" [Emarcy, 1957]
Una de las primeras grandes oportunidades del joven bajista fue tocar con la legendaria cantante Sarah Vaughan, junto al prometedor baterista Roy Haynes y el pianista Ronnell Bright.
Su versión de "All of Me" ha sido utilizada por educadores como ejemplo del acompañamiento perfecto de bajo para una voz.
Observen la selección de notas de Davis, los rellenos de bajo y la interacción melódica con la voz, todo ello con una intensidad de gran belleza y serenidad.
Eric Dolphy Quintet, "At the Five Spot, Vol 1 & 2" [Fantasy, 1961]
Este conjunto de dos volúmenes documenta la actuación en directo de Dolphy el 16 de julio de 1961 y suele ir acompañado del "Álbum Conmemorativo" [Fantasy, 1964].
El trompetista Booker Little, el pianista Mal Waldron y el baterista Ed Blackwell brillan en esta grabación, que constituye un excelente ejemplo de la vanguardia musical de Davis y Dolphy a principios de los años 60.
Originario de Chicago, Davis poseía un profundo conocimiento del blues y era capaz de fusionarlo con la vanguardia en cualquier contexto. No se pierdan la profunda conexión musical entre él y Mal Waldron en "Booker's Waltz".
Eric Dolphy, "Out To Lunch" [Blue Note, 1964]
Uno de los discos de jazz más importantes de todos los tiempos, "Out to Lunch" de Eric Dolphy, cuenta con el joven prodigio Tony Williams en la batería, junto con el frecuente colaborador Bobby Hutcherson en el vibráfono.
En "Something Sweet, Something Tender", compuesta por Dolphy, la destreza de Davis con el arco se luce, al igual que su oído para la disonancia temporal y la conceptualización. La conexión entre Dolphy y Davis es evidente y trascendente.
Andrew Hill, "Black Fire" [Blue Note, 1964]
El álbum debut del pianista Andrew Hill para Blue Note Records está liderado por el baterista Roy Haynes y Davis, quien maneja con maestría los compases y métricas inusuales.
El ritmo hard bop hace referencia constante a los ritmos afrocubanos y haitianos, mientras que las innovadoras composiciones de Andrew Hill son exploradas melódicamente por el gran saxofonista Joe Henderson.
Una vez más, este disco posee una profundidad intelectual que transita entre el jazz de vanguardia y el jazz tradicional.
Richard adopta un enfoque audaz e improvisado para su aventurero solo en “Subterfuge”.
Joe Henderson, "In ’N Out" [Blue Note, 1965]
Este clásico del post-bop fue uno de los cinco discos de Blue Note que catapultaron a Henderson al estrellato del jazz.
Producido por Henderson y el trompetista Kenny Dorham, la conexión de la sección rítmica es profunda, con Elvin Jones y McCoy Tyner, miembros del cuarteto de John Coltrane, que complementan las enérgicas líneas de bajo y los solos únicos de Richard.
Destaca la intensa compostura y conexión que crea la preferencia del profesor Davis por tocar sobre el ritmo, mientras que Jones se relaja con su estilo natural, en "Short Story" de Henderson.
Booker Ervin, "Heavy!!!" [Prestige, 1966]
El núcleo de esta enérgica agrupación —Richard Davis, el baterista Alan Dawson y el pianista Jaki Byard— grabaría la mayor parte de la infravalorada serie "Book" de Booker Ervin, junto con este clásico del hard bop que lleva un título muy apropiado.
Tanto Ervin como Byard colaboraron extensamente con el legendario bajista y compositor Charles Mingus, y Davis grabaría como bajista adicional en el álbum de Mingus ganador del premio Grammy, "Let My Children Hear Music" [Columbia, 1971].
Thad Jones Mel Lewis, "Live at the Village Vanguard" [Blue Note, 1967]
Una actuación de big band en vivo espectacular que catapultó al elenco estelar como un colectivo; esta orquesta estaba repleta de lo mejor del jazz neoyorquino.
El ritmo y la precisión de Richard llevaron a la orquesta a su actuación más memorable.
El profesor Davis ocupó el puesto de bajista en la Vanguard Orchestra de 1966 a 1972.
Elvin Jones and Richard Davis, "Heavy Sounds" [Impulse!, 1968]
El legendario baterista Elvin Jones sentía una gran admiración por Richard Davis, y lo incluyó en seis de sus álbumes en solitario.
Este disco a dúo, con el saxofonista tenor Frank Foster y el pianista Billy Greene como acompañantes, fue liderado por Richard y sigue siendo uno de los favoritos de las secciones rítmicas hasta el día de hoy.
No te pierdas el funk con aires de blues de "Raunchy Rita", así como la impresionante interpretación con arco que Davis hace del clásico de Gershwin, "Summertime".
Van Morrison, "Astral Weeks" [Warner Bros., 1968]
A menudo considerada una de las mejores interpretaciones de bajo de rock de todos los tiempos, la legendaria "Astral Weeks" de Van Morrison se interpreta prácticamente como una improvisación, en una sola toma, por un elenco reunido por el guitarrista de sesión Jay Berliner.
Richard está en la cima de su talento aquí, viendo la música por primera vez, improvisando a partir de una partitura y arrasando en la sesión.
Su apodo para el baterista del Modern Jazz Quartet, Connie Kaye, era "el guardia de seguridad", y se puede apreciar la gran compenetración entre ambos, especialmente en los temas en 6/8.
La audacia y destreza de Davis en el diapasón se hacen evidentes en el tema que da título al álbum, donde comienza a tocar un tema melódico con un swing increíblemente potente.
Al final de la canción, dobla notas de blues y lanza octavas explosivas, todo ello mientras baila con la voz.
Richard Davis, "Philosophy of the Spiritual" [Cobblestone, 1971]
El profesor Davis grabó la impresionante cifra de 27 discos como líder.
Progresista y en sintonía con el sonido en constante evolución del jazz de los años 70, este es uno de sus mejores trabajos en solitario.
La mayoría de las composiciones fueron escritas por su colaborador habitual, Bill Lee, padre de Spike Lee, quien también dirigió el New York Bass Choir.
La interpretación de Richard del estándar de jazz "Dear old Stockholm" es un ejemplo perfecto del arte que poseía como maestro improvisador, intérprete y músico.
Chris Jisi de Bass Magazine agrega: Dos joyas entre los éxitos pop en los que tocó Richard Davis son “Meeting Across the River” de Bruce Springsteen y el himno adolescente de Janis Ian, “At Seventeen”, ambos lanzados en 1975.
“Meeting”, de "Born to Run" [Columbia], cuenta con Springsteen, su pianista de siempre Roy Bittan, el trompetista Randy Brecker y Davis, quien adereza sus firmes notas fundamentales en el sentimiento rock sincopado con algunos tonos de color, específicamente inclinándose hacia la séptima mayor.
“At Seventeen” de Ian presenta otro conjunto minimalista que incluye a Ian en la voz y la guitarra, Sal DeTroia y Bucky Pizzarelli en las guitarras, Burt Collins en el fliscorno y la ligera batería de Barry Lazarowitz.
Davis impulsa el brillante sentimiento bossa y se destaca cada vez más a medida que la pista se desarrolla, utilizando notas de acordes, slides, pull-offs y walk-downs para crear contramelodías.
Discografía
Como Líder/Colíder
Heavy Sounds con Elvin Jones (Impulse!, 1968)
Muses for Richard Davis (MPS, 1970)
The Philosophy of the Spiritual (Cobblestone, 1971)
Epistrophy & Now's The Time (Muse, 1972)
Dealin' (Muse, 1974)
Song for Wounded Knee (Flying Dutchman, 1973)
As One (Muse, 1976)
Harvest (Muse, 1979)
Way Out West (Muse, 1980)
Fancy Free (Galaxy, 1977)
Divine Gemini con Walt Dickerson (SteepleChase, 1978)
Tenderness con Walt Dickerson (SteepleChase, 1985)
Cauldron (Corvo, 1979)
Persia My Dear (DIW, 1987)
One for Frederick (Hep, 1990)
Body and Soul con Archie Shepp (Enja, 1991)
I Remember Clifford (DIW, 1990)
Reminisces (Sympatico, 1994)
Total Package (Marge, 1998)
The Bassist: Homage to Diversity (King, 2001)
So in Love (King, 2002)
Madison con Tine Asmundsen, Vidar Johansen, Robert Shy (Hazel Jazz, 2008)
Blue Monk (King, 2008)
Con New York Unit
Now's The Time (Bellaphon, 1992)
Over The Rainbow (King, 1993)
Tribute To George Adams (King, 1993)
Con The Great Jazz Trio (Hank Jones, piano, y Elvin Jones, batería)
Someday My Prince Will Come (Eighty-Eight's, 2002)
Autumn Leaves (Eighty-Eight's, 2003)
Collaboration (Eighty-Eight's, 2004)
Con Manny Albam
Brass on Fire (Sold State, 1966)
The Soul of the City (Solid State, 1966)
Con Charles Brown
Boss of the Blues (Mainstream, 1963)
Ballads My Way (Mainstream, 1965)
Con Ray Bryant
Lonesome Traveler (Cadet, 1966)
Slow Freight (Cadet, 1967)
Con Jaki Byard
Freedom Together! (Prestige, 1966)
Jaki Byard with Strings! (Prestige, 1968)
The Jaki Byard Experience (Prestige, 1968)
Con Creative Construction Company
Creative Construction Company (Muse, 1975)
Creative Construction Company Vol. II (Muse, 1976)
Con Eric Dolphy
Iron Man (Douglas, 1963)
Out to Lunch! (Blue Note, 1964)
Con Lou Donaldson
Rough House Blues (Argo, 1964)
Sophisticated Lou (Blue Note, 1973)
Con Booker Ervin
The Freedom Book (Prestige, 1963)
The Song Book (Prestige, 1964)
The Blues Book (Prestige, 1964)
The Space Book (Prestige, 1965)
Groovin' High (Prestige, 1966)
Heavy!!! (Prestige, 1967)
Con The Free Design
Heaven/Earth (Project, 1969)
Stars/Time/Bubbles/Love (Project, 1970)
Con Stan Getz
Stan Getz Plays Music from the Soundtrack of Mickey One (MGM, 1965)
Stan Getz & Bill Evans con Bill Evans (Verve, 1973)
Con Chico Hamilton
The Further Adventures of El Chico (Impulse!, 1966)
The Dealer (Impulse!, 1966)
Con Joe Henderson
In 'n Out (Blue Note, 1964)
Relaxin' at Camarillo (Contemporary, 1979)
Con Andrew Hill
Black Fire (Blue Note, 1963)
Smokestack (Blue Note, 1963)
Judgment! (Blue Note, 1964)
Point of Departure (Blue Note, 1964)
Andrew!!! (Blue Note, 1964)
Pax (Blue Note, 1965)
Lift Every Voice (Blue Note, 1969)
Nefertiti (East Wind, 1976)
Con Johnny Hodges
Blue Rabbit (Verve, 1964) con Wild Bill Davis
Wings & Things (Verve, 1965) con Wild Bill Davis
Stride Right (Verve, 1966) con Earl "Fatha" Hines
Con Janis Ian
Stars (Columbia, 1974)
Aftertones (Columbia, 1975)
Between the Lines (Columbia, 1975)
Janis Ian (Columbia, 1978)
Billie's Bones (Rude Girl, 2004)
Con Milt Jackson
For Someone I Love (Riverside, 1963)
Jazz 'n' Samba (Impulse!, 1964)
Con Budd Johnson
Ya! Ya! (Argo, 1964)
Off the Wall (Argo, 1964) con Joe Newman
Con J. J. Johnson
J.J.'s Broadway (Verve, 1963)
Goodies (RCA Victor, 1965)
Broadway Express (RCA Victor, 1965)
Israel (CTI, 1968) with Kai Winding
Con Elvin Jones
Dear John C. (Impulse!, 1965)
Heavy Sounds (Impulse!, 1967)
Very R.A.R.E. (Trio, 1979)
Heart to Heart (Denon, 1980)
Love & Peace (Trio, 1982)
Elvin Jones Jazz Machine Live at Pit Inn (Polydor Japan, 1984)
Con Hank Jones
Arigato (Progressive, 1976)
Ain't Misbehavin' (Galaxy, 1978)
Con The Thad Jones/Mel Lewis Orchestra
Presenting Thad Jones/Mel Lewis and the Jazz Orchestra (Sold State, 1966)
Live at the Village Vanguard (Solid State, 1967)
Monday Night (Solid State, 1968)
Basle, 1969 (TCB, 1969) (Released 1996)
Central Park North (Solid State, 1969)
Consummation (Blue Note, 1970)
Con Clifford Jordan
These are My Roots: Clifford Jordan Plays Leadbelly (Atlantic, 1965)
In the World (Strata-East, 1972) – rec. 1969
Inward Fire (Muse, 1978)
Four Play (DIW, 1990) con James Williams y Ronnie Burrage
Con Roland Kirk
Reeds & Deeds (Mercury, 1963)
Rip, Rig and Panic (Limelight, 1965)
Con Eric Kloss
Grits & Gravy (Prestige, 1966)
In the Land of the Giants (Prestige, 1969)
Con Hubert Laws
The Laws of Jazz (Atlantic, 1964)
Flute By-Laws (Atlantic, 1966)
Wild Flower (Atlantic, 1972)
Con John Lewis
Essence (Atlantic, 1962)
P.O.V. (Columbia, 1975)
Con Herbie Mann
Impressions of the Middle East (Atlantic, 1966)
The Herbie Mann String Album (Atlantic, 1967)
Con Pat Martino
Baiyina (The Clear Evidence) (Prestige, 1968)
The Visit! (Cobblestone, 1972)
Exit (Muse, 1976)
Con Brother Jack McDuff
Prelude (Prestige, 1963)
Moon Rappin' (Blue Note, 1969)
Check This Out (Cadet, 1972)
Con Gary McFarland
The Gary McFarland Orchestra with Bill Evans (1963)
Soft Samba (Verve, 1963)
The In Sound (Verve, 1965)
Con Jimmy McGriff
The Big Band (Solid State, 1966)
A Bag Full of Blues (Solid State, 1967)
Groove Grease (Groove Merchant, 1971)
Con Melanie
Stoneground Words (Neighborhood, 1972)
As I See It Now (Neighborhood, 1975)
Con Helen Merrill
The Feeling Is Mutual (Millestone, 1967)
John Lewis/Helen Merrill (Mercury, 1977)
Con Wes Montgomery
California Dreaming (Verve, 1966)
Road Song (A&M, 1968)
Con David Murray
The Hill (Black Saint, 1987)
Seasons (Pow Wow, 1999)
Con Oliver Nelson
More Blues and the Abstract Truth (Impulse!, 1964)
Oliver Nelson Plays Michelle (Impulse!, 1966)
Con David "Fathead" Newman
Bigger & Better (Atlantic, 1968)
The Many Facets of David Newman (Atlantic, 1969)
Con New York Unit
Oleo (CBS, 1989)
Blue Bossa (Paddle Wheel, 1990)
St. Thomas: Tribute to Great Tenors (Paddle Wheel, 1991)
Tribute to George Adams (Paddle Wheel, 1991)
Now's the Time (Paddle Wheel, 1992)
Over the Rainbow (Paddle Wheel, 1992)
Akari (Apollon, 1994)
Con Laura Nyro
Christmas and the Beads of Sweat (Columbia, 1970)
Smile (Columbia, 1976)
Con The Rascals
Once Upon a Dream (Atlantic, 1968)
Freedom Suite (Atlantic, 1969)
Con Shirley Scott
Latin Shadows (Impulse!, 1965)
Roll 'Em: Shirley Scott Plays the Big Bands (Impulse!, 1966)
Mystical Lady (Cadet, 1971)
Con Jimmy Smith
Monster (Verve, 1965)
Hoochie Coochie Man (Verve, 1966)
Jimmy & Wes: The Dynamic Duo with Wes Montgomery (Verve, 1966)
Further Adventures of Jimmy and Wes with Wes Montgomery (Verve, 1966)
Con Chris Smither
I'm a Stranger Too! (Tomato, 1970)
Honeysuckle Dog (Okra-Tone, 2005)
Con Bruce Springsteen
Greetings from Asbury Park, N.J. (Columbia, 1973)
Born to Run (Columbia, 1975)
Con Sonny Stitt
Mr. Bojangles (Cadet, 1973)
Satan (Cadet, 1974)
Stomp Off Let's Go (Flying Dutchman, 1976)
Con Leon Thomas
Spirits Known and Unknown (Flying Dutchman, 1969)
Full Circle (Flying Dutchman, 1973)
Con Cal Tjader
Soul Sauce (Verve, 1965)
Soul Bird: Whiffenpoof (Verve, 1965)
Soul Burst (Verve, 1966)
Con Loudon Wainwright III
Album III (Columbia, 1972)
T Shirt (Arista, 1976)
Con Ben Webster
Soulmates (Riverside, 1963)
See You at the Fair (Impulse!, 1964)
Con Phil Woods
Round Trip (Verve, 1969)
Musique du Bois (Muse, 1974)
Con otros
Peter Allen, Tenterfield Saddler (Metromedia, 1972)
Louis Armstrong, Louis Armstrong and His Friends (Flying Dutchman, 1970)
Dorothy Ashby, The Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby (Atlantic, 1965)
Tine Asmundsen, Madison (Hazel Jazz, 2008)
Elek Bacsik, I Love You (Bob Thiele Music, 1974)
Chet Baker, Baker's Holiday (Limelight, 1965)
Gary Bartz, Libra (Milestone, 1968)
Tony Bennett, I've Gotta Be Me (Columbia, 1969)
George Benson, Shape of Things to Come (A&M, 1968)
Willie Bobo, Spanish Grease (Verve, 1965)
Teresa Brewer, Singin' A Doo-Dah Song (Flying Dutchman, 1972)
Ruth Brown, Ruth Brown '65 (Mainstream, 1965)
Buffalo Springfield, Last Time Around (Atco, 1968)
Kenny Burrell, A Night at the Vanguard (Argo, 1959)
Free Creek, Music from Free Creek (Buddah, 1973)
Candido Camero, Beautiful (Blue Note, 1970)
Betty Carter, 'Round Midnight (Atco, 1963)
Joe Chambers, The Almoravid (Muse, 1974)
Judy Collins, Bread and Roses (Elektra, 1976)
Eddie Daniels, First Prize! (Prestige, 1967)
Bo Diddley, Where It All Began (Chess, 1972)
Kenny Dorham, Trompeta Toccata (Blue Note, 1965)
Jonathan Edwards, Have a Good Time for Me (Alto, 1973)
Art Farmer, New York Jazz Sextet: Group Therapy (Scepter, 1966)
Maynard Ferguson, The Blues Roar (Mainstream, 1965)
Ricky Ford, Loxodonta Africana (New World, 1977)
Jimmy Forrest, Soul Street (New Jazz, 1962)
Frank Foster, Soul Outing! (Prestige, 1966)
Don Friedman, Metamorphosis (Prestige, 1966)
Red Garland, Equinox (Galaxy, 1978)
Dizzy Gillespie, Cornucopia (Solid State, 1969)
Eddie Harris, Silver Cycles (Atlantic, 1968)
Johnny Hartman, The Voice That Is! (Impulse!, 1964)
Roy Haynes, Togyu (RCA, 1975)
Don Henley, Cass County (Capitol, 2015)
Mieko Hirota, Step Across (CBS, 1978)
Freddie Hubbard, The Hub of Hubbard (Blue Note, 1970)
Bobby Hutcherson, Dialogue (Blue Note, 1965)
Garland Jeffreys, Garland Jeffreys (Atlantic, 1973)
Rickie Lee Jones, It's Like This (Artemis, 2000)
Eric Kaz, If You're Lonely (Atlantic, 1972)
Morgana King, Miss Morgana King (Reprise, 1965)
Charles Lloyd, Discovery! (Columbia, 1964)
Gloria Loring, And Now We Come to Distances (Evolution, 1969)
Johnny Lytle, A Man and a Woman (Solid State, 1967)
Junior Mance, I Believe to My Soul (Atlantic, 1968)
Melissa Manchester, Bright Eyes (Bells, 1974)
Gary McFarland and Gabor Szabo, Simpatico with Gabor Szabo (Impulse!, 1966)
Kate & Anna McGarrigle, Dancer with Bruised Knees (Warner Bros., 1977)
Charles Mingus, Let My Children Hear Music (Columbia, 1972)
James Moody, Great Day (Argo, 1963)
Essra Mohawk, Essra (Private Stock, 1976)
Van Morrison, Astral Weeks (Warner Bros., 1968)
Danny O'Keefe, Breezy Stories (Atlantic, 1973)
Tony Orlando and Dawn, To Be With You (Elektra, 1976)
Esther Phillips, Esther Phillips Sings (Atlantic, 1966)
Bonnie Raitt, Streetlights (Warner Bros., 1974)
Sam Rivers, Hues (Impulse!, 1973)
Richard Roundtree, The Man from Shaft (MGM, 1972)
Pharoah Sanders, Karma (Impulse!, 1969)
Michel Sardaby, Michel Sardaby in New York (Sound Hills, 2002)
Carole Bayer Sager, ...Too (Elektra, 1978)
Marlena Shaw, Marlena (Blue Note, 1972)
Sonny Simmons, Burning Spirits (Contemporary, 1971)
Carly Simon, Hotcakes (Elektra, 1974)
John Simon, John Simon's Album (Warner Bros., 1970)
Paul Simon, There Goes Rhymin' Simon (Columbia, 1973)
Frank Sinatra, Watertown (Reprise, 1970)
Phoebe Snow, Second Childhood (Columbia, 1976)
Ed Summerlin, Ring Out Joy (Avant-Garde, 1968)
Clark Terry, Mumbles (Mainstream, 1966)
Lucky Thompson, Lucky Strikes (Prestige, 1964)
The Manhattan Transfer, Vocalese (Atlantic, 1985)
Mickey Tucker and Roland Hanna, The New Heritage Keyboard Quartet (Blue Note, 1973)
Phil Upchurch, Feeling Blue (Milestone, 1967)
Sarah Vaughan, Swingin' Easy (EmArcy, 1957)
Mal Waldron, Sweet Love, Bitter (Impulse!, 1967)
Cedar Walton, Spectrum (Prestige, 1968)
Walter Wanderley, Moondreams (A&M, 1969)
Joe Williams, Presenting Joe Williams and Thad Jones / Mel Lewis, The Jazz Orchestra (Solid State, 1966)
Reuben Wilson, Set Us Free (Blue Note, 1971)
Kai Winding, More Brass (Verve, 1966)
Jimmy Witherspoon, Blues for Easy Livers (Prestige, 1965)
Emily Yancy, Yancy (Mainstream, 1965)
Joe Zawinul, The Rise and Fall of the Third Stream (Vortex, 1968)
Zulema, Zulema (Sussex, 1972)
Fuentes: rollingstone.com, guitarworld.com, richarddavis.org, bassmagazine.com, Wikipedia y flickr.com
Richard Davis
La trayectoria de Richard Davis en los años sesenta se asemeja a un repaso de algunas de las obras musicales más desafiantes y perdurables de esa década, desde hitos del jazz progresivo como “Out to Lunch!” de Eric Dolphy y “Point of Departure” de Andrew Hill hasta la obra maestra del free folk “Astral Weeks” de Van Morrison.
Pero eso es solo una pequeña parte de su producción total: durante los últimos sesenta años, también ha enaltecido las bandas, las sesiones y las actuaciones de gigantes como Sarah Vaughan, Paul Simon e Igor Stravinsky.
Davis brilla con luz propia en entornos íntimos, donde su interpretación profundamente empática puede resplandecer, ya sea tocando conmovedoras líneas de arco en un dúo con Dolphy en "Come Sunday" de Duke Ellington, proporcionando una cálida base rítmica para la historia de un delincuente de poca monta de Bruce Springsteen en "Meeting Across the River", o evocando frases increíblemente emotivas para complementar la poesía de Morrison en temas como "Beside You".
“Para mí, Richard fue el alma del disco”, dijo Lewis Merenstein, productor de "Astral Weeks", al reflexionar sobre el álbum 40 años después.
Richard Davis nació en Chicago, Illinois, el 15 de abril de 1930. Su madre murió durante el parto y fue criado por Robert y Elmora Johnson.
Davis se inclinó por tocar el bajo y comenzó su carrera musical cantando bajo en el trío vocal de su familia.
Estudió contrabajo en el instituto con su profesor de teoría musical y director de banda Walter Dyett y fue miembro de la Orquesta Juvenil del Gran Chicago, tocando en la primera presentación de la orquesta en el Orchestra Hall de Chicago el 14 de noviembre de 1947.
Después de la escuela secundaria, estudió contrabajo con Rudolf Fahsbender de la Chicago Symphony Orchestra mientras asistía al VanderCook College of Music.
Tras la universidad, Davis actuó en grupos de baile y allí entabló amistad con el pianista Don Shirley.
A principios de la década de 1950, Richard Davis conoció y tocó con Sonny Blount (más tarde mundialmente conocido como el revolucionario orquestal Sun Ra) y pasó un año con el trío del pianista Ahmad Jamal, de gran éxito artístico y comercial.
Ahmad Jamal impulsó la carrera de Davis desde el principio. Las conexiones que hizo lo llevaron al pianista Don Shirley.
Ambos se trasladaron en 1954 a Nueva York y actuaron juntos dos años, hasta 1956, cuando Davis empezó a tocar con la Sauter-Finegan Orchestra.
En 1957 pasó a formar parte de la sección rítmica de Sarah Vaughan, realizando giras y grabando con ella hasta 1960.
“Se podría decir que estudié en la Universidad de Sarah Vaughan”, declaró Davis a Isthmus en 2014. “Una vez que has demostrado tu valía con músicos de ese nivel, otros vocalistas empiezan a llamarte, porque dan por hecho que debes saber algo”.
Davis llegó a ser uno de los bajistas más solicitados de Nueva York, especialmente dentro del emergente movimiento del free jazz.
“Su trayectoria en los años 60 parece un compendio de algunas de las obras musicales más desafiantes y perdurables de esa década”, escribió Rolling Stone cuando lo incluyó en el puesto número 34 de la lista de los 50 mejores bajistas de todos los tiempos. “Pero eso es solo una pequeña parte de su producción total”.
Durante la década de 1960, Davis tenía mucha demanda en varios círculos musicales y trabajó con muchos de los pequeños grupos de jazz de la época, incluidos los dirigidos por Eric Dolphy, Jaki Byard, Booker Ervin, Andrew Hill, Elvin Jones y Cal Tjader.
En 1964, Davis se asoció con el grupo rítmicamente complejo Point of Departure de Andrew Hill.
A medida que Richard Davis continuaba desarrollándose, se inspiró mucho en Mingus.
En 1964, Richard Davis participó en el álbum debut de Tony Williams, “Life Time”, mostrando su enfoque innovador.
En 1968, con “Astral Weeks” de Van Morrison, Davis se desempeñó como director musical de facto, liderando al conjunto de improvisación durante la creación del álbum.
“Algunas personas se desilusionan mucho cuando les cuento sobre la grabación del disco”, declaró Davis a Rolling Stone. “No recuerdo haber hablado con él. Era bastante reservado. No hizo ninguna sugerencia sobre qué tocar, cómo tocarlo ni cómo darle estilo a lo que estábamos haciendo”.
“Para mí, Richard fue el alma del álbum”, dijo en una ocasión el productor Lewis Merenstein. Más tarde, Griel Marcus, de Rolling Stone, describiría el bajo de Davis en “Astral Weeks” como “el mejor bajo jamás escuchado en un álbum de rock”.
Sus líneas de bajo en “Astral Weeks” fueron elogiadas por la crítica por su profundidad emocional, lo que impulsó al álbum a convertirse en un clásico.
Tocó en “Watertown” de Frank Sinatra (1969).
Cuando Frank Sinatra grabó “Watertown”, tenía 54 años y, aunque muchos lo consideraban un artista icónico que todavía era “el rey de la colina y la cima del montón”, el mundo del pop que él conocía estaba cambiando más allá de lo reconocible.
Él todavía estaba vendiendo miles de discos a un público que lo adoraba, como lo demostró el éxito de su álbum “My Way”, pero el pop estaba en un estado de transición; era el apogeo de la era de la contracultura, cuando el acid rock, el soul psicodélico y el auge del pop de cantautor estaban desplazando la música de easy listening.
Sinatra ya había hecho concesiones al rock y al pop contemporáneo en “My Way” al hacer versiones de temas de Lennon & McCartney, Paul Simon, Jimmy Webb y Stevie Wonder, pero para su próximo proyecto, se adentró aún más en un terreno musical desconocido.
“Watertown”, creación de los compositores Bob Gaudio y Jake Holmes, fue un ciclo de canciones sobre un hombre cuya esposa lo deja a él y a sus dos hijos después de ser seducida por el encanto de la gran ciudad.
Sinatra interpreta a un personaje que es tanto el narrador como el protagonista central del álbum, y cuenta su historia a través de una serie de viñetas descriptivas.
Davis grabó con músicos de pop y rock en la década de 1970, apareciendo en “Smile” de Laura Nyro, en “Greetings From Asbury Park, NJ” y “Born to Run” de Bruce Springsteen y en “Something So Right” de Paul Simon.
El bajista también trabajó junto a Charles Mingus en su álbum de 1972, “Let My Children Hear Music, un proyecto que reunió a tres de los mejores bajistas de jazz: Mingus, Davis y Ron Carter.
Durante su carrera interpretó música clásica con los directores Igor Stravinsky, quien una vez describió su virtuosismo como "divino", Leonard Bernstein, Pierre Boulez, Leopold Stokowski y Gunther Schuller.
Además de sus contribuciones al pop y al rock, Davis fue miembro fundador y participante habitual de la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra de 1966 a 1972.
Actuó como parte del New York Bass Violin Choir dirigido por Bill Lee.
Después de vivir 23 años en la ciudad de Nueva York, en 1977 Davis aceptó un puesto docente como Profesor de Bajo (Clásico Europeo y Jazz), Historia del Jazz e improvisación de combo en la Universidad de Wisconsin-Madison.
Davis tenía el deseo de guiar e inspirar a las futuras generaciones.
Richard Davis señala a varios bajistas mayores como influencias en su comprensión del bajo. Dice: “Escuché a Jimmy Blanton, Oscar Pettiford, todos esos viejos, Milton Hinton. Quería descubrir qué estaban haciendo. No quería tocar como ellos, pero de ahí surgió. Junto con el hecho de que estaba listo para aliviar las presiones de ser un músico independiente”.
Davis también fundó una filial del Instituto para la Sanación del Racismo en Madison para promover la concienciación sobre la diversidad.
En la década de 1990, también participó en una serie de grabaciones de tríos de post bop con el pianista John Hicks y el baterista Tatsuya Nakamura.
En 1993, fundó la Fundación Richard Davis para Jóvenes Bajistas con el fin de apoyar el desarrollo musical de jóvenes artistas que, anualmente, trae a 17 maestros instructores/intérpretes de bajo para enseñar a jóvenes bajistas de 3 a 18 años.
En 1998, creó el Proyecto de Acción para la Retención (RAP), centrado en las diferencias multiculturales.
En mayo de 2000, lanzó un CD grabado en Japón titulado “The Bassist”, que rendía homenaje a Diversity (King Records).
Su segundo CD con King Records, “So In Love”, también se lanzó posteriormente.
La última grabación de Davis fue “Blue Monk”, publicada exclusivamente en Japón en 2009, una colaboración a dúo con el fallecido pianista Junior Mance.
Davis siempre continuó tocando y grabando de forma semi-regular, y en marzo de 2009, participó en el club de Anderson en Chicago, el Velvet Lounge, del 18 al 22 de marzo, celebrando el 80 cumpleaños de la leyenda Fred Anderson el 22 de marzo.
Durante sus casi 40 años en la universidad, Davis hizo hincapié en el bajo clásico, la historia del jazz y la improvisación.
Entre sus numerosos reconocimientos y premios, destacan el concedido entre 1967 y 1974, como Mejor Bajista, por la Encuesta de Críticos Internacionales de la revista Downbeat, y reconocido “Maestro del jazz”, por la NEA en 2014, lo que le aseguró un lugar entre el panteón de los grandes del jazz.
Se retiró de la universidad en 2016.
Davis falleció el 6 de septiembre de 2023, después de dos años en cuidados paliativos, a la edad de 93 años, con más de 3.000 grabaciones en su haber.
"Agradecemos todo el cariño y el apoyo que la comunidad le ha demostrado a lo largo de los años", expresó su hija Persia Davis en un comunicado.
A lo largo de su vida, Davis recibió numerosos premios por su talento musical y su compromiso con el empoderamiento de las futuras generaciones.
Davis ha recibido doctorados honoris causa en Artes Musicales y Humanidades, así como el Premio Hilldale a la enseñanza destacada, otorgado por la ex rectora Donna Shalala, y un doctorado honoris causa en Humanidades del Edgewood College de Madison en 1998.
En el año 2000, recibió el Premio Humanitario Manfred E. Swarsensky del Club Rotario de Madison.
En 2001, recibió el Premio de Artes del Gobernador de Wisconsin.
El Premio Humanitario Reverendo Dr. Martin Luther King, Jr., otorgado anualmente por la ciudad de Madison, fue entregado al Dr. Richard Davis por la alcaldesa Susan JM Bauman durante la 18ª conmemoración anual del nacimiento del Dr. King, organizada por la ciudad y el condado, en el Centro Cívico de Madison, el lunes 20 de enero de 2003.
En 2008, Richard Davis recibió el premio MAMA (Madison Area Music Award), el premio Michael St. John a la trayectoria profesional, el premio de Derechos Humanos (Rev. James C. Wright), el premio FIGS 2008 al primer grupo de interés estudiantil (primer año), el premio TRIO (primer miembro de la familia en ir a la universidad), otorgado por Caroline McCormack.
En 2009 recibió el premio al servicio excepcional de la Universidad de Wisconsin-Madison (Gary Sandefur, decano) y el premio Spencer Tracy a la distinción en las artes escénicas (Sociedad Histórica de Wisconsin).
Neil Heinen en Spectrum escribió: “Como uno de los bajistas más destacados del mundo, la música de Davis ha conmovido a innumerables fans, y su enseñanza ha inspirado a generaciones de estudiantes tanto en las aulas como a través de la Fundación Richard Davis para Jóvenes Bajistas, Inc., que ofrece instrucción musical a jóvenes con dificultades económicas. Si bien el maestro y profesor de jazz podría haber concluido su renombrada biografía ahí, su pasión por la justicia social y por la superación del racismo ha transformado la vida de quienes han aceptado su invitación a abrir sus corazones, mentes y espíritus a la historia y la patología del racismo”.
Nota de Presidemente: aquí os dejo el artículo que escribió el bajista Josh Werner para bassmagazine.com tras es fallecimiento de Davis.
El bajista Josh Werner recuerda a la influyente leyenda que fusionaba diversos géneros y que falleció a principios de este mes, y comparte sus álbumes favoritos de su obra.
Recordando a Richard Davis
El mundo del bajo, el jazz, la música y el arte perdió a un gigante absoluto el 6 de septiembre con el fallecimiento de Richard Davis, a los 93 años.
El maestro Davis fue un bajista cuya creatividad, conocimiento y técnica conquistaron el mundo de la música.
Igualmente cómodo en la música clásica, el jazz, la vanguardia y el pop, su carrera trascendió etiquetas y géneros, permitiéndole conectar sonidos de cada uno de ellos de maneras innovadoras.
También se le atribuye una de las interpretaciones de bajo más icónicas de la historia del rock, en el aclamado álbum de Van Morrison, "Astral Weeks".
Tuve la suerte de tener al profesor Davis como mentor.
Como su alumno particular, fui testigo de cómo infundía confianza en sus estudiantes, promovía la diversidad y la igualdad en el campus, guiaba a generaciones de estudiantes hacia una vida de aprecio por el jazz y, en muchos casos, hacia una carrera profesional dedicada a la música.
Uno de los músicos más prolíficos de su época, la discografía de Davis, nacido en Chicago, es sencillamente impresionante.
Grabó con numerosas estrellas del jazz de su tiempo, como Eric Dolphy, Joe Henderson, Booker Ervin y Bobby Hutchinson, así como con leyendas que le precedieron, como Ben Webster, Sonny Stitt, Sarah Vaughan y Johnny Hodges.
Sin olvidar a gigantes de la música clásica como Igor Stravinsky y Leonard Bernstein, y a algunas de las mayores estrellas del pop de la época, como Barbra Streisand, Paul Simon, Bruce Springsteen y Frank Sinatra.
Aquí hay 10 discos que todo bajista debería conocer y en los que participa Richard Davis:
Sarah Vaughan, "Swingin' Easy" [Emarcy, 1957]
Una de las primeras grandes oportunidades del joven bajista fue tocar con la legendaria cantante Sarah Vaughan, junto al prometedor baterista Roy Haynes y el pianista Ronnell Bright.
Su versión de "All of Me" ha sido utilizada por educadores como ejemplo del acompañamiento perfecto de bajo para una voz.
Observen la selección de notas de Davis, los rellenos de bajo y la interacción melódica con la voz, todo ello con una intensidad de gran belleza y serenidad.
Eric Dolphy Quintet, "At the Five Spot, Vol 1 & 2" [Fantasy, 1961]
Este conjunto de dos volúmenes documenta la actuación en directo de Dolphy el 16 de julio de 1961 y suele ir acompañado del "Álbum Conmemorativo" [Fantasy, 1964].
El trompetista Booker Little, el pianista Mal Waldron y el baterista Ed Blackwell brillan en esta grabación, que constituye un excelente ejemplo de la vanguardia musical de Davis y Dolphy a principios de los años 60.
Originario de Chicago, Davis poseía un profundo conocimiento del blues y era capaz de fusionarlo con la vanguardia en cualquier contexto. No se pierdan la profunda conexión musical entre él y Mal Waldron en "Booker's Waltz".
Eric Dolphy, "Out To Lunch" [Blue Note, 1964]
Uno de los discos de jazz más importantes de todos los tiempos, "Out to Lunch" de Eric Dolphy, cuenta con el joven prodigio Tony Williams en la batería, junto con el frecuente colaborador Bobby Hutcherson en el vibráfono.
En "Something Sweet, Something Tender", compuesta por Dolphy, la destreza de Davis con el arco se luce, al igual que su oído para la disonancia temporal y la conceptualización. La conexión entre Dolphy y Davis es evidente y trascendente.
Andrew Hill, "Black Fire" [Blue Note, 1964]
El álbum debut del pianista Andrew Hill para Blue Note Records está liderado por el baterista Roy Haynes y Davis, quien maneja con maestría los compases y métricas inusuales.
El ritmo hard bop hace referencia constante a los ritmos afrocubanos y haitianos, mientras que las innovadoras composiciones de Andrew Hill son exploradas melódicamente por el gran saxofonista Joe Henderson.
Una vez más, este disco posee una profundidad intelectual que transita entre el jazz de vanguardia y el jazz tradicional.
Richard adopta un enfoque audaz e improvisado para su aventurero solo en “Subterfuge”.
Joe Henderson, "In ’N Out" [Blue Note, 1965]
Este clásico del post-bop fue uno de los cinco discos de Blue Note que catapultaron a Henderson al estrellato del jazz.
Producido por Henderson y el trompetista Kenny Dorham, la conexión de la sección rítmica es profunda, con Elvin Jones y McCoy Tyner, miembros del cuarteto de John Coltrane, que complementan las enérgicas líneas de bajo y los solos únicos de Richard.
Destaca la intensa compostura y conexión que crea la preferencia del profesor Davis por tocar sobre el ritmo, mientras que Jones se relaja con su estilo natural, en "Short Story" de Henderson.
Booker Ervin, "Heavy!!!" [Prestige, 1966]
El núcleo de esta enérgica agrupación —Richard Davis, el baterista Alan Dawson y el pianista Jaki Byard— grabaría la mayor parte de la infravalorada serie "Book" de Booker Ervin, junto con este clásico del hard bop que lleva un título muy apropiado.
Tanto Ervin como Byard colaboraron extensamente con el legendario bajista y compositor Charles Mingus, y Davis grabaría como bajista adicional en el álbum de Mingus ganador del premio Grammy, "Let My Children Hear Music" [Columbia, 1971].
Thad Jones Mel Lewis, "Live at the Village Vanguard" [Blue Note, 1967]
Una actuación de big band en vivo espectacular que catapultó al elenco estelar como un colectivo; esta orquesta estaba repleta de lo mejor del jazz neoyorquino.
El ritmo y la precisión de Richard llevaron a la orquesta a su actuación más memorable.
El profesor Davis ocupó el puesto de bajista en la Vanguard Orchestra de 1966 a 1972.
Elvin Jones and Richard Davis, "Heavy Sounds" [Impulse!, 1968]
El legendario baterista Elvin Jones sentía una gran admiración por Richard Davis, y lo incluyó en seis de sus álbumes en solitario.
Este disco a dúo, con el saxofonista tenor Frank Foster y el pianista Billy Greene como acompañantes, fue liderado por Richard y sigue siendo uno de los favoritos de las secciones rítmicas hasta el día de hoy.
No te pierdas el funk con aires de blues de "Raunchy Rita", así como la impresionante interpretación con arco que Davis hace del clásico de Gershwin, "Summertime".
Van Morrison, "Astral Weeks" [Warner Bros., 1968]
A menudo considerada una de las mejores interpretaciones de bajo de rock de todos los tiempos, la legendaria "Astral Weeks" de Van Morrison se interpreta prácticamente como una improvisación, en una sola toma, por un elenco reunido por el guitarrista de sesión Jay Berliner.
Richard está en la cima de su talento aquí, viendo la música por primera vez, improvisando a partir de una partitura y arrasando en la sesión.
Su apodo para el baterista del Modern Jazz Quartet, Connie Kaye, era "el guardia de seguridad", y se puede apreciar la gran compenetración entre ambos, especialmente en los temas en 6/8.
La audacia y destreza de Davis en el diapasón se hacen evidentes en el tema que da título al álbum, donde comienza a tocar un tema melódico con un swing increíblemente potente.
Al final de la canción, dobla notas de blues y lanza octavas explosivas, todo ello mientras baila con la voz.
Richard Davis, "Philosophy of the Spiritual" [Cobblestone, 1971]
El profesor Davis grabó la impresionante cifra de 27 discos como líder.
Progresista y en sintonía con el sonido en constante evolución del jazz de los años 70, este es uno de sus mejores trabajos en solitario.
La mayoría de las composiciones fueron escritas por su colaborador habitual, Bill Lee, padre de Spike Lee, quien también dirigió el New York Bass Choir.
La interpretación de Richard del estándar de jazz "Dear old Stockholm" es un ejemplo perfecto del arte que poseía como maestro improvisador, intérprete y músico.
Chris Jisi de Bass Magazine agrega: Dos joyas entre los éxitos pop en los que tocó Richard Davis son “Meeting Across the River” de Bruce Springsteen y el himno adolescente de Janis Ian, “At Seventeen”, ambos lanzados en 1975.
“Meeting”, de "Born to Run" [Columbia], cuenta con Springsteen, su pianista de siempre Roy Bittan, el trompetista Randy Brecker y Davis, quien adereza sus firmes notas fundamentales en el sentimiento rock sincopado con algunos tonos de color, específicamente inclinándose hacia la séptima mayor.
“At Seventeen” de Ian presenta otro conjunto minimalista que incluye a Ian en la voz y la guitarra, Sal DeTroia y Bucky Pizzarelli en las guitarras, Burt Collins en el fliscorno y la ligera batería de Barry Lazarowitz.
Davis impulsa el brillante sentimiento bossa y se destaca cada vez más a medida que la pista se desarrolla, utilizando notas de acordes, slides, pull-offs y walk-downs para crear contramelodías.
Discografía
Como Líder/Colíder
Heavy Sounds con Elvin Jones (Impulse!, 1968)
Muses for Richard Davis (MPS, 1970)
The Philosophy of the Spiritual (Cobblestone, 1971)
Epistrophy & Now's The Time (Muse, 1972)
Dealin' (Muse, 1974)
Song for Wounded Knee (Flying Dutchman, 1973)
As One (Muse, 1976)
Harvest (Muse, 1979)
Way Out West (Muse, 1980)
Fancy Free (Galaxy, 1977)
Divine Gemini con Walt Dickerson (SteepleChase, 1978)
Tenderness con Walt Dickerson (SteepleChase, 1985)
Cauldron (Corvo, 1979)
Persia My Dear (DIW, 1987)
One for Frederick (Hep, 1990)
Body and Soul con Archie Shepp (Enja, 1991)
I Remember Clifford (DIW, 1990)
Reminisces (Sympatico, 1994)
Total Package (Marge, 1998)
The Bassist: Homage to Diversity (King, 2001)
So in Love (King, 2002)
Madison con Tine Asmundsen, Vidar Johansen, Robert Shy (Hazel Jazz, 2008)
Blue Monk (King, 2008)
Con New York Unit
Now's The Time (Bellaphon, 1992)
Over The Rainbow (King, 1993)
Tribute To George Adams (King, 1993)
Con The Great Jazz Trio (Hank Jones, piano, y Elvin Jones, batería)
Someday My Prince Will Come (Eighty-Eight's, 2002)
Autumn Leaves (Eighty-Eight's, 2003)
Collaboration (Eighty-Eight's, 2004)
Con Manny Albam
Brass on Fire (Sold State, 1966)
The Soul of the City (Solid State, 1966)
Con Charles Brown
Boss of the Blues (Mainstream, 1963)
Ballads My Way (Mainstream, 1965)
Con Ray Bryant
Lonesome Traveler (Cadet, 1966)
Slow Freight (Cadet, 1967)
Con Jaki Byard
Freedom Together! (Prestige, 1966)
Jaki Byard with Strings! (Prestige, 1968)
The Jaki Byard Experience (Prestige, 1968)
Con Creative Construction Company
Creative Construction Company (Muse, 1975)
Creative Construction Company Vol. II (Muse, 1976)
Con Eric Dolphy
Iron Man (Douglas, 1963)
Out to Lunch! (Blue Note, 1964)
Con Lou Donaldson
Rough House Blues (Argo, 1964)
Sophisticated Lou (Blue Note, 1973)
Con Booker Ervin
The Freedom Book (Prestige, 1963)
The Song Book (Prestige, 1964)
The Blues Book (Prestige, 1964)
The Space Book (Prestige, 1965)
Groovin' High (Prestige, 1966)
Heavy!!! (Prestige, 1967)
Con The Free Design
Heaven/Earth (Project, 1969)
Stars/Time/Bubbles/Love (Project, 1970)
Con Stan Getz
Stan Getz Plays Music from the Soundtrack of Mickey One (MGM, 1965)
Stan Getz & Bill Evans con Bill Evans (Verve, 1973)
Con Chico Hamilton
The Further Adventures of El Chico (Impulse!, 1966)
The Dealer (Impulse!, 1966)
Con Joe Henderson
In 'n Out (Blue Note, 1964)
Relaxin' at Camarillo (Contemporary, 1979)
Con Andrew Hill
Black Fire (Blue Note, 1963)
Smokestack (Blue Note, 1963)
Judgment! (Blue Note, 1964)
Point of Departure (Blue Note, 1964)
Andrew!!! (Blue Note, 1964)
Pax (Blue Note, 1965)
Lift Every Voice (Blue Note, 1969)
Nefertiti (East Wind, 1976)
Con Johnny Hodges
Blue Rabbit (Verve, 1964) con Wild Bill Davis
Wings & Things (Verve, 1965) con Wild Bill Davis
Stride Right (Verve, 1966) con Earl "Fatha" Hines
Con Janis Ian
Stars (Columbia, 1974)
Aftertones (Columbia, 1975)
Between the Lines (Columbia, 1975)
Janis Ian (Columbia, 1978)
Billie's Bones (Rude Girl, 2004)
Con Milt Jackson
For Someone I Love (Riverside, 1963)
Jazz 'n' Samba (Impulse!, 1964)
Con Budd Johnson
Ya! Ya! (Argo, 1964)
Off the Wall (Argo, 1964) con Joe Newman
Con J. J. Johnson
J.J.'s Broadway (Verve, 1963)
Goodies (RCA Victor, 1965)
Broadway Express (RCA Victor, 1965)
Israel (CTI, 1968) with Kai Winding
Con Elvin Jones
Dear John C. (Impulse!, 1965)
Heavy Sounds (Impulse!, 1967)
Very R.A.R.E. (Trio, 1979)
Heart to Heart (Denon, 1980)
Love & Peace (Trio, 1982)
Elvin Jones Jazz Machine Live at Pit Inn (Polydor Japan, 1984)
Con Hank Jones
Arigato (Progressive, 1976)
Ain't Misbehavin' (Galaxy, 1978)
Con The Thad Jones/Mel Lewis Orchestra
Presenting Thad Jones/Mel Lewis and the Jazz Orchestra (Sold State, 1966)
Live at the Village Vanguard (Solid State, 1967)
Monday Night (Solid State, 1968)
Basle, 1969 (TCB, 1969) (Released 1996)
Central Park North (Solid State, 1969)
Consummation (Blue Note, 1970)
Con Clifford Jordan
These are My Roots: Clifford Jordan Plays Leadbelly (Atlantic, 1965)
In the World (Strata-East, 1972) – rec. 1969
Inward Fire (Muse, 1978)
Four Play (DIW, 1990) con James Williams y Ronnie Burrage
Con Roland Kirk
Reeds & Deeds (Mercury, 1963)
Rip, Rig and Panic (Limelight, 1965)
Con Eric Kloss
Grits & Gravy (Prestige, 1966)
In the Land of the Giants (Prestige, 1969)
Con Hubert Laws
The Laws of Jazz (Atlantic, 1964)
Flute By-Laws (Atlantic, 1966)
Wild Flower (Atlantic, 1972)
Con John Lewis
Essence (Atlantic, 1962)
P.O.V. (Columbia, 1975)
Con Herbie Mann
Impressions of the Middle East (Atlantic, 1966)
The Herbie Mann String Album (Atlantic, 1967)
Con Pat Martino
Baiyina (The Clear Evidence) (Prestige, 1968)
The Visit! (Cobblestone, 1972)
Exit (Muse, 1976)
Con Brother Jack McDuff
Prelude (Prestige, 1963)
Moon Rappin' (Blue Note, 1969)
Check This Out (Cadet, 1972)
Con Gary McFarland
The Gary McFarland Orchestra with Bill Evans (1963)
Soft Samba (Verve, 1963)
The In Sound (Verve, 1965)
Con Jimmy McGriff
The Big Band (Solid State, 1966)
A Bag Full of Blues (Solid State, 1967)
Groove Grease (Groove Merchant, 1971)
Con Melanie
Stoneground Words (Neighborhood, 1972)
As I See It Now (Neighborhood, 1975)
Con Helen Merrill
The Feeling Is Mutual (Millestone, 1967)
John Lewis/Helen Merrill (Mercury, 1977)
Con Wes Montgomery
California Dreaming (Verve, 1966)
Road Song (A&M, 1968)
Con David Murray
The Hill (Black Saint, 1987)
Seasons (Pow Wow, 1999)
Con Oliver Nelson
More Blues and the Abstract Truth (Impulse!, 1964)
Oliver Nelson Plays Michelle (Impulse!, 1966)
Con David "Fathead" Newman
Bigger & Better (Atlantic, 1968)
The Many Facets of David Newman (Atlantic, 1969)
Con New York Unit
Oleo (CBS, 1989)
Blue Bossa (Paddle Wheel, 1990)
St. Thomas: Tribute to Great Tenors (Paddle Wheel, 1991)
Tribute to George Adams (Paddle Wheel, 1991)
Now's the Time (Paddle Wheel, 1992)
Over the Rainbow (Paddle Wheel, 1992)
Akari (Apollon, 1994)
Con Laura Nyro
Christmas and the Beads of Sweat (Columbia, 1970)
Smile (Columbia, 1976)
Con The Rascals
Once Upon a Dream (Atlantic, 1968)
Freedom Suite (Atlantic, 1969)
Con Shirley Scott
Latin Shadows (Impulse!, 1965)
Roll 'Em: Shirley Scott Plays the Big Bands (Impulse!, 1966)
Mystical Lady (Cadet, 1971)
Con Jimmy Smith
Monster (Verve, 1965)
Hoochie Coochie Man (Verve, 1966)
Jimmy & Wes: The Dynamic Duo with Wes Montgomery (Verve, 1966)
Further Adventures of Jimmy and Wes with Wes Montgomery (Verve, 1966)
Con Chris Smither
I'm a Stranger Too! (Tomato, 1970)
Honeysuckle Dog (Okra-Tone, 2005)
Con Bruce Springsteen
Greetings from Asbury Park, N.J. (Columbia, 1973)
Born to Run (Columbia, 1975)
Con Sonny Stitt
Mr. Bojangles (Cadet, 1973)
Satan (Cadet, 1974)
Stomp Off Let's Go (Flying Dutchman, 1976)
Con Leon Thomas
Spirits Known and Unknown (Flying Dutchman, 1969)
Full Circle (Flying Dutchman, 1973)
Con Cal Tjader
Soul Sauce (Verve, 1965)
Soul Bird: Whiffenpoof (Verve, 1965)
Soul Burst (Verve, 1966)
Con Loudon Wainwright III
Album III (Columbia, 1972)
T Shirt (Arista, 1976)
Con Ben Webster
Soulmates (Riverside, 1963)
See You at the Fair (Impulse!, 1964)
Con Phil Woods
Round Trip (Verve, 1969)
Musique du Bois (Muse, 1974)
Con otros
Peter Allen, Tenterfield Saddler (Metromedia, 1972)
Louis Armstrong, Louis Armstrong and His Friends (Flying Dutchman, 1970)
Dorothy Ashby, The Fantastic Jazz Harp of Dorothy Ashby (Atlantic, 1965)
Tine Asmundsen, Madison (Hazel Jazz, 2008)
Elek Bacsik, I Love You (Bob Thiele Music, 1974)
Chet Baker, Baker's Holiday (Limelight, 1965)
Gary Bartz, Libra (Milestone, 1968)
Tony Bennett, I've Gotta Be Me (Columbia, 1969)
George Benson, Shape of Things to Come (A&M, 1968)
Willie Bobo, Spanish Grease (Verve, 1965)
Teresa Brewer, Singin' A Doo-Dah Song (Flying Dutchman, 1972)
Ruth Brown, Ruth Brown '65 (Mainstream, 1965)
Buffalo Springfield, Last Time Around (Atco, 1968)
Kenny Burrell, A Night at the Vanguard (Argo, 1959)
Free Creek, Music from Free Creek (Buddah, 1973)
Candido Camero, Beautiful (Blue Note, 1970)
Betty Carter, 'Round Midnight (Atco, 1963)
Joe Chambers, The Almoravid (Muse, 1974)
Judy Collins, Bread and Roses (Elektra, 1976)
Eddie Daniels, First Prize! (Prestige, 1967)
Bo Diddley, Where It All Began (Chess, 1972)
Kenny Dorham, Trompeta Toccata (Blue Note, 1965)
Jonathan Edwards, Have a Good Time for Me (Alto, 1973)
Art Farmer, New York Jazz Sextet: Group Therapy (Scepter, 1966)
Maynard Ferguson, The Blues Roar (Mainstream, 1965)
Ricky Ford, Loxodonta Africana (New World, 1977)
Jimmy Forrest, Soul Street (New Jazz, 1962)
Frank Foster, Soul Outing! (Prestige, 1966)
Don Friedman, Metamorphosis (Prestige, 1966)
Red Garland, Equinox (Galaxy, 1978)
Dizzy Gillespie, Cornucopia (Solid State, 1969)
Eddie Harris, Silver Cycles (Atlantic, 1968)
Johnny Hartman, The Voice That Is! (Impulse!, 1964)
Roy Haynes, Togyu (RCA, 1975)
Don Henley, Cass County (Capitol, 2015)
Mieko Hirota, Step Across (CBS, 1978)
Freddie Hubbard, The Hub of Hubbard (Blue Note, 1970)
Bobby Hutcherson, Dialogue (Blue Note, 1965)
Garland Jeffreys, Garland Jeffreys (Atlantic, 1973)
Rickie Lee Jones, It's Like This (Artemis, 2000)
Eric Kaz, If You're Lonely (Atlantic, 1972)
Morgana King, Miss Morgana King (Reprise, 1965)
Charles Lloyd, Discovery! (Columbia, 1964)
Gloria Loring, And Now We Come to Distances (Evolution, 1969)
Johnny Lytle, A Man and a Woman (Solid State, 1967)
Junior Mance, I Believe to My Soul (Atlantic, 1968)
Melissa Manchester, Bright Eyes (Bells, 1974)
Gary McFarland and Gabor Szabo, Simpatico with Gabor Szabo (Impulse!, 1966)
Kate & Anna McGarrigle, Dancer with Bruised Knees (Warner Bros., 1977)
Charles Mingus, Let My Children Hear Music (Columbia, 1972)
James Moody, Great Day (Argo, 1963)
Essra Mohawk, Essra (Private Stock, 1976)
Van Morrison, Astral Weeks (Warner Bros., 1968)
Danny O'Keefe, Breezy Stories (Atlantic, 1973)
Tony Orlando and Dawn, To Be With You (Elektra, 1976)
Esther Phillips, Esther Phillips Sings (Atlantic, 1966)
Bonnie Raitt, Streetlights (Warner Bros., 1974)
Sam Rivers, Hues (Impulse!, 1973)
Richard Roundtree, The Man from Shaft (MGM, 1972)
Pharoah Sanders, Karma (Impulse!, 1969)
Michel Sardaby, Michel Sardaby in New York (Sound Hills, 2002)
Carole Bayer Sager, ...Too (Elektra, 1978)
Marlena Shaw, Marlena (Blue Note, 1972)
Sonny Simmons, Burning Spirits (Contemporary, 1971)
Carly Simon, Hotcakes (Elektra, 1974)
John Simon, John Simon's Album (Warner Bros., 1970)
Paul Simon, There Goes Rhymin' Simon (Columbia, 1973)
Frank Sinatra, Watertown (Reprise, 1970)
Phoebe Snow, Second Childhood (Columbia, 1976)
Ed Summerlin, Ring Out Joy (Avant-Garde, 1968)
Clark Terry, Mumbles (Mainstream, 1966)
Lucky Thompson, Lucky Strikes (Prestige, 1964)
The Manhattan Transfer, Vocalese (Atlantic, 1985)
Mickey Tucker and Roland Hanna, The New Heritage Keyboard Quartet (Blue Note, 1973)
Phil Upchurch, Feeling Blue (Milestone, 1967)
Sarah Vaughan, Swingin' Easy (EmArcy, 1957)
Mal Waldron, Sweet Love, Bitter (Impulse!, 1967)
Cedar Walton, Spectrum (Prestige, 1968)
Walter Wanderley, Moondreams (A&M, 1969)
Joe Williams, Presenting Joe Williams and Thad Jones / Mel Lewis, The Jazz Orchestra (Solid State, 1966)
Reuben Wilson, Set Us Free (Blue Note, 1971)
Kai Winding, More Brass (Verve, 1966)
Jimmy Witherspoon, Blues for Easy Livers (Prestige, 1965)
Emily Yancy, Yancy (Mainstream, 1965)
Joe Zawinul, The Rise and Fall of the Third Stream (Vortex, 1968)
Zulema, Zulema (Sussex, 1972)
Fuentes: rollingstone.com, guitarworld.com, richarddavis.org, bassmagazine.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 33
Lemmy Kilmister
La canción más icónica de Motörhead, “Ace of Spades”, comienza con Lemmy Kilmister tocando una línea de bajo principal con ritmo de claqué antes de caer en una melodía que suena como si su Rickenbacker se dirigiera directamente al infierno mientras canta sobre sentirse “nacido para perder”.
Tanto en su poesía como en su forma de tocar el bajo, la estética de Kilmister se basaba en el abandono temerario.
Antes de Motörhead, era guitarrista rítmico y luego se pasó al bajo para tocar con los rockeros espaciales Hawkwind.
“[El bajo] es como tocar la guitarra sin las dos cuerdas superiores”, dijo Kilmister una vez .
“Simplemente hice acordes con las cuerdas que me quedaban. Es poco ortodoxo, pero nos funciona”.
Después de que su predilección por los estimulantes lo llevara a ser expulsado de esa banda, desarrolló su propio estilo crudo.
“Lemmy fue una influencia para mí en la forma en que usa la distorsión; eso era diferente, nuevo y emocionante”, dijo una vez el difunto bajista de Metallica, Cliff Burton.
El estilo de Kilmister encajaba a la perfección con su voz áspera y su ingenio de luchador, lo que lo hacía único, una distinción de la que se sentía orgulloso.
“Creo que toco como nadie más”, dijo en una ocasión. “Siempre quise ser John Entwistle, pero como ese puesto ya estaba ocupado, me convertí en una versión inferior”.
Ian Fraser Kilmister nació en la el 24 de diciembre de 1945 en Burslem, Stoke-on-Trent, Inglaterra.
Cuando tenía tres meses, su padre, un ex capellán de la Real Fuerza Aérea y pianista de conciertos, se separó de su madre.
Se mudó con su madre y su abuela a la cercana Newcastle-under-Lyme , y luego a Madeley.
Cuando tenía 10 años, su madre se casó con el ex jugador de rugby George L. Willis, quien ya tenía dos hijos mayores de un matrimonio anterior, Patricia y Tony, a quienes Ian no quería.
Más tarde se mudaron a una granja en el pueblo de Benllech en la isla de Anglesey en Gales, y Lemmy comentó que "curiosamente, ser el único niño inglés entre 700 galeses no fue la época más feliz, pero fue interesante desde un punto de vista antropológico".
Asistió a Ysgol Syr Thomas Jones, una escuela integral en Amlwch, donde fue apodado "Lemmy".
Más tarde, algunos sugirieron que el nombre se originó de la frase "lemmy [préstame] una libra hasta el viernes" debido a su supuesto hábito de pedir dinero prestado a la gente para jugar a las máquinas tragaperras, aunque el propio Lemmy dijo que no conocía el origen del nombre.
Pronto comenzó a mostrar interés por el rock and roll, las chicas, las motocicletas y los caballos.
En la escuela, Lemmy se fijó en un alumno que había llevado una guitarra y estaba rodeado de chicas.
Su madre tenía una guitarra, que él también llevó a la escuela, y él mismo estaba rodeado de chicas a pesar de no saber tocar.
Cuando terminó la escuela, se mudó con su familia a Conwy y trabajó en varios empleos ocasionales, incluyendo uno en la fábrica local de electrodomésticos Hotpoint, mientras tocaba la guitarra para bandas locales como los Sundowners y pasaba tiempo en una escuela de equitación.
Vio a los Beatles actuar en The Cavern Club en Liverpool cuando tenía 16 años, y luego aprendió a tocar la guitarra junto con su álbum debut de estudio “Please Please Me” (1963).
También admiraba la actitud sarcástica del grupo, en particular la de John Lennon, y más tarde dijo del grupo: “Brian Epstein los pulió para el consumo masivo, pero no eran para nada unos afeminados. Eran de Liverpool... una ciudad dura y marinera, llena de estibadores y marineros que te daban una paliza si les guiñabas un ojo. ... Los Rolling Stones eran los niños de mamá; todos eran estudiantes universitarios de las afueras de Londres. ... Los Stones hicieron discos geniales, pero siempre fueron un desastre en el escenario, mientras que los Beatles eran lo máximo”.
En Stockport, Lemmy se unió a las bandas locales Rainmakers y luego a Motown Sect, que tocaron en clubes del norte durante tres años.
En 1965, se unió a The Rockin' Vickers, quienes firmaron un contrato con CBS, lanzaron tres sencillos y realizaron una gira por Europa.
Formada en 1963, la banda construyó su reputación como muchos otros grupos beat de la época, versionando estándares de R&B y beat, pero pronto se hizo conocida por sus inusualmente intensos espectáculos en vivo y extravagantes vestuarios escénicos.
Aunque principalmente popular como un grupo local alrededor de Blackpool, Inglaterra, The Rockin' Vickers también giraron por Europa continental, siendo una de las primeras bandas de rock británicas en actuar en un estado comunista, cuando tocaron en Yugoslavia en el verano de 1965.
Fueron particularmente populares en Finlandia, donde grabaron un sencillo, una versión rockera de "Zing! Went the Strings of My Heart". Lanzaron cuatro sencillos y se separaron en 1968.
Lemmy tocaba la guitarra con la banda (como lo haría con el siguiente grupo al que se unió, Sam Gopal) y no comenzó a tocar el bajo hasta que se unió a Hawkwind en 1971.
Tras dejar los Rockin' Vickers, Lemmy se mudó a Londres en 1967.
Compartió piso con Noel Redding, bajista de la Jimi Hendrix Experience, y con Neville Chesters, su mánager de gira por lo que consiguió un trabajo como técnico de sonido para la banda.
En 1968, se unió a la banda de rock psicodélico Sam Gopal bajo el nombre de Ian Willis y grabó el álbum “Escalator”, que se publicó en 1969.
La banda se formó con el nombre de Sam Gopal's Dream, en honor a su fundador, Sam Gopal.
Nacido en Malasia y llegado a Inglaterra en 1962 para estudiar música, Gopal tocaba la tabla, un instrumento de percusión del norte de la India, desde los siete años, que reemplazó a la batería en la banda.
La primera formación de la banda estaba compuesta por Sam Gopal en la tabla, Mick Hutchinson en la guitarra, Pete Sears en el bajo y los teclados, y (hacia el final) Andy Clark en la voz y los teclados.
Esta formación original se disolvió en 1968. Sears pasó a trabajar como músico de sesión y formó su propia banda con Prince, llamada Giant y Hutchinson y Clark grabaron tres álbumes juntos como Clark-Hutchinson.
En el mismo año de la separación anterior, Gopal formó una nueva alineación bajo su nombre, que incluía al vocalista y guitarrista Ian Fraser Kilmister (más conocido como Lemmy, que acababa de terminar de trabajar como roadie en una gira con Jimi Hendrix y Pink Floyd), Roger D'Elia y Phil Duke.
Bajo esta nueva alineación, la banda fue dirigida por Robert Stigwood, también mánager de Cream.
Su álbum “Escalator” fue grabado a finales de 1968 y lanzado en enero de 1969, en Stable Records.
Según Lemmy, la mayor parte del álbum fue compuesta por él en el transcurso de una noche.
Lemmy aparece acreditado como Ian Willis, ya que estaba considerando cambiarse el apellido por el de su padrastro George Willis.
Posteriormente, la banda también lanzó el sencillo "Horse", con una versión en la cara B de "Back Door Man" de Willie Dixon.
Después de conocer a Simon King en un centro comercial de Chelsea en 1969, se unió a la banda Opal Butterfly, pero el grupo pronto se disolvió al no haber logrado generar suficiente interés con sus sencillos.
Antes de convertirse en Opal Butterfly, el grupo se llamaba Cardboard Heaven. Se formó en 1967 en Oxfordshire.
La formación original estaba compuesta por Roger Warner (bajo), Robbie Milne (guitarra solista), Simon King (batería), de 17 años, Alan Cobb (teclados) y Stuart Thornhill y Denny Sutcliffe compartían las voces.
A nivel local, la banda actuaba en clubes y salones de baile con un repertorio de clásicos del R&B y el blues.
Aunque el grupo atrajo a un público considerable, King se marchó para formar Opal Butterfly.
Más adelante ese año, King formó su nueva banda y reclutó a Milne como guitarrista. El resto de la formación estaba compuesta por colaboradores de ambos e incluía a Allan Love (voz), Richard Bardey (bajo) y Tom Doherty (guitarra).
Respecto al nombre, Doherty comentó: “Butterfly por sí solo era un poco soso, así que pensamos en algo más colorido”.
El grupo comenzó a grabar demos y recibió el interés de CBS Records. Estos incluían versiones de "I Had Too Much to Dream (Last Night)" y "Wind Up Toys", ambas canciones de The Electric Prunes.
En 1968, la banda lanzó su primera grabación oficial, "Beautiful Beige"/"Speak Up", que fue descrita “como una sólida pieza de pop psicodélico armonioso”, pero no tuvo un impacto significativo.
Las grabaciones más notables del grupo llegaron en 1969 con una versión/remake con acompañamiento de órgano de la composición de The Who "Mary Anne With The Shaky Hand" con la cara B "My Gration Or?".
A pesar de la difusión en la radio, el sencillo solo les brindó apoyo local y la banda renovó su formación y cambió de sello discográfico a Polydor.
Lo más notable es que la banda incorporó a Lemmy Kilmister, quien conoció a la banda en una tienda llamada The Chelsea Drug Store en King's Road.
Entabló amistad con King, quien luego le pidió que se uniera, amistad que duró hasta que el grupo decidió expulsarlo unos meses después.
Con el nuevo sello, la nueva formación lanzó un sencillo, "Groupie Girl"/"The Gigging Song".
Para este último esfuerzo, la banda volvió a sus raíces ya que las canciones tenían una mayor influencia del blues.
Sin embargo, el sencillo causó un pequeño revuelo cuando la portada mostraba a una mujer desnuda y las estaciones de radio se negaron a reproducirlo.
A lo largo de 1969 y hasta 1970, la banda realizó una gira por Gran Bretaña con sets de 90 minutos.
La banda apareció en la película de Derek Ford, “Groupie Girl” (1970), como Sweaty Betty. Lemmy no contribuyó a ninguna grabación ni a la película.
Un último cambio de formación no afectó la suerte de la banda y se separó en 1970.
En agosto de 1971, Lemmy se unió a la banda de space rock Hawkwind, con sede en Ladbroke Grove, Londres, como bajista y vocalista.
No tenía experiencia previa como bajista, y su compañero de banda, Michael "Dik Mik" Davies, lo convenció para unirse justo antes de un concierto benéfico en Notting Hill, para tener dos miembros que consumieran anfetaminas.
Lemmy afirma que originalmente audicionó para Hawkwind como guitarrista, pero la mañana del concierto en Notting Hill, decidieron no contratar a otro guitarrista.
El bajista Dave Anderson, que había estado en la banda alemana Amon Düül II, se marchó debido a tensiones personales con algunos otros miembros de la banda no se presentó y dejó su equipo en la furgoneta.
Lemmy a menudo decía: "Su bajista prácticamente decía: '¡Por favor, róbame el puesto!'. Así que le robé el puesto".
Lemmy desarrolló rápidamente un estilo distintivo que estuvo fuertemente influenciado por su experiencia inicial como guitarrista rítmico, utilizando a menudo dobles cuerdas y acordes en lugar de las líneas de una sola nota preferidas por la mayoría de los bajistas.
Su incorporación y la del baterista Simon King impulsó a la banda a mayores alturas.
“Doremi Fasol Latido”, grabado en Rockfield Studios y publicado por United Artists Records, fue el tercer álbum de Hawkwind y el primero de Lemmy con la banda.
La sección rítmica de Dave Anderson y Terry Ollis fue reemplazada por Lemmy y Simon King, cuyos estilos diferían notablemente de los de sus predecesores. Esto cambió la dirección musical general de la banda.
Lemmy era un guitarrista inepto confeso que usaba el volumen y la puesta en escena para disimular su falta de habilidad.
“Aprendí a tocar el bajo en el escenario con Hawkwind… Salgo al escenario con este bajo colgado del cuello, y también era un Rickenbacker. El bajista, como un idiota, dejó su bajo en la camioneta. Así que estoy aprendiendo. Nik Turner dice que haga algunos ruidos en Mi. "Esta se llama You Shouldn't Do That". Luego se va".
Esto dio lugar a la técnica poco ortodoxa de Lemmy que declaró: “Simplemente no toco como un bajista. Hay quejas sobre mí de vez en cuando. No es como tener un bajista; es como tener un guitarrista con un registro grave”.
La batería de King tenía un ritmo más cuadrado y "rockero" que el estilo más jazzístico y fluido de Ollis.
Rockfield Studios estaba en sus inicios y el ambiente en ese momento era austero. Lemmy explicó que "lo grabaron en el granero, antes de que lo modernizaran, con colchones en las paredes y demás".
Algunos miembros de la banda expresaron su preocupación por la calidad de la producción.
Simon King comentó que "sonaba como si todos los bajos estuvieran apagados, el amplificador no funcionara correctamente y el estéreo estuviera atascado al mismo tiempo".
Lemmy añadió: "Simplemente no estaba bien grabado. Sonaba todo débil y metálico".
Dave Brock explicó su método de trabajo así: "Grabamos el bajo, la guitarra, la batería y las voces juntas, así que es lo más en directo posible, y luego añadimos las demás cosas... Simplemente dejamos que las cintas se reproduzcan como cuando tocamos en directo; grabamos una pista de tres horas y luego la cortamos en trozos, usamos un trozo como una sección completa y lo unimos a otro trozo con un enlace de sintetizador o algo así... Es improvisado, pero en primer lugar está todo junto".
"Brainstorm" es la primera composición en solitario de Turner para la banda, y presenta una sección central extendida que sería reelaborada a lo largo de los años (incluido el solo de batería de Ginger Baker en 1980).
Antes de su aparición en este álbum, fue grabada el 2 de agosto de 1972 en el estudio Maida Vale de la BBC para su emisión en el programa de Johnnie Walker junto con "Silver Machine", seguida de una aparición en la transmisión de una hora de duración de la BBC, “In Concert”, desde el cine de París el 28 de septiembre de 1972.
Ha permanecido casi siempre presente en el repertorio en vivo, con numerosas versiones en directo publicadas, y fue versionada por Monster Magnet en su álbum “Superjudge” de 1993.
La letra de "Space Is Deep" se basa en el poema "The Black Corridor" de Michael Moorcock.
La primera parte vocal es una pieza acústica interpretada por Brock (con guitarra de 12 cuerdas) y Lemmy con efectos electrónicos superpuestos; la segunda parte instrumental presenta a toda la banda en un solo eléctrico, para finalmente regresar a una coda acústica.
Fue eliminada del repertorio en vivo durante 1973, cuando la banda se distanció del espectáculo “Space Ritual”, y solo fue recuperada brevemente para algunos conciertos de reunión en el año 2000. Una versión de esta canción se puede escuchar en el álbum “Yule Ritual”.
"One Change" es una breve y tranquila pieza instrumental que incluye una contribución de teclado con mucho eco a cargo de Del Dettmar.
Una versión editada de "Lord of Light" se publicó como sencillo en Alemania (junio de 1973) con una versión editada de "Born to Go" del álbum “Greasy Truckers Party” en la cara B.
Se eliminó del repertorio en directo a mediados de los años 70, pero se reincorporó para la gira "Alien 4" de 1995, y una versión se publicó como cara B del sencillo "Love in Space" de 1997.
"Down Through the Night" es otro tema acústico de Brock con capas de electrónica, flauta y voces con eco invertido. Para el set de “Space Ritual”, contó con la banda eléctrica completa.
"Time We Left (This World Today)" es una canción en cuatro movimientos, el primero es un canto de llamada y respuesta que lamenta la dirección que estaba tomando la sociedad en la misma línea que Brock exploraba con "We Took the Wrong Step Years Ago" y "Psychedelic Warlords".
El segundo movimiento es un pasaje instrumental de disonancia que conduce al tercer movimiento que presenta un potente intercambio de bajo y guitarra solista, para finalmente regresar al primer movimiento.
Apareció en el set “Space Ritual” con "Paranoia" reemplazando la sección central, y también hizo una aparición durante 1989–91 con "Heads" como sección central, como se puede escuchar en “Palace Springs”.
"The Watcher" es la primera composición de Lemmy para Hawkwind, una pieza acústica espaciosa con bajo distorsionado.
La letra fue escrita desde la perspectiva de alguien lejano (quizás Dios o una raza alienígena superior) que observa a los habitantes de la Tierra autodestruirse por su propia codicia.
Esta es la única canción del álbum que no se incluyó en el set de “Space Ritual”, pero sí apareció brevemente durante 1973 y 1974, como se puede escuchar en “The 1999 Party”, ligeramente reorquestada para una interpretación más rápida de la banda.
Lemmy regrabó la canción con Motörhead en su álbum debut homónimo de 1977.
Nuevas versiones acústicas de "Down Through The Night" y "The Watcher" se incluyeron en “The Road to Utopia” (2018), producidas y arregladas por Mike Batt con orquestaciones adicionales, y una aparición especial de Eric Clapton en "The Watcher".
El paquete fue creado y titulado por el artista gráfico Barney Bubbles y es una continuación de los temas que introdujo con “In Search of Space” que culminan en “The Space Ritual”.
El título hace referencia a la asignación de sílabas a los grados de la escala diatónica (Do-Re-Mi , etc.).
Alude a la música de las esferas que Bubbles expone: “El principio básico de la nave estelar y el ritual espacial se basa en el concepto pitagórico del sonido. En resumen, este concepto concebía el Universo como un inmenso monocordio, con su única cuerda extendida entre el espíritu absoluto y, en su extremo inferior, la materia absoluta. A lo largo de esta cuerda se ubicaban los planetas de nuestro sistema solar. Se creía que cada una de estas esferas, al desplazarse por el espacio, emitía un tono determinado debido a su continuo desplazamiento del éter. Estos intervalos y armonías se denominan «El Sonido de las Esferas». El intervalo entre la Tierra y las estrellas fijas constituye el intervalo armónico más perfecto”.
La portada original venía en una funda plateada con impresión en negro; el anverso mostraba un escudo que se convirtió en el emblema de la banda y se utilizó en muchas otras portadas de álbumes y sencillos.
La contraportada, la funda interior y el póster muestran guerreros bárbaros en escenarios futuristas. La contraportada incluye en la leyenda: "La saga de “Doremi Fasol Latido” es una colección de cánticos espaciales rituales, himnos de batalla y canciones estelares de alabanza utilizadas por el clan familiar de Hawkwind en su épico viaje a la legendaria tierra de Thorasin".
La leyenda narra la última y derrotada resistencia de los Señores Halcón contra la "tiranía de las fuerzas corruptas del mal y la ley", pero la funda interior contiene una redención en la leyenda:
"Y en el momento oportuno, la profecía se cumplirá y los Señores Halcón volverán para asolar la tierra. Las fuerzas oscuras serán castigadas, las ciudades arrasadas y convertidas en parques. La paz llegará a todos. ¿Acaso no está escrito que la espada es la llave del Cielo y del Infierno?".
La prensa musical británica recibió con entusiasmo el álbum.
Nick Kent, de NME, confesó: “Me avergonzaría decir que no me encantó”, describiendo la música como “a un solo acorde de ser el tocadiscos cósmico de alta energía más potente de este lado de la Zona del Metal”.
Andrew Means, de Melody Maker, comentó: “No es melodía, ni armonía, ni ritmo... es ambigüedad. Es la corriente etérea, el torrente vertiginoso y burbujeante de sonido ingrávido que da inicio al círculo de imágenes mentales, asociaciones e impresiones extraídas del espacio, el tiempo y la tierra... El oyente es tan viajero como el músico”.
Mientras tanto, Martin Hayman de Sounds describió la música como "el bajo y la batería golpean con un ritmo incansable, los sintetizadores giran y silban alrededor de los atronadores riffs de bloque cuya repetición interminable genera esa hipnosis adormecedora, voces desafinadas y amenazantes entonan letras en gran parte incomprensibles. Esto no es para criticar a Hawkwind: el sonido que están logrando es más denso, más completo, más convincente que nunca. Su efecto total es bastante devastador, pero los medios por los cuales se logra el efecto no son una revolución en el sonido".
Durante la gira de promoción de su disco “Doremi Fasol Latido”, fue grabado un álbum doble en vivo, “Space Ritual”.
Además de la mayor parte de “Doremi Fasol Latido”, incluye temas nuevos ("Born To Go", "Upside Down" y "Orgone Accumulator") y las canciones se intercalan con piezas electrónicas y habladas, creando una presentación continua.
Su éxito "Silver Machine" no se incluyó en el set, y solo "Master of the Universe" permanece de sus dos primeros álbumes.
El espectáculo “Space Ritual” intentó crear una experiencia audiovisual completa, representando temas desarrollados por Barney Bubbles y Robert Calvert que entrelazaban la fantasía de los viajeros estelares en animación suspendida viajando a través del tiempo y el espacio con el concepto de la música de las esferas.
La actuación contó con los bailarines Stacia, Miss Renee y Tony Carrera, escenografía de Bubbles, espectáculo de luces de Liquid Len y recitaciones de poesía de Calvert.
Al entrar al recinto, los asistentes recibieron un programa (reproducido en el CD remasterizado de 1996) que incluía un breve relato de ciencia ficción de Bubbles que situaba a la banda en un escenario de los viajeros estelares regresando a la Tierra.
La edición original incluía ediciones y sobregrabaciones, y las notas de la carátula explicaban que "Tuvimos que cortar un fragmento de Brainstorm y Time We Left porque eran demasiado largos", pero el álbum “Space Ritual Volume 2” de 1985 contiene las versiones completas sin editar.
Una versión editada inédita de "You Shouldn't Do That" (seguida de una versión no listada de "Seeing It As You Really Are") de este concierto se incluyó en el álbum recopilatorio “Roadhawks” de 1976, y posteriormente se incluyó como pista adicional en el CD remasterizado de 1996.
La versión completa sin editar de la pista se puede encontrar en el álbum “Hawkwind Anthology”.
En junio de 2007 se publicó otra edición remasterizada de EMI en 2 CD con diferentes pistas adicionales y DVD-audio; esta remasterización se reeditó en 2013, sin el DVD-audio.
"Sonic Attack" fue escrita por el autor de ciencia ficción Michael Moorcock, quien solía tocar con la banda cuando le era posible y Calvert no estaba disponible.
Aquí, Calvert la recita y estaba previsto su lanzamiento como sencillo, distribuyéndose copias promocionales en una funda de tela, pero nunca llegó a publicarse oficialmente.
El álbum fue grabado en el Liverpool Stadium el 22 de diciembre de 1972 y en el Brixton Sundown el 30 de diciembre de 1972 por Vic Maile y el Pye Mobile.
Fue producido por Hawkwind y mezclado por Vic Maile y Anton Matthews en los Olympic Studios de Barnes.
El tema extra “You Shouldn't Do That” fue grabado en el Brixton Sundown el 30 de diciembre de 1972 y se publicó originalmente en el álbum recopilatorio “Roadhawks”.
“Master Of The Universe” y “Born To Go", temas extra de la edición de 2 CD de 1996, fueron grabados en The Roundhouse el 13 de febrero de 1972 y se publicaron originalmente en el álbum recopilatorio “Greasy Truckers Party”
Wilson Neate de AllMusic caracterizó el estilo del álbum como una "mezcla desquiciada de prog, acid rock, proto metal, ciencia ficción, fantasía y jazz".
Eduardo Rivadavia de Loudwire calificó el álbum como "una experiencia auditiva temáticamente vinculada, tan inmersiva, tan hipnótica (con o sin la bailarina Stacia completamente desnuda ), que ni siquiera se requirió asistencia química".
La funda fue diseñada por Barney Bubbles y venía en un desplegable de 3x2 paneles, los 6 paneles exteriores eran a color, los 6 paneles interiores eran monocromáticos, los discos en fundasinteriores con estampado psicodélico naranja y amarillo estaban doblados dentro de este.
En la edición especial clásica de Q & Mojo, “Pink Floyd & The Story of Prog Rock”, el álbum ocupó el puesto número 8 en su lista de "40 álbumes de rock cósmico".
El álbum también se incluyó en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En 2020, Vlad Nichols de Ultimate Guitar escribió: "Si Pink Floyd proporcionó la explosión inicial que impulsó el space rock, fue Hawkwind quien lo llevó más allá de la atmósfera y lo mantuvo orbitando alrededor del planeta. Aunque mucha gente la conoce como la banda en la que tocó Lemmy Kilmister antes de formar Motörhead, la contribución única de Hawkwind al rock y al metal se pasa por alto en gran medida, lo cual es una verdadera lástima".
Wilson Neate de AllMusic afirmó que el álbum había envejecido bien y que Hawkwind era "proféticamente influyente".
En la cima de su éxito, en 1973, la banda lanzó el sencillo "Urban Guerrilla”, escrito e interpretado por Robert Calvert, siendo esta la única grabación de estudio de Hawkwind con la voz de Calvert antes de que se reincorporara a la banda como líder y vocalista permanente en 1976.
En el momento del lanzamiento del sencillo, el IRA había iniciado una campaña de atentados con bomba en Londres y la BBC se negó a emitirlo.
Tras deliberar y considerar brevemente la posibilidad de promocionar la cara B ("Brainbox Pollution", que trataba sobre los efectos del abuso de drogas), la dirección del grupo optó por retirar el sencillo, declarando que "Aunque el disco se vendía muy bien, no queríamos que las ventas pudieran verse afectadas por su asociación con los acontecimientos recientes, a pesar de que la canción fue escrita por Bob Calvert dos años antes como un comentario satírico y grabada hace tres meses".
Posteriormente, Dave Brock declaró que "Fue una estupidez retirarlo; tenían miedo de que los bombardearan. Yo pensaba que ese disco representaba la esencia de la música en los años 70".
Calvert afirmó inicialmente que la letra era una sátira, pero luego declaró que “no me sorprendió en absoluto que la BBC la prohibiera; de hecho, esperaba que causara mucha controversia”.
Lemmy explica que “Una vez dimos un concierto benéfico para los Stoke Newington. Eran anarquistas de algún tipo (The Angry Brigade), que fabricaban bombas en el sótano y todo eso. Urban Guerrilla trataba de eso. Así era Calvert”.
En aquel momento se informó de que el piso de Nik Turner en Gloucester Road había sido allanado y registrado por el escuadrón antibombas, pero una entrevista de 1998 con Turner sugiere que esta actividad tenía más que ver con la visita de Hells Angels buscados en relación con un homicidio involuntario.
En cuanto a la música, muchos de los miembros de la banda no estaban contentos con ella. Del Dettmar comentó: “La mezcla es demasiado aguda. Me gustaría rehacer el final. En fin, de todas formas no es una muy buena canción. Y no está muy bien interpretada”.
Mientras que Simon King afirmó: “No me gustaba la idea de hacer un sencillo, y para ser honesto, no me gustaba la canción”.
A Lemmy sí le gustaba la canción: “No hacíamos discos comerciales; lo mejor que hicimos fue "Urban Guerrilla", pero lo retiraron de las tiendas porque fue cuando el IRA bombardeó Harrods. Cayó como un paracaídas de hormigón”.
La banda realizó una extensa gira por el Reino Unido en junio y julio de 1973 para promocionar el sencillo, una versión mal grabada de esta época apareció en “Bring Me the Head of Yuri Gagarin”, pero poco después Calvert dejó de trabajar con la banda de forma oficial (en gran parte debido a la inestabilidad causada por su trastorno bipolar) y la canción fue descartada.
Fue reincorporada al repertorio en vivo en 1977 durante la segunda etapa de Calvert con la banda y permaneció incluso después de su partida en 1978, con la voz a cargo de Brock y una versión en vivo que apareció en la cara B del sencillo "Shot Down in the Night". Finalmente fue descartada en 1984.
Dik Mik se marchó en 1973, y Calvert puso fin a su colaboración con la banda para concentrarse en proyectos en solitario.
Dettmar también anunció su marcha, por lo que Simon House fue contratado como teclista y violinista para los conciertos, una gira por Norteamérica y la grabación del álbum de 1974, “Hall of the Mountain Grill”.
“Hall of the Mountain Grill”, su cuarto álbum de estudio, fue el primero con una nueva formación que incluía a Simon House al sintetizador, Mellotron y violín eléctrico; no participaron Robert Calvert, quien anteriormente había contribuido con letras, voces e interludios hablados, ni Dik Mik, quien proporcionaba efectos electrónicos.
El título del álbum era un guiño a "In the Hall of the Mountain King" de Edvard Grieg y a un café de Portobello Road llamado The Mountain Grill (ahora cerrado), frecuentado por la banda y sus contemporáneos de la escena de Ladbroke Grove a principios de la década de 1970.
La portada, que muestra una nave espacial abandonada en la niebla de una laguna alienígena, fue pintada por el colaborador artístico habitual de la banda, Barney Bubbles. La contraportada fue obra de David A. Hardy.
El disco incluía temas de hard rock como "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)" y "Lost Johnny" (posteriormente grabada por Motörhead y también por el coautor Mick Farren con su banda The Deviants), psicodelia como "D-Rider" y "Web Weaver", con su marcado efecto de fase, así como temas atmosféricos más tranquilos como los instrumentales "Goat Willow", "Wind of Change" y el tema que da título al disco.
La cara B del LP de vinilo original estaba enmarcada por "You'd Better Believe It" y "Paradox", temas en directo grabados en el Edmonton Sundown en enero de 1974, que recordaban las "space jams" de lanzamientos anteriores.
Tras la marcha de Robert Calvert, Dave Brock fue el vocalista principal del álbum, junto con Lemmy en “Lost Johnny” y Nik Turner en “D-Rider”.
La formación de la banda siguió cambiando a lo largo del año.
Del Dettmar se marchó antes del lanzamiento del disco para vivir en Canadá, y Alan Powell se unió como baterista adicional. El autor de ciencia ficción y amigo del grupo, Michael Moorcock, comenzó a recitar poesía en sus conciertos.
Jonathan Smeeton (Liquid Len) ha declarado que Brock escribió específicamente "Wind of Change" para una secuencia de diapositivas concreta que tenía en la gira “Space Ritual” (un árbol siendo engullido por una ciudad, y luego la ciudad derrumbándose y el árbol permaneciendo).
En el momento del lanzamiento del álbum, Simon King declaró: “Al álbum de Doremi le faltaba producción. Tampoco estaba muy contento con Space Ritual. Pero con el nuevo, estoy bastante satisfecho. Me gusta la cara A porque creo que es algo que no habíamos hecho antes. Sí, estoy satisfecho con la mitad del nuevo álbum”.
Lemmy comentó más tarde que “Para mí, este fue el momento cumbre de la banda. Ah, y yo estaba en la banda en ese entonces”. (Classic Rock, abril de 2006), incluyéndolo como el número 3 en “Mis mejores álbumes de rock británico”.
A finales de junio se emprendió una gira europea de nueve fechas. Sin embargo, el baterista Simon King se había fracturado algunas costillas jugando al fútbol, lo que le impidió participar, por lo que designó a su amigo Alan Powell para que lo sustituyera en esas fechas.
Al finalizar la gira, King se había recuperado lo suficiente como para volver a tocar junto a Powell, y el grupo quedó tan satisfecho con la situación de contar con dos bateristas que Powell se incorporó a la formación permanente. Al concluir la gira, Dettmar finalmente se marchó.
El grupo regresó para una tercera gira por Norteamérica en septiembre, pero en su quinto concierto en Hammond, Indiana, el día 7, el IRS les confiscó el equipo y les emitió una factura por impuestos impagos de su gira anterior.
Se produjo un punto muerto, y la banda finalmente continuó la gira un mes después, una vez resueltos todos los problemas.
“Hall of the Mountain Grill” alcanzó el puesto número 16 en las listas de álbumes del Reino Unido y el número 110 en Estados Unidos.
Las reseñas retrospectivas han sido generalmente positivas. Aunque criticaron la canción que da título al álbum, AllMusic calificó a “Hall of the Mountain Grill” como "el mejor álbum de estudio de la banda" y "el disco de space rock con guitarras por excelencia".
Head Heritage se mostró mucho menos impresionado, argumentando que las salidas de Robert Calvert y Dik Mik fueron pérdidas que Hawkwind no pudo compensar en absoluto, y que todo el álbum "tiene la innegable sensación de ser un álbum de transición lanzado casi desesperadamente para mantener en marcha la maquinaria de las constantes giras de Hawkwind".
Sin embargo, añadieron que las dos canciones en directo del álbum son puntos culminantes del catálogo de Hawkwind.
A principios de 1975, la banda grabó el álbum “Warrior on the Edge of Time”, basado libremente en el concepto de la novela de Moorcock, “The Eternal Champion”.
Fue el álbum de estudio de la banda que alcanzó la posición más alta en la lista de álbumes del Reino Unido, donde llegó al número 13, y fue su tercer y último álbum en aparecer en la lista Billboard de Estados Unidos, donde llegó al número 150.
Las críticas han sido mixtas: Melody Maker criticó duramente el álbum, especialmente el trabajo vocal, mientras que All Music Guide lo elogió por aspectos como la composición.
Este también sería el último álbum en el que participó Lemmy, quien fue despedido un día antes del lanzamiento del álbum.
Durante una gira por Norteamérica en mayo, Lemmy fue sorprendido en posesión de anfetaminas al cruzar la frontera de Estados Unidos a Canadá.
La policía fronteriza confundió el polvo con cocaína y fue encarcelado, lo que obligó a la banda a cancelar algunos conciertos.
Hartos de su comportamiento errático, la banda despidió al bajista reemplazándolo con su viejo amigo y ex guitarrista de Pink Fairies, Paul Rudolph.
Lemmy luego se unió a otro guitarrista de Pink Fairies, Larry Wallis, para formar Motörhead, nombre que proviene de la última canción que había escrito para Hawkwind.
La letra de “Assault and Battery” cita el poema “A Psalm of Life”de Henry Wadsworth Longfellow.
La canción es un tema popular en directo, interpretado ocasionalmente a lo largo de los años, y ha aparecido en numerosos álbumes en directo, a veces bajo el título “Lives of Great Men”.
Se incluyó como parte del espectáculo en directo del concepto “The Chronicle of the Black Sword”, apareciendo en el álbum “Live Chronicles” .
"The Golden Void" enlaza con "Assault and Battery", y ambas canciones suelen interpretarse juntas en directo, como en los álbumes “Palace Springs” (1991) y “Canterbury Fayre” (2001).
La canción también es un tema popular en directo y ha aparecido en álbumes en directo, a veces bajo el título "Void of Golden Light", como en “The Business Trip” (1994).
“The Wizard Blew His Horn”, “Standing at the Edge” y “Warriors” son poemas de Michael Moorcock basados en su personaje literario del "Campeón Eterno".
Los poemas se recitan con una ambientación sonora creada por Simon House y los percusionistas Simon King y Alan Powell.
La banda los interpretó en directo durante 1974, y algunas versiones aparecen en el álbum en vivo “The 1999 Party”.
“Opa-Loka” es una pieza instrumental con ritmo motorik, fuertemente influenciada por la música de Neu!.
Se interpretó en directo, pero cuando Robert Calvert se unió a la banda a principios de 1976, recitaba el poema “Vikings on Mars” sobre ella, y la canción evolucionó hasta convertirse en “Uncle Sam's on Mars” en el álbum “PXR5” de 1979.
Powell, que había vivido en Florida en 1970, bautizó la pieza con el nombre del lugar Opa-locka.
"The Demented Man" es una canción de Brock interpretada con guitarra acústica. (También aparece como "The Demented King").
La letra de "Magnu" se basa en el poema de Percy Shelley "Himno de Apolo".
Las versiones en vivo de la canción aparecen en los álbumes “Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2” (1982), “The Friday Rock Show Sessions” (1986) y “Canterbury Fayre” 2001.
Las primeras seis líneas de “Magnu” son casi idénticas palabra por palabra a un canto mágico que aparece en un antiguo cuento popular eslavo, "La historia del príncipe Slugobyl; o, El caballero invisible", utilizado para invocar al caballo mágico, Magu, publicado por primera vez en traducción al inglés en 1896 en "Cuentos de hadas de los campesinos y pastores eslavos".
"Spiral Galaxy 28948" es una pieza instrumental de Simon House, cuyo título es su fecha de nacimiento (28 de septiembre de 1948), aunque su cumpleaños es en realidad el 29 de agosto de 1948, debido a una confusión tipográfica entre "289" y "298".
Fue interpretada en directo en 1975 tras el lanzamiento del álbum, y de nuevo en 2001 cuando House se reincorporó temporalmente a la banda; una versión apareció en el álbum “Canterbury Fayre” de 2001.
“Motorhead” fue la última canción que Lemmy escribió para Hawkwind antes de ser despedido de la banda en mayo de 1975.
Originalmente se lanzó como la cara B del sencillo “Kings of Speed” en United Artists Records en marzo de 1975.
La canción fue escrita en el Hotel Hyatt (también conocido como 'Riot House') en West Hollywood, California.
Lemmy explica cómo se creó: “Estaba de gira con Hawkwind en 1974, nos hospedábamos en el Riot House y Roy Wood y Wizzard también estaban en la ciudad. Sentí la necesidad de escribir una canción en mitad de la noche. Bajé corriendo a la habitación de Wizzard, cogí la guitarra acústica Ovation de Roy y volví corriendo a la mía. Salí al balcón y aullé durante cuatro horas. Los coches paraban y los conductores escuchaban y luego se marchaban, y allí estaba yo gritando a todo pulmón”.
El título de la canción es una expresión del argot británico que significa "adicto a las anfetaminas".
Lemmy explicó la letra: “Las seis mil millas eran una referencia a Los Ángeles, y el resto se explica por sí solo. ¡Y sí, soy la única persona que ha logrado incluir la palabra " paralelogramo " en una canción de rock and roll! Estoy muy orgulloso de ello”.
Las guitarras y el bajo están afinados medio tono más bajo en la versión de Hawkwind, lo que efectivamente convierte la tonalidad de la canción en Mi♭ mayor, pero aquí se describen como si estuvieran en afinación estándar.
El bajo sigue la nota fundamental para todos los acordes, con un riff en Fa♯, basado en la cuerda La entre los trastes décimo y duodécimo.
La introducción está en Mi, terminando con dos compases en Re y Mi♭. La estrofa está en Mi con un golpe de Re/Mi al final de cada verso, le sigue un pre-estribillo, en Sol con dos versos que terminan en Re, el último en Fa♯.
El estribillo, al igual que el pre-estribillo, está en Sol, pero con solo dos versos, que terminan en Re y Fa♯. La canción consta de tres estrofas en total.
Hay un solo de violín de inspiración jazzística a cargo del teclista Simon House que, siguiendo el patrón de estrofa/pre-estribillo/estribillo, aparece después del segundo estribillo.
En julio de 1981, "Motorhead" se lanzó como cara A de un sencillo de 7" y 12" en el sello Flicknife, esta vez con sobregrabaciones vocales y de sintetizador de Brock, siendo la cara B "Valium Ten". Flicknife reeditó el sencillo en vinilo de 12" en octubre de 1982.
Hawkwind también utilizó "Motorhead" en su sencillo de 1986 "Motorhead"/"Hurry on Sundown", publicado por Flicknife Records.
Desde 1992, la canción se ha incluido en las reediciones en CD del álbum “Warrior on the Edge of Time” de Hawkwind. También ha aparecido en varios álbumes recopilatorios, como “British Tribal Music”, “The Hawkwind Collection” y “The Hawkwind Anthology Vol. II”.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Lemmy Kilmister
La canción más icónica de Motörhead, “Ace of Spades”, comienza con Lemmy Kilmister tocando una línea de bajo principal con ritmo de claqué antes de caer en una melodía que suena como si su Rickenbacker se dirigiera directamente al infierno mientras canta sobre sentirse “nacido para perder”.
Tanto en su poesía como en su forma de tocar el bajo, la estética de Kilmister se basaba en el abandono temerario.
Antes de Motörhead, era guitarrista rítmico y luego se pasó al bajo para tocar con los rockeros espaciales Hawkwind.
“[El bajo] es como tocar la guitarra sin las dos cuerdas superiores”, dijo Kilmister una vez .
“Simplemente hice acordes con las cuerdas que me quedaban. Es poco ortodoxo, pero nos funciona”.
Después de que su predilección por los estimulantes lo llevara a ser expulsado de esa banda, desarrolló su propio estilo crudo.
“Lemmy fue una influencia para mí en la forma en que usa la distorsión; eso era diferente, nuevo y emocionante”, dijo una vez el difunto bajista de Metallica, Cliff Burton.
El estilo de Kilmister encajaba a la perfección con su voz áspera y su ingenio de luchador, lo que lo hacía único, una distinción de la que se sentía orgulloso.
“Creo que toco como nadie más”, dijo en una ocasión. “Siempre quise ser John Entwistle, pero como ese puesto ya estaba ocupado, me convertí en una versión inferior”.
Ian Fraser Kilmister nació en la el 24 de diciembre de 1945 en Burslem, Stoke-on-Trent, Inglaterra.
Cuando tenía tres meses, su padre, un ex capellán de la Real Fuerza Aérea y pianista de conciertos, se separó de su madre.
Se mudó con su madre y su abuela a la cercana Newcastle-under-Lyme , y luego a Madeley.
Cuando tenía 10 años, su madre se casó con el ex jugador de rugby George L. Willis, quien ya tenía dos hijos mayores de un matrimonio anterior, Patricia y Tony, a quienes Ian no quería.
Más tarde se mudaron a una granja en el pueblo de Benllech en la isla de Anglesey en Gales, y Lemmy comentó que "curiosamente, ser el único niño inglés entre 700 galeses no fue la época más feliz, pero fue interesante desde un punto de vista antropológico".
Asistió a Ysgol Syr Thomas Jones, una escuela integral en Amlwch, donde fue apodado "Lemmy".
Más tarde, algunos sugirieron que el nombre se originó de la frase "lemmy [préstame] una libra hasta el viernes" debido a su supuesto hábito de pedir dinero prestado a la gente para jugar a las máquinas tragaperras, aunque el propio Lemmy dijo que no conocía el origen del nombre.
Pronto comenzó a mostrar interés por el rock and roll, las chicas, las motocicletas y los caballos.
En la escuela, Lemmy se fijó en un alumno que había llevado una guitarra y estaba rodeado de chicas.
Su madre tenía una guitarra, que él también llevó a la escuela, y él mismo estaba rodeado de chicas a pesar de no saber tocar.
Cuando terminó la escuela, se mudó con su familia a Conwy y trabajó en varios empleos ocasionales, incluyendo uno en la fábrica local de electrodomésticos Hotpoint, mientras tocaba la guitarra para bandas locales como los Sundowners y pasaba tiempo en una escuela de equitación.
Vio a los Beatles actuar en The Cavern Club en Liverpool cuando tenía 16 años, y luego aprendió a tocar la guitarra junto con su álbum debut de estudio “Please Please Me” (1963).
También admiraba la actitud sarcástica del grupo, en particular la de John Lennon, y más tarde dijo del grupo: “Brian Epstein los pulió para el consumo masivo, pero no eran para nada unos afeminados. Eran de Liverpool... una ciudad dura y marinera, llena de estibadores y marineros que te daban una paliza si les guiñabas un ojo. ... Los Rolling Stones eran los niños de mamá; todos eran estudiantes universitarios de las afueras de Londres. ... Los Stones hicieron discos geniales, pero siempre fueron un desastre en el escenario, mientras que los Beatles eran lo máximo”.
En Stockport, Lemmy se unió a las bandas locales Rainmakers y luego a Motown Sect, que tocaron en clubes del norte durante tres años.
En 1965, se unió a The Rockin' Vickers, quienes firmaron un contrato con CBS, lanzaron tres sencillos y realizaron una gira por Europa.
Formada en 1963, la banda construyó su reputación como muchos otros grupos beat de la época, versionando estándares de R&B y beat, pero pronto se hizo conocida por sus inusualmente intensos espectáculos en vivo y extravagantes vestuarios escénicos.
Aunque principalmente popular como un grupo local alrededor de Blackpool, Inglaterra, The Rockin' Vickers también giraron por Europa continental, siendo una de las primeras bandas de rock británicas en actuar en un estado comunista, cuando tocaron en Yugoslavia en el verano de 1965.
Fueron particularmente populares en Finlandia, donde grabaron un sencillo, una versión rockera de "Zing! Went the Strings of My Heart". Lanzaron cuatro sencillos y se separaron en 1968.
Lemmy tocaba la guitarra con la banda (como lo haría con el siguiente grupo al que se unió, Sam Gopal) y no comenzó a tocar el bajo hasta que se unió a Hawkwind en 1971.
Tras dejar los Rockin' Vickers, Lemmy se mudó a Londres en 1967.
Compartió piso con Noel Redding, bajista de la Jimi Hendrix Experience, y con Neville Chesters, su mánager de gira por lo que consiguió un trabajo como técnico de sonido para la banda.
En 1968, se unió a la banda de rock psicodélico Sam Gopal bajo el nombre de Ian Willis y grabó el álbum “Escalator”, que se publicó en 1969.
La banda se formó con el nombre de Sam Gopal's Dream, en honor a su fundador, Sam Gopal.
Nacido en Malasia y llegado a Inglaterra en 1962 para estudiar música, Gopal tocaba la tabla, un instrumento de percusión del norte de la India, desde los siete años, que reemplazó a la batería en la banda.
La primera formación de la banda estaba compuesta por Sam Gopal en la tabla, Mick Hutchinson en la guitarra, Pete Sears en el bajo y los teclados, y (hacia el final) Andy Clark en la voz y los teclados.
Esta formación original se disolvió en 1968. Sears pasó a trabajar como músico de sesión y formó su propia banda con Prince, llamada Giant y Hutchinson y Clark grabaron tres álbumes juntos como Clark-Hutchinson.
En el mismo año de la separación anterior, Gopal formó una nueva alineación bajo su nombre, que incluía al vocalista y guitarrista Ian Fraser Kilmister (más conocido como Lemmy, que acababa de terminar de trabajar como roadie en una gira con Jimi Hendrix y Pink Floyd), Roger D'Elia y Phil Duke.
Bajo esta nueva alineación, la banda fue dirigida por Robert Stigwood, también mánager de Cream.
Su álbum “Escalator” fue grabado a finales de 1968 y lanzado en enero de 1969, en Stable Records.
Según Lemmy, la mayor parte del álbum fue compuesta por él en el transcurso de una noche.
Lemmy aparece acreditado como Ian Willis, ya que estaba considerando cambiarse el apellido por el de su padrastro George Willis.
Posteriormente, la banda también lanzó el sencillo "Horse", con una versión en la cara B de "Back Door Man" de Willie Dixon.
Después de conocer a Simon King en un centro comercial de Chelsea en 1969, se unió a la banda Opal Butterfly, pero el grupo pronto se disolvió al no haber logrado generar suficiente interés con sus sencillos.
Antes de convertirse en Opal Butterfly, el grupo se llamaba Cardboard Heaven. Se formó en 1967 en Oxfordshire.
La formación original estaba compuesta por Roger Warner (bajo), Robbie Milne (guitarra solista), Simon King (batería), de 17 años, Alan Cobb (teclados) y Stuart Thornhill y Denny Sutcliffe compartían las voces.
A nivel local, la banda actuaba en clubes y salones de baile con un repertorio de clásicos del R&B y el blues.
Aunque el grupo atrajo a un público considerable, King se marchó para formar Opal Butterfly.
Más adelante ese año, King formó su nueva banda y reclutó a Milne como guitarrista. El resto de la formación estaba compuesta por colaboradores de ambos e incluía a Allan Love (voz), Richard Bardey (bajo) y Tom Doherty (guitarra).
Respecto al nombre, Doherty comentó: “Butterfly por sí solo era un poco soso, así que pensamos en algo más colorido”.
El grupo comenzó a grabar demos y recibió el interés de CBS Records. Estos incluían versiones de "I Had Too Much to Dream (Last Night)" y "Wind Up Toys", ambas canciones de The Electric Prunes.
En 1968, la banda lanzó su primera grabación oficial, "Beautiful Beige"/"Speak Up", que fue descrita “como una sólida pieza de pop psicodélico armonioso”, pero no tuvo un impacto significativo.
Las grabaciones más notables del grupo llegaron en 1969 con una versión/remake con acompañamiento de órgano de la composición de The Who "Mary Anne With The Shaky Hand" con la cara B "My Gration Or?".
A pesar de la difusión en la radio, el sencillo solo les brindó apoyo local y la banda renovó su formación y cambió de sello discográfico a Polydor.
Lo más notable es que la banda incorporó a Lemmy Kilmister, quien conoció a la banda en una tienda llamada The Chelsea Drug Store en King's Road.
Entabló amistad con King, quien luego le pidió que se uniera, amistad que duró hasta que el grupo decidió expulsarlo unos meses después.
Con el nuevo sello, la nueva formación lanzó un sencillo, "Groupie Girl"/"The Gigging Song".
Para este último esfuerzo, la banda volvió a sus raíces ya que las canciones tenían una mayor influencia del blues.
Sin embargo, el sencillo causó un pequeño revuelo cuando la portada mostraba a una mujer desnuda y las estaciones de radio se negaron a reproducirlo.
A lo largo de 1969 y hasta 1970, la banda realizó una gira por Gran Bretaña con sets de 90 minutos.
La banda apareció en la película de Derek Ford, “Groupie Girl” (1970), como Sweaty Betty. Lemmy no contribuyó a ninguna grabación ni a la película.
Un último cambio de formación no afectó la suerte de la banda y se separó en 1970.
En agosto de 1971, Lemmy se unió a la banda de space rock Hawkwind, con sede en Ladbroke Grove, Londres, como bajista y vocalista.
No tenía experiencia previa como bajista, y su compañero de banda, Michael "Dik Mik" Davies, lo convenció para unirse justo antes de un concierto benéfico en Notting Hill, para tener dos miembros que consumieran anfetaminas.
Lemmy afirma que originalmente audicionó para Hawkwind como guitarrista, pero la mañana del concierto en Notting Hill, decidieron no contratar a otro guitarrista.
El bajista Dave Anderson, que había estado en la banda alemana Amon Düül II, se marchó debido a tensiones personales con algunos otros miembros de la banda no se presentó y dejó su equipo en la furgoneta.
Lemmy a menudo decía: "Su bajista prácticamente decía: '¡Por favor, róbame el puesto!'. Así que le robé el puesto".
Lemmy desarrolló rápidamente un estilo distintivo que estuvo fuertemente influenciado por su experiencia inicial como guitarrista rítmico, utilizando a menudo dobles cuerdas y acordes en lugar de las líneas de una sola nota preferidas por la mayoría de los bajistas.
Su incorporación y la del baterista Simon King impulsó a la banda a mayores alturas.
“Doremi Fasol Latido”, grabado en Rockfield Studios y publicado por United Artists Records, fue el tercer álbum de Hawkwind y el primero de Lemmy con la banda.
La sección rítmica de Dave Anderson y Terry Ollis fue reemplazada por Lemmy y Simon King, cuyos estilos diferían notablemente de los de sus predecesores. Esto cambió la dirección musical general de la banda.
Lemmy era un guitarrista inepto confeso que usaba el volumen y la puesta en escena para disimular su falta de habilidad.
“Aprendí a tocar el bajo en el escenario con Hawkwind… Salgo al escenario con este bajo colgado del cuello, y también era un Rickenbacker. El bajista, como un idiota, dejó su bajo en la camioneta. Así que estoy aprendiendo. Nik Turner dice que haga algunos ruidos en Mi. "Esta se llama You Shouldn't Do That". Luego se va".
Esto dio lugar a la técnica poco ortodoxa de Lemmy que declaró: “Simplemente no toco como un bajista. Hay quejas sobre mí de vez en cuando. No es como tener un bajista; es como tener un guitarrista con un registro grave”.
La batería de King tenía un ritmo más cuadrado y "rockero" que el estilo más jazzístico y fluido de Ollis.
Rockfield Studios estaba en sus inicios y el ambiente en ese momento era austero. Lemmy explicó que "lo grabaron en el granero, antes de que lo modernizaran, con colchones en las paredes y demás".
Algunos miembros de la banda expresaron su preocupación por la calidad de la producción.
Simon King comentó que "sonaba como si todos los bajos estuvieran apagados, el amplificador no funcionara correctamente y el estéreo estuviera atascado al mismo tiempo".
Lemmy añadió: "Simplemente no estaba bien grabado. Sonaba todo débil y metálico".
Dave Brock explicó su método de trabajo así: "Grabamos el bajo, la guitarra, la batería y las voces juntas, así que es lo más en directo posible, y luego añadimos las demás cosas... Simplemente dejamos que las cintas se reproduzcan como cuando tocamos en directo; grabamos una pista de tres horas y luego la cortamos en trozos, usamos un trozo como una sección completa y lo unimos a otro trozo con un enlace de sintetizador o algo así... Es improvisado, pero en primer lugar está todo junto".
"Brainstorm" es la primera composición en solitario de Turner para la banda, y presenta una sección central extendida que sería reelaborada a lo largo de los años (incluido el solo de batería de Ginger Baker en 1980).
Antes de su aparición en este álbum, fue grabada el 2 de agosto de 1972 en el estudio Maida Vale de la BBC para su emisión en el programa de Johnnie Walker junto con "Silver Machine", seguida de una aparición en la transmisión de una hora de duración de la BBC, “In Concert”, desde el cine de París el 28 de septiembre de 1972.
Ha permanecido casi siempre presente en el repertorio en vivo, con numerosas versiones en directo publicadas, y fue versionada por Monster Magnet en su álbum “Superjudge” de 1993.
La letra de "Space Is Deep" se basa en el poema "The Black Corridor" de Michael Moorcock.
La primera parte vocal es una pieza acústica interpretada por Brock (con guitarra de 12 cuerdas) y Lemmy con efectos electrónicos superpuestos; la segunda parte instrumental presenta a toda la banda en un solo eléctrico, para finalmente regresar a una coda acústica.
Fue eliminada del repertorio en vivo durante 1973, cuando la banda se distanció del espectáculo “Space Ritual”, y solo fue recuperada brevemente para algunos conciertos de reunión en el año 2000. Una versión de esta canción se puede escuchar en el álbum “Yule Ritual”.
"One Change" es una breve y tranquila pieza instrumental que incluye una contribución de teclado con mucho eco a cargo de Del Dettmar.
Una versión editada de "Lord of Light" se publicó como sencillo en Alemania (junio de 1973) con una versión editada de "Born to Go" del álbum “Greasy Truckers Party” en la cara B.
Se eliminó del repertorio en directo a mediados de los años 70, pero se reincorporó para la gira "Alien 4" de 1995, y una versión se publicó como cara B del sencillo "Love in Space" de 1997.
"Down Through the Night" es otro tema acústico de Brock con capas de electrónica, flauta y voces con eco invertido. Para el set de “Space Ritual”, contó con la banda eléctrica completa.
"Time We Left (This World Today)" es una canción en cuatro movimientos, el primero es un canto de llamada y respuesta que lamenta la dirección que estaba tomando la sociedad en la misma línea que Brock exploraba con "We Took the Wrong Step Years Ago" y "Psychedelic Warlords".
El segundo movimiento es un pasaje instrumental de disonancia que conduce al tercer movimiento que presenta un potente intercambio de bajo y guitarra solista, para finalmente regresar al primer movimiento.
Apareció en el set “Space Ritual” con "Paranoia" reemplazando la sección central, y también hizo una aparición durante 1989–91 con "Heads" como sección central, como se puede escuchar en “Palace Springs”.
"The Watcher" es la primera composición de Lemmy para Hawkwind, una pieza acústica espaciosa con bajo distorsionado.
La letra fue escrita desde la perspectiva de alguien lejano (quizás Dios o una raza alienígena superior) que observa a los habitantes de la Tierra autodestruirse por su propia codicia.
Esta es la única canción del álbum que no se incluyó en el set de “Space Ritual”, pero sí apareció brevemente durante 1973 y 1974, como se puede escuchar en “The 1999 Party”, ligeramente reorquestada para una interpretación más rápida de la banda.
Lemmy regrabó la canción con Motörhead en su álbum debut homónimo de 1977.
Nuevas versiones acústicas de "Down Through The Night" y "The Watcher" se incluyeron en “The Road to Utopia” (2018), producidas y arregladas por Mike Batt con orquestaciones adicionales, y una aparición especial de Eric Clapton en "The Watcher".
El paquete fue creado y titulado por el artista gráfico Barney Bubbles y es una continuación de los temas que introdujo con “In Search of Space” que culminan en “The Space Ritual”.
El título hace referencia a la asignación de sílabas a los grados de la escala diatónica (Do-Re-Mi , etc.).
Alude a la música de las esferas que Bubbles expone: “El principio básico de la nave estelar y el ritual espacial se basa en el concepto pitagórico del sonido. En resumen, este concepto concebía el Universo como un inmenso monocordio, con su única cuerda extendida entre el espíritu absoluto y, en su extremo inferior, la materia absoluta. A lo largo de esta cuerda se ubicaban los planetas de nuestro sistema solar. Se creía que cada una de estas esferas, al desplazarse por el espacio, emitía un tono determinado debido a su continuo desplazamiento del éter. Estos intervalos y armonías se denominan «El Sonido de las Esferas». El intervalo entre la Tierra y las estrellas fijas constituye el intervalo armónico más perfecto”.
La portada original venía en una funda plateada con impresión en negro; el anverso mostraba un escudo que se convirtió en el emblema de la banda y se utilizó en muchas otras portadas de álbumes y sencillos.
La contraportada, la funda interior y el póster muestran guerreros bárbaros en escenarios futuristas. La contraportada incluye en la leyenda: "La saga de “Doremi Fasol Latido” es una colección de cánticos espaciales rituales, himnos de batalla y canciones estelares de alabanza utilizadas por el clan familiar de Hawkwind en su épico viaje a la legendaria tierra de Thorasin".
La leyenda narra la última y derrotada resistencia de los Señores Halcón contra la "tiranía de las fuerzas corruptas del mal y la ley", pero la funda interior contiene una redención en la leyenda:
"Y en el momento oportuno, la profecía se cumplirá y los Señores Halcón volverán para asolar la tierra. Las fuerzas oscuras serán castigadas, las ciudades arrasadas y convertidas en parques. La paz llegará a todos. ¿Acaso no está escrito que la espada es la llave del Cielo y del Infierno?".
La prensa musical británica recibió con entusiasmo el álbum.
Nick Kent, de NME, confesó: “Me avergonzaría decir que no me encantó”, describiendo la música como “a un solo acorde de ser el tocadiscos cósmico de alta energía más potente de este lado de la Zona del Metal”.
Andrew Means, de Melody Maker, comentó: “No es melodía, ni armonía, ni ritmo... es ambigüedad. Es la corriente etérea, el torrente vertiginoso y burbujeante de sonido ingrávido que da inicio al círculo de imágenes mentales, asociaciones e impresiones extraídas del espacio, el tiempo y la tierra... El oyente es tan viajero como el músico”.
Mientras tanto, Martin Hayman de Sounds describió la música como "el bajo y la batería golpean con un ritmo incansable, los sintetizadores giran y silban alrededor de los atronadores riffs de bloque cuya repetición interminable genera esa hipnosis adormecedora, voces desafinadas y amenazantes entonan letras en gran parte incomprensibles. Esto no es para criticar a Hawkwind: el sonido que están logrando es más denso, más completo, más convincente que nunca. Su efecto total es bastante devastador, pero los medios por los cuales se logra el efecto no son una revolución en el sonido".
Durante la gira de promoción de su disco “Doremi Fasol Latido”, fue grabado un álbum doble en vivo, “Space Ritual”.
Además de la mayor parte de “Doremi Fasol Latido”, incluye temas nuevos ("Born To Go", "Upside Down" y "Orgone Accumulator") y las canciones se intercalan con piezas electrónicas y habladas, creando una presentación continua.
Su éxito "Silver Machine" no se incluyó en el set, y solo "Master of the Universe" permanece de sus dos primeros álbumes.
El espectáculo “Space Ritual” intentó crear una experiencia audiovisual completa, representando temas desarrollados por Barney Bubbles y Robert Calvert que entrelazaban la fantasía de los viajeros estelares en animación suspendida viajando a través del tiempo y el espacio con el concepto de la música de las esferas.
La actuación contó con los bailarines Stacia, Miss Renee y Tony Carrera, escenografía de Bubbles, espectáculo de luces de Liquid Len y recitaciones de poesía de Calvert.
Al entrar al recinto, los asistentes recibieron un programa (reproducido en el CD remasterizado de 1996) que incluía un breve relato de ciencia ficción de Bubbles que situaba a la banda en un escenario de los viajeros estelares regresando a la Tierra.
La edición original incluía ediciones y sobregrabaciones, y las notas de la carátula explicaban que "Tuvimos que cortar un fragmento de Brainstorm y Time We Left porque eran demasiado largos", pero el álbum “Space Ritual Volume 2” de 1985 contiene las versiones completas sin editar.
Una versión editada inédita de "You Shouldn't Do That" (seguida de una versión no listada de "Seeing It As You Really Are") de este concierto se incluyó en el álbum recopilatorio “Roadhawks” de 1976, y posteriormente se incluyó como pista adicional en el CD remasterizado de 1996.
La versión completa sin editar de la pista se puede encontrar en el álbum “Hawkwind Anthology”.
En junio de 2007 se publicó otra edición remasterizada de EMI en 2 CD con diferentes pistas adicionales y DVD-audio; esta remasterización se reeditó en 2013, sin el DVD-audio.
"Sonic Attack" fue escrita por el autor de ciencia ficción Michael Moorcock, quien solía tocar con la banda cuando le era posible y Calvert no estaba disponible.
Aquí, Calvert la recita y estaba previsto su lanzamiento como sencillo, distribuyéndose copias promocionales en una funda de tela, pero nunca llegó a publicarse oficialmente.
El álbum fue grabado en el Liverpool Stadium el 22 de diciembre de 1972 y en el Brixton Sundown el 30 de diciembre de 1972 por Vic Maile y el Pye Mobile.
Fue producido por Hawkwind y mezclado por Vic Maile y Anton Matthews en los Olympic Studios de Barnes.
El tema extra “You Shouldn't Do That” fue grabado en el Brixton Sundown el 30 de diciembre de 1972 y se publicó originalmente en el álbum recopilatorio “Roadhawks”.
“Master Of The Universe” y “Born To Go", temas extra de la edición de 2 CD de 1996, fueron grabados en The Roundhouse el 13 de febrero de 1972 y se publicaron originalmente en el álbum recopilatorio “Greasy Truckers Party”
Wilson Neate de AllMusic caracterizó el estilo del álbum como una "mezcla desquiciada de prog, acid rock, proto metal, ciencia ficción, fantasía y jazz".
Eduardo Rivadavia de Loudwire calificó el álbum como "una experiencia auditiva temáticamente vinculada, tan inmersiva, tan hipnótica (con o sin la bailarina Stacia completamente desnuda ), que ni siquiera se requirió asistencia química".
La funda fue diseñada por Barney Bubbles y venía en un desplegable de 3x2 paneles, los 6 paneles exteriores eran a color, los 6 paneles interiores eran monocromáticos, los discos en fundasinteriores con estampado psicodélico naranja y amarillo estaban doblados dentro de este.
En la edición especial clásica de Q & Mojo, “Pink Floyd & The Story of Prog Rock”, el álbum ocupó el puesto número 8 en su lista de "40 álbumes de rock cósmico".
El álbum también se incluyó en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En 2020, Vlad Nichols de Ultimate Guitar escribió: "Si Pink Floyd proporcionó la explosión inicial que impulsó el space rock, fue Hawkwind quien lo llevó más allá de la atmósfera y lo mantuvo orbitando alrededor del planeta. Aunque mucha gente la conoce como la banda en la que tocó Lemmy Kilmister antes de formar Motörhead, la contribución única de Hawkwind al rock y al metal se pasa por alto en gran medida, lo cual es una verdadera lástima".
Wilson Neate de AllMusic afirmó que el álbum había envejecido bien y que Hawkwind era "proféticamente influyente".
En la cima de su éxito, en 1973, la banda lanzó el sencillo "Urban Guerrilla”, escrito e interpretado por Robert Calvert, siendo esta la única grabación de estudio de Hawkwind con la voz de Calvert antes de que se reincorporara a la banda como líder y vocalista permanente en 1976.
En el momento del lanzamiento del sencillo, el IRA había iniciado una campaña de atentados con bomba en Londres y la BBC se negó a emitirlo.
Tras deliberar y considerar brevemente la posibilidad de promocionar la cara B ("Brainbox Pollution", que trataba sobre los efectos del abuso de drogas), la dirección del grupo optó por retirar el sencillo, declarando que "Aunque el disco se vendía muy bien, no queríamos que las ventas pudieran verse afectadas por su asociación con los acontecimientos recientes, a pesar de que la canción fue escrita por Bob Calvert dos años antes como un comentario satírico y grabada hace tres meses".
Posteriormente, Dave Brock declaró que "Fue una estupidez retirarlo; tenían miedo de que los bombardearan. Yo pensaba que ese disco representaba la esencia de la música en los años 70".
Calvert afirmó inicialmente que la letra era una sátira, pero luego declaró que “no me sorprendió en absoluto que la BBC la prohibiera; de hecho, esperaba que causara mucha controversia”.
Lemmy explica que “Una vez dimos un concierto benéfico para los Stoke Newington. Eran anarquistas de algún tipo (The Angry Brigade), que fabricaban bombas en el sótano y todo eso. Urban Guerrilla trataba de eso. Así era Calvert”.
En aquel momento se informó de que el piso de Nik Turner en Gloucester Road había sido allanado y registrado por el escuadrón antibombas, pero una entrevista de 1998 con Turner sugiere que esta actividad tenía más que ver con la visita de Hells Angels buscados en relación con un homicidio involuntario.
En cuanto a la música, muchos de los miembros de la banda no estaban contentos con ella. Del Dettmar comentó: “La mezcla es demasiado aguda. Me gustaría rehacer el final. En fin, de todas formas no es una muy buena canción. Y no está muy bien interpretada”.
Mientras que Simon King afirmó: “No me gustaba la idea de hacer un sencillo, y para ser honesto, no me gustaba la canción”.
A Lemmy sí le gustaba la canción: “No hacíamos discos comerciales; lo mejor que hicimos fue "Urban Guerrilla", pero lo retiraron de las tiendas porque fue cuando el IRA bombardeó Harrods. Cayó como un paracaídas de hormigón”.
La banda realizó una extensa gira por el Reino Unido en junio y julio de 1973 para promocionar el sencillo, una versión mal grabada de esta época apareció en “Bring Me the Head of Yuri Gagarin”, pero poco después Calvert dejó de trabajar con la banda de forma oficial (en gran parte debido a la inestabilidad causada por su trastorno bipolar) y la canción fue descartada.
Fue reincorporada al repertorio en vivo en 1977 durante la segunda etapa de Calvert con la banda y permaneció incluso después de su partida en 1978, con la voz a cargo de Brock y una versión en vivo que apareció en la cara B del sencillo "Shot Down in the Night". Finalmente fue descartada en 1984.
Dik Mik se marchó en 1973, y Calvert puso fin a su colaboración con la banda para concentrarse en proyectos en solitario.
Dettmar también anunció su marcha, por lo que Simon House fue contratado como teclista y violinista para los conciertos, una gira por Norteamérica y la grabación del álbum de 1974, “Hall of the Mountain Grill”.
“Hall of the Mountain Grill”, su cuarto álbum de estudio, fue el primero con una nueva formación que incluía a Simon House al sintetizador, Mellotron y violín eléctrico; no participaron Robert Calvert, quien anteriormente había contribuido con letras, voces e interludios hablados, ni Dik Mik, quien proporcionaba efectos electrónicos.
El título del álbum era un guiño a "In the Hall of the Mountain King" de Edvard Grieg y a un café de Portobello Road llamado The Mountain Grill (ahora cerrado), frecuentado por la banda y sus contemporáneos de la escena de Ladbroke Grove a principios de la década de 1970.
La portada, que muestra una nave espacial abandonada en la niebla de una laguna alienígena, fue pintada por el colaborador artístico habitual de la banda, Barney Bubbles. La contraportada fue obra de David A. Hardy.
El disco incluía temas de hard rock como "The Psychedelic Warlords (Disappear in Smoke)" y "Lost Johnny" (posteriormente grabada por Motörhead y también por el coautor Mick Farren con su banda The Deviants), psicodelia como "D-Rider" y "Web Weaver", con su marcado efecto de fase, así como temas atmosféricos más tranquilos como los instrumentales "Goat Willow", "Wind of Change" y el tema que da título al disco.
La cara B del LP de vinilo original estaba enmarcada por "You'd Better Believe It" y "Paradox", temas en directo grabados en el Edmonton Sundown en enero de 1974, que recordaban las "space jams" de lanzamientos anteriores.
Tras la marcha de Robert Calvert, Dave Brock fue el vocalista principal del álbum, junto con Lemmy en “Lost Johnny” y Nik Turner en “D-Rider”.
La formación de la banda siguió cambiando a lo largo del año.
Del Dettmar se marchó antes del lanzamiento del disco para vivir en Canadá, y Alan Powell se unió como baterista adicional. El autor de ciencia ficción y amigo del grupo, Michael Moorcock, comenzó a recitar poesía en sus conciertos.
Jonathan Smeeton (Liquid Len) ha declarado que Brock escribió específicamente "Wind of Change" para una secuencia de diapositivas concreta que tenía en la gira “Space Ritual” (un árbol siendo engullido por una ciudad, y luego la ciudad derrumbándose y el árbol permaneciendo).
En el momento del lanzamiento del álbum, Simon King declaró: “Al álbum de Doremi le faltaba producción. Tampoco estaba muy contento con Space Ritual. Pero con el nuevo, estoy bastante satisfecho. Me gusta la cara A porque creo que es algo que no habíamos hecho antes. Sí, estoy satisfecho con la mitad del nuevo álbum”.
Lemmy comentó más tarde que “Para mí, este fue el momento cumbre de la banda. Ah, y yo estaba en la banda en ese entonces”. (Classic Rock, abril de 2006), incluyéndolo como el número 3 en “Mis mejores álbumes de rock británico”.
A finales de junio se emprendió una gira europea de nueve fechas. Sin embargo, el baterista Simon King se había fracturado algunas costillas jugando al fútbol, lo que le impidió participar, por lo que designó a su amigo Alan Powell para que lo sustituyera en esas fechas.
Al finalizar la gira, King se había recuperado lo suficiente como para volver a tocar junto a Powell, y el grupo quedó tan satisfecho con la situación de contar con dos bateristas que Powell se incorporó a la formación permanente. Al concluir la gira, Dettmar finalmente se marchó.
El grupo regresó para una tercera gira por Norteamérica en septiembre, pero en su quinto concierto en Hammond, Indiana, el día 7, el IRS les confiscó el equipo y les emitió una factura por impuestos impagos de su gira anterior.
Se produjo un punto muerto, y la banda finalmente continuó la gira un mes después, una vez resueltos todos los problemas.
“Hall of the Mountain Grill” alcanzó el puesto número 16 en las listas de álbumes del Reino Unido y el número 110 en Estados Unidos.
Las reseñas retrospectivas han sido generalmente positivas. Aunque criticaron la canción que da título al álbum, AllMusic calificó a “Hall of the Mountain Grill” como "el mejor álbum de estudio de la banda" y "el disco de space rock con guitarras por excelencia".
Head Heritage se mostró mucho menos impresionado, argumentando que las salidas de Robert Calvert y Dik Mik fueron pérdidas que Hawkwind no pudo compensar en absoluto, y que todo el álbum "tiene la innegable sensación de ser un álbum de transición lanzado casi desesperadamente para mantener en marcha la maquinaria de las constantes giras de Hawkwind".
Sin embargo, añadieron que las dos canciones en directo del álbum son puntos culminantes del catálogo de Hawkwind.
A principios de 1975, la banda grabó el álbum “Warrior on the Edge of Time”, basado libremente en el concepto de la novela de Moorcock, “The Eternal Champion”.
Fue el álbum de estudio de la banda que alcanzó la posición más alta en la lista de álbumes del Reino Unido, donde llegó al número 13, y fue su tercer y último álbum en aparecer en la lista Billboard de Estados Unidos, donde llegó al número 150.
Las críticas han sido mixtas: Melody Maker criticó duramente el álbum, especialmente el trabajo vocal, mientras que All Music Guide lo elogió por aspectos como la composición.
Este también sería el último álbum en el que participó Lemmy, quien fue despedido un día antes del lanzamiento del álbum.
Durante una gira por Norteamérica en mayo, Lemmy fue sorprendido en posesión de anfetaminas al cruzar la frontera de Estados Unidos a Canadá.
La policía fronteriza confundió el polvo con cocaína y fue encarcelado, lo que obligó a la banda a cancelar algunos conciertos.
Hartos de su comportamiento errático, la banda despidió al bajista reemplazándolo con su viejo amigo y ex guitarrista de Pink Fairies, Paul Rudolph.
Lemmy luego se unió a otro guitarrista de Pink Fairies, Larry Wallis, para formar Motörhead, nombre que proviene de la última canción que había escrito para Hawkwind.
La letra de “Assault and Battery” cita el poema “A Psalm of Life”de Henry Wadsworth Longfellow.
La canción es un tema popular en directo, interpretado ocasionalmente a lo largo de los años, y ha aparecido en numerosos álbumes en directo, a veces bajo el título “Lives of Great Men”.
Se incluyó como parte del espectáculo en directo del concepto “The Chronicle of the Black Sword”, apareciendo en el álbum “Live Chronicles” .
"The Golden Void" enlaza con "Assault and Battery", y ambas canciones suelen interpretarse juntas en directo, como en los álbumes “Palace Springs” (1991) y “Canterbury Fayre” (2001).
La canción también es un tema popular en directo y ha aparecido en álbumes en directo, a veces bajo el título "Void of Golden Light", como en “The Business Trip” (1994).
“The Wizard Blew His Horn”, “Standing at the Edge” y “Warriors” son poemas de Michael Moorcock basados en su personaje literario del "Campeón Eterno".
Los poemas se recitan con una ambientación sonora creada por Simon House y los percusionistas Simon King y Alan Powell.
La banda los interpretó en directo durante 1974, y algunas versiones aparecen en el álbum en vivo “The 1999 Party”.
“Opa-Loka” es una pieza instrumental con ritmo motorik, fuertemente influenciada por la música de Neu!.
Se interpretó en directo, pero cuando Robert Calvert se unió a la banda a principios de 1976, recitaba el poema “Vikings on Mars” sobre ella, y la canción evolucionó hasta convertirse en “Uncle Sam's on Mars” en el álbum “PXR5” de 1979.
Powell, que había vivido en Florida en 1970, bautizó la pieza con el nombre del lugar Opa-locka.
"The Demented Man" es una canción de Brock interpretada con guitarra acústica. (También aparece como "The Demented King").
La letra de "Magnu" se basa en el poema de Percy Shelley "Himno de Apolo".
Las versiones en vivo de la canción aparecen en los álbumes “Choose Your Masques: Collectors Series Volume 2” (1982), “The Friday Rock Show Sessions” (1986) y “Canterbury Fayre” 2001.
Las primeras seis líneas de “Magnu” son casi idénticas palabra por palabra a un canto mágico que aparece en un antiguo cuento popular eslavo, "La historia del príncipe Slugobyl; o, El caballero invisible", utilizado para invocar al caballo mágico, Magu, publicado por primera vez en traducción al inglés en 1896 en "Cuentos de hadas de los campesinos y pastores eslavos".
"Spiral Galaxy 28948" es una pieza instrumental de Simon House, cuyo título es su fecha de nacimiento (28 de septiembre de 1948), aunque su cumpleaños es en realidad el 29 de agosto de 1948, debido a una confusión tipográfica entre "289" y "298".
Fue interpretada en directo en 1975 tras el lanzamiento del álbum, y de nuevo en 2001 cuando House se reincorporó temporalmente a la banda; una versión apareció en el álbum “Canterbury Fayre” de 2001.
“Motorhead” fue la última canción que Lemmy escribió para Hawkwind antes de ser despedido de la banda en mayo de 1975.
Originalmente se lanzó como la cara B del sencillo “Kings of Speed” en United Artists Records en marzo de 1975.
La canción fue escrita en el Hotel Hyatt (también conocido como 'Riot House') en West Hollywood, California.
Lemmy explica cómo se creó: “Estaba de gira con Hawkwind en 1974, nos hospedábamos en el Riot House y Roy Wood y Wizzard también estaban en la ciudad. Sentí la necesidad de escribir una canción en mitad de la noche. Bajé corriendo a la habitación de Wizzard, cogí la guitarra acústica Ovation de Roy y volví corriendo a la mía. Salí al balcón y aullé durante cuatro horas. Los coches paraban y los conductores escuchaban y luego se marchaban, y allí estaba yo gritando a todo pulmón”.
El título de la canción es una expresión del argot británico que significa "adicto a las anfetaminas".
Lemmy explicó la letra: “Las seis mil millas eran una referencia a Los Ángeles, y el resto se explica por sí solo. ¡Y sí, soy la única persona que ha logrado incluir la palabra " paralelogramo " en una canción de rock and roll! Estoy muy orgulloso de ello”.
Las guitarras y el bajo están afinados medio tono más bajo en la versión de Hawkwind, lo que efectivamente convierte la tonalidad de la canción en Mi♭ mayor, pero aquí se describen como si estuvieran en afinación estándar.
El bajo sigue la nota fundamental para todos los acordes, con un riff en Fa♯, basado en la cuerda La entre los trastes décimo y duodécimo.
La introducción está en Mi, terminando con dos compases en Re y Mi♭. La estrofa está en Mi con un golpe de Re/Mi al final de cada verso, le sigue un pre-estribillo, en Sol con dos versos que terminan en Re, el último en Fa♯.
El estribillo, al igual que el pre-estribillo, está en Sol, pero con solo dos versos, que terminan en Re y Fa♯. La canción consta de tres estrofas en total.
Hay un solo de violín de inspiración jazzística a cargo del teclista Simon House que, siguiendo el patrón de estrofa/pre-estribillo/estribillo, aparece después del segundo estribillo.
En julio de 1981, "Motorhead" se lanzó como cara A de un sencillo de 7" y 12" en el sello Flicknife, esta vez con sobregrabaciones vocales y de sintetizador de Brock, siendo la cara B "Valium Ten". Flicknife reeditó el sencillo en vinilo de 12" en octubre de 1982.
Hawkwind también utilizó "Motorhead" en su sencillo de 1986 "Motorhead"/"Hurry on Sundown", publicado por Flicknife Records.
Desde 1992, la canción se ha incluido en las reediciones en CD del álbum “Warrior on the Edge of Time” de Hawkwind. También ha aparecido en varios álbumes recopilatorios, como “British Tribal Music”, “The Hawkwind Collection” y “The Hawkwind Anthology Vol. II”.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 33
Lemmy Kilmister (Segunda parte)
Como ya hemos comentado antes, en mayo de 1975, durante una gira por Norteamérica, Lemmy fue arrestado en la frontera canadiense en Windsor, Ontario, por cargos de posesión de drogas.
La policía fronteriza confundió la anfetamina que portaba con cocaína y pasó la noche en la cárcel antes de ser liberado sin cargos.
La banda y su equipo de gestión temían que su arresto pudiera impedirles regresar a Estados Unidos, a pesar de haber sido liberado sin cargos.
También estaban cansados de lo que consideraban su comportamiento errático, así que decidieron despedirlo.
En una ocasión dijo sobre Hawkwind: “Me gustaba estar en Hawkwind, y creo que seguiría tocando con ellos hoy si no me hubieran echado. Era divertido en el escenario, no tanto fuera de él. No querían congeniar conmigo. Musicalmente, me encantaban el batería y el guitarrista. Era una gran banda”.
Ahora solo, Lemmy decidió formar una nueva banda. Lemmy quería que la música fuera "rápida y feroz, como la de MC5".
Su objetivo declarado era "concentrarse en música muy básica: rock n roll ruidoso, rápido, urbano, estridente, arrogante, paranoico y speed freak... será tan ruidoso que, si nos mudamos al lado de tu casa, tu césped morirá".
Reclutó al guitarrista Larry Wallis (antes de Pink Fairies, Shagrat y UFO) por recomendación de Mick Farren, basándose en el trabajo de Wallis con la banda de Steve Peregrin Took, Shagrat, y a Lucas Fox en la batería.
Según Lemmy, el primer ensayo de la banda fue en los ahora desaparecidos estudios de ensayo Sound Management, en Kings Road, Chelsea, en 1975.
Sound Management alquiló el sótano de la tienda de muebles The Furniture Cave, ubicada en la adyacente Lots Road.
Kilmister ha dicho que solían robar equipo, ya que la banda tenía poco material.
Su primer compromiso fue como teloneros de Greenslade en The Roundhouse, Londres, el 20 de julio de 1975.
El 19 de octubre, después de haber tocado en 10 conciertos, se convirtieron en teloneros de Blue Öyster Cult en el Hammersmith Odeon.
Al principio la banda se llamaba Bastard pero, cuando su mánager le informó que una banda llamada Bastard jamás conseguiría un espacio en Top of the Pops, Lemmy cambió el nombre de la banda a Motörhead, el título de la última canción que había escrito para Hawkwind.
La banda fue contratada por United Artists a través de Andrew Lauder, el director artístico de Hawkwind, la banda anterior de Lemmy.
Grabaron sesiones en los estudios Rockfield en Monmouth con el productor Dave Edmunds, durante las cuales Fox demostró ser poco confiable y fue reemplazado por el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor, un conocido casual de Lemmy.
Su sello discográfico no quedó satisfecho con el material y se negó a publicarlo, aunque posteriormente se lanzó como “On Parole” en 1979 después de que la banda hubiera alcanzado cierto éxito.
En marzo de 1976, decidiendo que necesitaban dos guitarristas, la banda audicionó a un conocido del baterista Taylor llamado "Fast" Eddie Clarke.
Wallis, que seguía de gira con una reformada Pink Fairies, renunció inmediatamente después de las audiciones y Clarke se quedó como único guitarrista.
Este trío de Lemmy/Clarke/Taylor es considerado hoy como la formación "clásica" de Motörhead.
En diciembre, la banda grabó la composición de Holland–Dozier–Holland "Leaving Here" para el sello pionero del punk rock y el pub rock, Stiff Records, pero United Artists intervino para impedir su lanzamiento general ya que la banda aún tenía contrato con ellos, a pesar de la negativa del sello a publicar su álbum debut.
Las reacciones iniciales a la banda habían sido desfavorables; ganaron una encuesta como "la mejor peor banda del mundo" en la revista musical NME.
En abril de 1977, viviendo en okupas y con poco reconocimiento, Taylor y Clarke decidieron dejar la banda.
Al percibir que la joven banda tenía escasas perspectivas de éxito, Motörhead decidió disolverse después de dar un último concierto en el Marquee Club de Londres en abril de 1977.
Ted Carroll, fundador del incipiente sello Chiswick Records, conocía bien a Lemmy de su tienda de discos de vinilo de 45 rpm en Londres, de la cual Lemmy era un cliente frecuente.
Carroll decidió darle un respiro a la banda y organizó lo que se planeaba que fuera su última actuación en el Marquee el 1 de abril de 1977.
Se tomó la decisión de grabar el concierto. Como recuerda Clarke en el documental “The Guts and the Glory”: "Iba a ser nuestro concierto de despedida. Dije: 'Al menos consigamos una unidad móvil para grabar el año y medio que llevamos juntos y pongamos algo en la cinta, ¿sabes?'. El problema con el Marquee era que pedían 500 libras por grabar allí. Bueno, eso era impensable en aquellos tiempos".
Considerando que la banda ya había superado suficientes adversidades, Carroll les ofreció dos días de estudio en Escape Studios en Kent, Inglaterra, para grabar un sencillo con el productor John "Speedy" Keen.
Como Clarke le explicó a John Robinson de Uncut en 2015, la banda terminó el concierto en el Marquee y se dirigió directamente al estudio en Kent para un fin de semana de grabación.
"Eso fue el viernes por la noche, así que teníamos todo el sábado y el domingo por delante. Llevábamos un año tocando estas canciones, así que pensamos: '¡Qué demonios!, podemos grabar un disco'. En unas horas ya teníamos todas las pistas instrumentales listas. Grabamos las voces. Un poco más de velocidad, añadimos más guitarras. Unas cuantas cervezas más... estábamos que echamos humo. El sábado por la noche, ya casi lo habíamos terminado".
Debido al tiempo de estudio muy limitado que se le concedió a la banda, se tomó la decisión de regrabar el álbum inédito de United Artists casi en su totalidad; solo "Fools" y "Leaving Here" no se regrabaron en las sesiones de Kent.
Además, se agregaron dos nuevas composiciones propias, "White Line Fever" y "Keep Us on the Road", así como una versión de "Train Kept A-Rollin" de Tiny Bradshaw.
Tres pistas del álbum fueron compuestas por Lemmy mientras aún era miembro de Hawkwind, "Motorhead", "Lost Johnny" y "The Watcher", esta última una pieza acústica psicodélica.
Al igual que el nombre de la banda, la canción "Motorhead" hace referencia al speed (la droga preferida de Lemmy en ese momento) y se lanzó junto con el tema "City Kids" (una composición de Larry Wallis de la época de Pink Fairies), que no formaba parte del álbum, como sencillos de 7" y 12".
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy recuerda haber trabajado con el productor Speedy Keen y el ingeniero John Burns, y los desafíos derivados de la falta de tiempo: "(Ellos) estaban como locos porque no podían permitirse el lujo de dormir; no tenían tiempo y querían hacer un álbum tanto como nosotros. ¡Solo mezclaron veinticuatro versiones de Motörhead!".
Los miembros de la banda no quedaron nada satisfechos con el resultado final, y el guitarrista Clarke se refirió al sonido confuso del álbum como "bastante espantoso".
Cuatro temas restantes de la sesión se archivaron hasta 1980, cuando se publicaron como el EP “Beer Drinkers and Hell Raisers”.
En sus memorias, Lemmy señaló: "Una vez más, era momento de sacar provecho, al menos para las discográficas. ¡Desde entonces, nunca he grabado más de lo necesario! Dicho esto, no le guardo rencor a Ted Carroll por eso; él salvó a mi banda".
La cara B y las pistas del EP se añadieron posteriormente como material extra en la edición en CD.
La carátula del disco presentaba el debut de Snaggletooth, el "Cerdo de Guerra", el rostro con colmillos que se convertiría en un ícono de la banda y aparecería en la mayoría de las portadas de sus álbumes.
Snaggletooth fue creado por el artista Joe Petagno, quien anteriormente había trabajado con Storm Thorgerson de Hipgnosis y había diseñado el logotipo de Swan Song Records para Led Zeppelin.
Según su creador, Snaggletooth representa una combinación de un cráneo de oso, lobo y perro con colmillos de jabalí.
La portada original del álbum de Motörhead contenía una esvástica en la punta del casco, aunque fue eliminada de las copias posteriores del disco.
La funda interior incluía fotografías antiguas y nuevas de la banda y sus amigos, tomadas por su amiga de toda la vida, Motorcycle Irene, quien tomó la mayoría de las fotos de Motörhead en los años 70, además de cartas de agradecimiento de Lemmy, Eddie y Phil.
Los anuncios del álbum, el sencillo y la gira llevaban las palabras "¡Atención! Esta banda no toma prisioneros".
Alex Ogg de AllMusic escribió: "Aunque solo tuvo un éxito moderado en las listas, Motörhead patentó el estilo del grupo: la voz áspera de Lemmy sobre una arrolladora base de guitarra, bajo y batería... no es de extrañar que les gustaran a los punks".
Muchos críticos han señalado que el álbum no es tan pulido como trabajos posteriores como “Bomber” y “Ace of Spades”.
Al evaluar el álbum y su primer sencillo en 2011, el biógrafo Joel McIver afirmó: "con la perspectiva que da el tiempo, es evidente que ninguno de los dos se acerca a capturar el fascinante sonido en vivo del grupo".
Kris Needs de Loudersound elogia el álbum, diciendo: "Aunque el sonido de montaña rusa puede ser irregular y The Watcher sigue arraigado en el space rock del oeste de Londres, Motörhead sigue sonando como la furia kamikaze de hombres desesperados a quienes se les concede una última oportunidad, abriéndose paso a través de una carnicería impulsada por la velocidad para arrebatar el triunfo del olvido".
“Motörhead” fue lanzado el 12 de agosto de 1977 por el sello de pub rock y punk rock Chiswick Records, permaneciendo una semana en la lista de álbumes del Reino Unido en el puesto número 43, siendo uno de los primeros lanzamientos del sello y el único de la banda bajo Chiswick.
La banda realizó una gira por el Reino Unido como teloneros de Hawkwind en junio, y desde finales de julio comenzaron la gira "Beyond the Threshold of Pain Tour" con Count Bishops, una banda que estaba ganando cierta popularidad en la escena temprana del punk rock y el pub rock.
En agosto, Tony Secunda asumió la dirección de la banda, y su cohesión se volvió tan inestable que en marzo de 1978, Clarke y Taylor formaron y actuaron como The Muggers con Speedy Keen y Billy Rath de la banda punk estadounidense The Heartbreakers.
En julio de 1978, la banda volvió a la gestión de Douglas Smith, quien consiguió un contrato único para sencillos con Bronze Records de Gerry Bron.
El sencillo resultante "Louie Louie" (una versión de un estándar de Richard Berry y The Kingsmen) se publicó en septiembre, alcanzando el puesto número 68 en la lista de sencillos del Reino Unido, y la banda realizó una gira por el Reino Unido para promocionarlo, grabó una sesión de John Peel en BBC Radio 1 el 18 de septiembre (estas pistas se publicaron posteriormente en el álbum “BBC Live & In-Session” de 2005) y apareció por primera vez en Top of the Pops de BBC Television el 25 de octubre.
El sello de pub rock y punk rock temprano Chiswick Records capitalizó este nuevo nivel de éxito reeditando el álbum debut “Motörhead” en vinilo blanco a través de EMI Records.
En el documental de Classic Albums sobre la creación de “Ace of Spades”, Gerry Bron de Bronze Records admite: "La primera vez que escuché a Motörhead fue cuando oí un sencillo que publiqué sin haberlo escuchado antes, que es "Louie Louie", y cuando lo oí me quedé horrorizado. Pensé que era el peor disco que jamás había escuchado, así que fue un shock. El mayor shock fue que, habiendo publicado un disco que yo consideraba terrible, entró directamente en las listas de éxitos en el puesto número 72. Pero en realidad publiqué el disco como un favor".
Las ventas del sencillo le brindaron a la banda su primera aparición en el programa Top of the Pops de la BBC Television, lo que le dio a Bronze la confianza para que la banda volviera al estudio a grabar un segundo álbum.
En el libro de 2011 “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver cita al guitarrista "Fast" Eddie Clarke: "Para cuando Overkill surgió en 1978 , habíamos tenido tantos comienzos fallidos y decepciones que habíamos acumulado mucha energía e ideas, y solo estábamos esperando la oportunidad de demostrar de lo que éramos capaces. Además, teníamos una gran base de seguidores, y siempre sentimos que teníamos una deuda con los fans que nos habían acompañado desde el principio".
En una conversación con James McNair de Mojo en 2011, el líder Lemmy coincidió: "[...] para cuando salió Overkill ya estábamos definiendo nuestro sonido".
Una muestra de lo que la banda había grabado para el álbum llegó el 9 de marzo de 1979 cuando la banda tocó "Overkill" en Top of the Pops para apoyar el lanzamiento del sencillo antes del álbum “Overkill”, que se lanzó el 24 de marzo.
“Overkill” fue coproducido por el legendario productor Jimmy Miller, quien anteriormente había trabajado con Traffic y los Rolling Stones, y grabado en Roundhouse Recording Studios y Sound Development Studios en Londres.
"Damage Case" fue coescrita por la banda y Mick Farren de The Deviants.
En su autobiografía "White Line Fever", Lemmy afirma que escribió la letra de "Metropolis" "en cinco minutos" después de ver la película del mismo nombre en el Electric Cinema de Portebello Road, y también afirma que siempre quiso que Tina Turner grabara "I'll Be Your Sister", insistiendo: “Me gusta escribir canciones para mujeres. De hecho, he escrito canciones con mujeres. Algunas facciones de feministas radicales y frígidas (de esas que quieren cambiar la palabra 'alcantarilla' por 'agujero de persona', ese tipo de tonterías) me han llamado sexista, pero no tienen ni idea de lo que hablan".
El tema principal destaca por el uso de dos bombos por parte de Phil "Philthy Animal" Taylor.
En el documental “The Guts and the Glory”, el baterista recuerda: "Siempre quise tocar dos bombos, pero siempre me decía a mí mismo: 'No, no voy a ser uno de esos idiotas que suben al escenario con dos bombos y ni siquiera los tocan'. No hasta que sepa tocarlos. Así que conseguí otro bombo y solía llegar a los ensayos un par de horas antes que los demás y simplemente practicar, ya sabes, sentarme allí haciendo (imita patear con ambos pies) como si corriera, o algo así... Estaba tocando ese riff, intentando coordinarme bien, cuando entraron Eddie y Lemmy, y justo cuando iba a parar, me dijeron: '¡No, no pares! ¡Sigue!'... Y así fue como se escribió Overkill".
La revista Classic Rock Magazine dijo que la producción de Jimmy Miller en el álbum hizo que la banda sonara "claustrofóbica, destrozada, irritable y gloriosamente sucia. Lo cual, por supuesto, era cierto en la vida real".
Joe Petagno, el artista que diseñó la portada comentó lo siguiente sobre la portada del álbum, que, según él, se hizo con prisas porque la banda no lograba contactarlo: "Tuve aproximadamente una semana y media para terminarlo... Pero siempre fue una decepción para mí, personalmente. Debería haber tenido varias capas. Se suponía que debía dar la sensación de que había más, que iba a haber más detalles. En cierto modo, lo hice con lo de Inferno . Me vengué de la nueva trinidad. En cierto modo".
“Overkill” fue un éxito inesperado, alcanzando el puesto número 24 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Muchos lo consideran una gran mejora con respecto al álbum debut de la banda y el disco donde sentaron las bases de su sonido clásico.
AllMusic afirmó que "el emblemático segundo álbum de Motörhead, Overkill, marcó un gran salto adelante para la banda y sigue siendo uno de sus mejores trabajos de todos los tiempos, sin duda. De hecho, algunos fans lo consideran su mejor sencillo, superando incluso a Ace of Spades. Es un álbum feroz, sin duda, que muestra a la perfección el estilo característico de Motörhead: proto-thrash sin límites, una especie de heavy metal con influencias punk, desaliñado y crudo, pero a la vez potente y directo".
En 2005, “Overkill” ocupó el puesto número 340 en el libro de Rock Hard de "Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos".
Sin embargo, también ha sido criticado por ser unidimensional, descuidado y poco hábil.
En su libro de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver calificó el álbum como "una revelación. A día de hoy contiene seis clásicos de todos los tiempos, lo cual es mucho decir viniendo de una banda cuya carrera ha durado 35 años o más".
“Overkill” fue nombrado uno de "Los 25 mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos" en el libro “Sound of the Beast: The Complete Headbanging History of Heavy Metal”, de Ian Christe.
El lanzamiento del disco fue seguido por la gira "Overkill" por el Reino Unido que comenzó el 23 de marzo.
Un sencillo posterior fue lanzado en junio, combinando la canción del álbum "No Class" como la cara A con la canción inédita "Like a Nightmare" en la cara B.
Tuvo peor acogida que el álbum y el sencillo anterior, pero alcanzó el puesto número 61 en la lista de sencillos del Reino Unido.
Durante julio y agosto, salvo un descanso para presentarse en el Festival de Reading, la banda estuvo trabajando en su siguiente álbum, “Bomber”.
Fue lanzado el 12 de octubre de 1979 por Bronze Records, siendo este su segundo álbum con dicho sello.
La banda no tuvo la oportunidad de trabajar las canciones en la carretera, como lo habían hecho con su álbum anterior.
Joel McIver cita al cantante y bajista Lemmy en su libro “Overkill: The Untold Story of Motörhead”: "Ojalá hubiéramos tocado las canciones en directo primero, como hicimos con el álbum Overkill ; si hubiéramos podido tocarlas durante tres semanas de gira, no habrían sido tan pulidas... Escuchen cómo las tocamos en directo y compárenlo con el álbum".
No obstante, “Bomber” alcanzaría el puesto número 12 en la lista de álbumes del Reino Unido, su mejor resultado hasta ese momento.
Durante la grabación de este álbum, Jimmy Miller estaba cada vez más bajo la influencia de la heroína, llegando incluso a desaparecer por completo del estudio y ser encontrado dormido al volante de su coche.
El álbum incluye la primera canción antiheroína de la banda: "Dead Men Tell No Tales".
Miller había producido algunos de los trabajos más aclamados de los Rolling Stones entre 1968 y 1973, pero, tras superar las dificultades de las sesiones de “Goats Head Soup” de 1973, fue despedido.
En el documental “The Guts and the Glory”, el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor se maravilla: "Solíamos pensar que éramos malos para llegar tarde, pero él llegaba con medio día de retraso, o incluso más, ¿sabes?, y sus excusas eran maravillosas".
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy afirma: "Se suponía que 'Overkill' sería una especie de álbum de regreso para Jimmy Miller, y eso fue exactamente lo que resultó ser para él. Se había enganchado mucho a la heroína (lo que probablemente empezó cuando trabajaba con los Stones) y la había perdido durante un par de años... pero meses después, cuando estábamos trabajando con él en ' Bomber', quedó tristemente claro que había vuelto a las drogas".
La banda regresó a los estudios Roundhouse Recording Studios en Londres, con grabaciones adicionales en los estudios Olympic.
Este álbum mostró a Lemmy en su momento más feroz, criticando duramente a la policía en "Lawman", el matrimonio y cómo su padre los abandonó a él y a su madre en "Poison", la televisión en "Talking Head" y el mundo del espectáculo en "All the Aces".
Este álbum es el primero en tener una foto de la banda en la portada, donde aparecen los tres miembros dentro de un avión.
La canción que da título al álbum se inspiró en la novela “Bomber” de Len Deighton.
En una de las canciones, "Step Down", Eddie Clarke participa como vocalista. En sus memorias, Lemmy revela que: "[Clarke] se quejaba de que yo me llevaba todo el protagonismo, pero no hacía nada al respecto. Me harté de sus quejas, así que le dije: 'Vale, vas a cantar una en este disco'... lo odió, pero la verdad es que Eddie era un buen cantante".
Durante la grabación de “Bomber”, Motörhead tocó en el Festival de Reading, compartiendo escenario con otros grupos como The Police y The Tourists.
Adrian Chesterman ilustró la portada del álbum, que muestra a Lemmy, 'Fast' Eddie Clarke y a un Phil 'Philthy Animal' Taylor con los ojos saltones descendiendo desde las cabinas de los artilleros de un bombardero Heinkel 111 durante el Blitz.
Fascinado por la indumentaria militar, Lemmy insistió en que el avión fuera alemán porque: "Los malos hacen las mejores cosas".
Chesterman explica: "Yo sugerí el avión Heinkel. Querían este efecto fotorrealista, así que diseñé la escena con la bomba desprendida que se acerca al espectador".
“Trabajaba con aerógrafo en blanco y negro, al que luego le añadía color”, añade. “Por eso mi trabajo siempre tenía un aspecto tan sombrío. Para conseguir la iluminación adecuada, compré un pequeño kit de Airfix de un Heinkel 111, lo monté y lo pinté de negro”. Después, tomó fotos para captar el reflejo.
Chesterman atendió la llamada un viernes y se reunió con la banda al día siguiente.
“Querían la obra de arte en una semana, así que les propuse reunirnos al mediodía. Creo que no estaban acostumbrados a madrugar, porque todos parecían bastante malhumorados. Phil tenía una lata de cerveza Special Brew en la mano. Las fotos de ellos en el avión eran tan pequeñas que necesitaba fotos tamaño pasaporte, que recorté y pinté. Tuve que hacer que fruncieran el ceño y parecieran estar disparando ametralladoras. Lemmy está frunciendo el labio. Y Phil simplemente tenía esa expresión permanentemente”.
A pesar de que Clarke estaba "un poco cabreado" por su "pelo afeminado", a Motörhead le encantó.
El efecto se completó con un Snaggletooth cromado en el lateral del avión.
Tal fue el impacto de la portada que la banda insistió en usar el ahora famoso sistema de iluminación Bomber para su gira de presentación: una réplica de un Heinkel de 12 metros (40 pies) que se movía de un lado a otro sobre el escenario.
El sencillo "Bomber" entró en las listas de sencillos del Reino Unido el 1 de diciembre de 1979, cinco semanas después del álbum; la tirada inicial del sencillo de 20.000 copias en vinilo azul se agotó rápidamente y fue sustituida por vinilo negro.
El álbum se publicó el 12 de octubre de 1979 y, al igual que el sencillo, se prensó inicialmente en vinilo azul.
Le siguió la gira “Bomber Tour”, para la cual se construyó un "bombardero" de tubo de aluminio de 12 m (40 pies); este tenía cuatro "motores", mientras que el avión representado en la portada del álbum (que se parecía al Heinkel He 111) tenía dos.
Este sistema de iluminación podía moverse hacia adelante y hacia atrás, y de lado a lado, siendo el primero en poder hacerlo.
En “White Line Fever”, Lemmy califica a "Bomber" como "un disco de transición", pero admite que "tiene un par de temas realmente malos, como 'Talking Head'".
En una entrevista de 1980 con Sounds, Clarke comparó el LP desfavorablemente con “Ace of Spades”, afirmando que "Bomber no encajaba. No estaba del todo bien".
Un crítico sugiere que el álbum es bien considerado por los fans y está repleto de temas esenciales de Motörhead, con "Dead Men Tell No Tales", "Stone Dead Forever" y el tema que da título al álbum como canciones de metal "fenomenalmente buenas", añadiendo que, con la excepción de la blusera "Step Down", los temas están llenos del sonido característico de la formación clásica de Lemmy, Clarke y Taylor, con el solo de Clarke en "All the Aces" descrito como "deslumbrante" y Lemmy escupiendo intenciones de "envenenar a su esposa" en la reflexiva "Poison" convirtiéndola en un sonido de brillantez metalera.
Jason Birchmeier de AllMusic escribe: "Hay un par de temazos aquí, concretamente "Dead Men Tell No Tales", "Stone Dead Forever" y "Bomber", pero en general, las canciones de Bomber no son tan buenas como las de Overkill. Claro que esto es un poco irrelevante, ya que Bomber sigue siendo un álbum de primera categoría de Motörhead, uno de los mejores de todos los tiempos, sin duda".
El crítico Kory Stone de Rolling Stone, en una reseña retrospectiva conjunta de “Overkill” y este álbum, lo describe, en términos positivos, como la "hermana más lenta y sucia" del álbum anterior, afirmando además que "demostró que tres músicos podían tocar tan potente como cualquier banda de mayor tamaño".
Y en otro artículo que incluía 20 de las mejores canciones de la banda, "Dead Men Tell No Tales" y la canción que da título al álbum figuran en la lista.
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió: "Algunos piensan que el esfuerzo de escribir dos álbumes increíbles en el espacio de un año fue demasiado para Motörhead en esta etapa temprana, y que Bomber, lanzado en octubre, siete meses después de su predecesor, no podía aspirar a estar a la altura de Overkill".
En junio de 2005 se lanzó una reedición especial en doble CD del álbum, coincidiendo con la gira del 30 aniversario de Motörhead.
Sin embargo, las pistas adicionales del segundo CD ya habían estado disponibles anteriormente.
En 2005, “Bomber” ocupó el puesto número 397 en el libro de la revista Rock Hard, “Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos”.
Durante la gira "Bomber", United Artists recopiló cintas grabadas durante las sesiones de Rockfield Studios en 1975-1976 y las publicó como el álbum “On Parole”, que alcanzó el número 65 en la lista de álbumes del Reino Unido en diciembre.
La grabación estaba pensada como su primer álbum y quedó inédito al completarse en 1976, y no se publicó hasta más de tres años después, en noviembre de 1979, tras el éxito comercial de “Overkill” y “Bomber” ese mismo año.
Se publicó sin el permiso de la banda, y en consecuencia se distanciaron de él.
Como resultado, no fue considerado un lanzamiento oficial por la banda en ese momento y no querían que se publicara, ya que desde entonces habían pasado a otros sellos, primero Chiswick Records y luego Bronze Records.
El LP entró en las listas de éxitos del Reino Unido el 8 de diciembre, donde alcanzó el puesto número 65.
“On Parole” es el único álbum que presenta la formación original de la banda: Lemmy en voz y bajo, Larry Wallis en guitarra y voz, y Lucas Fox en batería.
Cuatro de las canciones que aparecen en “On Parole” se grabaron durante una sola sesión en los estudios Rockfield en Monmouth, Gales, en septiembre de 1975, mientras que el resto se grabaron en diciembre de 1975, con varias sobregrabaciones realizadas en enero y febrero de 1976.
Inicialmente, la banda grabó varias demos con el productor Dave Edmunds en Rockfield, pero el compromiso de Edmunds con el proyecto era cuestionable.
Lemmy le dijo más tarde a Geoff Barton de Sounds: “Dave Edmonds y nosotros nos llevábamos bien, solo que en ese momento estaba negociando un contrato discográfico o algo así y estaba un poco distraído. Esta gente seguía llegando en coches grandes para hablar con él; la mayor parte del tiempo parecía estar en otra parte”.
El cansancio de grabar con un productor poco comprometido también tuvo un efecto perjudicial en Larry Wallis (quien dejó la banda poco después): “Los problemas acabaron arruinando la diversión. Grabar el primer álbum, On Parole , ya fue bastante complicado. Tuvimos que ir a Gales a grabar en Rockfield. Lem llegó un par de días tarde y luego Dave Edmonds se echó atrás en la producción a última hora. Después quitamos las pistas de batería de Lucas y las sustituimos por las de Phil (Taylor). Luego UA hizo que Lemmy grabara de nuevo las pistas de bajo. ¡Y después de todo eso, se negaron a publicarlo! El proyecto ya no parecía merecer la pena. Quería otro guitarrista para completarlo, pero cuando apareció Eddie Clark [sic], quedó claro que él sería el indicado para sustituirme”.
De los temas, tres ("Motörhead", "The Watcher" y "Lost Johnny") eran regrabaciones de canciones que Lemmy había escrito y grabado con Hawkwind (esta última coescrita con Mick Farren), "City Kids" era una regrabación de un tema escrito por Wallis que ya había sido grabado por The Pink Fairies, y "Leaving Here" era una versión de una canción de Motown de Holland-Dozier-Holland que Lemmy había aprendido mientras trabajaba como técnico de sonido para The Birds.
Tal vez concluyendo que la versión de Motörhead nunca vería la luz, Wallis regrabó y lanzó el tema "On Parole" como cara B de su sencillo "Police Car" de Stiff Records en 1977 con dos miembros de Eddie and the Hot Rods (el bajista Paul Gray y el baterista Steve Nicol).
En su autobiografía "White Line Fever", Lemmy menciona haber quedado impresionado por la habilidad de Taylor para grabar baterías adicionales durante las sesiones de “On Parole”, señalando que fue "toda una hazaña, porque la batería es la base de una canción; es como ir al revés".
Por otro lado, Lemmy también recordó el momento en que se dio cuenta de que Taylor no era cantante, comentando que "sonaba como dos gatos unidos con grapas" mientras intentaba cantar "City Kids".
Las letras de "Vibrator" y "Fools" fueron escritas por Derek "Dez" Brown, un miembro del equipo técnico de The Pink Fairies, la banda de Wallis anterior a Motörhead.
Brown dirigió la gira "Live Stiffs" en 1977, que incluyó a la banda de Nick Lowe en el cartel, con Wallis y Edmunds.
Tras escuchar las grabaciones finales, United Artists no se convenció del potencial comercial del álbum y archivó su lanzamiento.
Lemmy recordó sus frustraciones al tratar con la discográfica: “¿Qué demonios está pasando? ¿Cuándo sale el álbum? ¿Cuándo nos van a conseguir conciertos? ¿Qué pasa con lo de conseguirnos una agencia? Lo único que recibíamos eran excusas sobre la portada, las fotos y todo eso. Cuando volvimos de Rockfield con las cintas maestras, claro, nos dijeron: "¡Genial, fantástico!", pero en las semanas siguientes solo hubo excusas y tonterías”.
En su libro “Overkill: The Untold Story of Motorhead”, el biógrafo Joel McIver cita a Lemmy: “En definitiva, los de United Artists eran unos cretinos. Sí, se aprovecharon de nosotros. Ya habíamos sacado el álbum Bomber y éramos famosos. Pero no me importan. Las discográficas son un obstáculo para el rock 'n' roll, no una ayuda. Lo reducen a lo más básico”.
Sin embargo, ya en 1981 Lemmy reconoció el lugar legítimo del álbum en el canon de Motörhead, en las notas del libreto del lanzamiento de Liberty Records: “Lo que tienes en tus manos pequeñas, calientes, pegajosas y codiciosas es la primera evidencia de algo llamado Motörhead. [...] La mayoría de las canciones estaban mejor grabadas en el álbum "MOTÖRHEAD". Sin embargo, es parte de la historia. Así que ahí lo tienes”.
Dave Thompson de AllMusic describe los arreglos del LP como "devastadores, impregnados de blues, empapados de alcohol, el pub rock más enérgico de todos. Por mucho que creas conocer a Motörhead, no se parece en nada a lo que esperas. Una auténtica sinfonía sonora, es como Wagner con un toque de locura".
El 8 de mayo de 1980, mientras la banda estaba de gira por Europa, Bronze lanzó “The Golden Years”, la primera grabación en directo de la banda, que alcanzó el puesto número 8 en las listas de éxitos del Reino Unido en aquel momento. Sin embargo, la banda había preferido el título “Flying Tonight”, en referencia al sistema de iluminación Bomber.
Hubo una clara falta de difusión radiofónica para el sencillo; las emisoras de radio alegaban que las voces estaban demasiado bajas en la mezcla, así que después de remezclar las cintas se lanzó un sencillo de 7" (nuevo número de catálogo BRO92DJ) a las emisoras de radio con solo "Leaving Here" en la cara A y "Stone Dead Forever" en la cara B.
Fue grabado durante su gira europea de 1980, la misma gira que el tema "Iron Horse / Born to Lose" del álbum en directo de 1981 “No Sleep 'til Hammersmith”, del cual también se desconoce en qué lugar se grabaron estos temas.
A pesar de la falta de difusión radiofónica, el 1 de mayo de 1980 la banda logró aparecer en el programa semanal de listas de éxitos de la BBC, Top of the Pops, para promocionar su próximo lanzamiento.
El líder Lemmy recuerda en su autobiografía, “White Line Fever”, que "las canciones estaban bastante mal grabadas, pero el disco entró en las listas".
La edición estándar original de este EP fue en vinilo de 7" y 12" (Bronze Records), aunque algunos fallos en el control de calidad permitieron que varias copias del sencillo de 7" reprodujeran a Kate Bush en la cara A.
Las ediciones alemana y holandesa fueron sencillos de 7" prensados en el centro de la máquina de discos y titulados "Lochem POP '80" como publicidad de su próxima actuación en el Festival de Lochem, Países Bajos, el 15 de mayo de 1980.
Las copias de la versión de 12 pulgadas del EP venían incluidas con las primeras ediciones de la versión de 12 pulgadas del sencillo “Shine” del álbum “Another Perfect Day” de 1983.
"Leaving Here" y "Too Late, Too Late" se incluyeron en el álbum recopilatorio “No Remorse” de septiembre de 1984, el último álbum de estudio lanzado con Bronze Records después de que su contrato con el sello expirara; más de un año después de que su álbum de estudio anterior, “Another Perfect Day”, fuera lanzado en junio de 1983.
Fue parte de la compilación de edición limitada de 10.000 cajas de Castle Records – “Born to Lose, Live to Win: The Bronze Singles 1978-1983” – lanzada en 1999 que incluía 10 CD que cubrían los sencillos lanzados por Bronze durante los años en que Motörhead estuvo bajo su sello.
Este EP está disponible como pistas adicionales en el álbum de la banda de 1979, “Bomber”, reeditado en 1996 por Castle Communications y en 2005 por Sanctuary Records como parte de sus reediciones de lujo remasterizadas en 2 CD.
Eduardo Rivadavia de AllMusic afirma que “The Golden Years” "captura toda la energía desenfrenada y el poder devastador de la formación clásica de la banda con Lemmy, "Fast" Eddie Clarke y Phil Taylor en la cima de su poder".
El 20 de agosto, la banda tuvo un espacio filmado de 40 minutos, junto con los 20 minutos de Girlschool actuando en vivo en el Nottingham Theatre Royal para el programa Rockstage, transmitido por la televisión británica por ATV el 4 de abril de 1981.
Durante agosto y septiembre de 1980, la banda estuvo en los estudios Jackson en Rickmansworth, grabando con el productor Vic Maile.
El sencillo "Ace of Spades" se lanzó el 27 de octubre de 1980 como adelanto del álbum “Ace of Spades”, que salió el 8 de noviembre.
El sencillo alcanzó el puesto número 15 y el álbum el número 4 en las listas del Reino Unido, siendo este último la posición más alta en la historia de la banda.
Bronze celebró su disco de oro lanzando una edición limitada del álbum en vinilo dorado.
Motörhead grabó “Ace of Spades” con Vic Maile en los estudios Jackson en Rickmansworth en agosto y septiembre de 1980.
Maile, que había trabajado con figuras como Jimi Hendrix, Led Zeppelin y The Who, se había cruzado con Lemmy cuando este era miembro de Hawkwind.
El bajista recuerda en sus memorias de 2002, “White Line Fever”: “Solía tener un estudio móvil; Hawkwind lo alquiló para grabar Space Ritual y él vino con él... Vic era un gran hombre y un gran productor, realmente brillante... Fueron buenos tiempos; estábamos ganando, éramos más jóvenes y lo creíamos”.
Como observa Steffan Chirazi en las notas del libreto de la reedición de 1996 de “Ace of Spades”: “Vic Maile, al frente de la producción, utilizó su oído experto para trasladar al vinilo el monstruoso sonido y la energía de los conciertos en directo de la banda”.
Maile, a quien la banda apodaba cariñosamente "Tortuga" (por su parecido con el reptil), fue fundamental para darle a Motörhead un sonido más pulido en el disco sin sacrificar su potencia bruta.
De baja estatura y voz suave, Maile estaba bien preparado para lidiar con el trío, que era conocido por sus disputas internas y su carácter generalmente incontrolable.
En el documental “The Guts and the Glory”, el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor recuerda: “Aunque estuviera enfadado, lo estaba de esta manera: (adopta un tono suave) 'No se supone que debáis hacerlo así', o 'Dejad de hacer eso, chicos'". Lemmy coincide: "Vic era genial. Fue el primero que nos dijo que éramos todos unos cabrones y que teníamos que trabajar más duro. Tenía una personalidad muy seca: '¿De verdad es ese el mejor tiro que tenéis?'".
En 2015, Clarke recordó a John Robinson de Uncut: “No bebía, no fumaba y era muy delicado porque era diabético . Tenía que tomarse su Ryvita a las seis. No podíamos ser bruscos con él, no podíamos sacudirlo, ¿entiendes? ¡Podría morir! Así que teníamos que escucharlo”.
Si bien la banda había participado previamente en la etapa de mezcla, Maile asumió la responsabilidad exclusiva en esta ocasión, y Clarke explicó que el resultado fue que "por fin se puede escuchar todo lo que está sucediendo".
Sobre las interpretaciones, Lemmy afirmó: "Vic me hizo cantar en lugar de solo gritar todo el tiempo", mientras que Taylor agregó: "y me hizo tocar con más solidez".
El álbum incluye algunas de las canciones más populares de la banda, como "The Chase Is Better Than the Catch", "(We Are) the Road Crew" y el exitoso sencillo "Ace of Spades", que alcanzó el puesto número 15 en la lista de sencillos del Reino Unido.
En su autobiografía, “White Line Fever”, Lemmy habla extensamente sobre la canción: “Usé metáforas de juegos de azar, sobre todo cartas y dados; cuando se trata de ese tipo de cosas, en realidad me gustan más las máquinas tragamonedas, pero no puedes cantar sobre frutas girando y ruedas cayendo. La mayor parte de la canción es simplemente póker, en realidad sé que tienes que verme, leerlos y llorar, la mano del muerto otra vez, ases y ochos - esa era la mano de Wild Bill Hickock cuando le dispararon. Para ser honesto, aunque "Ace of Spades" es una buena canción, ya estoy harto de ella. Dos décadas después, cuando la gente piensa en Motörhead, piensa en "Ace of Spades". No nos fosilizamos después de ese disco, ¿sabes? Hemos tenido bastantes buenos lanzamientos desde entonces. Pero los fans quieren escucharla, así que todavía la tocamos todas las noches. En lo personal, ya he tenido suficiente de esa canción”.
En 2011, Lemmy admitió ante James McNair de Mojo: “Me alegra que nos hayamos hecho famosos por eso y no por algún pavo, pero canté "El ocho de espadas" durante dos años y nadie se dio cuenta”.
La canción "(We Are) the Road Crew" fue escrita como un homenaje a los técnicos de gira de la banda.
En el documental de 2004 de Classic Albums sobre la creación del álbum, el guitarrista "Fast" Eddie Clarke declara: “Eran un buen equipo y estaban orgullosos de su calidad. Los pondría a competir con cualquier equipo del mundo”.
En la misma película, Lemmy, recuerda que escribió la canción "en diez minutos" y que cuando el roadie Ian "Eagle" Dobbie la escuchó, "se le escapó una lágrima".
Muchas de las canciones, como "Love Me Like a Reptile", "The Chase Is Better Than the Catch" y "Jailbait", hacen referencia explícita al sexo, lo que provocó la ira de algunos críticos y feministas.
Clarke explicó a Classic Albums en 2005: “En realidad, solo nos considerábamos una banda de rock 'n' roll para pasarlo bien... Pero no intentábamos transmitir ningún mensaje, aparte de divertirnos, ¿sabes?: emborracharnos, fumarnos un porro y follarnos a una tía. Y con eso bastaba”.
Motörhead apareció dos veces en Top of the Pops en octubre para promocionar el sencillo "Ace of Spades", y fueron invitados al programa matutino infantil de ITV, Tiswas, el 8 de noviembre.
La banda realizó una gira por el Reino Unido del 22 de octubre al 2 de diciembre bajo el nombre de “Ace Up Your Sleeve”, con Girlschool y Vardis como teloneros.
Después del concierto en Belfast el 2 de diciembre, una serie de incidentes provocaron que Taylor se rompiera el cuello, lo que le obligó a usar un collarín y a interrumpir cualquier otra actividad de la banda.
Los demás miembros de la banda aprovecharon la oportunidad para colaborar con Girlschool en el EP “St. Valentine's Day Massacre”.
Al igual que la canción "Shoot You in the Back", la portada de “Ace of Spades” emplea un motivo clásico del salvaje oeste.
Originalmente, la idea para la portada del álbum era que tuviera un tono sepia y mostrara pistoleros en una mesa de cartas, pero la banda lo descartó y en su lugar, decidieron aparecer en el desierto vestidos de vaqueros.
Las fotos con estilo de desierto de Arizona utilizadas en la portada del álbum y el programa de la gira fueron tomadas durante una sesión fotográfica en una cantera de arena en Barnet.
Cada uno de sus trajes de vaquero se basó en un tipo diferente de protagonista del Oeste.
El de Eddie se basó en el personaje de Clint Eastwood, “El hombre sin nombre” de la “Trilogía del dólar”. El traje de Phil se basó en el personaje de Marlon Brando, Rio, en “One-Eyed Jacks”. Phil afirmó que el traje de Lemmy se inspiró en Bret Maverick de la serie de televisión “Maverick”.
Contrariamente a la creencia popular, el cielo no era real y fue retocado digitalmente debido a que estaba muy nublado ese día.
El álbum ha sido descrito como "uno de los mejores álbumes de metal de cualquier banda, de todos los tiempos" y un "clásico del hard rock" significativamente influyente.
Robert Christgau afirmó: "Los punks nunca se han creído su chaqueta de cuero y sus conexiones indie porque el rockero curtido y nacido para el rock de Lemmy Kilmister es metal sin lo pesado: sin solos presumidos ni tonterías pretenciosas. Recomiendo la parte donde promete tener sexo rápido y desinhibido con su último receptáculo tan pronto como termine la canción sobre él (no con ella, por supuesto que no), y noten que su escritura es más monótona de lo necesario, ingenio y todo: follar por el simple placer de hacerlo puede enfurecer a cualquiera, y follar sin melodía por el simple placer de hacerlo es realmente inútil".
AllMusic lo llama "sólido como una roca, con varios temas superlativos destacados" e insiste en que "merece con razón su legado como un clásico".
Sid Smith, de BBC Music, expresó con entusiasmo en 2007: “Cuando Lemmy canta la letra de “(We Are) The Road Crew”, suena como un veterano curtido que lo ha vivido todo y ha vuelto a por más... Si alguna vez una pieza musical fue un manifiesto para los locos, los malos y los peligrosos, entonces la canción que da título al álbum lo es. Impenitente y llena de infierno, no hay ni una sola nota fuera de lugar”.
A pesar de que la banda siempre se refirió a su música como rock 'n' roll, el álbum, y en particular su tema principal, han sido considerados entre los más influyentes en el desarrollo del thrash metal. El tema principal es, para muchos, el himno definitivo de Motörhead.
El álbum aparece en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En 2020, ocupó el puesto 408 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone.
El 28 de marzo de 2005, Eagle Vision lanzó en DVD el documental sobre el álbum (parte de la serie "Classic Albums"). Este análisis exhaustivo de la creación del álbum incluye entrevistas y actuaciones de Lemmy, Phil Taylor y Eddie Clarke.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Lemmy Kilmister (Segunda parte)
Como ya hemos comentado antes, en mayo de 1975, durante una gira por Norteamérica, Lemmy fue arrestado en la frontera canadiense en Windsor, Ontario, por cargos de posesión de drogas.
La policía fronteriza confundió la anfetamina que portaba con cocaína y pasó la noche en la cárcel antes de ser liberado sin cargos.
La banda y su equipo de gestión temían que su arresto pudiera impedirles regresar a Estados Unidos, a pesar de haber sido liberado sin cargos.
También estaban cansados de lo que consideraban su comportamiento errático, así que decidieron despedirlo.
En una ocasión dijo sobre Hawkwind: “Me gustaba estar en Hawkwind, y creo que seguiría tocando con ellos hoy si no me hubieran echado. Era divertido en el escenario, no tanto fuera de él. No querían congeniar conmigo. Musicalmente, me encantaban el batería y el guitarrista. Era una gran banda”.
Ahora solo, Lemmy decidió formar una nueva banda. Lemmy quería que la música fuera "rápida y feroz, como la de MC5".
Su objetivo declarado era "concentrarse en música muy básica: rock n roll ruidoso, rápido, urbano, estridente, arrogante, paranoico y speed freak... será tan ruidoso que, si nos mudamos al lado de tu casa, tu césped morirá".
Reclutó al guitarrista Larry Wallis (antes de Pink Fairies, Shagrat y UFO) por recomendación de Mick Farren, basándose en el trabajo de Wallis con la banda de Steve Peregrin Took, Shagrat, y a Lucas Fox en la batería.
Según Lemmy, el primer ensayo de la banda fue en los ahora desaparecidos estudios de ensayo Sound Management, en Kings Road, Chelsea, en 1975.
Sound Management alquiló el sótano de la tienda de muebles The Furniture Cave, ubicada en la adyacente Lots Road.
Kilmister ha dicho que solían robar equipo, ya que la banda tenía poco material.
Su primer compromiso fue como teloneros de Greenslade en The Roundhouse, Londres, el 20 de julio de 1975.
El 19 de octubre, después de haber tocado en 10 conciertos, se convirtieron en teloneros de Blue Öyster Cult en el Hammersmith Odeon.
Al principio la banda se llamaba Bastard pero, cuando su mánager le informó que una banda llamada Bastard jamás conseguiría un espacio en Top of the Pops, Lemmy cambió el nombre de la banda a Motörhead, el título de la última canción que había escrito para Hawkwind.
La banda fue contratada por United Artists a través de Andrew Lauder, el director artístico de Hawkwind, la banda anterior de Lemmy.
Grabaron sesiones en los estudios Rockfield en Monmouth con el productor Dave Edmunds, durante las cuales Fox demostró ser poco confiable y fue reemplazado por el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor, un conocido casual de Lemmy.
Su sello discográfico no quedó satisfecho con el material y se negó a publicarlo, aunque posteriormente se lanzó como “On Parole” en 1979 después de que la banda hubiera alcanzado cierto éxito.
En marzo de 1976, decidiendo que necesitaban dos guitarristas, la banda audicionó a un conocido del baterista Taylor llamado "Fast" Eddie Clarke.
Wallis, que seguía de gira con una reformada Pink Fairies, renunció inmediatamente después de las audiciones y Clarke se quedó como único guitarrista.
Este trío de Lemmy/Clarke/Taylor es considerado hoy como la formación "clásica" de Motörhead.
En diciembre, la banda grabó la composición de Holland–Dozier–Holland "Leaving Here" para el sello pionero del punk rock y el pub rock, Stiff Records, pero United Artists intervino para impedir su lanzamiento general ya que la banda aún tenía contrato con ellos, a pesar de la negativa del sello a publicar su álbum debut.
Las reacciones iniciales a la banda habían sido desfavorables; ganaron una encuesta como "la mejor peor banda del mundo" en la revista musical NME.
En abril de 1977, viviendo en okupas y con poco reconocimiento, Taylor y Clarke decidieron dejar la banda.
Al percibir que la joven banda tenía escasas perspectivas de éxito, Motörhead decidió disolverse después de dar un último concierto en el Marquee Club de Londres en abril de 1977.
Ted Carroll, fundador del incipiente sello Chiswick Records, conocía bien a Lemmy de su tienda de discos de vinilo de 45 rpm en Londres, de la cual Lemmy era un cliente frecuente.
Carroll decidió darle un respiro a la banda y organizó lo que se planeaba que fuera su última actuación en el Marquee el 1 de abril de 1977.
Se tomó la decisión de grabar el concierto. Como recuerda Clarke en el documental “The Guts and the Glory”: "Iba a ser nuestro concierto de despedida. Dije: 'Al menos consigamos una unidad móvil para grabar el año y medio que llevamos juntos y pongamos algo en la cinta, ¿sabes?'. El problema con el Marquee era que pedían 500 libras por grabar allí. Bueno, eso era impensable en aquellos tiempos".
Considerando que la banda ya había superado suficientes adversidades, Carroll les ofreció dos días de estudio en Escape Studios en Kent, Inglaterra, para grabar un sencillo con el productor John "Speedy" Keen.
Como Clarke le explicó a John Robinson de Uncut en 2015, la banda terminó el concierto en el Marquee y se dirigió directamente al estudio en Kent para un fin de semana de grabación.
"Eso fue el viernes por la noche, así que teníamos todo el sábado y el domingo por delante. Llevábamos un año tocando estas canciones, así que pensamos: '¡Qué demonios!, podemos grabar un disco'. En unas horas ya teníamos todas las pistas instrumentales listas. Grabamos las voces. Un poco más de velocidad, añadimos más guitarras. Unas cuantas cervezas más... estábamos que echamos humo. El sábado por la noche, ya casi lo habíamos terminado".
Debido al tiempo de estudio muy limitado que se le concedió a la banda, se tomó la decisión de regrabar el álbum inédito de United Artists casi en su totalidad; solo "Fools" y "Leaving Here" no se regrabaron en las sesiones de Kent.
Además, se agregaron dos nuevas composiciones propias, "White Line Fever" y "Keep Us on the Road", así como una versión de "Train Kept A-Rollin" de Tiny Bradshaw.
Tres pistas del álbum fueron compuestas por Lemmy mientras aún era miembro de Hawkwind, "Motorhead", "Lost Johnny" y "The Watcher", esta última una pieza acústica psicodélica.
Al igual que el nombre de la banda, la canción "Motorhead" hace referencia al speed (la droga preferida de Lemmy en ese momento) y se lanzó junto con el tema "City Kids" (una composición de Larry Wallis de la época de Pink Fairies), que no formaba parte del álbum, como sencillos de 7" y 12".
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy recuerda haber trabajado con el productor Speedy Keen y el ingeniero John Burns, y los desafíos derivados de la falta de tiempo: "(Ellos) estaban como locos porque no podían permitirse el lujo de dormir; no tenían tiempo y querían hacer un álbum tanto como nosotros. ¡Solo mezclaron veinticuatro versiones de Motörhead!".
Los miembros de la banda no quedaron nada satisfechos con el resultado final, y el guitarrista Clarke se refirió al sonido confuso del álbum como "bastante espantoso".
Cuatro temas restantes de la sesión se archivaron hasta 1980, cuando se publicaron como el EP “Beer Drinkers and Hell Raisers”.
En sus memorias, Lemmy señaló: "Una vez más, era momento de sacar provecho, al menos para las discográficas. ¡Desde entonces, nunca he grabado más de lo necesario! Dicho esto, no le guardo rencor a Ted Carroll por eso; él salvó a mi banda".
La cara B y las pistas del EP se añadieron posteriormente como material extra en la edición en CD.
La carátula del disco presentaba el debut de Snaggletooth, el "Cerdo de Guerra", el rostro con colmillos que se convertiría en un ícono de la banda y aparecería en la mayoría de las portadas de sus álbumes.
Snaggletooth fue creado por el artista Joe Petagno, quien anteriormente había trabajado con Storm Thorgerson de Hipgnosis y había diseñado el logotipo de Swan Song Records para Led Zeppelin.
Según su creador, Snaggletooth representa una combinación de un cráneo de oso, lobo y perro con colmillos de jabalí.
La portada original del álbum de Motörhead contenía una esvástica en la punta del casco, aunque fue eliminada de las copias posteriores del disco.
La funda interior incluía fotografías antiguas y nuevas de la banda y sus amigos, tomadas por su amiga de toda la vida, Motorcycle Irene, quien tomó la mayoría de las fotos de Motörhead en los años 70, además de cartas de agradecimiento de Lemmy, Eddie y Phil.
Los anuncios del álbum, el sencillo y la gira llevaban las palabras "¡Atención! Esta banda no toma prisioneros".
Alex Ogg de AllMusic escribió: "Aunque solo tuvo un éxito moderado en las listas, Motörhead patentó el estilo del grupo: la voz áspera de Lemmy sobre una arrolladora base de guitarra, bajo y batería... no es de extrañar que les gustaran a los punks".
Muchos críticos han señalado que el álbum no es tan pulido como trabajos posteriores como “Bomber” y “Ace of Spades”.
Al evaluar el álbum y su primer sencillo en 2011, el biógrafo Joel McIver afirmó: "con la perspectiva que da el tiempo, es evidente que ninguno de los dos se acerca a capturar el fascinante sonido en vivo del grupo".
Kris Needs de Loudersound elogia el álbum, diciendo: "Aunque el sonido de montaña rusa puede ser irregular y The Watcher sigue arraigado en el space rock del oeste de Londres, Motörhead sigue sonando como la furia kamikaze de hombres desesperados a quienes se les concede una última oportunidad, abriéndose paso a través de una carnicería impulsada por la velocidad para arrebatar el triunfo del olvido".
“Motörhead” fue lanzado el 12 de agosto de 1977 por el sello de pub rock y punk rock Chiswick Records, permaneciendo una semana en la lista de álbumes del Reino Unido en el puesto número 43, siendo uno de los primeros lanzamientos del sello y el único de la banda bajo Chiswick.
La banda realizó una gira por el Reino Unido como teloneros de Hawkwind en junio, y desde finales de julio comenzaron la gira "Beyond the Threshold of Pain Tour" con Count Bishops, una banda que estaba ganando cierta popularidad en la escena temprana del punk rock y el pub rock.
En agosto, Tony Secunda asumió la dirección de la banda, y su cohesión se volvió tan inestable que en marzo de 1978, Clarke y Taylor formaron y actuaron como The Muggers con Speedy Keen y Billy Rath de la banda punk estadounidense The Heartbreakers.
En julio de 1978, la banda volvió a la gestión de Douglas Smith, quien consiguió un contrato único para sencillos con Bronze Records de Gerry Bron.
El sencillo resultante "Louie Louie" (una versión de un estándar de Richard Berry y The Kingsmen) se publicó en septiembre, alcanzando el puesto número 68 en la lista de sencillos del Reino Unido, y la banda realizó una gira por el Reino Unido para promocionarlo, grabó una sesión de John Peel en BBC Radio 1 el 18 de septiembre (estas pistas se publicaron posteriormente en el álbum “BBC Live & In-Session” de 2005) y apareció por primera vez en Top of the Pops de BBC Television el 25 de octubre.
El sello de pub rock y punk rock temprano Chiswick Records capitalizó este nuevo nivel de éxito reeditando el álbum debut “Motörhead” en vinilo blanco a través de EMI Records.
En el documental de Classic Albums sobre la creación de “Ace of Spades”, Gerry Bron de Bronze Records admite: "La primera vez que escuché a Motörhead fue cuando oí un sencillo que publiqué sin haberlo escuchado antes, que es "Louie Louie", y cuando lo oí me quedé horrorizado. Pensé que era el peor disco que jamás había escuchado, así que fue un shock. El mayor shock fue que, habiendo publicado un disco que yo consideraba terrible, entró directamente en las listas de éxitos en el puesto número 72. Pero en realidad publiqué el disco como un favor".
Las ventas del sencillo le brindaron a la banda su primera aparición en el programa Top of the Pops de la BBC Television, lo que le dio a Bronze la confianza para que la banda volviera al estudio a grabar un segundo álbum.
En el libro de 2011 “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver cita al guitarrista "Fast" Eddie Clarke: "Para cuando Overkill surgió en 1978 , habíamos tenido tantos comienzos fallidos y decepciones que habíamos acumulado mucha energía e ideas, y solo estábamos esperando la oportunidad de demostrar de lo que éramos capaces. Además, teníamos una gran base de seguidores, y siempre sentimos que teníamos una deuda con los fans que nos habían acompañado desde el principio".
En una conversación con James McNair de Mojo en 2011, el líder Lemmy coincidió: "[...] para cuando salió Overkill ya estábamos definiendo nuestro sonido".
Una muestra de lo que la banda había grabado para el álbum llegó el 9 de marzo de 1979 cuando la banda tocó "Overkill" en Top of the Pops para apoyar el lanzamiento del sencillo antes del álbum “Overkill”, que se lanzó el 24 de marzo.
“Overkill” fue coproducido por el legendario productor Jimmy Miller, quien anteriormente había trabajado con Traffic y los Rolling Stones, y grabado en Roundhouse Recording Studios y Sound Development Studios en Londres.
"Damage Case" fue coescrita por la banda y Mick Farren de The Deviants.
En su autobiografía "White Line Fever", Lemmy afirma que escribió la letra de "Metropolis" "en cinco minutos" después de ver la película del mismo nombre en el Electric Cinema de Portebello Road, y también afirma que siempre quiso que Tina Turner grabara "I'll Be Your Sister", insistiendo: “Me gusta escribir canciones para mujeres. De hecho, he escrito canciones con mujeres. Algunas facciones de feministas radicales y frígidas (de esas que quieren cambiar la palabra 'alcantarilla' por 'agujero de persona', ese tipo de tonterías) me han llamado sexista, pero no tienen ni idea de lo que hablan".
El tema principal destaca por el uso de dos bombos por parte de Phil "Philthy Animal" Taylor.
En el documental “The Guts and the Glory”, el baterista recuerda: "Siempre quise tocar dos bombos, pero siempre me decía a mí mismo: 'No, no voy a ser uno de esos idiotas que suben al escenario con dos bombos y ni siquiera los tocan'. No hasta que sepa tocarlos. Así que conseguí otro bombo y solía llegar a los ensayos un par de horas antes que los demás y simplemente practicar, ya sabes, sentarme allí haciendo (imita patear con ambos pies) como si corriera, o algo así... Estaba tocando ese riff, intentando coordinarme bien, cuando entraron Eddie y Lemmy, y justo cuando iba a parar, me dijeron: '¡No, no pares! ¡Sigue!'... Y así fue como se escribió Overkill".
La revista Classic Rock Magazine dijo que la producción de Jimmy Miller en el álbum hizo que la banda sonara "claustrofóbica, destrozada, irritable y gloriosamente sucia. Lo cual, por supuesto, era cierto en la vida real".
Joe Petagno, el artista que diseñó la portada comentó lo siguiente sobre la portada del álbum, que, según él, se hizo con prisas porque la banda no lograba contactarlo: "Tuve aproximadamente una semana y media para terminarlo... Pero siempre fue una decepción para mí, personalmente. Debería haber tenido varias capas. Se suponía que debía dar la sensación de que había más, que iba a haber más detalles. En cierto modo, lo hice con lo de Inferno . Me vengué de la nueva trinidad. En cierto modo".
“Overkill” fue un éxito inesperado, alcanzando el puesto número 24 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Muchos lo consideran una gran mejora con respecto al álbum debut de la banda y el disco donde sentaron las bases de su sonido clásico.
AllMusic afirmó que "el emblemático segundo álbum de Motörhead, Overkill, marcó un gran salto adelante para la banda y sigue siendo uno de sus mejores trabajos de todos los tiempos, sin duda. De hecho, algunos fans lo consideran su mejor sencillo, superando incluso a Ace of Spades. Es un álbum feroz, sin duda, que muestra a la perfección el estilo característico de Motörhead: proto-thrash sin límites, una especie de heavy metal con influencias punk, desaliñado y crudo, pero a la vez potente y directo".
En 2005, “Overkill” ocupó el puesto número 340 en el libro de Rock Hard de "Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos".
Sin embargo, también ha sido criticado por ser unidimensional, descuidado y poco hábil.
En su libro de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver calificó el álbum como "una revelación. A día de hoy contiene seis clásicos de todos los tiempos, lo cual es mucho decir viniendo de una banda cuya carrera ha durado 35 años o más".
“Overkill” fue nombrado uno de "Los 25 mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos" en el libro “Sound of the Beast: The Complete Headbanging History of Heavy Metal”, de Ian Christe.
El lanzamiento del disco fue seguido por la gira "Overkill" por el Reino Unido que comenzó el 23 de marzo.
Un sencillo posterior fue lanzado en junio, combinando la canción del álbum "No Class" como la cara A con la canción inédita "Like a Nightmare" en la cara B.
Tuvo peor acogida que el álbum y el sencillo anterior, pero alcanzó el puesto número 61 en la lista de sencillos del Reino Unido.
Durante julio y agosto, salvo un descanso para presentarse en el Festival de Reading, la banda estuvo trabajando en su siguiente álbum, “Bomber”.
Fue lanzado el 12 de octubre de 1979 por Bronze Records, siendo este su segundo álbum con dicho sello.
La banda no tuvo la oportunidad de trabajar las canciones en la carretera, como lo habían hecho con su álbum anterior.
Joel McIver cita al cantante y bajista Lemmy en su libro “Overkill: The Untold Story of Motörhead”: "Ojalá hubiéramos tocado las canciones en directo primero, como hicimos con el álbum Overkill ; si hubiéramos podido tocarlas durante tres semanas de gira, no habrían sido tan pulidas... Escuchen cómo las tocamos en directo y compárenlo con el álbum".
No obstante, “Bomber” alcanzaría el puesto número 12 en la lista de álbumes del Reino Unido, su mejor resultado hasta ese momento.
Durante la grabación de este álbum, Jimmy Miller estaba cada vez más bajo la influencia de la heroína, llegando incluso a desaparecer por completo del estudio y ser encontrado dormido al volante de su coche.
El álbum incluye la primera canción antiheroína de la banda: "Dead Men Tell No Tales".
Miller había producido algunos de los trabajos más aclamados de los Rolling Stones entre 1968 y 1973, pero, tras superar las dificultades de las sesiones de “Goats Head Soup” de 1973, fue despedido.
En el documental “The Guts and the Glory”, el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor se maravilla: "Solíamos pensar que éramos malos para llegar tarde, pero él llegaba con medio día de retraso, o incluso más, ¿sabes?, y sus excusas eran maravillosas".
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy afirma: "Se suponía que 'Overkill' sería una especie de álbum de regreso para Jimmy Miller, y eso fue exactamente lo que resultó ser para él. Se había enganchado mucho a la heroína (lo que probablemente empezó cuando trabajaba con los Stones) y la había perdido durante un par de años... pero meses después, cuando estábamos trabajando con él en ' Bomber', quedó tristemente claro que había vuelto a las drogas".
La banda regresó a los estudios Roundhouse Recording Studios en Londres, con grabaciones adicionales en los estudios Olympic.
Este álbum mostró a Lemmy en su momento más feroz, criticando duramente a la policía en "Lawman", el matrimonio y cómo su padre los abandonó a él y a su madre en "Poison", la televisión en "Talking Head" y el mundo del espectáculo en "All the Aces".
Este álbum es el primero en tener una foto de la banda en la portada, donde aparecen los tres miembros dentro de un avión.
La canción que da título al álbum se inspiró en la novela “Bomber” de Len Deighton.
En una de las canciones, "Step Down", Eddie Clarke participa como vocalista. En sus memorias, Lemmy revela que: "[Clarke] se quejaba de que yo me llevaba todo el protagonismo, pero no hacía nada al respecto. Me harté de sus quejas, así que le dije: 'Vale, vas a cantar una en este disco'... lo odió, pero la verdad es que Eddie era un buen cantante".
Durante la grabación de “Bomber”, Motörhead tocó en el Festival de Reading, compartiendo escenario con otros grupos como The Police y The Tourists.
Adrian Chesterman ilustró la portada del álbum, que muestra a Lemmy, 'Fast' Eddie Clarke y a un Phil 'Philthy Animal' Taylor con los ojos saltones descendiendo desde las cabinas de los artilleros de un bombardero Heinkel 111 durante el Blitz.
Fascinado por la indumentaria militar, Lemmy insistió en que el avión fuera alemán porque: "Los malos hacen las mejores cosas".
Chesterman explica: "Yo sugerí el avión Heinkel. Querían este efecto fotorrealista, así que diseñé la escena con la bomba desprendida que se acerca al espectador".
“Trabajaba con aerógrafo en blanco y negro, al que luego le añadía color”, añade. “Por eso mi trabajo siempre tenía un aspecto tan sombrío. Para conseguir la iluminación adecuada, compré un pequeño kit de Airfix de un Heinkel 111, lo monté y lo pinté de negro”. Después, tomó fotos para captar el reflejo.
Chesterman atendió la llamada un viernes y se reunió con la banda al día siguiente.
“Querían la obra de arte en una semana, así que les propuse reunirnos al mediodía. Creo que no estaban acostumbrados a madrugar, porque todos parecían bastante malhumorados. Phil tenía una lata de cerveza Special Brew en la mano. Las fotos de ellos en el avión eran tan pequeñas que necesitaba fotos tamaño pasaporte, que recorté y pinté. Tuve que hacer que fruncieran el ceño y parecieran estar disparando ametralladoras. Lemmy está frunciendo el labio. Y Phil simplemente tenía esa expresión permanentemente”.
A pesar de que Clarke estaba "un poco cabreado" por su "pelo afeminado", a Motörhead le encantó.
El efecto se completó con un Snaggletooth cromado en el lateral del avión.
Tal fue el impacto de la portada que la banda insistió en usar el ahora famoso sistema de iluminación Bomber para su gira de presentación: una réplica de un Heinkel de 12 metros (40 pies) que se movía de un lado a otro sobre el escenario.
El sencillo "Bomber" entró en las listas de sencillos del Reino Unido el 1 de diciembre de 1979, cinco semanas después del álbum; la tirada inicial del sencillo de 20.000 copias en vinilo azul se agotó rápidamente y fue sustituida por vinilo negro.
El álbum se publicó el 12 de octubre de 1979 y, al igual que el sencillo, se prensó inicialmente en vinilo azul.
Le siguió la gira “Bomber Tour”, para la cual se construyó un "bombardero" de tubo de aluminio de 12 m (40 pies); este tenía cuatro "motores", mientras que el avión representado en la portada del álbum (que se parecía al Heinkel He 111) tenía dos.
Este sistema de iluminación podía moverse hacia adelante y hacia atrás, y de lado a lado, siendo el primero en poder hacerlo.
En “White Line Fever”, Lemmy califica a "Bomber" como "un disco de transición", pero admite que "tiene un par de temas realmente malos, como 'Talking Head'".
En una entrevista de 1980 con Sounds, Clarke comparó el LP desfavorablemente con “Ace of Spades”, afirmando que "Bomber no encajaba. No estaba del todo bien".
Un crítico sugiere que el álbum es bien considerado por los fans y está repleto de temas esenciales de Motörhead, con "Dead Men Tell No Tales", "Stone Dead Forever" y el tema que da título al álbum como canciones de metal "fenomenalmente buenas", añadiendo que, con la excepción de la blusera "Step Down", los temas están llenos del sonido característico de la formación clásica de Lemmy, Clarke y Taylor, con el solo de Clarke en "All the Aces" descrito como "deslumbrante" y Lemmy escupiendo intenciones de "envenenar a su esposa" en la reflexiva "Poison" convirtiéndola en un sonido de brillantez metalera.
Jason Birchmeier de AllMusic escribe: "Hay un par de temazos aquí, concretamente "Dead Men Tell No Tales", "Stone Dead Forever" y "Bomber", pero en general, las canciones de Bomber no son tan buenas como las de Overkill. Claro que esto es un poco irrelevante, ya que Bomber sigue siendo un álbum de primera categoría de Motörhead, uno de los mejores de todos los tiempos, sin duda".
El crítico Kory Stone de Rolling Stone, en una reseña retrospectiva conjunta de “Overkill” y este álbum, lo describe, en términos positivos, como la "hermana más lenta y sucia" del álbum anterior, afirmando además que "demostró que tres músicos podían tocar tan potente como cualquier banda de mayor tamaño".
Y en otro artículo que incluía 20 de las mejores canciones de la banda, "Dead Men Tell No Tales" y la canción que da título al álbum figuran en la lista.
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió: "Algunos piensan que el esfuerzo de escribir dos álbumes increíbles en el espacio de un año fue demasiado para Motörhead en esta etapa temprana, y que Bomber, lanzado en octubre, siete meses después de su predecesor, no podía aspirar a estar a la altura de Overkill".
En junio de 2005 se lanzó una reedición especial en doble CD del álbum, coincidiendo con la gira del 30 aniversario de Motörhead.
Sin embargo, las pistas adicionales del segundo CD ya habían estado disponibles anteriormente.
En 2005, “Bomber” ocupó el puesto número 397 en el libro de la revista Rock Hard, “Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos”.
Durante la gira "Bomber", United Artists recopiló cintas grabadas durante las sesiones de Rockfield Studios en 1975-1976 y las publicó como el álbum “On Parole”, que alcanzó el número 65 en la lista de álbumes del Reino Unido en diciembre.
La grabación estaba pensada como su primer álbum y quedó inédito al completarse en 1976, y no se publicó hasta más de tres años después, en noviembre de 1979, tras el éxito comercial de “Overkill” y “Bomber” ese mismo año.
Se publicó sin el permiso de la banda, y en consecuencia se distanciaron de él.
Como resultado, no fue considerado un lanzamiento oficial por la banda en ese momento y no querían que se publicara, ya que desde entonces habían pasado a otros sellos, primero Chiswick Records y luego Bronze Records.
El LP entró en las listas de éxitos del Reino Unido el 8 de diciembre, donde alcanzó el puesto número 65.
“On Parole” es el único álbum que presenta la formación original de la banda: Lemmy en voz y bajo, Larry Wallis en guitarra y voz, y Lucas Fox en batería.
Cuatro de las canciones que aparecen en “On Parole” se grabaron durante una sola sesión en los estudios Rockfield en Monmouth, Gales, en septiembre de 1975, mientras que el resto se grabaron en diciembre de 1975, con varias sobregrabaciones realizadas en enero y febrero de 1976.
Inicialmente, la banda grabó varias demos con el productor Dave Edmunds en Rockfield, pero el compromiso de Edmunds con el proyecto era cuestionable.
Lemmy le dijo más tarde a Geoff Barton de Sounds: “Dave Edmonds y nosotros nos llevábamos bien, solo que en ese momento estaba negociando un contrato discográfico o algo así y estaba un poco distraído. Esta gente seguía llegando en coches grandes para hablar con él; la mayor parte del tiempo parecía estar en otra parte”.
El cansancio de grabar con un productor poco comprometido también tuvo un efecto perjudicial en Larry Wallis (quien dejó la banda poco después): “Los problemas acabaron arruinando la diversión. Grabar el primer álbum, On Parole , ya fue bastante complicado. Tuvimos que ir a Gales a grabar en Rockfield. Lem llegó un par de días tarde y luego Dave Edmonds se echó atrás en la producción a última hora. Después quitamos las pistas de batería de Lucas y las sustituimos por las de Phil (Taylor). Luego UA hizo que Lemmy grabara de nuevo las pistas de bajo. ¡Y después de todo eso, se negaron a publicarlo! El proyecto ya no parecía merecer la pena. Quería otro guitarrista para completarlo, pero cuando apareció Eddie Clark [sic], quedó claro que él sería el indicado para sustituirme”.
De los temas, tres ("Motörhead", "The Watcher" y "Lost Johnny") eran regrabaciones de canciones que Lemmy había escrito y grabado con Hawkwind (esta última coescrita con Mick Farren), "City Kids" era una regrabación de un tema escrito por Wallis que ya había sido grabado por The Pink Fairies, y "Leaving Here" era una versión de una canción de Motown de Holland-Dozier-Holland que Lemmy había aprendido mientras trabajaba como técnico de sonido para The Birds.
Tal vez concluyendo que la versión de Motörhead nunca vería la luz, Wallis regrabó y lanzó el tema "On Parole" como cara B de su sencillo "Police Car" de Stiff Records en 1977 con dos miembros de Eddie and the Hot Rods (el bajista Paul Gray y el baterista Steve Nicol).
En su autobiografía "White Line Fever", Lemmy menciona haber quedado impresionado por la habilidad de Taylor para grabar baterías adicionales durante las sesiones de “On Parole”, señalando que fue "toda una hazaña, porque la batería es la base de una canción; es como ir al revés".
Por otro lado, Lemmy también recordó el momento en que se dio cuenta de que Taylor no era cantante, comentando que "sonaba como dos gatos unidos con grapas" mientras intentaba cantar "City Kids".
Las letras de "Vibrator" y "Fools" fueron escritas por Derek "Dez" Brown, un miembro del equipo técnico de The Pink Fairies, la banda de Wallis anterior a Motörhead.
Brown dirigió la gira "Live Stiffs" en 1977, que incluyó a la banda de Nick Lowe en el cartel, con Wallis y Edmunds.
Tras escuchar las grabaciones finales, United Artists no se convenció del potencial comercial del álbum y archivó su lanzamiento.
Lemmy recordó sus frustraciones al tratar con la discográfica: “¿Qué demonios está pasando? ¿Cuándo sale el álbum? ¿Cuándo nos van a conseguir conciertos? ¿Qué pasa con lo de conseguirnos una agencia? Lo único que recibíamos eran excusas sobre la portada, las fotos y todo eso. Cuando volvimos de Rockfield con las cintas maestras, claro, nos dijeron: "¡Genial, fantástico!", pero en las semanas siguientes solo hubo excusas y tonterías”.
En su libro “Overkill: The Untold Story of Motorhead”, el biógrafo Joel McIver cita a Lemmy: “En definitiva, los de United Artists eran unos cretinos. Sí, se aprovecharon de nosotros. Ya habíamos sacado el álbum Bomber y éramos famosos. Pero no me importan. Las discográficas son un obstáculo para el rock 'n' roll, no una ayuda. Lo reducen a lo más básico”.
Sin embargo, ya en 1981 Lemmy reconoció el lugar legítimo del álbum en el canon de Motörhead, en las notas del libreto del lanzamiento de Liberty Records: “Lo que tienes en tus manos pequeñas, calientes, pegajosas y codiciosas es la primera evidencia de algo llamado Motörhead. [...] La mayoría de las canciones estaban mejor grabadas en el álbum "MOTÖRHEAD". Sin embargo, es parte de la historia. Así que ahí lo tienes”.
Dave Thompson de AllMusic describe los arreglos del LP como "devastadores, impregnados de blues, empapados de alcohol, el pub rock más enérgico de todos. Por mucho que creas conocer a Motörhead, no se parece en nada a lo que esperas. Una auténtica sinfonía sonora, es como Wagner con un toque de locura".
El 8 de mayo de 1980, mientras la banda estaba de gira por Europa, Bronze lanzó “The Golden Years”, la primera grabación en directo de la banda, que alcanzó el puesto número 8 en las listas de éxitos del Reino Unido en aquel momento. Sin embargo, la banda había preferido el título “Flying Tonight”, en referencia al sistema de iluminación Bomber.
Hubo una clara falta de difusión radiofónica para el sencillo; las emisoras de radio alegaban que las voces estaban demasiado bajas en la mezcla, así que después de remezclar las cintas se lanzó un sencillo de 7" (nuevo número de catálogo BRO92DJ) a las emisoras de radio con solo "Leaving Here" en la cara A y "Stone Dead Forever" en la cara B.
Fue grabado durante su gira europea de 1980, la misma gira que el tema "Iron Horse / Born to Lose" del álbum en directo de 1981 “No Sleep 'til Hammersmith”, del cual también se desconoce en qué lugar se grabaron estos temas.
A pesar de la falta de difusión radiofónica, el 1 de mayo de 1980 la banda logró aparecer en el programa semanal de listas de éxitos de la BBC, Top of the Pops, para promocionar su próximo lanzamiento.
El líder Lemmy recuerda en su autobiografía, “White Line Fever”, que "las canciones estaban bastante mal grabadas, pero el disco entró en las listas".
La edición estándar original de este EP fue en vinilo de 7" y 12" (Bronze Records), aunque algunos fallos en el control de calidad permitieron que varias copias del sencillo de 7" reprodujeran a Kate Bush en la cara A.
Las ediciones alemana y holandesa fueron sencillos de 7" prensados en el centro de la máquina de discos y titulados "Lochem POP '80" como publicidad de su próxima actuación en el Festival de Lochem, Países Bajos, el 15 de mayo de 1980.
Las copias de la versión de 12 pulgadas del EP venían incluidas con las primeras ediciones de la versión de 12 pulgadas del sencillo “Shine” del álbum “Another Perfect Day” de 1983.
"Leaving Here" y "Too Late, Too Late" se incluyeron en el álbum recopilatorio “No Remorse” de septiembre de 1984, el último álbum de estudio lanzado con Bronze Records después de que su contrato con el sello expirara; más de un año después de que su álbum de estudio anterior, “Another Perfect Day”, fuera lanzado en junio de 1983.
Fue parte de la compilación de edición limitada de 10.000 cajas de Castle Records – “Born to Lose, Live to Win: The Bronze Singles 1978-1983” – lanzada en 1999 que incluía 10 CD que cubrían los sencillos lanzados por Bronze durante los años en que Motörhead estuvo bajo su sello.
Este EP está disponible como pistas adicionales en el álbum de la banda de 1979, “Bomber”, reeditado en 1996 por Castle Communications y en 2005 por Sanctuary Records como parte de sus reediciones de lujo remasterizadas en 2 CD.
Eduardo Rivadavia de AllMusic afirma que “The Golden Years” "captura toda la energía desenfrenada y el poder devastador de la formación clásica de la banda con Lemmy, "Fast" Eddie Clarke y Phil Taylor en la cima de su poder".
El 20 de agosto, la banda tuvo un espacio filmado de 40 minutos, junto con los 20 minutos de Girlschool actuando en vivo en el Nottingham Theatre Royal para el programa Rockstage, transmitido por la televisión británica por ATV el 4 de abril de 1981.
Durante agosto y septiembre de 1980, la banda estuvo en los estudios Jackson en Rickmansworth, grabando con el productor Vic Maile.
El sencillo "Ace of Spades" se lanzó el 27 de octubre de 1980 como adelanto del álbum “Ace of Spades”, que salió el 8 de noviembre.
El sencillo alcanzó el puesto número 15 y el álbum el número 4 en las listas del Reino Unido, siendo este último la posición más alta en la historia de la banda.
Bronze celebró su disco de oro lanzando una edición limitada del álbum en vinilo dorado.
Motörhead grabó “Ace of Spades” con Vic Maile en los estudios Jackson en Rickmansworth en agosto y septiembre de 1980.
Maile, que había trabajado con figuras como Jimi Hendrix, Led Zeppelin y The Who, se había cruzado con Lemmy cuando este era miembro de Hawkwind.
El bajista recuerda en sus memorias de 2002, “White Line Fever”: “Solía tener un estudio móvil; Hawkwind lo alquiló para grabar Space Ritual y él vino con él... Vic era un gran hombre y un gran productor, realmente brillante... Fueron buenos tiempos; estábamos ganando, éramos más jóvenes y lo creíamos”.
Como observa Steffan Chirazi en las notas del libreto de la reedición de 1996 de “Ace of Spades”: “Vic Maile, al frente de la producción, utilizó su oído experto para trasladar al vinilo el monstruoso sonido y la energía de los conciertos en directo de la banda”.
Maile, a quien la banda apodaba cariñosamente "Tortuga" (por su parecido con el reptil), fue fundamental para darle a Motörhead un sonido más pulido en el disco sin sacrificar su potencia bruta.
De baja estatura y voz suave, Maile estaba bien preparado para lidiar con el trío, que era conocido por sus disputas internas y su carácter generalmente incontrolable.
En el documental “The Guts and the Glory”, el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor recuerda: “Aunque estuviera enfadado, lo estaba de esta manera: (adopta un tono suave) 'No se supone que debáis hacerlo así', o 'Dejad de hacer eso, chicos'". Lemmy coincide: "Vic era genial. Fue el primero que nos dijo que éramos todos unos cabrones y que teníamos que trabajar más duro. Tenía una personalidad muy seca: '¿De verdad es ese el mejor tiro que tenéis?'".
En 2015, Clarke recordó a John Robinson de Uncut: “No bebía, no fumaba y era muy delicado porque era diabético . Tenía que tomarse su Ryvita a las seis. No podíamos ser bruscos con él, no podíamos sacudirlo, ¿entiendes? ¡Podría morir! Así que teníamos que escucharlo”.
Si bien la banda había participado previamente en la etapa de mezcla, Maile asumió la responsabilidad exclusiva en esta ocasión, y Clarke explicó que el resultado fue que "por fin se puede escuchar todo lo que está sucediendo".
Sobre las interpretaciones, Lemmy afirmó: "Vic me hizo cantar en lugar de solo gritar todo el tiempo", mientras que Taylor agregó: "y me hizo tocar con más solidez".
El álbum incluye algunas de las canciones más populares de la banda, como "The Chase Is Better Than the Catch", "(We Are) the Road Crew" y el exitoso sencillo "Ace of Spades", que alcanzó el puesto número 15 en la lista de sencillos del Reino Unido.
En su autobiografía, “White Line Fever”, Lemmy habla extensamente sobre la canción: “Usé metáforas de juegos de azar, sobre todo cartas y dados; cuando se trata de ese tipo de cosas, en realidad me gustan más las máquinas tragamonedas, pero no puedes cantar sobre frutas girando y ruedas cayendo. La mayor parte de la canción es simplemente póker, en realidad sé que tienes que verme, leerlos y llorar, la mano del muerto otra vez, ases y ochos - esa era la mano de Wild Bill Hickock cuando le dispararon. Para ser honesto, aunque "Ace of Spades" es una buena canción, ya estoy harto de ella. Dos décadas después, cuando la gente piensa en Motörhead, piensa en "Ace of Spades". No nos fosilizamos después de ese disco, ¿sabes? Hemos tenido bastantes buenos lanzamientos desde entonces. Pero los fans quieren escucharla, así que todavía la tocamos todas las noches. En lo personal, ya he tenido suficiente de esa canción”.
En 2011, Lemmy admitió ante James McNair de Mojo: “Me alegra que nos hayamos hecho famosos por eso y no por algún pavo, pero canté "El ocho de espadas" durante dos años y nadie se dio cuenta”.
La canción "(We Are) the Road Crew" fue escrita como un homenaje a los técnicos de gira de la banda.
En el documental de 2004 de Classic Albums sobre la creación del álbum, el guitarrista "Fast" Eddie Clarke declara: “Eran un buen equipo y estaban orgullosos de su calidad. Los pondría a competir con cualquier equipo del mundo”.
En la misma película, Lemmy, recuerda que escribió la canción "en diez minutos" y que cuando el roadie Ian "Eagle" Dobbie la escuchó, "se le escapó una lágrima".
Muchas de las canciones, como "Love Me Like a Reptile", "The Chase Is Better Than the Catch" y "Jailbait", hacen referencia explícita al sexo, lo que provocó la ira de algunos críticos y feministas.
Clarke explicó a Classic Albums en 2005: “En realidad, solo nos considerábamos una banda de rock 'n' roll para pasarlo bien... Pero no intentábamos transmitir ningún mensaje, aparte de divertirnos, ¿sabes?: emborracharnos, fumarnos un porro y follarnos a una tía. Y con eso bastaba”.
Motörhead apareció dos veces en Top of the Pops en octubre para promocionar el sencillo "Ace of Spades", y fueron invitados al programa matutino infantil de ITV, Tiswas, el 8 de noviembre.
La banda realizó una gira por el Reino Unido del 22 de octubre al 2 de diciembre bajo el nombre de “Ace Up Your Sleeve”, con Girlschool y Vardis como teloneros.
Después del concierto en Belfast el 2 de diciembre, una serie de incidentes provocaron que Taylor se rompiera el cuello, lo que le obligó a usar un collarín y a interrumpir cualquier otra actividad de la banda.
Los demás miembros de la banda aprovecharon la oportunidad para colaborar con Girlschool en el EP “St. Valentine's Day Massacre”.
Al igual que la canción "Shoot You in the Back", la portada de “Ace of Spades” emplea un motivo clásico del salvaje oeste.
Originalmente, la idea para la portada del álbum era que tuviera un tono sepia y mostrara pistoleros en una mesa de cartas, pero la banda lo descartó y en su lugar, decidieron aparecer en el desierto vestidos de vaqueros.
Las fotos con estilo de desierto de Arizona utilizadas en la portada del álbum y el programa de la gira fueron tomadas durante una sesión fotográfica en una cantera de arena en Barnet.
Cada uno de sus trajes de vaquero se basó en un tipo diferente de protagonista del Oeste.
El de Eddie se basó en el personaje de Clint Eastwood, “El hombre sin nombre” de la “Trilogía del dólar”. El traje de Phil se basó en el personaje de Marlon Brando, Rio, en “One-Eyed Jacks”. Phil afirmó que el traje de Lemmy se inspiró en Bret Maverick de la serie de televisión “Maverick”.
Contrariamente a la creencia popular, el cielo no era real y fue retocado digitalmente debido a que estaba muy nublado ese día.
El álbum ha sido descrito como "uno de los mejores álbumes de metal de cualquier banda, de todos los tiempos" y un "clásico del hard rock" significativamente influyente.
Robert Christgau afirmó: "Los punks nunca se han creído su chaqueta de cuero y sus conexiones indie porque el rockero curtido y nacido para el rock de Lemmy Kilmister es metal sin lo pesado: sin solos presumidos ni tonterías pretenciosas. Recomiendo la parte donde promete tener sexo rápido y desinhibido con su último receptáculo tan pronto como termine la canción sobre él (no con ella, por supuesto que no), y noten que su escritura es más monótona de lo necesario, ingenio y todo: follar por el simple placer de hacerlo puede enfurecer a cualquiera, y follar sin melodía por el simple placer de hacerlo es realmente inútil".
AllMusic lo llama "sólido como una roca, con varios temas superlativos destacados" e insiste en que "merece con razón su legado como un clásico".
Sid Smith, de BBC Music, expresó con entusiasmo en 2007: “Cuando Lemmy canta la letra de “(We Are) The Road Crew”, suena como un veterano curtido que lo ha vivido todo y ha vuelto a por más... Si alguna vez una pieza musical fue un manifiesto para los locos, los malos y los peligrosos, entonces la canción que da título al álbum lo es. Impenitente y llena de infierno, no hay ni una sola nota fuera de lugar”.
A pesar de que la banda siempre se refirió a su música como rock 'n' roll, el álbum, y en particular su tema principal, han sido considerados entre los más influyentes en el desarrollo del thrash metal. El tema principal es, para muchos, el himno definitivo de Motörhead.
El álbum aparece en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En 2020, ocupó el puesto 408 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone.
El 28 de marzo de 2005, Eagle Vision lanzó en DVD el documental sobre el álbum (parte de la serie "Classic Albums"). Este análisis exhaustivo de la creación del álbum incluye entrevistas y actuaciones de Lemmy, Phil Taylor y Eddie Clarke.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 33
Lemmy Kilmister (Tercera parte)
"Ace of Spades", considerada el himno definitivo de Motörhead, "ahogó las listas de éxitos musicales inglesas y demostró a todos que una banda podía tener éxito sin sacrificar su potencia y velocidad sin concesiones".
Para coincidir con el lanzamiento de “Ace of Spades”, Big Beat, que había heredado el catálogo de Chiswick, reunió cuatro temas inéditos de las sesiones de Escape Studios de 1977 y los lanzó como “Beer Drinkers and Hell Raisers”, un EP lanzado en noviembre de 1980.
El EP consta de cuatro temas grabados durante las sesiones de su primer álbum, “Motörhead”, pero que no habían sido publicados previamente.
El lanzamiento no fue autorizado por la banda, aunque no se opusieron. El EP entró en las listas de sencillos del Reino Unido el 22 de noviembre, donde alcanzó el puesto número 43, alcanzando el número 1 en la lista Indie del Reino Unido.
Los cuatro temas se grabaron durante las sesiones del álbum de Motörhead de 1977 y se consideraron tomas descartadas.
Por ello, solo se publicaron tardíamente después de que “Ace of Spades” alcanzara el puesto número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido en 1980.
A pesar del éxito de la banda en ese momento, el EP no tuvo ningún impacto en las listas británicas.
Unos años más tarde, el jefe del sello Chiswick, Ted Carroll, volvería a recurrir a los archivos de su sello para lanzar una retrospectiva de una grabación en directo de la misma época, titulada “What's Words Worth?”.
Lemmy ha declarado sobre los lanzamientos del catálogo antiguo de Chiswick Records de Ted Carroll: "Es un tipo genial y si no fuera por Ted, no existiría Motörhead, así que Ted tiene carta blanca, puede hacer lo que quiera con el catálogo antiguo".
La versión original de ZZ Top de "Beer Drinkers & Hell Raisers", grabada para su álbum de 1973, “Tres Hombres”, presenta líneas vocales intercambiadas entre el guitarrista Billy Gibbons y el bajista Dusty Hill, alternándose ambos en cada línea.
La versión de Motörhead replicó este arreglo, con el bajista Lemmy y el guitarrista "Fast" Eddie Clarke intercambiando líneas.
Esto marcó el debut de Clarke como vocalista principal, y también fue una de las pocas canciones de Motörhead que contó con la voz de alguien que no fuera Lemmy, siendo las otras "Step Down", "I'm Your Witchdoctor" y "Emergency".
Una versión anterior de "On Parole" había sido grabada por la banda en 1975 para un álbum de United Artists que finalmente fue archivado, y el ex guitarrista Larry Wallis lanzó una versión como cara B de su sencillo de 1977 de Stiff Records "Police Car".
La canción fue un elemento básico en el repertorio inicial de Motörhead, como se ejemplifica en "What's Words Worth?", aunque fue eliminada definitivamente algún tiempo después de 1979 a medida que el repertorio de la banda crecía.
"I'm Your Witchdoctor" ("una gran canción", declara Lemmy en su autobiografía de 2002) es una versión de John Mayall & the Bluesbreakers que fue otro elemento básico del repertorio de la banda alrededor de 1977-78.
"Instro", la única composición original del EP, es una pista instrumental poco común de la banda que, según se cree, nunca se terminó debido a la falta de tiempo en el estudio durante las sesiones de 1977 de las que se extrajo.
El EP de vinilo se publicó como una edición de 7" (NS61) y como una edición de 12" (SWT61), ambos formatos se prensaron en vinilo negro, azul, naranja, rosa y blanco y también hubo una funda de 7" 'Radio Play'.
Junto con la cara B del sencillo de Motörhead, "City Kids", las pistas de este EP se incluyeron en la reedición en CD de 1988 de Motörhead por Big Beat Records.
En 1982, Big Beat Records lanzó ediciones alemanas y francesas que añadieron las pistas adicionales "Vibrator", "White Line Fever", "City Kids", "Keep Us on the Road", "Lost Johnny" y "Motörhead".
Se lanzó en el habitual vinilo negro (A 120 174) y como un picture disc (PD 120 174).
Han sido pistas adicionales en el álbum original “Motörhead” desde que Big Beat Records las agregó en la reedición de 1988, y posteriormente por Chiswick y Ace Records en 2001 para su lanzamiento remasterizado.
En su libro de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver critica el título del EP, diciendo: "Este es un ejemplo temprano de los muchos, muchísimos intentos de las diversas compañías discográficas que arruinaron, quiero decir, manejaron, la carrera de Motörhead para convertirlos en versiones menos sofisticadas de sí mismos".
La banda tuvo más éxitos en las listas en 1981 con la versión en vivo de "Motorhead", que alcanzó el Nº 6 en la lista de sencillos del Reino Unido en julio; y con el lanzamiento del EP “St. Valentine's Day Massacre”, su colaboración con Girlschool que alcanzó el Nº 5 en la lista de sencillos del Reino Unido en febrero.
Cuando Girlschool estaba grabando en Rickmansworth con el productor Vic Maile, tuvo la idea de que Motörhead y Girlschool grabaran un sencillo juntos.
El resultado fue este EP de tres pistas, en el que las bandas hicieron un dueto en una versión de "Please Don't Touch" de Johnny Kidd & The Pirates.
Las bandas también hicieron versiones de la otra, con Motörhead interpretando "Emergency" de Girlschool y Girlschool tocando "Bomber" de Motörhead.
El EP se grabó mientras el baterista de Motörhead, Phil "Philthy Animal" Taylor, no estaba disponible para tocar debido a una lesión, por lo que la baterista de Girlschool, Denise Dufort, tocó en las tres canciones.
La portada muestra a las dos bandas vestidas como gánsteres de la época de la prohibición y sus cómplices .
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy arremetió contra los críticos que lo acusaban de sexista, citando su trabajo con Girlschool.
Declaró: "Cuando encuentro buenas rockeras, les echo una mano. Nunca recibiré ningún reconocimiento por ayudar a impulsar a las mujeres en el rock 'n' roll, pero lo he hecho".
En 2011, admitió a John McNair de Mojo: "Sinceramente, pienso en las mujeres que he perdido, no en los exmiembros de Motörhead. Wendy O. Williams era una gran mujer. Una auténtica locura. Y Kelly Johnson de Girlschool, que también murió joven, lo cual fue una terrible lástima. Tuve un pequeño romance con Kelly. Era una chica guapa y una gran guitarrista. La gente solía decir: 'Está bien para ser una chica', y yo les decía: '¡Es mejor que tú, cabrón!'. En una buena noche, Kelly tocaba como Jeff Beck".
El EP se lanzó en 1981 en formatos de vinilo de 7" y 10", con la misma portada y lista de canciones y alcanzó el número 5 en la lista de sencillos del Reino Unido.
Existe una edición pirata de “St. Valentine's Day Massacre”, un álbum doble de vinilo de 12" con etiquetas blancas.
Contiene grabaciones de los sets de Motörhead y Girlschool de un especial de televisión de Rockstage de 1981 desde el Theatre Royal en Nottingham.
El 19 de febrero de 1981, bajo el nombre de Headgirl, las dos bandas tocaron "Please Don't Touch" en el programa Top of the Pops de la BBC para apoyar el lanzamiento del EP.
También interpretaron la canción en el episodio 62 del programa de televisión alemán “Musikladen”, que se emitió el 4 de abril de 1981.
Las canciones "Please Don't Touch" y "Emergency" aparecieron en el álbum recopilatorio de 1984 “No Remorse” y posteriormente en la reedición de 1996 de Castle Records de “Ace of Spades”.
Sin embargo, los temas fueron omitidos de la edición de lujo de 2 CD de Sanctuary Records de 2005, que forma parte de la serie de remasterizaciones de Sanctuary de los primeros seis álbumes de estudio publicados bajo los sellos Bronze y GWR.
Joel McIver señala en su libro de 2011 sobre la banda, “Overkill: The Untold Story of Motorhead”, "Aunque el EP alcanzó el número 5 en la lista de sencillos del Reino Unido e incluso los críticos le dieron una aprobación a regañadientes, no pocos puristas lo consideran un desvío hacia un terreno menos serio, casi novedoso, que marcó el comienzo de una preocupante tendencia por parte de Motorhead a involucrarse en proyectos que estaban por debajo de su nivel".
AllMusic: "Este glorioso artefacto documenta uno de los desvíos más peculiares en la carrera de Motörhead, siempre a toda velocidad".
Durante marzo de 1981, la banda había estado de gira por Europa, y en la última semana del mes realizaron la gira británica "Short Sharp, Pain in the Neck" de la que se hicieron las grabaciones para “No Sleep 'til Hammersmit”.
El LP original “No Sleep 'Til Hammersmith” incluye dos canciones de su álbum debut, la canción que da título al disco “Bomber” de 1979, cinco canciones de “Overkill” de 1979 y tres canciones de “Ace of Spades”.
La canción "Motorhead" se lanzó como sencillo y se convirtió en el mayor éxito de la banda en las listas, alcanzando el número 6 en el Reino Unido.
Excepto "Iron Horse/Born to Lose", que fue grabada en un concierto de 1980, “No Sleep 'til Hammersmith” se grabó en conciertos de Leeds y Newcastle durante la gira “Short Sharp Pain in the Neck”.
El nombre de la gira hacía referencia a una lesión que sufrió Taylor cuando se golpeó la cabeza durante un juego después del concierto.
El título hace referencia al importante recinto musical londinense Hammersmith Odeon (ahora Apollo), a menudo la última parada de las giras de la banda por el Reino Unido.
Pero a pesar del nombre, este recinto no se utilizó en esta gira, ya que los conciertos fueron: el 27 de marzo de 1981: Pabellón de West Runton, Norfolk, Inglaterra; el 28 de marzo de 1981: Queen's Hall, Leeds, Inglaterra; el 29 de marzo de 1981: Ayuntamiento de Newcastle, Inglaterra; el 30 de marzo de 1981: Ayuntamiento de Newcastle, Inglaterra y el 3 de abril de 1981: Centro de ocio Maysfield, Belfast, Irlanda del Norte.
Entre bastidores en Leeds y Newcastle, la banda recibió discos de plata y oro por las ventas de “Ace of Spades”, plata por “Overkill” y plata por "Please Don't Touch".
El sonido en el Queens Hall de Leeds no fue bueno y la mayor parte del álbum original se tomó de Newcastle.
El vocalista y bajista Lemmy declaró que originalmente pretendían que “No Sleep 'til Hammersmith” fuera un álbum doble, pero solo tenían suficiente material para tres caras.
“Todavía me suena bien… Estábamos en medio de una gira de 53 conciertos, así que para entonces ya tocábamos en automático. Estábamos muy compenetrados, y eso se nota en el disco… Hay errores. Siempre hay errores en un álbum en directo… así es la vida. La vida no es perfecta, y yo no soy diferente. Creo que grabé un par de líneas vocales adicionales en Hammersmith, pero no hay canciones falsas”.
En el momento del lanzamiento del álbum, la banda estaba en medio de su primera gira por Norteamérica, teloneando a Ozzy Osbourne.
"Cuando salió 'No Sleep 'Til Hammersmith'", dijo Lemmy a James McNair de Mojo en 2011, "hizo una diferencia financiera, pero gran parte se reinvirtió en el espectáculo".
“No Sleep 'til Hammersmith” representa el punto álgido de la banda en cuanto a posiciones en las listas.
Tras el éxito del EP “St. Valentine's Day Massacre” y del álbum y sencillo “Ace of Spades”, alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido.
Lemmy creía que su éxito se debía a la creciente expectación de sus fans por un álbum en directo, dado que la banda había realizado numerosas giras en el pasado, pero también lo consideraba su "caída" debido a la dificultad de mantener ese éxito.
“Estaba dormido en Nueva York… Nuestro gerente me llamó y le dije: «¡Qué más da, estoy dormido, llámame luego!». Un par de minutos después, me di cuenta [del número uno] y me puse de pie de golpe. Nos iba bien. No teníamos ni idea de que el maldito suelo dañado estaba a la vuelta de la esquina”.
Jason Birchmeier de AllMusic escribió: “La actuación: en una palabra, es vertiginosa. [...] Motörhead no podía equivocarse en este momento, ya que estaban sentando las bases del movimiento thrash que vendría después, en cierto modo, y su racha ganadora continúa aquí en No Sleep 'Til Hammersmith, uno de los mejores álbumes de metal en vivo de todos los tiempos”.
En el libro de 2011 “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver lo llama “la cima de la carrera de la formación Lemmy/Clarke/Philthy”.
Robert Christgau escribió: “La poderosa definición de Vic Maile aniquila mi prejuicio contra las grabaciones en vivo. Los remakes de mentiras piadosas como 'No Class' y 'Stay Clean' y cartas de presentación como 'Bomber' y 'Motorhead' ahorran valioso espacio en la estantería. ¿Y qué si me da dolor de cabeza? A veces, un dolor de cabeza es un alivio”.
El Daily Telegraph lo calificó como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos.
También aparece en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En octubre, la banda grabó temas en el estudio Maida Vale de la BBC para el programa de David Jensen, emitido el 6 de octubre.
La banda inició una gira europea el 20 de noviembre, con Tank como teloneros, tras lo cual Clarke produjo el álbum debut de Tank, “Filth Hounds of Hades”, en los estudios Ramport entre diciembre y enero.
Entre el 26 y el 28 de enero de 1982, la banda comenzó a grabar su nuevo álbum autoproducido en los estudios Ramport, antes de trasladarse a los estudios Morgan para continuar las sesiones durante todo febrero.
El 3 de abril se lanzó el sencillo "Iron Fist", que alcanzó el puesto número 29 en la lista de sencillos del Reino Unido, seguido del álbum principal “Iron Fist”, lanzado el 17 de abril y que alcanzó el puesto número 6 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Estos fueron los últimos lanzamientos con la formación Lemmy, Clarke y Taylor, aunque la formación continuó actuando en la gira “Iron Fist UK” entre el 17 de marzo y el 12 de abril, y en la primera gira de la banda como cabeza de cartel en Norteamérica desde el 12 de mayo hasta la última actuación de Clarke en el New York Palladium el 14 de mayo.
Al igual que con “Ace of Spades” de 1980, la grabación comenzó con el productor Vic Maile en su estudio Jackson's en Rickmansworth en 1981.
Motörhead disfrutaba de su mayor éxito comercial en ese momento, ya que su álbum en directo “No Sleep 'til Hammersmith” debutó en el número 1 de las listas británicas.
Tras una pausa en la grabación para que la banda tocara en algunos conciertos de noviembre y diciembre con Tank, la banda de Algy Ward, Clarke produjo el álbum debut de Tank con la ayuda de Will Reid Dick.
Poco después, Maile abandonó el proyecto Motörhead, y existen explicaciones contradictorias sobre el motivo.
Una de ellas es que Clarke no estaba contento con las sesiones producidas por Maile y decidió que el álbum debía grabarse por su cuenta, aunque Lemmy lamentó en aquel momento que: "Es una pena haber perdido a Vic en cierto modo porque pensé que había sido un éxito".
Sin embargo, en el documental de Motörhead “The Guts and the Glory”, Clarke insiste en que el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor se negó a trabajar con el productor después de que Maile le consiguiera un sonido de batería insatisfactorio, afirmando: "[...] y entonces un día Phil se giró hacia mí y me dijo: 'Escucha, Eddie, ¿por qué no lo haces tú?' Y yo le dije: 'Hombre, no quiero hacerlo, estoy tocando en el disco'... Lo juro por Dios, estaba muy reacio".
En la misma película, Lemmy afirma: "Me cabreó que dejaran que Eddie lo produjera. Aunque en ese momento no me enfadé. Bien por él. Pero se hizo evidente después de su lanzamiento: recapacité y me di cuenta de que era una basura, casi todo. Y hay al menos tres canciones que ni siquiera estaban terminadas. Las terminamos en el estudio, ¿sabes?, como si las hubiéramos improvisado. Era un álbum mediocre. Pero el problema es: ¿cómo superar un álbum en directo que llegó directamente al número uno? No hay nada que puedas hacer".
El álbum se grabó durante la mayor parte de finales de enero y febrero de 1982 en los estudios Morgan y Ramport de Londres, con Clarke como productor y Dick como ingeniero de sonido.
Clarke dijo que la grabación: "[...] me cabreó mucho. Al final tuve que producirlo porque nos peleamos con Maile y no pudimos encontrar un sustituto. Lemmy tampoco estaba muy concentrado".
Al tener dificultades para encontrar un nombre para la canción principal del álbum, Lemmy recordó la vez que la banda había actuado en directo bajo el nombre de Iron Fist and the Hordes from Hell por motivos contractuales (de ese evento se publicó un álbum posterior titulado “What's Words Worth?”), y decidió que era un nombre apropiado para este proyecto.
El nombre finalmente se acortó a simplemente “Iron Fist”.
Se hizo una película promocional de la banda vestida con armadura de cuero con tachuelas y blandiendo espadas anchas, descrita por Lemmy como "todos vestidos como idiotas, pavoneándose en un bosque en South Mimms en lugar de pavoneándose en South Mimms vestidos como vaqueros idiotas", con Clarke agregando que parecían "un grupo de hadas pavoneándose con armadura puesta... Es muy difícil no hacerlo".
La banda emprendió una gira por el Reino Unido del 17 de marzo al 12 de abril con Tank como teloneros.
Esta iba a ser la primera gira en la que dejarían de usar el sistema de iluminación de bombarderos, ya que Lemmy sentía que tenían que "hacer algo nuevo tarde o temprano" a pesar de ser "el mejor espectáculo que he visto en mi vida".
El sistema fue reemplazado por un puño de hierro gigantesco que se suponía que desplegaría su mano, pero, como Lemmy explicó a John Robinson de Uncut en 2015, falló e hizo un "gesto grosero" a la multitud.
La banda continuó de gira para promocionar el álbum, visitando Norteamérica en mayo y junio, Japón a finales de junio y, tras algunas actuaciones en festivales de verano, Europa continental en octubre y noviembre.
La primera fecha de la gira norteamericana, el 12 de mayo en el CNE Coliseum (ahora Ricoh Coliseum) de Toronto, fue filmada y posteriormente lanzada en video como “Live in Toronto” y más tarde como disco extra de la edición de lujo del CD.
En su autobiografía de 2002, “White Line Fever”, Lemmy recuerda que en el concierto de Toronto: "Eddie estuvo fatal, y yo también; me dio un calambre a mitad del concierto y no pude tocar".
La promoción del álbum llegó hasta la edición de mayo de 1982 de Rennbahn Express, una revista austriaca que incluía un flexidisc gratuito con extractos de "Iron Fist", "Sex and Outrage", "Don't Let 'em Grind You Down" y "Loser".
Robert Reumann entrevista a Lemmy en inglés y se le añade una traducción al alemán.
El lanzamiento del álbum impulsó a Bronze/Mercury en Canadá a publicar “The Complete Motörhead Kit”, que incluía un vinilo de 12 pulgadas de edición limitada con "Iron Fist", "Too Late, Too Late", "Remember Me, I'm Gone", "Ace of Spades" y "Motörhead" (del álbum “No Sleep 'til Hammersmith”), además de un programa de la gira, un póster de la gira y un parche bordado con el logotipo de la banda.
Después del segundo concierto el 14 de mayo en el Palladium de Nueva York, Clarke dejó la banda, siendo reemplazado por el ex guitarrista de Thin Lizzy, Brian Robertson, y la gira se reanudó una semana después, el 21 de mayo, en Detroit.
Los malos sentimientos entre Kilmister y Clarke llevaban tiempo gestándose, pero el punto de quiebre llegó cuando Lemmy decidió grabar una versión del clásico country de Tammy Wynette, "Stand By Your Man", con Wendy O. Williams y los Plasmatics.
Cuando le pidieron que tocara en el sencillo, Clarke dejó la banda.
Lemmy reflexionó sobre la partida del guitarrista en sus memorias de 2002: "En realidad, Eddie solía dejar la banda cada dos meses, pero esta vez simplemente no le pedimos que volviera. No intentamos convencerlo, por eso se mantuvo alejado; eso lo sorprendió un poco. Pero estábamos hartos de él porque siempre se alteraba y bebía mucho por aquel entonces. Ahora está mucho mejor desde que dejó de beber... Mirando hacia atrás, y debo decir que con la perspectiva del tiempo todo se ve más claro, fue bueno para nosotros separarnos cuando lo hicimos. No estaríamos aquí ahora si hubiéramos seguido haciéndonos cada vez más famosos. Habríamos terminado siendo un grupo de idiotas con casas en el campo y divorciados. Así que creo que fue mejor para la moral de Motörhead en general. Es importante que una banda tenga hambre de éxito porque esa es la motivación que hace que todas las bandas funcionen. Y si alguien sabe lo que es tener hambre de éxito durante largos periodos de tiempo, soy yo".
Lemmy reiteró en 2000 que “Iron Fist” era: "[...] malo, inferior a cualquier otra cosa que hayamos hecho. Que Eddie lo produjera fue un error que probablemente incluso él admitiría ahora... no estábamos preparados para hacer otro álbum, no me importa lo que diga nadie".
Clarke sostiene en “The Guts and the Glory”: "[...] No fue tanto el álbum en sí, creo que fue la actitud con la que se hizo lo que lo hizo malo. Para mí, cada vez que lo escucho, siento que algo no está del todo bien... Las canciones habrían sido mejores si hubiéramos trabajado como un solo equipo".
AllMusic afirma con entusiasmo que “Iron Fist” es "un excelente álbum de Motörhead, y no hay mucho de qué quejarse", pero reconoce que "la producción de Clarke es un poco estéril" al tiempo que elogia "varias canciones destacadas... en medio de una sólida selección en general".
El guitarrista Brian Robertson firmó un contrato con la banda para un álbum que dio como resultado “Another Perfect Day” de 1983.
El baterista Phil "Philthy Animal" Taylor, quien había sido un gran fan de Thin Lizzy, había presionado al vocalista, bajista y líder de la banda, Lemmy, para que contratara a Robertson.
El cambio fue inicialmente bien recibido tanto por Lemmy como por Taylor; en el libro de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita a Lemmy diciendo en ese momento que el sonido de la banda tenía: "[El sonido] ha cambiado un poco desde que Brian se unió a la banda; creo que se ha vuelto más musical".
Estos sentimientos cambiarían drásticamente una vez que entraran al estudio con el productor Tony Platt; Lemmy lo recordaría años después en el documental de Motörhead “The Guts and the Glory”: "Grabar Another Perfect Day fue una auténtica tortura. Brian se pasaba diecisiete horas haciendo una sola pista de guitarra. Tardaba muchísimo comparado con los otros álbumes. Y luego, cuando salió, todo el mundo lo odió".
La edición original en vinilo incluía un inserto con las letras y un guion gráfico de dibujos animados sobre las aventuras de la nueva banda.
Las versiones en casete y LP estadounidense tenían una lista de canciones muy diferente, con "I Got Mine" abriendo el álbum y "Back at the Funny Farm" abriendo la cara B.
La banda promocionó el álbum con la gira “Another Perfect Tour”, y casi de inmediato tanto el público como el personal de la industria notaron el chocante contraste entre Lemmy y Taylor, vestidos con sus habituales prendas de cuero, y Robertson, quien comenzó a usar pantalones cortos de satén y zapatos de esparto sin cordones en el escenario, que se estaban poniendo bastante de moda a mediados de la década de 1980.
En su autobiografía de 2002, “White Line Fever”, Lemmy escribe: "El estilo de Brian siguió sorprendiendo y horrorizando a los fans durante toda la gira europea de fin de año. ¡Seamos sinceros, las zapatillas de ballet y Motörhead no combinan!".
Lemmy comenzó a restarle importancia a la vestimenta de Robertson durante los conciertos, pero le explicó al entrevistador de Classic Rock, David Ling: "Toda esa mierda de vestir diferente, todo ese rollo de llevar pantalones cortos ridículos, era solo para fastidiarme. O para asegurarse de que todo el mundo supiera que no estaba en Motörhead, sino que era solo un artista invitado, haciéndonos un favor desde las alturas como guitarrista de Thin Lizzy".
En sus memorias, Lemmy puso el álbum en perspectiva: "Necesitábamos otro guitarrista rápidamente para poder continuar la gira, y elegimos a Brian Robertson, que había estado en Thin Lizzy. Técnicamente, era mejor guitarrista que Eddie, pero al final no encajaba en Motörhead. Con Robbo, nuestro declive comenzó a acelerarse, lo cual fue realmente injusto, porque el disco que grabamos con él, Another Perfect Day, era muy bueno... Another Perfect Day ha resistido el paso del tiempo; muchos fans ahora se han retractado y les gusta. Pero eso no nos ayudó en aquel entonces".
Tras el álbum y la gira, Robertson dejó la banda.
Desde entonces, "Shine", "Die You Bastard!", "Dancing on Your Grave", "I Got Mine", "Another Perfect Day", "One Track Mind" y "Rock It" han formado parte del repertorio en directo de la banda.
En 2013, Lemmy declaró a Lee Marlow de Classic Rock que no había hablado con Robertson desde 1983 y mantuvo: "He disfrutado de todas las alineaciones, pero no de esa. Fue el peor momento de nuestra carrera".
Joe Petagno, el artista que diseñó la portada, comentó que esta se inspiró en la agitación que reinaba en la banda y entre sus miembros en aquel momento: "No escuché la música. Creo que obtuve una mezcla preliminar. Era diferente. Pero la hice en una caja de cerveza, con un tablero de dibujo en mi regazo, algunas pinturas y un cubo de agua a mi lado. Y la razón por la que resultó como resultó fue un caos total. Caos en mi vida y caos en la vida de Lemmy. La llevé a Londres para entregársela personalmente a los chicos y todos se quedaron alucinados. Nunca habían visto nada igual. Y recuerdo que Philthy dijo: "¡Joder, tío! Si los chicos ven eso bajo los efectos del LSD, ¡se van a volver locos!... Es una de mis portadas favoritas".
En 1988, Castle Communications reeditó este álbum junto con “Overkill” en una funda desplegable.
John Franck de AllMusic llama a “Another Perfect Day” "uno de los álbumes más singulares (aunque incomprendidos) de todo el catálogo de Motörhead", y añade que es uno de "los discos con mejor sonido de la banda, pero experimentar con una fórmula legendaria siempre conlleva riesgos (¿es ese un piano boogie-woogie en 'Rock It'?), y como cabría esperar, los resultados son alternativamente estimulantes y a veces frustrantes".
El biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió en 2011 que "merece la pena volver a escucharlo para aquellos que hayan olvidado sus auténticos encantos".
La banda de thrash metal Sepultura tomó su nombre de la tercera canción de este álbum, "Dancing on Your Grave" ("grave" significa "sepultura" en portugués).
Las canciones "Back at the Funny Farm" y "Marching Off to War" aparecieron en el videojuego “Brütal Legend”.
Después de la partida de Robertson, la banda recibió cintas de guitarristas de todo el mundo que deseaban ser considerados para un lugar en Motörhead.
El grupo volvió al concepto de guitarras solistas dobles al contratar a los desconocidos Würzel y Phil Campbell (anteriormente de Persian Risk).
En febrero de 1984, la formación de Lemmy, Campbell, Würzel y Taylor grabó "Ace of Spades" para el episodio "Bambi" de la serie de televisión británica “The Young Ones”.
Las escenas de la banda tocando se intercalan con las payasadas de los personajes mientras corren hacia la estación de tren, en una parodia de la película de comedia de los Beatles “A Hard Day's Night”.
Taylor dejó la banda después de esa grabación, lo que provocó que Lemmy bromeara: "¿Los dejé yo o me dejaron ellos a mí?".
Antes de unirse a Motörhead, Phil Campbell había conocido al ex baterista de Saxon, Pete Gill, y el trío decidió llamarlo para ver si le gustaría visitar Londres.
Las pruebas salieron bien y Gill fue contratado.
Bronze Records pensó que la nueva formación no daría la talla y decidió "cerrar el círculo" del grupo con un álbum recopilatorio.
Cuando Lemmy se enteró, se hizo cargo del proyecto, seleccionando las canciones, escribiendo las notas de la carátula e insistiendo en que Motörhead grabara cuatro canciones completamente nuevas para el final de cada lado del álbum.
Durante las sesiones entre el 19 y el 25 de mayo de 1984 en los estudios Britannia Row, Londres, la banda grabó seis canciones para la cara B del sencillo y el álbum.
El sencillo "Killed by Death" se lanzó el 1 de septiembre y alcanzó el puesto número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido, el álbum doble “No Remorse” se lanzó el 15 de septiembre y alcanzó el estatus de disco de plata, llegando al puesto número 14 en las listas de álbumes del Reino Unido.
El álbum ofrece una visión general de la etapa de la banda con Bronze Records e incluye cuatro temas grabados recientemente.
Es el último álbum que la banda lanzó con Bronze Records, y el nuevo material es el primero en presentar la nueva formación de la banda compuesta por Lemmy, Phil Campbell, Würzel y Pete Gill.
Entre el 19 y el 25 de mayo de 1984, la nueva formación de Motörhead grabó seis canciones en los estudios Britannia Row de Londres: “Killed by Death”, “Snaggletooth”, “Steal Your Face”, “Locomotive” y dos canciones diferentes, ambas llamadas “Under the Knife”.
Las primeras cuatro de estas canciones cerraron cada lado del álbum doble en vinilo.
Las dos versiones de “Under the Knife” se publicaron el 1 de septiembre de 1984 como la cara B del vinilo de 12 pulgadas de “Killed by Death”.
Lemmy fue el encargado de seleccionar las canciones para el álbum recopilatorio y también proporcionó un comentario sobre cada una de ellas.
Además de la funda de cartón habitual, los LP originales también estaban disponibles en una funda de cuero auténtico con ilustraciones plateadas sobre fondo negro, completamente rediseñadas por Joe Petagno con mucho más detalle que la original y con varias diferencias (como una cruz de hierro).
Se lanzó una versión en casete en una funda de cuero con un texto que imitaba la advertencia sanitaria gubernamental que suele aparecer en los paquetes de cigarrillos, sobre el posible daño que el contenido podía causar a la salud.
También hicieron un anuncio de televisión para el álbum, que incluía un breve popurrí de varias canciones antes de que se escuchara la voz de Lemmy exclamando: "¡Sin remordimientos... sal y consíguelo!".
Motörhead promocionó el álbum a través de la gira “No Remorse – Death on the Road” entre el 24 de octubre y el 7 de noviembre de 1984.
La iniciaron con una aparición en el programa infantil matutino de ITV, The Saturday Starship.
El set, que también incluyó "Iron Fist", "Ace of Spades" y "Overkill", se realizó en el estacionamiento de los estudios de Central TV, Birmingham, lo que provocó quejas por el ruido.
El 26 de octubre, la banda hizo una aparición en vivo en el programa de música pop/rock de Channel 4, "The Tube", tocando "Killed by Death", "Steal Your Face" y "Overkill".
Sin embargo, los créditos del programa aparecieron durante "Steal Your Face", que se desvaneció al finalizar la transmisión.
"Overkill" se emitiría finalmente unos 20 años después, durante una serie retrospectiva de “Best of the Tube TV”.
Más tarde, Motörhead grabaría una canción llamada “No Remorse”, que aparece en su álbum “Hammered” de 2002.
Según las críticas contemporáneas, Don Snowden de The Boston Phoenix declaró que el álbum era "una retrospectiva doble cuidadosamente presentada" que, debido a la brevedad de las canciones, "dejaba a uno más vigorizado que agotado".
Snowden concluyó que la película "captura y encapsula su tema en un paquete impecable. No hace falta comprar otro álbum de Motörhead después de este; si alguna vez se produce el tan rumoreado crossover hardcore/metal, No Remorse demostrará que Motörhead llegó primero".
La reseña de AllMusic dice: "...A lo largo de las décadas se han publicado decenas y decenas de recopilaciones de Motörhead, pero la primera sigue siendo la definitiva, aunque no sea perfecta... No Remorse es para Motörhead lo que We Sold Our Soul for Rock 'n' Roll es para Black Sabbath : una colección atemporal que todo metalero parecía tener en algún momento, la que parecía definir a la banda durante generaciones. No Remorse es uno de esos álbumes clásicos, sin duda".
En 2017, ocupó el séptimo lugar en la lista de Rolling Stone de "Los 100 mejores álbumes de metal de todos los tiempos"; la única recopilación en la lista.
Al comentar sobre esta elección para una banda que nunca cambió su fórmula, JD Considine dijo: "Parece más apropiado, entonces, representar a Motörhead con una antología. No Remorse puede ofrecer 29 versiones de lo que es esencialmente lo mismo, pero cada tema es singularmente asombroso: el estribillo aullante y de mala suerte de "Ace of Spades", el trueno de locomotora bajo "Overkill", la guitarra electrizante de "Bomber", la genial estupidez de "Killed by Death", o la sobrecarga anfetamínica de "Motorhead" en vivo de No Sleep 'til Hammersmith. A veces, una buena fórmula es todo lo que realmente necesitas".
Para celebrar el décimo aniversario de la banda, se organizaron dos conciertos en el Hammersmith Odeon los días 28 y 29 de junio; se grabó un vídeo del segundo concierto que posteriormente se publicó como “The Birthday Party”.
Desde principios de junio hasta principios de agosto, la banda estuvo de gira por Suecia y Noruega con su tour “It Never Gets Dark”, al que siguió una gira por Estados Unidos desde mediados de noviembre hasta finales de diciembre.
Del 26 de marzo al 3 de abril de 1986, la banda realizó una gira por Alemania Occidental, los Países Bajos y Dinamarca con su "Easter Metal Blast" y, en junio, ofreció dos conciertos en Bolonia y Milán, Italia.
El caso judicial con Bronze se resolvió finalmente a favor de la banda y fundaron su propio sello discográfico, GWR.
La primera grabación tuvo lugar en los estudios Master Rock de Londres y el sencillo "Deaf Forever" se lanzó el 5 de julio como adelanto del álbum “Orgasmatron”, que se publicó el 9 de agosto.
El mismo día del lanzamiento del álbum, Lemmy y Würzel fueron entrevistados por Andy Kershaw en el programa Saturday Live de BBC Radio 1, donde se reprodujeron "Orgasmatron" y "Deaf Forever".
El sencillo alcanzó el puesto número 67 y el álbum el número 21 en las listas del Reino Unido.
Es el primer álbum de la banda en el que participan dos guitarristas, Phil "Wizzö" Campbell y Michael "Würzel" Burston, y también el único álbum de estudio completo de Motörhead en el que Pete Gill toca la batería, aunque los tres también participaron en las nuevas canciones grabadas para el álbum recopilatorio “No Remorse”, grabado y publicado en 1984.
Este es también el primer álbum de la banda con una formación de cuatro integrantes, en lugar del trío habitual.
“Orgasmatron” fue producido por el compositor y músico inconformista Bill Laswell, quien anteriormente había producido a artistas tan diversos como Herbie Hancock, Mick Jagger y PIL.
El álbum se grabó en once días en los estudios Master Rock de Londres.
Fue el primer álbum de estudio completo de la banda en tres años y puso a Motörhead de nuevo en el buen camino después del aclamado por la crítica, pero comercialmente fallido álbum de 1983, “Another Perfect Day”, llegando al número 21 en las listas del Reino Unido.
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy afirma: "Resultó que Bill era bueno para conseguir sonidos, pero lo estropeó todo en la mezcla. El álbum era mucho mejor cuando lo llevó a Nueva York que cuando lo trajo de vuelta... Fue horrible. Orgasmatron era un desastre".
Lemmy también escribió que el título del álbum no tenía nada que ver con la máquina inductora de orgasmos que aparecía en la película futurista de Woody Allen, “Sleeper”, que ni siquiera había visto, y que el título provisional del álbum había sido “Riding with the Driver”.
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, el guitarrista Phil Campbell se lamenta: "Creo que la producción nos falló en Orgasmatron . Las canciones eran realmente buenas. Les dedicamos mucho esfuerzo".
Campbell añadió que Laswell intentó fusionar "sonidos de hip-hop primitivo" con la música de Motörhead y no funcionó.
La canción que da título al álbum refleja la repulsión de Lemmy hacia la hipocresía.
Joel McIver cita a Lemmy en sus memorias sobre Motörhead, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”: "Se refiere a las tres cosas que más odio en la vida: la religión organizada, la política y la guerra. Cosas como la gente que va a la iglesia y se corre en los pantalones mientras se comunica con Jesucristo. Es todo una farsa. Si de verdad te gusta eso, no necesitas ir a la iglesia ni hablar con Dios, puedes hablar con Él en cualquier parte, ¿sabes? O si te unes a un partido político y te diviertes con eso, cuando tu partido gana y todo eso. Es el instinto de rebaño. Lo mismo ocurre con la guerra. Te dan un uniforme nuevo y bonito y te llevan a morir".
En la gira “Orgasmatron”, la banda intentó una vez más reemplazar el popular sistema de iluminación con forma de bombardero que habían usado durante años en sus conciertos con una "máquina Orgasmatron", pero el accesorio, al igual que el puño de hierro gigante de la gira “Iron Fist”, fue un desastre.
Lemmy recordó a John Robinson de Uncut en 2015: "Teníamos este enorme Orgasmatron y después de construirlo... nos dimos cuenta de que no podíamos meterlo en la mayoría de los locales, ¿no es maravilloso?".
La canción "Orgasmatron" fue regrabada en 2000 y estuvo disponible para su descarga en Internet bajo el nombre "Orgasmatron 2000".
Posteriormente, se incluyó en la caja recopilatoria de cinco discos de la banda, “Stone Deaf Forever!”, publicada en 2003 .
El título provisional del álbum era “Ridin' with the Driver” y luego se cambió a “Orgasmatron”; era demasiado tarde para que Joe Petagno cambiara la portada y se usó el diseño del tren.
Además de aludir al nombre original del álbum, Petagno también comentó sobre el concepto detrás de la portada del álbum en el DVD extra del 30 aniversario de “Inferno”: "Lemmy vivía en una casa flotante entonces y coleccionaba maquetas de trenes. Dijo: 'Sabes, Joseph, quiero un maldito tren'. Me pareció raro... pero, una vez más, funcionó".
El boceto preliminar mostraba el tren Orgasmatron yendo en la dirección opuesta, pero Petagno "decidí girarlo para que saliera de la imagen en lugar de entrar en ella. Me dio muchos problemas, porque intentaba encajar la cabeza delante del tren con esta pala de vaca. Pero al final funcionó".
Al igual que el álbum anterior de Motörhead, “Another Perfect Day”, “Orgasmatron” tuvo un éxito comercial limitado.
Parte del material del álbum se mantuvo en el repertorio en vivo de la banda de forma intermitente a lo largo de los años: "Doctor Rock" abrió los conciertos durante un tiempo; "Built for Speed", una referencia a la droga preferida de Lemmy y al estilo de música que tocaban, se tocó durante algunos años; "Deaf Forever", "Nothing Up My Sleeve" y "Mean Machine" también tuvieron su momento de gloria.
El álbum recibió críticas generalmente positivas.
Robert Christgau, quien le dio una crítica positiva, declaró: "Admiro la integridad, la brutalidad y la obsesión del metal, pero no soporto sus delirios de grandeza, la forma en que imita y malinterpreta las nociones reaccionarias de nobleza. Una cosa que me gusta de Lemmy es que está orgulloso de ser un paleto; común como el barro y tenaz en su voluntad de hacerse sentir como tal. Añádele esa virtud tan rara del metal, un sentido del humor, que sin duda se extiende a las propias convenciones de la música, como en el tema principal de su primer álbum en tres años llenos de litigios: 'Deaf Forever', un chiste bastante bueno ahí mismo (especialmente para los fans de Sabbath), resulta ser un himno de campo de batalla, sobre un cadáver. Y luego añade a Bill Laswell, que nació para hacer que la megalomanía tenga significado: mientras que la mayoría de la producción de metal gravita hacia un golpe sordo que resalta el grito del cantante y la reconfortante reverberación de la guitarra característica, Laswell La feroz claridad chasquea como un látigo, inspirando a Lemmy, nunca lento en esta liga, a gritar una llamada 'Built for Speed'. Resultado: una obra de arte".
La reseña de AllMusic dice: “Laswell enriquece la mezcla con detalles sonoros adicionales, lo que funciona especialmente bien en la canción que da título al álbum. La producción, con sus densas capas sonoras, ayuda a transformar la canción y su sencillo riff en un festival de ruido psicodélico y contundente. En otras partes, la producción a veces tiene el efecto de atenuar la energía de la banda, sonando extrañamente procesada y carente de la crudeza de sus trabajos anteriores (lo que presagia su declive en los años venideros)”.
En 2005, “Orgasmatron” fue clasificado en el puesto número 313 en el libro de la revista Rock Hard de “Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos”.
En 1991, Chuck Eddy clasificó a “Orgasmastron” en el puesto número 72 en su libro de los “500 mejores álbumes de heavy metal”.
Señala que "de ninguna manera se adapta" al speed metal, como lo demuestra el "ritmo de fondo explícitamente influenciado por la música disco" del disco, las canciones más lentas con voces "rapeadas" que forman su pieza central, la producción excesiva de Laswell (quien normalmente trabaja con artistas como Afrika Bambaataa o Herbie Hancock) y su aparición en "un sello que normalmente trabaja con Run-DMC", así como la referencia a Woody Allen en el título.
Considerándola simultáneamente la música más comercial y arriesgada que Motörhead haya grabado, Eddy le atribuye a Laswell el mérito de acentuar el ataque de la banda al colocar el extremo grave al frente y escribe: "Cada lado comienza con una gigantesca melodía de síncopa -rock ' dance'-, se descompone en un par de detonaciones rápidas y rebeldes familiares, y luego culmina con una pesadilla claustrofóbica enmarcada en ruido blanco no wave".
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Lemmy Kilmister (Tercera parte)
"Ace of Spades", considerada el himno definitivo de Motörhead, "ahogó las listas de éxitos musicales inglesas y demostró a todos que una banda podía tener éxito sin sacrificar su potencia y velocidad sin concesiones".
Para coincidir con el lanzamiento de “Ace of Spades”, Big Beat, que había heredado el catálogo de Chiswick, reunió cuatro temas inéditos de las sesiones de Escape Studios de 1977 y los lanzó como “Beer Drinkers and Hell Raisers”, un EP lanzado en noviembre de 1980.
El EP consta de cuatro temas grabados durante las sesiones de su primer álbum, “Motörhead”, pero que no habían sido publicados previamente.
El lanzamiento no fue autorizado por la banda, aunque no se opusieron. El EP entró en las listas de sencillos del Reino Unido el 22 de noviembre, donde alcanzó el puesto número 43, alcanzando el número 1 en la lista Indie del Reino Unido.
Los cuatro temas se grabaron durante las sesiones del álbum de Motörhead de 1977 y se consideraron tomas descartadas.
Por ello, solo se publicaron tardíamente después de que “Ace of Spades” alcanzara el puesto número 4 en la lista de álbumes del Reino Unido en 1980.
A pesar del éxito de la banda en ese momento, el EP no tuvo ningún impacto en las listas británicas.
Unos años más tarde, el jefe del sello Chiswick, Ted Carroll, volvería a recurrir a los archivos de su sello para lanzar una retrospectiva de una grabación en directo de la misma época, titulada “What's Words Worth?”.
Lemmy ha declarado sobre los lanzamientos del catálogo antiguo de Chiswick Records de Ted Carroll: "Es un tipo genial y si no fuera por Ted, no existiría Motörhead, así que Ted tiene carta blanca, puede hacer lo que quiera con el catálogo antiguo".
La versión original de ZZ Top de "Beer Drinkers & Hell Raisers", grabada para su álbum de 1973, “Tres Hombres”, presenta líneas vocales intercambiadas entre el guitarrista Billy Gibbons y el bajista Dusty Hill, alternándose ambos en cada línea.
La versión de Motörhead replicó este arreglo, con el bajista Lemmy y el guitarrista "Fast" Eddie Clarke intercambiando líneas.
Esto marcó el debut de Clarke como vocalista principal, y también fue una de las pocas canciones de Motörhead que contó con la voz de alguien que no fuera Lemmy, siendo las otras "Step Down", "I'm Your Witchdoctor" y "Emergency".
Una versión anterior de "On Parole" había sido grabada por la banda en 1975 para un álbum de United Artists que finalmente fue archivado, y el ex guitarrista Larry Wallis lanzó una versión como cara B de su sencillo de 1977 de Stiff Records "Police Car".
La canción fue un elemento básico en el repertorio inicial de Motörhead, como se ejemplifica en "What's Words Worth?", aunque fue eliminada definitivamente algún tiempo después de 1979 a medida que el repertorio de la banda crecía.
"I'm Your Witchdoctor" ("una gran canción", declara Lemmy en su autobiografía de 2002) es una versión de John Mayall & the Bluesbreakers que fue otro elemento básico del repertorio de la banda alrededor de 1977-78.
"Instro", la única composición original del EP, es una pista instrumental poco común de la banda que, según se cree, nunca se terminó debido a la falta de tiempo en el estudio durante las sesiones de 1977 de las que se extrajo.
El EP de vinilo se publicó como una edición de 7" (NS61) y como una edición de 12" (SWT61), ambos formatos se prensaron en vinilo negro, azul, naranja, rosa y blanco y también hubo una funda de 7" 'Radio Play'.
Junto con la cara B del sencillo de Motörhead, "City Kids", las pistas de este EP se incluyeron en la reedición en CD de 1988 de Motörhead por Big Beat Records.
En 1982, Big Beat Records lanzó ediciones alemanas y francesas que añadieron las pistas adicionales "Vibrator", "White Line Fever", "City Kids", "Keep Us on the Road", "Lost Johnny" y "Motörhead".
Se lanzó en el habitual vinilo negro (A 120 174) y como un picture disc (PD 120 174).
Han sido pistas adicionales en el álbum original “Motörhead” desde que Big Beat Records las agregó en la reedición de 1988, y posteriormente por Chiswick y Ace Records en 2001 para su lanzamiento remasterizado.
En su libro de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver critica el título del EP, diciendo: "Este es un ejemplo temprano de los muchos, muchísimos intentos de las diversas compañías discográficas que arruinaron, quiero decir, manejaron, la carrera de Motörhead para convertirlos en versiones menos sofisticadas de sí mismos".
La banda tuvo más éxitos en las listas en 1981 con la versión en vivo de "Motorhead", que alcanzó el Nº 6 en la lista de sencillos del Reino Unido en julio; y con el lanzamiento del EP “St. Valentine's Day Massacre”, su colaboración con Girlschool que alcanzó el Nº 5 en la lista de sencillos del Reino Unido en febrero.
Cuando Girlschool estaba grabando en Rickmansworth con el productor Vic Maile, tuvo la idea de que Motörhead y Girlschool grabaran un sencillo juntos.
El resultado fue este EP de tres pistas, en el que las bandas hicieron un dueto en una versión de "Please Don't Touch" de Johnny Kidd & The Pirates.
Las bandas también hicieron versiones de la otra, con Motörhead interpretando "Emergency" de Girlschool y Girlschool tocando "Bomber" de Motörhead.
El EP se grabó mientras el baterista de Motörhead, Phil "Philthy Animal" Taylor, no estaba disponible para tocar debido a una lesión, por lo que la baterista de Girlschool, Denise Dufort, tocó en las tres canciones.
La portada muestra a las dos bandas vestidas como gánsteres de la época de la prohibición y sus cómplices .
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy arremetió contra los críticos que lo acusaban de sexista, citando su trabajo con Girlschool.
Declaró: "Cuando encuentro buenas rockeras, les echo una mano. Nunca recibiré ningún reconocimiento por ayudar a impulsar a las mujeres en el rock 'n' roll, pero lo he hecho".
En 2011, admitió a John McNair de Mojo: "Sinceramente, pienso en las mujeres que he perdido, no en los exmiembros de Motörhead. Wendy O. Williams era una gran mujer. Una auténtica locura. Y Kelly Johnson de Girlschool, que también murió joven, lo cual fue una terrible lástima. Tuve un pequeño romance con Kelly. Era una chica guapa y una gran guitarrista. La gente solía decir: 'Está bien para ser una chica', y yo les decía: '¡Es mejor que tú, cabrón!'. En una buena noche, Kelly tocaba como Jeff Beck".
El EP se lanzó en 1981 en formatos de vinilo de 7" y 10", con la misma portada y lista de canciones y alcanzó el número 5 en la lista de sencillos del Reino Unido.
Existe una edición pirata de “St. Valentine's Day Massacre”, un álbum doble de vinilo de 12" con etiquetas blancas.
Contiene grabaciones de los sets de Motörhead y Girlschool de un especial de televisión de Rockstage de 1981 desde el Theatre Royal en Nottingham.
El 19 de febrero de 1981, bajo el nombre de Headgirl, las dos bandas tocaron "Please Don't Touch" en el programa Top of the Pops de la BBC para apoyar el lanzamiento del EP.
También interpretaron la canción en el episodio 62 del programa de televisión alemán “Musikladen”, que se emitió el 4 de abril de 1981.
Las canciones "Please Don't Touch" y "Emergency" aparecieron en el álbum recopilatorio de 1984 “No Remorse” y posteriormente en la reedición de 1996 de Castle Records de “Ace of Spades”.
Sin embargo, los temas fueron omitidos de la edición de lujo de 2 CD de Sanctuary Records de 2005, que forma parte de la serie de remasterizaciones de Sanctuary de los primeros seis álbumes de estudio publicados bajo los sellos Bronze y GWR.
Joel McIver señala en su libro de 2011 sobre la banda, “Overkill: The Untold Story of Motorhead”, "Aunque el EP alcanzó el número 5 en la lista de sencillos del Reino Unido e incluso los críticos le dieron una aprobación a regañadientes, no pocos puristas lo consideran un desvío hacia un terreno menos serio, casi novedoso, que marcó el comienzo de una preocupante tendencia por parte de Motorhead a involucrarse en proyectos que estaban por debajo de su nivel".
AllMusic: "Este glorioso artefacto documenta uno de los desvíos más peculiares en la carrera de Motörhead, siempre a toda velocidad".
Durante marzo de 1981, la banda había estado de gira por Europa, y en la última semana del mes realizaron la gira británica "Short Sharp, Pain in the Neck" de la que se hicieron las grabaciones para “No Sleep 'til Hammersmit”.
El LP original “No Sleep 'Til Hammersmith” incluye dos canciones de su álbum debut, la canción que da título al disco “Bomber” de 1979, cinco canciones de “Overkill” de 1979 y tres canciones de “Ace of Spades”.
La canción "Motorhead" se lanzó como sencillo y se convirtió en el mayor éxito de la banda en las listas, alcanzando el número 6 en el Reino Unido.
Excepto "Iron Horse/Born to Lose", que fue grabada en un concierto de 1980, “No Sleep 'til Hammersmith” se grabó en conciertos de Leeds y Newcastle durante la gira “Short Sharp Pain in the Neck”.
El nombre de la gira hacía referencia a una lesión que sufrió Taylor cuando se golpeó la cabeza durante un juego después del concierto.
El título hace referencia al importante recinto musical londinense Hammersmith Odeon (ahora Apollo), a menudo la última parada de las giras de la banda por el Reino Unido.
Pero a pesar del nombre, este recinto no se utilizó en esta gira, ya que los conciertos fueron: el 27 de marzo de 1981: Pabellón de West Runton, Norfolk, Inglaterra; el 28 de marzo de 1981: Queen's Hall, Leeds, Inglaterra; el 29 de marzo de 1981: Ayuntamiento de Newcastle, Inglaterra; el 30 de marzo de 1981: Ayuntamiento de Newcastle, Inglaterra y el 3 de abril de 1981: Centro de ocio Maysfield, Belfast, Irlanda del Norte.
Entre bastidores en Leeds y Newcastle, la banda recibió discos de plata y oro por las ventas de “Ace of Spades”, plata por “Overkill” y plata por "Please Don't Touch".
El sonido en el Queens Hall de Leeds no fue bueno y la mayor parte del álbum original se tomó de Newcastle.
El vocalista y bajista Lemmy declaró que originalmente pretendían que “No Sleep 'til Hammersmith” fuera un álbum doble, pero solo tenían suficiente material para tres caras.
“Todavía me suena bien… Estábamos en medio de una gira de 53 conciertos, así que para entonces ya tocábamos en automático. Estábamos muy compenetrados, y eso se nota en el disco… Hay errores. Siempre hay errores en un álbum en directo… así es la vida. La vida no es perfecta, y yo no soy diferente. Creo que grabé un par de líneas vocales adicionales en Hammersmith, pero no hay canciones falsas”.
En el momento del lanzamiento del álbum, la banda estaba en medio de su primera gira por Norteamérica, teloneando a Ozzy Osbourne.
"Cuando salió 'No Sleep 'Til Hammersmith'", dijo Lemmy a James McNair de Mojo en 2011, "hizo una diferencia financiera, pero gran parte se reinvirtió en el espectáculo".
“No Sleep 'til Hammersmith” representa el punto álgido de la banda en cuanto a posiciones en las listas.
Tras el éxito del EP “St. Valentine's Day Massacre” y del álbum y sencillo “Ace of Spades”, alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido.
Lemmy creía que su éxito se debía a la creciente expectación de sus fans por un álbum en directo, dado que la banda había realizado numerosas giras en el pasado, pero también lo consideraba su "caída" debido a la dificultad de mantener ese éxito.
“Estaba dormido en Nueva York… Nuestro gerente me llamó y le dije: «¡Qué más da, estoy dormido, llámame luego!». Un par de minutos después, me di cuenta [del número uno] y me puse de pie de golpe. Nos iba bien. No teníamos ni idea de que el maldito suelo dañado estaba a la vuelta de la esquina”.
Jason Birchmeier de AllMusic escribió: “La actuación: en una palabra, es vertiginosa. [...] Motörhead no podía equivocarse en este momento, ya que estaban sentando las bases del movimiento thrash que vendría después, en cierto modo, y su racha ganadora continúa aquí en No Sleep 'Til Hammersmith, uno de los mejores álbumes de metal en vivo de todos los tiempos”.
En el libro de 2011 “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el biógrafo Joel McIver lo llama “la cima de la carrera de la formación Lemmy/Clarke/Philthy”.
Robert Christgau escribió: “La poderosa definición de Vic Maile aniquila mi prejuicio contra las grabaciones en vivo. Los remakes de mentiras piadosas como 'No Class' y 'Stay Clean' y cartas de presentación como 'Bomber' y 'Motorhead' ahorran valioso espacio en la estantería. ¿Y qué si me da dolor de cabeza? A veces, un dolor de cabeza es un alivio”.
El Daily Telegraph lo calificó como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos.
También aparece en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En octubre, la banda grabó temas en el estudio Maida Vale de la BBC para el programa de David Jensen, emitido el 6 de octubre.
La banda inició una gira europea el 20 de noviembre, con Tank como teloneros, tras lo cual Clarke produjo el álbum debut de Tank, “Filth Hounds of Hades”, en los estudios Ramport entre diciembre y enero.
Entre el 26 y el 28 de enero de 1982, la banda comenzó a grabar su nuevo álbum autoproducido en los estudios Ramport, antes de trasladarse a los estudios Morgan para continuar las sesiones durante todo febrero.
El 3 de abril se lanzó el sencillo "Iron Fist", que alcanzó el puesto número 29 en la lista de sencillos del Reino Unido, seguido del álbum principal “Iron Fist”, lanzado el 17 de abril y que alcanzó el puesto número 6 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Estos fueron los últimos lanzamientos con la formación Lemmy, Clarke y Taylor, aunque la formación continuó actuando en la gira “Iron Fist UK” entre el 17 de marzo y el 12 de abril, y en la primera gira de la banda como cabeza de cartel en Norteamérica desde el 12 de mayo hasta la última actuación de Clarke en el New York Palladium el 14 de mayo.
Al igual que con “Ace of Spades” de 1980, la grabación comenzó con el productor Vic Maile en su estudio Jackson's en Rickmansworth en 1981.
Motörhead disfrutaba de su mayor éxito comercial en ese momento, ya que su álbum en directo “No Sleep 'til Hammersmith” debutó en el número 1 de las listas británicas.
Tras una pausa en la grabación para que la banda tocara en algunos conciertos de noviembre y diciembre con Tank, la banda de Algy Ward, Clarke produjo el álbum debut de Tank con la ayuda de Will Reid Dick.
Poco después, Maile abandonó el proyecto Motörhead, y existen explicaciones contradictorias sobre el motivo.
Una de ellas es que Clarke no estaba contento con las sesiones producidas por Maile y decidió que el álbum debía grabarse por su cuenta, aunque Lemmy lamentó en aquel momento que: "Es una pena haber perdido a Vic en cierto modo porque pensé que había sido un éxito".
Sin embargo, en el documental de Motörhead “The Guts and the Glory”, Clarke insiste en que el baterista Phil "Philthy Animal" Taylor se negó a trabajar con el productor después de que Maile le consiguiera un sonido de batería insatisfactorio, afirmando: "[...] y entonces un día Phil se giró hacia mí y me dijo: 'Escucha, Eddie, ¿por qué no lo haces tú?' Y yo le dije: 'Hombre, no quiero hacerlo, estoy tocando en el disco'... Lo juro por Dios, estaba muy reacio".
En la misma película, Lemmy afirma: "Me cabreó que dejaran que Eddie lo produjera. Aunque en ese momento no me enfadé. Bien por él. Pero se hizo evidente después de su lanzamiento: recapacité y me di cuenta de que era una basura, casi todo. Y hay al menos tres canciones que ni siquiera estaban terminadas. Las terminamos en el estudio, ¿sabes?, como si las hubiéramos improvisado. Era un álbum mediocre. Pero el problema es: ¿cómo superar un álbum en directo que llegó directamente al número uno? No hay nada que puedas hacer".
El álbum se grabó durante la mayor parte de finales de enero y febrero de 1982 en los estudios Morgan y Ramport de Londres, con Clarke como productor y Dick como ingeniero de sonido.
Clarke dijo que la grabación: "[...] me cabreó mucho. Al final tuve que producirlo porque nos peleamos con Maile y no pudimos encontrar un sustituto. Lemmy tampoco estaba muy concentrado".
Al tener dificultades para encontrar un nombre para la canción principal del álbum, Lemmy recordó la vez que la banda había actuado en directo bajo el nombre de Iron Fist and the Hordes from Hell por motivos contractuales (de ese evento se publicó un álbum posterior titulado “What's Words Worth?”), y decidió que era un nombre apropiado para este proyecto.
El nombre finalmente se acortó a simplemente “Iron Fist”.
Se hizo una película promocional de la banda vestida con armadura de cuero con tachuelas y blandiendo espadas anchas, descrita por Lemmy como "todos vestidos como idiotas, pavoneándose en un bosque en South Mimms en lugar de pavoneándose en South Mimms vestidos como vaqueros idiotas", con Clarke agregando que parecían "un grupo de hadas pavoneándose con armadura puesta... Es muy difícil no hacerlo".
La banda emprendió una gira por el Reino Unido del 17 de marzo al 12 de abril con Tank como teloneros.
Esta iba a ser la primera gira en la que dejarían de usar el sistema de iluminación de bombarderos, ya que Lemmy sentía que tenían que "hacer algo nuevo tarde o temprano" a pesar de ser "el mejor espectáculo que he visto en mi vida".
El sistema fue reemplazado por un puño de hierro gigantesco que se suponía que desplegaría su mano, pero, como Lemmy explicó a John Robinson de Uncut en 2015, falló e hizo un "gesto grosero" a la multitud.
La banda continuó de gira para promocionar el álbum, visitando Norteamérica en mayo y junio, Japón a finales de junio y, tras algunas actuaciones en festivales de verano, Europa continental en octubre y noviembre.
La primera fecha de la gira norteamericana, el 12 de mayo en el CNE Coliseum (ahora Ricoh Coliseum) de Toronto, fue filmada y posteriormente lanzada en video como “Live in Toronto” y más tarde como disco extra de la edición de lujo del CD.
En su autobiografía de 2002, “White Line Fever”, Lemmy recuerda que en el concierto de Toronto: "Eddie estuvo fatal, y yo también; me dio un calambre a mitad del concierto y no pude tocar".
La promoción del álbum llegó hasta la edición de mayo de 1982 de Rennbahn Express, una revista austriaca que incluía un flexidisc gratuito con extractos de "Iron Fist", "Sex and Outrage", "Don't Let 'em Grind You Down" y "Loser".
Robert Reumann entrevista a Lemmy en inglés y se le añade una traducción al alemán.
El lanzamiento del álbum impulsó a Bronze/Mercury en Canadá a publicar “The Complete Motörhead Kit”, que incluía un vinilo de 12 pulgadas de edición limitada con "Iron Fist", "Too Late, Too Late", "Remember Me, I'm Gone", "Ace of Spades" y "Motörhead" (del álbum “No Sleep 'til Hammersmith”), además de un programa de la gira, un póster de la gira y un parche bordado con el logotipo de la banda.
Después del segundo concierto el 14 de mayo en el Palladium de Nueva York, Clarke dejó la banda, siendo reemplazado por el ex guitarrista de Thin Lizzy, Brian Robertson, y la gira se reanudó una semana después, el 21 de mayo, en Detroit.
Los malos sentimientos entre Kilmister y Clarke llevaban tiempo gestándose, pero el punto de quiebre llegó cuando Lemmy decidió grabar una versión del clásico country de Tammy Wynette, "Stand By Your Man", con Wendy O. Williams y los Plasmatics.
Cuando le pidieron que tocara en el sencillo, Clarke dejó la banda.
Lemmy reflexionó sobre la partida del guitarrista en sus memorias de 2002: "En realidad, Eddie solía dejar la banda cada dos meses, pero esta vez simplemente no le pedimos que volviera. No intentamos convencerlo, por eso se mantuvo alejado; eso lo sorprendió un poco. Pero estábamos hartos de él porque siempre se alteraba y bebía mucho por aquel entonces. Ahora está mucho mejor desde que dejó de beber... Mirando hacia atrás, y debo decir que con la perspectiva del tiempo todo se ve más claro, fue bueno para nosotros separarnos cuando lo hicimos. No estaríamos aquí ahora si hubiéramos seguido haciéndonos cada vez más famosos. Habríamos terminado siendo un grupo de idiotas con casas en el campo y divorciados. Así que creo que fue mejor para la moral de Motörhead en general. Es importante que una banda tenga hambre de éxito porque esa es la motivación que hace que todas las bandas funcionen. Y si alguien sabe lo que es tener hambre de éxito durante largos periodos de tiempo, soy yo".
Lemmy reiteró en 2000 que “Iron Fist” era: "[...] malo, inferior a cualquier otra cosa que hayamos hecho. Que Eddie lo produjera fue un error que probablemente incluso él admitiría ahora... no estábamos preparados para hacer otro álbum, no me importa lo que diga nadie".
Clarke sostiene en “The Guts and the Glory”: "[...] No fue tanto el álbum en sí, creo que fue la actitud con la que se hizo lo que lo hizo malo. Para mí, cada vez que lo escucho, siento que algo no está del todo bien... Las canciones habrían sido mejores si hubiéramos trabajado como un solo equipo".
AllMusic afirma con entusiasmo que “Iron Fist” es "un excelente álbum de Motörhead, y no hay mucho de qué quejarse", pero reconoce que "la producción de Clarke es un poco estéril" al tiempo que elogia "varias canciones destacadas... en medio de una sólida selección en general".
El guitarrista Brian Robertson firmó un contrato con la banda para un álbum que dio como resultado “Another Perfect Day” de 1983.
El baterista Phil "Philthy Animal" Taylor, quien había sido un gran fan de Thin Lizzy, había presionado al vocalista, bajista y líder de la banda, Lemmy, para que contratara a Robertson.
El cambio fue inicialmente bien recibido tanto por Lemmy como por Taylor; en el libro de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita a Lemmy diciendo en ese momento que el sonido de la banda tenía: "[El sonido] ha cambiado un poco desde que Brian se unió a la banda; creo que se ha vuelto más musical".
Estos sentimientos cambiarían drásticamente una vez que entraran al estudio con el productor Tony Platt; Lemmy lo recordaría años después en el documental de Motörhead “The Guts and the Glory”: "Grabar Another Perfect Day fue una auténtica tortura. Brian se pasaba diecisiete horas haciendo una sola pista de guitarra. Tardaba muchísimo comparado con los otros álbumes. Y luego, cuando salió, todo el mundo lo odió".
La edición original en vinilo incluía un inserto con las letras y un guion gráfico de dibujos animados sobre las aventuras de la nueva banda.
Las versiones en casete y LP estadounidense tenían una lista de canciones muy diferente, con "I Got Mine" abriendo el álbum y "Back at the Funny Farm" abriendo la cara B.
La banda promocionó el álbum con la gira “Another Perfect Tour”, y casi de inmediato tanto el público como el personal de la industria notaron el chocante contraste entre Lemmy y Taylor, vestidos con sus habituales prendas de cuero, y Robertson, quien comenzó a usar pantalones cortos de satén y zapatos de esparto sin cordones en el escenario, que se estaban poniendo bastante de moda a mediados de la década de 1980.
En su autobiografía de 2002, “White Line Fever”, Lemmy escribe: "El estilo de Brian siguió sorprendiendo y horrorizando a los fans durante toda la gira europea de fin de año. ¡Seamos sinceros, las zapatillas de ballet y Motörhead no combinan!".
Lemmy comenzó a restarle importancia a la vestimenta de Robertson durante los conciertos, pero le explicó al entrevistador de Classic Rock, David Ling: "Toda esa mierda de vestir diferente, todo ese rollo de llevar pantalones cortos ridículos, era solo para fastidiarme. O para asegurarse de que todo el mundo supiera que no estaba en Motörhead, sino que era solo un artista invitado, haciéndonos un favor desde las alturas como guitarrista de Thin Lizzy".
En sus memorias, Lemmy puso el álbum en perspectiva: "Necesitábamos otro guitarrista rápidamente para poder continuar la gira, y elegimos a Brian Robertson, que había estado en Thin Lizzy. Técnicamente, era mejor guitarrista que Eddie, pero al final no encajaba en Motörhead. Con Robbo, nuestro declive comenzó a acelerarse, lo cual fue realmente injusto, porque el disco que grabamos con él, Another Perfect Day, era muy bueno... Another Perfect Day ha resistido el paso del tiempo; muchos fans ahora se han retractado y les gusta. Pero eso no nos ayudó en aquel entonces".
Tras el álbum y la gira, Robertson dejó la banda.
Desde entonces, "Shine", "Die You Bastard!", "Dancing on Your Grave", "I Got Mine", "Another Perfect Day", "One Track Mind" y "Rock It" han formado parte del repertorio en directo de la banda.
En 2013, Lemmy declaró a Lee Marlow de Classic Rock que no había hablado con Robertson desde 1983 y mantuvo: "He disfrutado de todas las alineaciones, pero no de esa. Fue el peor momento de nuestra carrera".
Joe Petagno, el artista que diseñó la portada, comentó que esta se inspiró en la agitación que reinaba en la banda y entre sus miembros en aquel momento: "No escuché la música. Creo que obtuve una mezcla preliminar. Era diferente. Pero la hice en una caja de cerveza, con un tablero de dibujo en mi regazo, algunas pinturas y un cubo de agua a mi lado. Y la razón por la que resultó como resultó fue un caos total. Caos en mi vida y caos en la vida de Lemmy. La llevé a Londres para entregársela personalmente a los chicos y todos se quedaron alucinados. Nunca habían visto nada igual. Y recuerdo que Philthy dijo: "¡Joder, tío! Si los chicos ven eso bajo los efectos del LSD, ¡se van a volver locos!... Es una de mis portadas favoritas".
En 1988, Castle Communications reeditó este álbum junto con “Overkill” en una funda desplegable.
John Franck de AllMusic llama a “Another Perfect Day” "uno de los álbumes más singulares (aunque incomprendidos) de todo el catálogo de Motörhead", y añade que es uno de "los discos con mejor sonido de la banda, pero experimentar con una fórmula legendaria siempre conlleva riesgos (¿es ese un piano boogie-woogie en 'Rock It'?), y como cabría esperar, los resultados son alternativamente estimulantes y a veces frustrantes".
El biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió en 2011 que "merece la pena volver a escucharlo para aquellos que hayan olvidado sus auténticos encantos".
La banda de thrash metal Sepultura tomó su nombre de la tercera canción de este álbum, "Dancing on Your Grave" ("grave" significa "sepultura" en portugués).
Las canciones "Back at the Funny Farm" y "Marching Off to War" aparecieron en el videojuego “Brütal Legend”.
Después de la partida de Robertson, la banda recibió cintas de guitarristas de todo el mundo que deseaban ser considerados para un lugar en Motörhead.
El grupo volvió al concepto de guitarras solistas dobles al contratar a los desconocidos Würzel y Phil Campbell (anteriormente de Persian Risk).
En febrero de 1984, la formación de Lemmy, Campbell, Würzel y Taylor grabó "Ace of Spades" para el episodio "Bambi" de la serie de televisión británica “The Young Ones”.
Las escenas de la banda tocando se intercalan con las payasadas de los personajes mientras corren hacia la estación de tren, en una parodia de la película de comedia de los Beatles “A Hard Day's Night”.
Taylor dejó la banda después de esa grabación, lo que provocó que Lemmy bromeara: "¿Los dejé yo o me dejaron ellos a mí?".
Antes de unirse a Motörhead, Phil Campbell había conocido al ex baterista de Saxon, Pete Gill, y el trío decidió llamarlo para ver si le gustaría visitar Londres.
Las pruebas salieron bien y Gill fue contratado.
Bronze Records pensó que la nueva formación no daría la talla y decidió "cerrar el círculo" del grupo con un álbum recopilatorio.
Cuando Lemmy se enteró, se hizo cargo del proyecto, seleccionando las canciones, escribiendo las notas de la carátula e insistiendo en que Motörhead grabara cuatro canciones completamente nuevas para el final de cada lado del álbum.
Durante las sesiones entre el 19 y el 25 de mayo de 1984 en los estudios Britannia Row, Londres, la banda grabó seis canciones para la cara B del sencillo y el álbum.
El sencillo "Killed by Death" se lanzó el 1 de septiembre y alcanzó el puesto número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido, el álbum doble “No Remorse” se lanzó el 15 de septiembre y alcanzó el estatus de disco de plata, llegando al puesto número 14 en las listas de álbumes del Reino Unido.
El álbum ofrece una visión general de la etapa de la banda con Bronze Records e incluye cuatro temas grabados recientemente.
Es el último álbum que la banda lanzó con Bronze Records, y el nuevo material es el primero en presentar la nueva formación de la banda compuesta por Lemmy, Phil Campbell, Würzel y Pete Gill.
Entre el 19 y el 25 de mayo de 1984, la nueva formación de Motörhead grabó seis canciones en los estudios Britannia Row de Londres: “Killed by Death”, “Snaggletooth”, “Steal Your Face”, “Locomotive” y dos canciones diferentes, ambas llamadas “Under the Knife”.
Las primeras cuatro de estas canciones cerraron cada lado del álbum doble en vinilo.
Las dos versiones de “Under the Knife” se publicaron el 1 de septiembre de 1984 como la cara B del vinilo de 12 pulgadas de “Killed by Death”.
Lemmy fue el encargado de seleccionar las canciones para el álbum recopilatorio y también proporcionó un comentario sobre cada una de ellas.
Además de la funda de cartón habitual, los LP originales también estaban disponibles en una funda de cuero auténtico con ilustraciones plateadas sobre fondo negro, completamente rediseñadas por Joe Petagno con mucho más detalle que la original y con varias diferencias (como una cruz de hierro).
Se lanzó una versión en casete en una funda de cuero con un texto que imitaba la advertencia sanitaria gubernamental que suele aparecer en los paquetes de cigarrillos, sobre el posible daño que el contenido podía causar a la salud.
También hicieron un anuncio de televisión para el álbum, que incluía un breve popurrí de varias canciones antes de que se escuchara la voz de Lemmy exclamando: "¡Sin remordimientos... sal y consíguelo!".
Motörhead promocionó el álbum a través de la gira “No Remorse – Death on the Road” entre el 24 de octubre y el 7 de noviembre de 1984.
La iniciaron con una aparición en el programa infantil matutino de ITV, The Saturday Starship.
El set, que también incluyó "Iron Fist", "Ace of Spades" y "Overkill", se realizó en el estacionamiento de los estudios de Central TV, Birmingham, lo que provocó quejas por el ruido.
El 26 de octubre, la banda hizo una aparición en vivo en el programa de música pop/rock de Channel 4, "The Tube", tocando "Killed by Death", "Steal Your Face" y "Overkill".
Sin embargo, los créditos del programa aparecieron durante "Steal Your Face", que se desvaneció al finalizar la transmisión.
"Overkill" se emitiría finalmente unos 20 años después, durante una serie retrospectiva de “Best of the Tube TV”.
Más tarde, Motörhead grabaría una canción llamada “No Remorse”, que aparece en su álbum “Hammered” de 2002.
Según las críticas contemporáneas, Don Snowden de The Boston Phoenix declaró que el álbum era "una retrospectiva doble cuidadosamente presentada" que, debido a la brevedad de las canciones, "dejaba a uno más vigorizado que agotado".
Snowden concluyó que la película "captura y encapsula su tema en un paquete impecable. No hace falta comprar otro álbum de Motörhead después de este; si alguna vez se produce el tan rumoreado crossover hardcore/metal, No Remorse demostrará que Motörhead llegó primero".
La reseña de AllMusic dice: "...A lo largo de las décadas se han publicado decenas y decenas de recopilaciones de Motörhead, pero la primera sigue siendo la definitiva, aunque no sea perfecta... No Remorse es para Motörhead lo que We Sold Our Soul for Rock 'n' Roll es para Black Sabbath : una colección atemporal que todo metalero parecía tener en algún momento, la que parecía definir a la banda durante generaciones. No Remorse es uno de esos álbumes clásicos, sin duda".
En 2017, ocupó el séptimo lugar en la lista de Rolling Stone de "Los 100 mejores álbumes de metal de todos los tiempos"; la única recopilación en la lista.
Al comentar sobre esta elección para una banda que nunca cambió su fórmula, JD Considine dijo: "Parece más apropiado, entonces, representar a Motörhead con una antología. No Remorse puede ofrecer 29 versiones de lo que es esencialmente lo mismo, pero cada tema es singularmente asombroso: el estribillo aullante y de mala suerte de "Ace of Spades", el trueno de locomotora bajo "Overkill", la guitarra electrizante de "Bomber", la genial estupidez de "Killed by Death", o la sobrecarga anfetamínica de "Motorhead" en vivo de No Sleep 'til Hammersmith. A veces, una buena fórmula es todo lo que realmente necesitas".
Para celebrar el décimo aniversario de la banda, se organizaron dos conciertos en el Hammersmith Odeon los días 28 y 29 de junio; se grabó un vídeo del segundo concierto que posteriormente se publicó como “The Birthday Party”.
Desde principios de junio hasta principios de agosto, la banda estuvo de gira por Suecia y Noruega con su tour “It Never Gets Dark”, al que siguió una gira por Estados Unidos desde mediados de noviembre hasta finales de diciembre.
Del 26 de marzo al 3 de abril de 1986, la banda realizó una gira por Alemania Occidental, los Países Bajos y Dinamarca con su "Easter Metal Blast" y, en junio, ofreció dos conciertos en Bolonia y Milán, Italia.
El caso judicial con Bronze se resolvió finalmente a favor de la banda y fundaron su propio sello discográfico, GWR.
La primera grabación tuvo lugar en los estudios Master Rock de Londres y el sencillo "Deaf Forever" se lanzó el 5 de julio como adelanto del álbum “Orgasmatron”, que se publicó el 9 de agosto.
El mismo día del lanzamiento del álbum, Lemmy y Würzel fueron entrevistados por Andy Kershaw en el programa Saturday Live de BBC Radio 1, donde se reprodujeron "Orgasmatron" y "Deaf Forever".
El sencillo alcanzó el puesto número 67 y el álbum el número 21 en las listas del Reino Unido.
Es el primer álbum de la banda en el que participan dos guitarristas, Phil "Wizzö" Campbell y Michael "Würzel" Burston, y también el único álbum de estudio completo de Motörhead en el que Pete Gill toca la batería, aunque los tres también participaron en las nuevas canciones grabadas para el álbum recopilatorio “No Remorse”, grabado y publicado en 1984.
Este es también el primer álbum de la banda con una formación de cuatro integrantes, en lugar del trío habitual.
“Orgasmatron” fue producido por el compositor y músico inconformista Bill Laswell, quien anteriormente había producido a artistas tan diversos como Herbie Hancock, Mick Jagger y PIL.
El álbum se grabó en once días en los estudios Master Rock de Londres.
Fue el primer álbum de estudio completo de la banda en tres años y puso a Motörhead de nuevo en el buen camino después del aclamado por la crítica, pero comercialmente fallido álbum de 1983, “Another Perfect Day”, llegando al número 21 en las listas del Reino Unido.
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy afirma: "Resultó que Bill era bueno para conseguir sonidos, pero lo estropeó todo en la mezcla. El álbum era mucho mejor cuando lo llevó a Nueva York que cuando lo trajo de vuelta... Fue horrible. Orgasmatron era un desastre".
Lemmy también escribió que el título del álbum no tenía nada que ver con la máquina inductora de orgasmos que aparecía en la película futurista de Woody Allen, “Sleeper”, que ni siquiera había visto, y que el título provisional del álbum había sido “Riding with the Driver”.
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, el guitarrista Phil Campbell se lamenta: "Creo que la producción nos falló en Orgasmatron . Las canciones eran realmente buenas. Les dedicamos mucho esfuerzo".
Campbell añadió que Laswell intentó fusionar "sonidos de hip-hop primitivo" con la música de Motörhead y no funcionó.
La canción que da título al álbum refleja la repulsión de Lemmy hacia la hipocresía.
Joel McIver cita a Lemmy en sus memorias sobre Motörhead, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”: "Se refiere a las tres cosas que más odio en la vida: la religión organizada, la política y la guerra. Cosas como la gente que va a la iglesia y se corre en los pantalones mientras se comunica con Jesucristo. Es todo una farsa. Si de verdad te gusta eso, no necesitas ir a la iglesia ni hablar con Dios, puedes hablar con Él en cualquier parte, ¿sabes? O si te unes a un partido político y te diviertes con eso, cuando tu partido gana y todo eso. Es el instinto de rebaño. Lo mismo ocurre con la guerra. Te dan un uniforme nuevo y bonito y te llevan a morir".
En la gira “Orgasmatron”, la banda intentó una vez más reemplazar el popular sistema de iluminación con forma de bombardero que habían usado durante años en sus conciertos con una "máquina Orgasmatron", pero el accesorio, al igual que el puño de hierro gigante de la gira “Iron Fist”, fue un desastre.
Lemmy recordó a John Robinson de Uncut en 2015: "Teníamos este enorme Orgasmatron y después de construirlo... nos dimos cuenta de que no podíamos meterlo en la mayoría de los locales, ¿no es maravilloso?".
La canción "Orgasmatron" fue regrabada en 2000 y estuvo disponible para su descarga en Internet bajo el nombre "Orgasmatron 2000".
Posteriormente, se incluyó en la caja recopilatoria de cinco discos de la banda, “Stone Deaf Forever!”, publicada en 2003 .
El título provisional del álbum era “Ridin' with the Driver” y luego se cambió a “Orgasmatron”; era demasiado tarde para que Joe Petagno cambiara la portada y se usó el diseño del tren.
Además de aludir al nombre original del álbum, Petagno también comentó sobre el concepto detrás de la portada del álbum en el DVD extra del 30 aniversario de “Inferno”: "Lemmy vivía en una casa flotante entonces y coleccionaba maquetas de trenes. Dijo: 'Sabes, Joseph, quiero un maldito tren'. Me pareció raro... pero, una vez más, funcionó".
El boceto preliminar mostraba el tren Orgasmatron yendo en la dirección opuesta, pero Petagno "decidí girarlo para que saliera de la imagen en lugar de entrar en ella. Me dio muchos problemas, porque intentaba encajar la cabeza delante del tren con esta pala de vaca. Pero al final funcionó".
Al igual que el álbum anterior de Motörhead, “Another Perfect Day”, “Orgasmatron” tuvo un éxito comercial limitado.
Parte del material del álbum se mantuvo en el repertorio en vivo de la banda de forma intermitente a lo largo de los años: "Doctor Rock" abrió los conciertos durante un tiempo; "Built for Speed", una referencia a la droga preferida de Lemmy y al estilo de música que tocaban, se tocó durante algunos años; "Deaf Forever", "Nothing Up My Sleeve" y "Mean Machine" también tuvieron su momento de gloria.
El álbum recibió críticas generalmente positivas.
Robert Christgau, quien le dio una crítica positiva, declaró: "Admiro la integridad, la brutalidad y la obsesión del metal, pero no soporto sus delirios de grandeza, la forma en que imita y malinterpreta las nociones reaccionarias de nobleza. Una cosa que me gusta de Lemmy es que está orgulloso de ser un paleto; común como el barro y tenaz en su voluntad de hacerse sentir como tal. Añádele esa virtud tan rara del metal, un sentido del humor, que sin duda se extiende a las propias convenciones de la música, como en el tema principal de su primer álbum en tres años llenos de litigios: 'Deaf Forever', un chiste bastante bueno ahí mismo (especialmente para los fans de Sabbath), resulta ser un himno de campo de batalla, sobre un cadáver. Y luego añade a Bill Laswell, que nació para hacer que la megalomanía tenga significado: mientras que la mayoría de la producción de metal gravita hacia un golpe sordo que resalta el grito del cantante y la reconfortante reverberación de la guitarra característica, Laswell La feroz claridad chasquea como un látigo, inspirando a Lemmy, nunca lento en esta liga, a gritar una llamada 'Built for Speed'. Resultado: una obra de arte".
La reseña de AllMusic dice: “Laswell enriquece la mezcla con detalles sonoros adicionales, lo que funciona especialmente bien en la canción que da título al álbum. La producción, con sus densas capas sonoras, ayuda a transformar la canción y su sencillo riff en un festival de ruido psicodélico y contundente. En otras partes, la producción a veces tiene el efecto de atenuar la energía de la banda, sonando extrañamente procesada y carente de la crudeza de sus trabajos anteriores (lo que presagia su declive en los años venideros)”.
En 2005, “Orgasmatron” fue clasificado en el puesto número 313 en el libro de la revista Rock Hard de “Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos”.
En 1991, Chuck Eddy clasificó a “Orgasmastron” en el puesto número 72 en su libro de los “500 mejores álbumes de heavy metal”.
Señala que "de ninguna manera se adapta" al speed metal, como lo demuestra el "ritmo de fondo explícitamente influenciado por la música disco" del disco, las canciones más lentas con voces "rapeadas" que forman su pieza central, la producción excesiva de Laswell (quien normalmente trabaja con artistas como Afrika Bambaataa o Herbie Hancock) y su aparición en "un sello que normalmente trabaja con Run-DMC", así como la referencia a Woody Allen en el título.
Considerándola simultáneamente la música más comercial y arriesgada que Motörhead haya grabado, Eddy le atribuye a Laswell el mérito de acentuar el ataque de la banda al colocar el extremo grave al frente y escribe: "Cada lado comienza con una gigantesca melodía de síncopa -rock ' dance'-, se descompone en un par de detonaciones rápidas y rebeldes familiares, y luego culmina con una pesadilla claustrofóbica enmarcada en ruido blanco no wave".
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 33
Lemmy Kilmister (Cuarta parte)
El 16 de agosto, la banda tocó en el festival Monsters of Rock en Castle Donington y fue grabada por BBC Radio 1 para una futura emisión del programa Friday Rock Show.
La actuación finalizó con un sobrevuelo de un par de aviones alemanes de la Segunda Guerra Mundial.
En septiembre, la banda realizó su gira "Orgasmatron" por Gran Bretaña, con el apoyo del grupo emergente Zodiac Mindwarp y The Love Reaction.
En octubre, realizaron una gira por Estados Unidos y en diciembre estuvieron en Alemania Occidental.
En 1987, Motörhead apareció en la película de Peter Richardson, “Eat the Rich”, protagonizada por el elenco habitual de The Comic Strip y el propio Lemmy, líder de Motörhead, en un pequeño papel como "Spider".
La banda escribió "Eat the Rich" especialmente para la película; su banda sonora incluía temas de “Orgasmatron” y el sencillo en solitario de Würzel, "Bess".
Sin embargo, justo cuando la banda estaba a punto de filmar su cameo, el baterista Pete Gill fue despedido y Phil "Philthy Animal" Taylor se reincorporó tras haber renunciado en 1984.
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy afirma que el despido de Gill era algo que se veía venir desde hacía tiempo.
"Peter era su peor enemigo; era otro que no se conformaba con estar en la banda. Se opuso a mí en un par de decisiones y también estaba molestando a Phil y a Wurzel. Me cansé de sus quejas, así que cuando nos hizo esperar veinte minutos en el vestíbulo de su hotel leyendo el periódico o algo así, fue la gota que colmó el vaso. Sé que suena trivial, pero la mayoría de los conflictos familiares lo son, ¿no? Y una banda es una familia".
Lemmy añade que sabía que Taylor, que había estado tocando con Frankie Miller y el ex guitarrista de Thin Lizzy, Brian "Robbo" Robertson, quería volver.
El segundo álbum de la banda para GWR fue “Rock 'n' Roll”, lanzado el 5 de septiembre, después de una intensa jornada de trabajo en el estudio.
Si bien tenía algunos temas populares y usó "Eat the Rich" como su segundo tema, la banda comentó que el álbum estaba prácticamente "hecho a la perfección".
“Rock 'n' Roll” sería el último álbum que Motörhead grabaría con el sello GWR y el último antes de que Lemmy se mudara del Reino Unido a Los Ángeles.
“Rock 'n' Roll" fue producido por la banda y Guy Bidmead en los estudios Master Rock y Redwood de Londres.
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, el guitarrista Phil Campbell afirma: "Me gusta. No es un gran álbum, pero... hay cosas que me gustan, muchas cosas buenas que me gustan".
Campbell añade que el gerente del estudio les informó que el estudio donde estaban grabando era propiedad de Michael Palin, y Motörhead —que eran todos grandes fans de Monty Python— invitó a Palin a que fuera a grabar una recitación para el álbum.
Palin apareció vestido con un atuendo de jugador de críquet de los años 40, con un suéter de cuello en V y el pelo peinado hacia un lado.
Lemmy recuerda que Palin entró y dijo: "Hola, ¿qué vamos a hacer ahora?", y Lemmy respondió: "Bueno, ya sabes, en El sentido de la vida, había un discurso que comenzaba con 'Oh Señor...'".
Palin respondió: "¡Ah! ¡Dame algo de catedral!" y entró y grabó el discurso de Motörhead: "Oh Señor, mira desde lo alto a esta gente".
En sus memorias de 2002, Lemmy analiza el álbum: "En fin, con la marcha de Pete, le devolvimos el trabajo a Phil Taylor. En retrospectiva, fue un error... las cosas ya no eran iguales, y debería haberlo sabido... Rock 'N' Roll es un buen disco, pero no es uno de los mejores... Nuestro mayor error fue elegir a Guy Bidmead para producirlo. En realidad, solo era un ingeniero, así que prácticamente lo produjimos nosotros mismos... Y (el guitarrista) Wurzel estaba pasando por un mal momento personal... Además de todo esto, no tuvimos tiempo suficiente para trabajar bien en las canciones, y cuando eso pasa, básicamente estás perdiendo el tiempo".
Al igual que los dos álbumes anteriores, no tuvo éxito comercial, a pesar de que Lemmy había aparecido en una película de comedia con el mismo nombre que el sencillo y en la banda sonora de "Eat the Rich".
Esto continuó la tendencia descendente de la banda hasta finales de los ochenta, sin un lanzamiento original hasta 1991, cuando publicaron el álbum “1916”.
Lemmy también escribe que “Rock 'n' Roll” tiene algunas canciones geniales, como "Dogs", "Boogeyman" y "Traitor", que tocaron "durante años", pero en general simplemente no parecía funcionar.
Joe Petagno tenía otras ideas para la portada de este álbum: "Tuve una idea genial y nadie quiso escucharme. La portada original de Rock 'N' Roll se suponía que iba hacia arriba. Dije: 'Miren, la lengua va hacia arriba. Esto está despegando... se suponía que iba como un cohete. Era como una bomba. Un proyectil de algún tipo. Cuando la terminé, me dijeron: 'No podemos hacer que vaya hacia arriba, no tiene sentido'. Así que va hacia abajo. No pude convencerlos. Esta maldita banda... (risas)".
Si bien Eduardo Rivadavia de AllMusic califica a Motörhead como "una banda de rock & roll en el sentido más puro", reconoce: “La composición de las canciones aquí es bastante insípida para los estándares de la banda, y el doble golpe del fenomenal tema que da título al álbum y la divertida 'Eat the Rich' (los únicos momentos realmente destacables del disco) terminan demasiado pronto".
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió: "Para ser francos, está lejos de ser el mejor trabajo de Motörhead, aunque, como todos sus álbumes, tiene algunos momentos brillantes, entre ellos 'Dogs', 'Traitor' y 'Stone Deaf Forever' [sic]".
Robert Christgau declaró: “Aunque se ha deshecho del séquito sonoro de Bill Laswell y ha vuelto a contratar al entrañable Philthy Animal Taylor para tocar la batería, el roce de Lemmy con el perfeccionismo parece haber transformado su filosofía de grabación. Esa capa grunge simplemente ha desaparecido, eliminada por el ataque vocal y percusivo contundente que convirtió a Orgasmatron en el ataque arrollador que habían prometido durante tanto tiempo. La composición sigue presente, aunque Eat the Rich, que termina con el equipo de Lemmy en el menú, es lo más cerca que llega a transmutar el metal como lo hizo Deaf Forever. Invitado divino: Michael Palin, que reza por pantalones”.
El álbum “Rock 'n' Roll" reavivó las esperanzas comerciales de Motörhead en Estados Unidos, y Lemmy se mudó definitivamente a Los Ángeles tras la grabación del disco.
Los fans estadounidenses parecían dispuestos a ver a la banda en directo y comprar sus álbumes, mientras que en Gran Bretaña se criticaba la pérdida de interés por Motörhead.
En 2016, Classic Rock clasificó a “Rock 'n' Roll” como el peor álbum de Motörhead jamás realizado.
El 2 de julio de 1988, Motörhead fue uno de los grupos que actuaron en el festival Giants of Rock en Hämeenlinna, Finlandia.
Los temas se publicaron como “No Sleep at All”, su tercer álbum en directo.
Publicado en octubre de 1988 por GWR Records, fue su único álbum en directo y su último lanzamiento con el sello discográfico, ya que continuaban los asuntos legales entre las partes.
Motörhead y su discográfica, GWR, discreparon sobre la elección de un sencillo del álbum; la banda quería lanzar "Traitor", que había aparecido en su último LP, “Rock 'N' Roll”, mientras que la discográfica defendía el clásico de Motörhead, "Ace of Spades".
Cuando la banda se percató del cambio, se negaron a que el sencillo se distribuyera en las tiendas, por lo que fue retirado y solo estuvo disponible durante la gira de "No Sleep at All" y a través del club de fans Motörheadbangers.
Si bien continuaron dando conciertos durante 1989 y 1990, Motörhead volvió a sentirse insatisfecho con su carrera, y se produjo un litigio con GWR, que no se resolvió hasta mediados de 1990.
En el libro “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el autor Joel McIver resume la precaria situación de la banda: “Durante gran parte de 1988 y 1989, la carretera siguió siendo el hogar de Motörhead, simplemente porque no tenían otra opción. Aunque los fans del metal seguían acudiendo en masa a sus conciertos y la banda tocaba con la misma intensidad de siempre, en retrospectiva era evidente que la industria discográfica y Motörhead nunca llegarían a un acuerdo. Los últimos años habían estado plagados de dificultades logísticas, siendo el autobús de gira su último refugio”.
En el folleto que acompaña a la edición remasterizada del CD, se cita al guitarrista Würzel diciendo: "Muchos fans decían que querían escuchar a esta formación en un álbum en directo. Parece que todo el mundo graba en el Hammersmith Odeon, ¿no? O en el Fillmore East cuando estaba de moda, o en el Budokan y todos esos sitios tan llamativos. Así que pensamos en hacerlo en Finlandia ...".
Para promocionar el álbum, la banda realizó una gira por Norteamérica, abriendo los conciertos de Slayer.
Lemmy admite que el álbum fue un error y fracasó en ventas, pero lo considera "aceptable" y cree que fue la mezcla lo que los decepcionó, explicando: "...Hicimos que Guy Bidmead mezclara la música porque queríamos darle otra oportunidad, principalmente porque había sido el protegido de Vic Maile y Vic era un excelente mezclador en vivo. Después de eso, creo que finalmente nos dimos cuenta de que Guy simplemente no era Vic Maile. Pero no me malinterpreten... después de todo lo que he dicho sobre Guy, fue solo porque recibía órdenes nuestras. ¡Era demasiado amable! ¡Vic sabía cuándo mandarnos a callarnos la boca!".
EMI Greece prensó un vinilo de 7" titulado "Live in Athens", con "Acropolis (Metropolis)" en la cara A y "Orgasmatron" en la cara B; las primeras 1000 copias del álbum venían precintadas.
Las canciones se habían grabado para el Greek Antenna Metal Show, para el cual Lemmy retituló "Metropolis" para adaptarlo a la ocasión.
Con el caso judicial con GWR Records resuelto, Motörhead firmó con Epic/WTG y pasó la segunda mitad de 1990 grabando un nuevo álbum y sencillo en Los Ángeles.
Justo antes de las sesiones del álbum, el exmánager de la banda, Doug Smith, publicó la grabación del concierto del décimo aniversario de la banda, en contra de los deseos de la banda, ya que le habían dicho previamente que no querían que se publicara, en 1986.
En el estudio grabaron cuatro canciones con el productor Ed Stasium, antes de decidir que tenía que irse.
Cuando Lemmy escuchó una de las mezclas de "Going to Brazil", pidió que subieran cuatro pistas, y al hacerlo escuchó claves y panderetas que Stasium había añadido sin su conocimiento.
Stasium fue despedido y Peter Solley fue contratado como productor.
La historia según Stasium fue que el consumo de drogas y alcohol de Lemmy había superado con creces los límites de la paciencia de Stasium, por lo que renunció.
“1916” fue el primer álbum de estudio de Motörhead en casi cuatro años, y su primer lanzamiento en WTG después de que se resolviera una batalla legal con GWR Records.
Algunas de sus canciones, incluidas "The One to Sing the Blues", "I'm So Bad (Baby I Don't Care)", "No Voices in the Sky", "Going to Brazil" y "Shut You Down", se interpretaron originalmente en las giras de Motörhead de 1989 y 1990.
La canción que da título al álbum, una balada inusualmente lenta en la que el canto de Lemmy está solo ligeramente acompañado, es un tributo y una reflexión sobre los jóvenes soldados que cayeron en batalla durante la Primera Guerra Mundial.
En sus memorias de 2002, Lemmy revela que la canción se inspiró en la Batalla del Somme: "Tanto 'Nightmare/The Dreamtime' como '1916' dependían en gran medida de los teclados, algo muy inusual para Motörhead, o para cualquier banda de heavy metal en 1990. Escribí la letra antes que la música. Trata sobre la Batalla del Somme en la Primera Guerra Mundial... Diecinueve mil ingleses murieron antes del mediodía, toda una generación destruida en tres horas. ¡Imagínense! Fue terrible: hubo tres o cuatro pueblos en el norte de Lancashire y el sur de Yorkshire donde toda esa generación de hombres fue aniquilada por completo".
Aunque canciones como la balada "Love Me Forever" y "Angel City" (que incluye un saxofón ) supusieron un cambio de estilo para la banda, el álbum aún conservaba el ensordecedor rock 'n' roll característico de Motörhead, incluyendo "I'm So Bad (Baby I Don't Care)" y "RAMONES", un homenaje a la banda punk Ramones, que versionó la canción.
En el libro de 2002 “Hey Ho Let's Go: The Story of the Ramones”, Everett True cita al cantante Joey Ramone diciendo: "Fue el máximo honor, como si John Lennon hubiera escrito una canción para ti".
En las notas del álbum, la banda dice: "A la gente que dejamos atrás: no queríamos dejarlos, ¡pero teníamos que irnos! Este álbum es mejor gracias a ello. Estábamos estancados y atrapados en la rutina de nuestra carrera, necesitábamos un cambio. Decidimos que un cambio de aires era una buena idea, y creemos que nos ha sentado bien, tanto musicalmente como en cuanto a actitud (que es aún peor)".
La ausencia de las banderas francesa, búlgara, rusa, serbia y portuguesa en la portada del álbum se explicó como un descuido involuntario.
"Love Me Forever" fue versionada posteriormente por Doro Pesch y Beyond the Black.
El LP recibió críticas mayoritariamente positivas de los críticos contemporáneos.
Robert Christgau le otorgó una calificación de A−, calificándolo de "sonoramente retrógrado y filosóficamente avanzado".
Rolling Stone comentó que el álbum "...logra mezclar crueldad y facilidad de escucha como nunca antes... creando un nuevo umbral de nitidez para el género. Afortunadamente, el enfoque más nítido solo hace que la crueldad de la interpretación del grupo sea más pronunciada".
Q también elogió el álbum y escribió que "a los 45 años, el padrino del thrash metal todavía no les da un respiro a los viejos... El noveno álbum de estudio de Motörhead es un pantano loco de ruido, las guitarras gemelas turboalimentadas de Wurzel y Campbell agregan un brillo de máquina moderna al enfoque más primitivo de la voz desgarradora de Lemmy".
Select Criticer calificó a "1916" como "el disco más cohesionado y francamente feroz que ha aparecido bajo el nombre de Motorhead desde la explosión atemporal de ' Ace of Spades ' en 1980... Motorhead necesitaba urgentemente un álbum como este, pero nadie podría haber adivinado que lo harían de forma tan convincente".
En una reseña retrospectiva, Alex Henderson de AllMusic escribió que "el sonido de la banda no había cambiado mucho, y el tiempo no había hecho que su enfoque contundente fuera menos atractivo... ya sea que el tema sea divertido y humorístico o más serio, Motörhead está tan inspirado como siempre en 1916".
Al reseñar una reedición en el sello Hear No Evil, Kris Needs escribió en Classic Rock: "Uno de sus conjuntos más completos, esta reedición repleta de recuerdos viene con dos temazos que no están en el álbum, 'Eagle Rock' y el tren infernal desbocado 'Dead Man's Hand'".
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, Lemmy declaró: "Ese fue realmente el álbum del renacimiento para Motörhead, 1916 ... Recibió excelentes críticas, cosa que [su predecesor] Rock 'n' Roll no consiguió".
El álbum fue nominado a “Mejor Interpretación de Metal” en los Premios Grammy de 1992, pero perdió ante “Metallica (The Black Album)” de Metallica, lanzado aproximadamente seis meses después de "1916".
La banda realizó su gira "It Serves You Right" por Gran Bretaña en febrero, seguida de la gira "Lights Out Over Europe", que duró hasta principios de abril, cuando la banda regresó a Gran Bretaña para tocar en otros seis lugares.
En junio, la banda tocó en cinco fechas en Japón y en cinco fechas en Australia y Nueva Zelanda.
Entre julio y agosto, recorrieron Estados Unidos con Judas Priest, Alice Cooper, Metal Church y como teloneros Dangerous Toys en la gira "Operation Rock 'n' Roll".
La banda finalizó el año con seis fechas en Alemania durante diciembre.
El 28 de marzo de 1992, la banda tocó lo que resultaría ser el último compromiso de Taylor en Irvine Meadows, Irvine, California.
La banda había estado queriendo que Lemmy se deshiciera de su mánager, Doug Banker, durante algún tiempo y después de una visita no solicitada de Todd Singerman, quien insistió en que debería representarlos a pesar de nunca haber representado a una banda antes, la banda se reunió con Singerman y decidió tomarlo a bordo, despidiendo a Banker.
En medio de esto, la banda estaba grabando un álbum en Music Grinder Studios, en la parte este de la ciudad de Hollywood durante los disturbios de Los Ángeles de 1992.
Unos meses antes, Lemmy había coescrito cuatro canciones para el exitoso álbum de Ozzy Osbourne de 1991, “No More Tears”, por invitación de la esposa y mánager de Ozzy, Sharon Osbourne, incluyendo "I Don't Want to Change the World", "Desire", "Hellraiser" y el exitoso sencillo "Mama, I'm Coming Home", generando ingresos muy necesarios para la grabación del próximo álbum de la banda.
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy recuerda: "Ese fue uno de los trabajos más fáciles que he tenido: Sharon me llamó y me dijo: 'Te doy X cantidad de dinero para que escribas algunas canciones para Ozzy', y yo le dije: 'Vale, ¿tienes un bolígrafo?'. Escribí seis o siete letras, y al final usó cuatro... Gané más dinero escribiendo esas cuatro canciones que con quince años de Motörhead. ¡Es una locura, ¿verdad?!".
La banda se reunió con el productor Pete Solley, quien produjo su álbum “1916”, para grabar “March ör Die”.
Al principio de la grabación, el baterista Phil Taylor se separó de Motörhead por segunda vez, ya que sus habilidades y compromiso se pusieron en duda.
Taylor había dejado la banda en 1984 para trabajar en un nuevo proyecto con el guitarrista Brian Robertson, pero se reincorporó en 1987.
En la biografía de Motörhead de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el guitarrista Phil Campbell habla sobre la segunda partida de Taylor: "Por alguna razón, simplemente no estaba en su mejor momento. La cosa se estaba poniendo fea. No podía tocar cuatro compases sin equivocarse. Durante los tres años que estuvo de vuelta, hicimos todo lo posible, pero... no veía nada malo en su forma de tocar la batería, lo cual era aún peor. Nosotros estábamos ensayando en el estudio y él estaba lavando su coche".
En el mismo libro, Lemmy, si bien sostenía que las habilidades de Taylor se habían deteriorado, admitió: "El golpe más duro fue probablemente despedir a Phil Taylor por segunda vez, porque nunca lo habría hecho si hubiera estado cumpliendo con su parte, pero no lo estaba, y no podía obligarlo. Fue un golpe duro, porque sabía que lo iba a devastar, y así fue, y eso me molestó muchísimo".
Tras la repentina partida de Taylor en medio de la grabación de un álbum, la banda se apresuró a encontrar un reemplazo.
Posteriormente, “March ör Die” presenta a tres bateristas: Taylor, Tommy Aldridge y Mikkey Dee, quien más tarde se uniría a la banda como miembro permanente hasta la muerte de Lemmy.
Otro baterista, Garry Bowler (también conocido como Magpie), trabajó en la pista de batería para la demo de "Stand" durante una sesión de 1991 en Londres con Würzel y Campbell.
En el documental “The Guts and the Glory”, Dee, a quien anteriormente se le había pedido que se uniera a Motörhead antes de que optara por unirse a la banda solista de Don Dokken, habló sobre reemplazar a Taylor: "Tenía dos opciones: o lo reemplazaba o me unía a la banda. No podía reemplazarlo. Tenía que unirme a la banda y hacer lo mío. Tenía que cambiar la banda, tenía que tocar diferente, verme diferente, simplemente ser diferente. O me aceptaban o no. Puedo sobretocar estas canciones. Puedo tocar la batería por todas partes y demostrar lo bueno que soy, ya sabes, con un millón de cosas, pero eso no es Motörhead. Me gusta que sea directo y pesado. Menos es mucho más en una banda como esta".
Lemmy conocía a Mikkey Dee desde la época en que King Diamond había estado de gira con Motörhead.
Le había pedido a Dee que se convirtiera en el baterista de Motörhead, pero Dee había rechazado debido a su compromiso con King Diamond.
En esta ocasión, Dee estaba disponible y se reunió con la banda para hacer una prueba.
Al tocar primero la canción "Hellraiser", Lemmy pensó "era muy bueno de inmediato. Era obvio que iba a funcionar".
Después de grabar "Hellraiser" y "Hell on Earth" en el estudio, el primer compromiso de Dee con Motörhead fue el 30 de agosto en el Saratoga Performing Arts Center.
Ozzy Osbourne canta a dúo con Lemmy en el tema "I Ain't No Nice Guy", que también cuenta con la participación de Slash, de Guns N' Roses, en la guitarra principal.
Slash también participa en el tema "You Better Run".
Dado que tanto Osbourne como Guns N' Roses gozaban de una enorme popularidad en ese momento, "I Ain't No Nice Guy" parecía destinada a convertirse en un gran éxito radiofónico, pero según las memorias de Lemmy, Sony intentó suprimir el sencillo porque estaba utilizando WTG Records como deducción fiscal.
"'Ain't No Nice Guy' fue un éxito radiofónico, pero fue gracias a nosotros, sin ninguna ayuda de Sony ni de su departamento de marketing en Epic. 'Ain't No Nice Guy' llegó al número 10 de las listas de radio, y Sony ni siquiera hizo una llamada. ¡Imagínense lo que habría pasado si le hubieran dedicado el más mínimo esfuerzo! Pero no: intentaron impedir que la pusieran. Solo necesitábamos unos quince mil dólares para grabar un videoclip, pero no nos lo permitieron. Así que invertimos unos 8000 dólares de nuestro propio bolsillo e hicimos el nuestro. Ozzy y Slash, que son muy simpáticos, incluso vinieron y aparecieron en él. Aunque el vídeo es un poco caótico, no quedó del todo mal. Pero MTV no lo puso durante un tiempo porque Sony tardó tres semanas en firmar la autorización".
El álbum incluye una versión del clásico de Ted Nugent de 1977 "Cat Scratch Fever", que fue idea de Campbell.
La canción "Hellraiser", grabada y lanzada anteriormente por Ozzy Osbourne para su álbum de 1991 “No More Tears”, apareció en la película de 1992 “Hellraiser III: Hell on Earth”.
La banda regrabó "You Better Run" en 2004 como "You Better Swim" para la película de “Bob Esponja”.
Las sesiones de grabación de “March ör Die” tuvieron lugar en Los Ángeles y coincidieron con el estallido de los disturbios de Rodney King en la ciudad.
El estudio donde la banda estaba grabando se encontraba en la trayectoria de la violencia.
Lemmy recordó más tarde en Classic Rock Revisited: "Estaba grabando una voz, terminé y entré al salón. Había una televisión encendida que mostraba una casa en llamas. Miré por la ventana y vi el otro lado de la misma casa. Salir de allí en coche fue como atravesar una zona de guerra, porque toda la manzana estaba en llamas. Todo se oscureció y lo único que se veía eran manzanas enteras ardiendo. Fue genial".
Las críticas de “March ör Die” fueron mixtas.
La reseña de AllMusic afirma: "Aquí es donde todo estuvo a punto de salir terriblemente mal. Animado por un nuevo acuerdo de distribución con Epic Records y su reciente colaboración con su viejo amigo Ozzy Osbourne en su exitoso álbum No More Tears , Lemmy, de Motörhead, se propuso alcanzar el éxito comercial como nunca antes y, como resultado, casi echó por tierra su impecable legado".
Entertainment Weekly escribió: "March or Die trasciende con creces los límites del heavy metal convencional".
La nueva formación luego salió de gira, tocando fechas con Ozzy Osbourne, Skew Siskin y Exodus.
El 27 de septiembre, la banda tocó en el Los Angeles Coliseum con Metallica y Guns N' Roses.
La banda realizó una gira por Argentina y Brasil durante octubre y llevó a cabo la gira europea "Bombers and Eagles in '92" con Saxon durante todo diciembre.
Motörhead tocó dos fechas en la Arena Obras Sanitarias de Buenos Aires en abril de 1993 y realizó una gira por Europa desde principios de junio hasta principios de julio, regresando a Estados Unidos para dar un concierto en el New York Ritz el 14 de agosto.
Se buscó un nuevo productor para el siguiente álbum de la banda y finalmente se eligió a Howard Benson, quien produciría los siguientes cuatro álbumes de la banda.
La banda grabó en A&M Studios y Prime Time Studios en Hollywood y el álbum resultante, titulado “Bastards”, se lanzó el 29 de noviembre de 1993.
Es uno de los dos álbumes de estudio con la efímera formación de Lemmy, Würzel, Zööm y Mikkey Dee, ya que en el álbum anterior Dee era un baterista invitado especial y no se había unido oficialmente a la banda.
También fue el primero de los cuatro álbumes de Motörhead producidos por el ex productor de Child'ƨ Play, Howard Benson, y el primer álbum de estudio de Motörhead que no contenía una canción que le diera título.
Los temas de las letras abarcan desde la crítica social ("On Your Feet or on Your Knees"), hasta la guerra ("Death or Glory" y "I am the Sword"), el abuso infantil ("Don't Let Daddy Kiss Me") y el caos total ("Burner").
Lemmy también afirma en sus memorias que ofreció la canción "Don't Let Daddy Kiss Me" tanto a Joan Jett como a Lita Ford: "Porque pensé que una chica debería cantarla, pero nadie la interpretó".
Apenas se publicó fuera de Alemania, país de origen del sello discográfico, aparte de la serie original lanzada a nivel mundial, hasta la reedición de “Steamhammer” en 2001, y de lo contrario tuvo que importarse.
“Bastards” es citado por la banda como uno de sus mejores trabajos.
En el documental “The Guts and the Glory”, el guitarrista Phil Campbell se muestra entusiasmado: "Trabajamos muchísimo en eso. Las canciones estaban ahí, el compromiso estaba ahí, la interpretación estaba ahí, la producción estaba ahí, todo estaba ahí... Estoy muy orgulloso de ese álbum. No tiene ningún defecto. Algunas canciones geniales".
En su autobiografía Lemmy lo llama: "Uno de los mejores álbumes que hemos hecho".
Sin embargo, lamenta que la discográfica de la banda, ZYX, con sede en Alemania, no la promocionara fuera de Alemania.
"Es muy decepcionante cuando te esfuerzas al máximo en un álbum, estás realmente encantado con el resultado y a nadie más le importa, especialmente a tu compañía discográfica".
La canción "Born to Raise Hell" fue regrabada posteriormente con Ice-T y Whitfield Crane, vocalista de Ugly Kid Joe, y lanzada como sencillo (incluida una versión en picture disc).
Esta versión de la canción apareció en la película “Airheads”.
Joe Petagno, artista de portadas de Motörhead desde hace mucho tiempo, reveló en una rara entrevista incluida en el DVD extra de la edición del 30 aniversario de “Inferno” que el álbum originalmente se iba a titular “Devils”.
Ya había diseñado una portada que reflejara este título cuando se cambió.
Además de aludir al nombre original del álbum, Petagno también ofreció esta perspectiva sobre el concepto de la portada: "Bastards fue un diseño que hice en respuesta a March ör Die. Esa maldita portada horrible. Me cabreó. Fue lo peor que he visto en mi vida. Así que pensé: bueno, quieren algo así, lo haré bien. Se lo envié al club de fans de Motörheadbangers, a Alan Burridge, y le gustó tanto que lo puso en la portada de la revista de fans. Cuando Lemmy lo vio, lo quiso, así que Devils se convirtió en Bastards".
“Bastards” alcanzó el puesto número 28 en Alemania y también entró en las listas de éxitos de Suecia y Japón.
La reseña de AllMusic dice: "Temas de thrash metal gloriosamente distorsionados como 'On Your Feet or on Your Knees' y 'Death or Glory' marcan la pauta, y 'Born to Raise Hell' es sin duda uno de los mayores clásicos recientes de la banda".
Ultimate Classic Rock clasificó a “Bastards" como el cuarto mejor álbum de Motörhead, comentando: "La respuesta extraordinariamente eficaz de Motörhead al peor momento de su carrera, March or Die, Bastards de 1993, se erige ahora como uno de sus mayores logros".
Se realizó otra gira por Europa durante diciembre de ese año.
En febrero y marzo de 1994, Motörhead realizó una gira por Estados Unidos con Black Sabbath y Morbid Angel.
Mientras tanto vio la luz “Live at Brixton '87”, su quinto álbum en directo, que fue grabado el 23 de diciembre de 1987 en la Brixton Academy de Londres, pero no se publicó hasta marzo de 1994.
Fue lanzado por Roadrunner Records bajo licencia, pero sin el permiso de la banda, lo que le confiere un lugar controvertido en su discografía.
La banda originalmente tenía la intención de usar este concierto para lo que se convertiría en el álbum en vivo “Nö Sleep at All” de 1988, pero debido a que este material "desapareció" durante algunos años, no pudieron, y en su lugar se usó el concierto finlandés de unos 6 meses después en el Giants of Rock Festival.
Este concierto estuvo disponible como grabación pirata durante muchos años, antes de que finalmente se lanzara con licencia bajo el sello holandés Roadrunner Records en 1994, pero la calidad del sonido sigue siendo muy mala para un álbum en vivo "producido".
No se masterizó bien a partir de las cintas originales, y la reedición de Sanctuary Records de 2005 tampoco parece haber sido remasterizada.
El concierto en sí es más un testimonio de “Orgasmatron” de 1986 y del álbum “Rock 'N' Roll” de 1987, ya que la mayoría de estas canciones nunca se volvieron a tocar en vivo después de que esta gira terminó en 1988.
Publicado originalmente en 1994 como “Live at Brixton”, pero rebautizado como “Live at Brixton '87” en 2005 por Sanctuary Records.
Algunos de los temas son clásicos, pero la mayoría son canciones que la banda no ha interpretado desde esta gira.
"Doctor Rock", del álbum de estudio anterior “Orgasmatron”, y "Just 'Cos You Got the Power", del sencillo "Eat the Rich", no volverían a escucharse hasta el DVD de 2004, “Stage Fright”.
"Stay Clean", "Metropolis" y "Ace of Spades" solo habían faltado en dos álbumes oficiales en directo: “Live in Toronto” de 1982 con Eddie Clarke y el ampliamente pirateado “Live in Manchester” de 1983 con Brian Robertson a la guitarra, publicado oficialmente en 2005 como disco extra en la remasterización de “Another Perfect Day”, por lo que su inclusión no es sorprendente.
"Deaf Forever" y "Built for Speed" de “Orgasmatron”; "Eat the Rich", "Stone Deaf in the USA", "Traitor" y "Dogs" de “Rock 'N' Roll”; todas se interpretaron en vivo únicamente durante la gira de 1986-88, ya que en los noventa fueron eliminadas por completo del repertorio en vivo, incluso para conciertos ocasionales.
Esta es la única grabación oficial en vivo de la canción "Rock 'N' Roll" que la banda ha lanzado.
Cabe destacar que en este set faltan temas como "No Class", "Orgasmatron", "Motörhead", "Killed by Death" y "Overkill", todos ellos interpretados en el concierto, pero ausentes en esta edición y en la anterior, aunque existe una grabación pirata japonesa con el concierto completo en circulación.
Eduardo Rivadavia de AllMusics ha declarado: "...Los malos contratos discográficos han plagado la carrera de Motörhead, resultando en innumerables grabaciones en vivo de baja calidad y reediciones innecesarias, pero Live at Brixton de 1994 es una de las raras excepciones... Así que, si aún no has comprado No Sleep at All, ¡no lo hagas! Consigue este en su lugar...".
En abril de 1995, la banda reanudó su gira por Estados Unidos hasta principios de mayo, ofreciendo un concierto con los Ramones el 14 de mayo en el Estadio Vélez de Buenos Aires, atrayendo a una multitud de 50.000 personas.
La banda realizó una gira por Japón a finales de mayo y por Europa en junio, agosto y diciembre.
La gira de la banda en 1995 comenzó en Europa a finales de abril.
En junio, realizaron una segunda gira con Black Sabbath, esta vez con Tiamat como teloneros, hasta que la banda contrajo la gripe y regresó a Los Ángeles y a los estudios Cherokee en Hollywood, donde grabarían un álbum.
“Sacrifice”, su duodécimo álbum de estudio fue lanzado el 27 de marzo de 1995 a través de SPV/Steamhammer, siendo este su primer lanzamiento con dicho sello.
Es el segundo y último álbum con la formación compuesta por Lemmy, Phil Campbell, Würzel y Mikkey Dee, ya que Würzel abandonó la banda tras la grabación.
También es el último álbum con una formación de cuatro integrantes, puesto que volverían a ser un trío a partir de “Overnight Sensation” (1996).
Motörhead se reunió con el productor Howard Bensonpara “Sacrifice”.
"Este es un muy buen álbum", escribió el vocalista y bajista Lemmy en las notas de la carátula, "Póntelo y se te caerá la ropa de la novia".
Lemmy considera “Sacrifice” como uno de sus discos favoritos de la banda, a pesar de las dificultades que implicó, las cuales explicó como: "Howard nos estaba produciendo de nuevo, pero también acababa de conseguir un trabajo como A&R en un sello llamado Giant. Así que su mente estaba en al menos dos o tres sitios diferentes, y la mitad del tiempo el ingeniero, Ryan Dorn, se encargaba de mantenerlo todo en orden, siguiendo las indicaciones de Howard. Y cada día quedaba más claro que Würzel iba a dejar la banda. No se esforzaba nada y normalmente se quedaba sentado mientras componíamos, con la guitarra sobre las rodillas. Cuando dejábamos de tocar, él dejaba de tocar y cuando volvíamos a empezar, también".
En el documental “The Guts and the Glory”, los tres miembros de la banda expresan su pesar por la partida de Würzel, pero insisten en que era inevitable, y el baterista Mikkey Dee comenta: “Recuerdo que cuando sucedió, sentí pánico y satisfacción a la vez, porque Würzel también estaba harto de nosotros y nosotros de él. Era algo mutuo. Lo extraño muchísimo como persona, pero no como guitarrista. Al final, no servía para nada”.
Dee agregó en 2021 que la esposa de Würzel tenía la culpa de su salida de la banda, llamándola "perra".
Campbell, quien se unió a Motörhead con Würzel en 1984, recuerda: "Le llevó seis horas intentar hacer un solo en esta canción de Sacrifice y al final simplemente tiró la guitarra al suelo y salió corriendo; se llevó la guitarra consigo y eso fue básicamente todo".
En la misma película, Lemmy revela que Würzel empezó a sospechar que lo estaban estafando económicamente: "Solo tocó un solo en todo el álbum. Ya se había ido antes de que empezáramos a grabarlo. Su contribución fue mínima. Es una pena lo de Würzel; empezó a creer a la gente equivocada. Porque yo era su mejor amigo en la banda y fuera del escenario, su mejor amigo, y él no me creyó; empezó a acusarme de robarle dinero y esas cosas, como si necesitara el dinero de Würzel. O sea, yo tenía todo ese dinero de Hawkwind antes que él y de Motörhead antes que él; no necesitaba su maldito dinero, y no lo habría robado, aunque lo hubiera necesitado. Eso no va conmigo. Pero bueno, cada uno toma sus decisiones y sufre las consecuencias".
La banda entró al estudio con algunas canciones geniales, recuerda Lemmy, aunque "Sex & Death" se escribió en diez minutos el último día de grabación, "In Another Time" quedó irreconocible y hubo tres versiones de la letra de "Make 'Em Blind".
Dee y Campbell no se dieron cuenta de que "Out of the Sun" solo tenía dos estrofas y media y la habían ensayado así, pero Lemmy añadió otra sección cuando no había nadie más presente, con él tocando el bajo y Jamie, su técnico de sonido, la guitarra.
Luego les dio una cinta a los demás y según Lemmy, cuando Würzel la puso en el coche de alquiler, casi se sale de la carretera.
"Make 'Em Blind" surgió de la improvisación, con Campbell grabando el solo en una sola toma, cayéndose del sofá y de espaldas entre risas.
Lemmy afirma que el álbum contiene más sinsentido que la mayoría del anterior —las letras no tienen ningún significado que se pueda comprender— pero que transmiten el ambiente, especialmente la canción que da título al álbum y "Out of the Sun".
"Dog Face Boy" trata sobre Campbell, pero Lemmy decidió eso solo después de haberla escrito, comparando la línea "Pobre chico, otra vez fuera de sí/Avión afuera buscando otro amigo" con la costumbre de Campbell de llegar rápidamente a la ciudad y buscar diversión después de bajar del avión.
No tuvo éxito ni repercusión en las listas de ventas, y al igual que el álbum anterior, pasó prácticamente desapercibido para el público en general.
Con un nuevo sello discográfico, se lanzó correctamente, en comparación con “Bastards”, y el tema principal se ha mantenido en el repertorio en directo durante un tiempo, pero no se ha escrito mucho sobre este álbum que merezca la pena destacar.
El tema principal se utilizó en la película “Tromeo y Julieta”, una película en la que aparece Lemmy.
En la versión estadounidense de la portada del álbum, Würzel había sido borrado digitalmente, pero, según el libro de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, Lemmy insiste en que fue idea del sello discográfico, no suya: "Es una tontería, viendo que Würzel podría demandarnos y tendría razón, porque él está en el álbum".
En lugar de contratar a un nuevo guitarrista, la banda decidió volver a ser un trío.
Joe Petagno, el artista de las portadas de los dibujos, era conocido por incluir referencias a los genitales en sus obras, y esta no fue la excepción.
Comentó: "Hicieron todo lo posible por deshacerse de esos genitales [la lengua]. Es increíble cómo los genitales pueden irritar a la gente. Esta es una pequeña broma de Lemmy y mía. Nos gustan los genitales y Another Perfect Day tenía el doble pene de perro del que bromeamos. [La portada es] las hordas siendo enviadas al infierno, donde merecen estar. Y las batallas interminables, el odio, la guerra, la ignorancia. Una vez más. La gente piensa que soy antirreligioso, y lo soy. La gente piensa que soy antiestado, y lo soy. La gente piensa que soy antiguerra, y lo soy. Estoy en contra de todo lo que se interponga en el camino de un individuo para alcanzar la plenitud. Mis opiniones no se tratan de intentar provocar que la gente se mate entre sí. Estoy tratando de sanar la brecha entre el hombre y el espíritu. Soy un alarmista. Estoy tratando de asustar a la gente para que vuelva al camino [de la justicia y la libertad]".
AllMusic afirma que: “Sacrifice no ofrece nada nuevo, ni muestra una sutileza recién descubierta. Es simplemente Motörhead directo, vertiginoso y ensordecedor, con guitarras vibrantes, ritmos casi marciales y estribillos sorprendentemente pegadizos”.
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió que el álbum "era exactamente lo que uno espera: un disco decente, aunque poco espectacular, de Motörhead con un par de canciones clásicas aquí y allá".
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Lemmy Kilmister (Cuarta parte)
El 16 de agosto, la banda tocó en el festival Monsters of Rock en Castle Donington y fue grabada por BBC Radio 1 para una futura emisión del programa Friday Rock Show.
La actuación finalizó con un sobrevuelo de un par de aviones alemanes de la Segunda Guerra Mundial.
En septiembre, la banda realizó su gira "Orgasmatron" por Gran Bretaña, con el apoyo del grupo emergente Zodiac Mindwarp y The Love Reaction.
En octubre, realizaron una gira por Estados Unidos y en diciembre estuvieron en Alemania Occidental.
En 1987, Motörhead apareció en la película de Peter Richardson, “Eat the Rich”, protagonizada por el elenco habitual de The Comic Strip y el propio Lemmy, líder de Motörhead, en un pequeño papel como "Spider".
La banda escribió "Eat the Rich" especialmente para la película; su banda sonora incluía temas de “Orgasmatron” y el sencillo en solitario de Würzel, "Bess".
Sin embargo, justo cuando la banda estaba a punto de filmar su cameo, el baterista Pete Gill fue despedido y Phil "Philthy Animal" Taylor se reincorporó tras haber renunciado en 1984.
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy afirma que el despido de Gill era algo que se veía venir desde hacía tiempo.
"Peter era su peor enemigo; era otro que no se conformaba con estar en la banda. Se opuso a mí en un par de decisiones y también estaba molestando a Phil y a Wurzel. Me cansé de sus quejas, así que cuando nos hizo esperar veinte minutos en el vestíbulo de su hotel leyendo el periódico o algo así, fue la gota que colmó el vaso. Sé que suena trivial, pero la mayoría de los conflictos familiares lo son, ¿no? Y una banda es una familia".
Lemmy añade que sabía que Taylor, que había estado tocando con Frankie Miller y el ex guitarrista de Thin Lizzy, Brian "Robbo" Robertson, quería volver.
El segundo álbum de la banda para GWR fue “Rock 'n' Roll”, lanzado el 5 de septiembre, después de una intensa jornada de trabajo en el estudio.
Si bien tenía algunos temas populares y usó "Eat the Rich" como su segundo tema, la banda comentó que el álbum estaba prácticamente "hecho a la perfección".
“Rock 'n' Roll” sería el último álbum que Motörhead grabaría con el sello GWR y el último antes de que Lemmy se mudara del Reino Unido a Los Ángeles.
“Rock 'n' Roll" fue producido por la banda y Guy Bidmead en los estudios Master Rock y Redwood de Londres.
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, el guitarrista Phil Campbell afirma: "Me gusta. No es un gran álbum, pero... hay cosas que me gustan, muchas cosas buenas que me gustan".
Campbell añade que el gerente del estudio les informó que el estudio donde estaban grabando era propiedad de Michael Palin, y Motörhead —que eran todos grandes fans de Monty Python— invitó a Palin a que fuera a grabar una recitación para el álbum.
Palin apareció vestido con un atuendo de jugador de críquet de los años 40, con un suéter de cuello en V y el pelo peinado hacia un lado.
Lemmy recuerda que Palin entró y dijo: "Hola, ¿qué vamos a hacer ahora?", y Lemmy respondió: "Bueno, ya sabes, en El sentido de la vida, había un discurso que comenzaba con 'Oh Señor...'".
Palin respondió: "¡Ah! ¡Dame algo de catedral!" y entró y grabó el discurso de Motörhead: "Oh Señor, mira desde lo alto a esta gente".
En sus memorias de 2002, Lemmy analiza el álbum: "En fin, con la marcha de Pete, le devolvimos el trabajo a Phil Taylor. En retrospectiva, fue un error... las cosas ya no eran iguales, y debería haberlo sabido... Rock 'N' Roll es un buen disco, pero no es uno de los mejores... Nuestro mayor error fue elegir a Guy Bidmead para producirlo. En realidad, solo era un ingeniero, así que prácticamente lo produjimos nosotros mismos... Y (el guitarrista) Wurzel estaba pasando por un mal momento personal... Además de todo esto, no tuvimos tiempo suficiente para trabajar bien en las canciones, y cuando eso pasa, básicamente estás perdiendo el tiempo".
Al igual que los dos álbumes anteriores, no tuvo éxito comercial, a pesar de que Lemmy había aparecido en una película de comedia con el mismo nombre que el sencillo y en la banda sonora de "Eat the Rich".
Esto continuó la tendencia descendente de la banda hasta finales de los ochenta, sin un lanzamiento original hasta 1991, cuando publicaron el álbum “1916”.
Lemmy también escribe que “Rock 'n' Roll” tiene algunas canciones geniales, como "Dogs", "Boogeyman" y "Traitor", que tocaron "durante años", pero en general simplemente no parecía funcionar.
Joe Petagno tenía otras ideas para la portada de este álbum: "Tuve una idea genial y nadie quiso escucharme. La portada original de Rock 'N' Roll se suponía que iba hacia arriba. Dije: 'Miren, la lengua va hacia arriba. Esto está despegando... se suponía que iba como un cohete. Era como una bomba. Un proyectil de algún tipo. Cuando la terminé, me dijeron: 'No podemos hacer que vaya hacia arriba, no tiene sentido'. Así que va hacia abajo. No pude convencerlos. Esta maldita banda... (risas)".
Si bien Eduardo Rivadavia de AllMusic califica a Motörhead como "una banda de rock & roll en el sentido más puro", reconoce: “La composición de las canciones aquí es bastante insípida para los estándares de la banda, y el doble golpe del fenomenal tema que da título al álbum y la divertida 'Eat the Rich' (los únicos momentos realmente destacables del disco) terminan demasiado pronto".
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió: "Para ser francos, está lejos de ser el mejor trabajo de Motörhead, aunque, como todos sus álbumes, tiene algunos momentos brillantes, entre ellos 'Dogs', 'Traitor' y 'Stone Deaf Forever' [sic]".
Robert Christgau declaró: “Aunque se ha deshecho del séquito sonoro de Bill Laswell y ha vuelto a contratar al entrañable Philthy Animal Taylor para tocar la batería, el roce de Lemmy con el perfeccionismo parece haber transformado su filosofía de grabación. Esa capa grunge simplemente ha desaparecido, eliminada por el ataque vocal y percusivo contundente que convirtió a Orgasmatron en el ataque arrollador que habían prometido durante tanto tiempo. La composición sigue presente, aunque Eat the Rich, que termina con el equipo de Lemmy en el menú, es lo más cerca que llega a transmutar el metal como lo hizo Deaf Forever. Invitado divino: Michael Palin, que reza por pantalones”.
El álbum “Rock 'n' Roll" reavivó las esperanzas comerciales de Motörhead en Estados Unidos, y Lemmy se mudó definitivamente a Los Ángeles tras la grabación del disco.
Los fans estadounidenses parecían dispuestos a ver a la banda en directo y comprar sus álbumes, mientras que en Gran Bretaña se criticaba la pérdida de interés por Motörhead.
En 2016, Classic Rock clasificó a “Rock 'n' Roll” como el peor álbum de Motörhead jamás realizado.
El 2 de julio de 1988, Motörhead fue uno de los grupos que actuaron en el festival Giants of Rock en Hämeenlinna, Finlandia.
Los temas se publicaron como “No Sleep at All”, su tercer álbum en directo.
Publicado en octubre de 1988 por GWR Records, fue su único álbum en directo y su último lanzamiento con el sello discográfico, ya que continuaban los asuntos legales entre las partes.
Motörhead y su discográfica, GWR, discreparon sobre la elección de un sencillo del álbum; la banda quería lanzar "Traitor", que había aparecido en su último LP, “Rock 'N' Roll”, mientras que la discográfica defendía el clásico de Motörhead, "Ace of Spades".
Cuando la banda se percató del cambio, se negaron a que el sencillo se distribuyera en las tiendas, por lo que fue retirado y solo estuvo disponible durante la gira de "No Sleep at All" y a través del club de fans Motörheadbangers.
Si bien continuaron dando conciertos durante 1989 y 1990, Motörhead volvió a sentirse insatisfecho con su carrera, y se produjo un litigio con GWR, que no se resolvió hasta mediados de 1990.
En el libro “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el autor Joel McIver resume la precaria situación de la banda: “Durante gran parte de 1988 y 1989, la carretera siguió siendo el hogar de Motörhead, simplemente porque no tenían otra opción. Aunque los fans del metal seguían acudiendo en masa a sus conciertos y la banda tocaba con la misma intensidad de siempre, en retrospectiva era evidente que la industria discográfica y Motörhead nunca llegarían a un acuerdo. Los últimos años habían estado plagados de dificultades logísticas, siendo el autobús de gira su último refugio”.
En el folleto que acompaña a la edición remasterizada del CD, se cita al guitarrista Würzel diciendo: "Muchos fans decían que querían escuchar a esta formación en un álbum en directo. Parece que todo el mundo graba en el Hammersmith Odeon, ¿no? O en el Fillmore East cuando estaba de moda, o en el Budokan y todos esos sitios tan llamativos. Así que pensamos en hacerlo en Finlandia ...".
Para promocionar el álbum, la banda realizó una gira por Norteamérica, abriendo los conciertos de Slayer.
Lemmy admite que el álbum fue un error y fracasó en ventas, pero lo considera "aceptable" y cree que fue la mezcla lo que los decepcionó, explicando: "...Hicimos que Guy Bidmead mezclara la música porque queríamos darle otra oportunidad, principalmente porque había sido el protegido de Vic Maile y Vic era un excelente mezclador en vivo. Después de eso, creo que finalmente nos dimos cuenta de que Guy simplemente no era Vic Maile. Pero no me malinterpreten... después de todo lo que he dicho sobre Guy, fue solo porque recibía órdenes nuestras. ¡Era demasiado amable! ¡Vic sabía cuándo mandarnos a callarnos la boca!".
EMI Greece prensó un vinilo de 7" titulado "Live in Athens", con "Acropolis (Metropolis)" en la cara A y "Orgasmatron" en la cara B; las primeras 1000 copias del álbum venían precintadas.
Las canciones se habían grabado para el Greek Antenna Metal Show, para el cual Lemmy retituló "Metropolis" para adaptarlo a la ocasión.
Con el caso judicial con GWR Records resuelto, Motörhead firmó con Epic/WTG y pasó la segunda mitad de 1990 grabando un nuevo álbum y sencillo en Los Ángeles.
Justo antes de las sesiones del álbum, el exmánager de la banda, Doug Smith, publicó la grabación del concierto del décimo aniversario de la banda, en contra de los deseos de la banda, ya que le habían dicho previamente que no querían que se publicara, en 1986.
En el estudio grabaron cuatro canciones con el productor Ed Stasium, antes de decidir que tenía que irse.
Cuando Lemmy escuchó una de las mezclas de "Going to Brazil", pidió que subieran cuatro pistas, y al hacerlo escuchó claves y panderetas que Stasium había añadido sin su conocimiento.
Stasium fue despedido y Peter Solley fue contratado como productor.
La historia según Stasium fue que el consumo de drogas y alcohol de Lemmy había superado con creces los límites de la paciencia de Stasium, por lo que renunció.
“1916” fue el primer álbum de estudio de Motörhead en casi cuatro años, y su primer lanzamiento en WTG después de que se resolviera una batalla legal con GWR Records.
Algunas de sus canciones, incluidas "The One to Sing the Blues", "I'm So Bad (Baby I Don't Care)", "No Voices in the Sky", "Going to Brazil" y "Shut You Down", se interpretaron originalmente en las giras de Motörhead de 1989 y 1990.
La canción que da título al álbum, una balada inusualmente lenta en la que el canto de Lemmy está solo ligeramente acompañado, es un tributo y una reflexión sobre los jóvenes soldados que cayeron en batalla durante la Primera Guerra Mundial.
En sus memorias de 2002, Lemmy revela que la canción se inspiró en la Batalla del Somme: "Tanto 'Nightmare/The Dreamtime' como '1916' dependían en gran medida de los teclados, algo muy inusual para Motörhead, o para cualquier banda de heavy metal en 1990. Escribí la letra antes que la música. Trata sobre la Batalla del Somme en la Primera Guerra Mundial... Diecinueve mil ingleses murieron antes del mediodía, toda una generación destruida en tres horas. ¡Imagínense! Fue terrible: hubo tres o cuatro pueblos en el norte de Lancashire y el sur de Yorkshire donde toda esa generación de hombres fue aniquilada por completo".
Aunque canciones como la balada "Love Me Forever" y "Angel City" (que incluye un saxofón ) supusieron un cambio de estilo para la banda, el álbum aún conservaba el ensordecedor rock 'n' roll característico de Motörhead, incluyendo "I'm So Bad (Baby I Don't Care)" y "RAMONES", un homenaje a la banda punk Ramones, que versionó la canción.
En el libro de 2002 “Hey Ho Let's Go: The Story of the Ramones”, Everett True cita al cantante Joey Ramone diciendo: "Fue el máximo honor, como si John Lennon hubiera escrito una canción para ti".
En las notas del álbum, la banda dice: "A la gente que dejamos atrás: no queríamos dejarlos, ¡pero teníamos que irnos! Este álbum es mejor gracias a ello. Estábamos estancados y atrapados en la rutina de nuestra carrera, necesitábamos un cambio. Decidimos que un cambio de aires era una buena idea, y creemos que nos ha sentado bien, tanto musicalmente como en cuanto a actitud (que es aún peor)".
La ausencia de las banderas francesa, búlgara, rusa, serbia y portuguesa en la portada del álbum se explicó como un descuido involuntario.
"Love Me Forever" fue versionada posteriormente por Doro Pesch y Beyond the Black.
El LP recibió críticas mayoritariamente positivas de los críticos contemporáneos.
Robert Christgau le otorgó una calificación de A−, calificándolo de "sonoramente retrógrado y filosóficamente avanzado".
Rolling Stone comentó que el álbum "...logra mezclar crueldad y facilidad de escucha como nunca antes... creando un nuevo umbral de nitidez para el género. Afortunadamente, el enfoque más nítido solo hace que la crueldad de la interpretación del grupo sea más pronunciada".
Q también elogió el álbum y escribió que "a los 45 años, el padrino del thrash metal todavía no les da un respiro a los viejos... El noveno álbum de estudio de Motörhead es un pantano loco de ruido, las guitarras gemelas turboalimentadas de Wurzel y Campbell agregan un brillo de máquina moderna al enfoque más primitivo de la voz desgarradora de Lemmy".
Select Criticer calificó a "1916" como "el disco más cohesionado y francamente feroz que ha aparecido bajo el nombre de Motorhead desde la explosión atemporal de ' Ace of Spades ' en 1980... Motorhead necesitaba urgentemente un álbum como este, pero nadie podría haber adivinado que lo harían de forma tan convincente".
En una reseña retrospectiva, Alex Henderson de AllMusic escribió que "el sonido de la banda no había cambiado mucho, y el tiempo no había hecho que su enfoque contundente fuera menos atractivo... ya sea que el tema sea divertido y humorístico o más serio, Motörhead está tan inspirado como siempre en 1916".
Al reseñar una reedición en el sello Hear No Evil, Kris Needs escribió en Classic Rock: "Uno de sus conjuntos más completos, esta reedición repleta de recuerdos viene con dos temazos que no están en el álbum, 'Eagle Rock' y el tren infernal desbocado 'Dead Man's Hand'".
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, Lemmy declaró: "Ese fue realmente el álbum del renacimiento para Motörhead, 1916 ... Recibió excelentes críticas, cosa que [su predecesor] Rock 'n' Roll no consiguió".
El álbum fue nominado a “Mejor Interpretación de Metal” en los Premios Grammy de 1992, pero perdió ante “Metallica (The Black Album)” de Metallica, lanzado aproximadamente seis meses después de "1916".
La banda realizó su gira "It Serves You Right" por Gran Bretaña en febrero, seguida de la gira "Lights Out Over Europe", que duró hasta principios de abril, cuando la banda regresó a Gran Bretaña para tocar en otros seis lugares.
En junio, la banda tocó en cinco fechas en Japón y en cinco fechas en Australia y Nueva Zelanda.
Entre julio y agosto, recorrieron Estados Unidos con Judas Priest, Alice Cooper, Metal Church y como teloneros Dangerous Toys en la gira "Operation Rock 'n' Roll".
La banda finalizó el año con seis fechas en Alemania durante diciembre.
El 28 de marzo de 1992, la banda tocó lo que resultaría ser el último compromiso de Taylor en Irvine Meadows, Irvine, California.
La banda había estado queriendo que Lemmy se deshiciera de su mánager, Doug Banker, durante algún tiempo y después de una visita no solicitada de Todd Singerman, quien insistió en que debería representarlos a pesar de nunca haber representado a una banda antes, la banda se reunió con Singerman y decidió tomarlo a bordo, despidiendo a Banker.
En medio de esto, la banda estaba grabando un álbum en Music Grinder Studios, en la parte este de la ciudad de Hollywood durante los disturbios de Los Ángeles de 1992.
Unos meses antes, Lemmy había coescrito cuatro canciones para el exitoso álbum de Ozzy Osbourne de 1991, “No More Tears”, por invitación de la esposa y mánager de Ozzy, Sharon Osbourne, incluyendo "I Don't Want to Change the World", "Desire", "Hellraiser" y el exitoso sencillo "Mama, I'm Coming Home", generando ingresos muy necesarios para la grabación del próximo álbum de la banda.
En su autobiografía “White Line Fever”, Lemmy recuerda: "Ese fue uno de los trabajos más fáciles que he tenido: Sharon me llamó y me dijo: 'Te doy X cantidad de dinero para que escribas algunas canciones para Ozzy', y yo le dije: 'Vale, ¿tienes un bolígrafo?'. Escribí seis o siete letras, y al final usó cuatro... Gané más dinero escribiendo esas cuatro canciones que con quince años de Motörhead. ¡Es una locura, ¿verdad?!".
La banda se reunió con el productor Pete Solley, quien produjo su álbum “1916”, para grabar “March ör Die”.
Al principio de la grabación, el baterista Phil Taylor se separó de Motörhead por segunda vez, ya que sus habilidades y compromiso se pusieron en duda.
Taylor había dejado la banda en 1984 para trabajar en un nuevo proyecto con el guitarrista Brian Robertson, pero se reincorporó en 1987.
En la biografía de Motörhead de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, el guitarrista Phil Campbell habla sobre la segunda partida de Taylor: "Por alguna razón, simplemente no estaba en su mejor momento. La cosa se estaba poniendo fea. No podía tocar cuatro compases sin equivocarse. Durante los tres años que estuvo de vuelta, hicimos todo lo posible, pero... no veía nada malo en su forma de tocar la batería, lo cual era aún peor. Nosotros estábamos ensayando en el estudio y él estaba lavando su coche".
En el mismo libro, Lemmy, si bien sostenía que las habilidades de Taylor se habían deteriorado, admitió: "El golpe más duro fue probablemente despedir a Phil Taylor por segunda vez, porque nunca lo habría hecho si hubiera estado cumpliendo con su parte, pero no lo estaba, y no podía obligarlo. Fue un golpe duro, porque sabía que lo iba a devastar, y así fue, y eso me molestó muchísimo".
Tras la repentina partida de Taylor en medio de la grabación de un álbum, la banda se apresuró a encontrar un reemplazo.
Posteriormente, “March ör Die” presenta a tres bateristas: Taylor, Tommy Aldridge y Mikkey Dee, quien más tarde se uniría a la banda como miembro permanente hasta la muerte de Lemmy.
Otro baterista, Garry Bowler (también conocido como Magpie), trabajó en la pista de batería para la demo de "Stand" durante una sesión de 1991 en Londres con Würzel y Campbell.
En el documental “The Guts and the Glory”, Dee, a quien anteriormente se le había pedido que se uniera a Motörhead antes de que optara por unirse a la banda solista de Don Dokken, habló sobre reemplazar a Taylor: "Tenía dos opciones: o lo reemplazaba o me unía a la banda. No podía reemplazarlo. Tenía que unirme a la banda y hacer lo mío. Tenía que cambiar la banda, tenía que tocar diferente, verme diferente, simplemente ser diferente. O me aceptaban o no. Puedo sobretocar estas canciones. Puedo tocar la batería por todas partes y demostrar lo bueno que soy, ya sabes, con un millón de cosas, pero eso no es Motörhead. Me gusta que sea directo y pesado. Menos es mucho más en una banda como esta".
Lemmy conocía a Mikkey Dee desde la época en que King Diamond había estado de gira con Motörhead.
Le había pedido a Dee que se convirtiera en el baterista de Motörhead, pero Dee había rechazado debido a su compromiso con King Diamond.
En esta ocasión, Dee estaba disponible y se reunió con la banda para hacer una prueba.
Al tocar primero la canción "Hellraiser", Lemmy pensó "era muy bueno de inmediato. Era obvio que iba a funcionar".
Después de grabar "Hellraiser" y "Hell on Earth" en el estudio, el primer compromiso de Dee con Motörhead fue el 30 de agosto en el Saratoga Performing Arts Center.
Ozzy Osbourne canta a dúo con Lemmy en el tema "I Ain't No Nice Guy", que también cuenta con la participación de Slash, de Guns N' Roses, en la guitarra principal.
Slash también participa en el tema "You Better Run".
Dado que tanto Osbourne como Guns N' Roses gozaban de una enorme popularidad en ese momento, "I Ain't No Nice Guy" parecía destinada a convertirse en un gran éxito radiofónico, pero según las memorias de Lemmy, Sony intentó suprimir el sencillo porque estaba utilizando WTG Records como deducción fiscal.
"'Ain't No Nice Guy' fue un éxito radiofónico, pero fue gracias a nosotros, sin ninguna ayuda de Sony ni de su departamento de marketing en Epic. 'Ain't No Nice Guy' llegó al número 10 de las listas de radio, y Sony ni siquiera hizo una llamada. ¡Imagínense lo que habría pasado si le hubieran dedicado el más mínimo esfuerzo! Pero no: intentaron impedir que la pusieran. Solo necesitábamos unos quince mil dólares para grabar un videoclip, pero no nos lo permitieron. Así que invertimos unos 8000 dólares de nuestro propio bolsillo e hicimos el nuestro. Ozzy y Slash, que son muy simpáticos, incluso vinieron y aparecieron en él. Aunque el vídeo es un poco caótico, no quedó del todo mal. Pero MTV no lo puso durante un tiempo porque Sony tardó tres semanas en firmar la autorización".
El álbum incluye una versión del clásico de Ted Nugent de 1977 "Cat Scratch Fever", que fue idea de Campbell.
La canción "Hellraiser", grabada y lanzada anteriormente por Ozzy Osbourne para su álbum de 1991 “No More Tears”, apareció en la película de 1992 “Hellraiser III: Hell on Earth”.
La banda regrabó "You Better Run" en 2004 como "You Better Swim" para la película de “Bob Esponja”.
Las sesiones de grabación de “March ör Die” tuvieron lugar en Los Ángeles y coincidieron con el estallido de los disturbios de Rodney King en la ciudad.
El estudio donde la banda estaba grabando se encontraba en la trayectoria de la violencia.
Lemmy recordó más tarde en Classic Rock Revisited: "Estaba grabando una voz, terminé y entré al salón. Había una televisión encendida que mostraba una casa en llamas. Miré por la ventana y vi el otro lado de la misma casa. Salir de allí en coche fue como atravesar una zona de guerra, porque toda la manzana estaba en llamas. Todo se oscureció y lo único que se veía eran manzanas enteras ardiendo. Fue genial".
Las críticas de “March ör Die” fueron mixtas.
La reseña de AllMusic afirma: "Aquí es donde todo estuvo a punto de salir terriblemente mal. Animado por un nuevo acuerdo de distribución con Epic Records y su reciente colaboración con su viejo amigo Ozzy Osbourne en su exitoso álbum No More Tears , Lemmy, de Motörhead, se propuso alcanzar el éxito comercial como nunca antes y, como resultado, casi echó por tierra su impecable legado".
Entertainment Weekly escribió: "March or Die trasciende con creces los límites del heavy metal convencional".
La nueva formación luego salió de gira, tocando fechas con Ozzy Osbourne, Skew Siskin y Exodus.
El 27 de septiembre, la banda tocó en el Los Angeles Coliseum con Metallica y Guns N' Roses.
La banda realizó una gira por Argentina y Brasil durante octubre y llevó a cabo la gira europea "Bombers and Eagles in '92" con Saxon durante todo diciembre.
Motörhead tocó dos fechas en la Arena Obras Sanitarias de Buenos Aires en abril de 1993 y realizó una gira por Europa desde principios de junio hasta principios de julio, regresando a Estados Unidos para dar un concierto en el New York Ritz el 14 de agosto.
Se buscó un nuevo productor para el siguiente álbum de la banda y finalmente se eligió a Howard Benson, quien produciría los siguientes cuatro álbumes de la banda.
La banda grabó en A&M Studios y Prime Time Studios en Hollywood y el álbum resultante, titulado “Bastards”, se lanzó el 29 de noviembre de 1993.
Es uno de los dos álbumes de estudio con la efímera formación de Lemmy, Würzel, Zööm y Mikkey Dee, ya que en el álbum anterior Dee era un baterista invitado especial y no se había unido oficialmente a la banda.
También fue el primero de los cuatro álbumes de Motörhead producidos por el ex productor de Child'ƨ Play, Howard Benson, y el primer álbum de estudio de Motörhead que no contenía una canción que le diera título.
Los temas de las letras abarcan desde la crítica social ("On Your Feet or on Your Knees"), hasta la guerra ("Death or Glory" y "I am the Sword"), el abuso infantil ("Don't Let Daddy Kiss Me") y el caos total ("Burner").
Lemmy también afirma en sus memorias que ofreció la canción "Don't Let Daddy Kiss Me" tanto a Joan Jett como a Lita Ford: "Porque pensé que una chica debería cantarla, pero nadie la interpretó".
Apenas se publicó fuera de Alemania, país de origen del sello discográfico, aparte de la serie original lanzada a nivel mundial, hasta la reedición de “Steamhammer” en 2001, y de lo contrario tuvo que importarse.
“Bastards” es citado por la banda como uno de sus mejores trabajos.
En el documental “The Guts and the Glory”, el guitarrista Phil Campbell se muestra entusiasmado: "Trabajamos muchísimo en eso. Las canciones estaban ahí, el compromiso estaba ahí, la interpretación estaba ahí, la producción estaba ahí, todo estaba ahí... Estoy muy orgulloso de ese álbum. No tiene ningún defecto. Algunas canciones geniales".
En su autobiografía Lemmy lo llama: "Uno de los mejores álbumes que hemos hecho".
Sin embargo, lamenta que la discográfica de la banda, ZYX, con sede en Alemania, no la promocionara fuera de Alemania.
"Es muy decepcionante cuando te esfuerzas al máximo en un álbum, estás realmente encantado con el resultado y a nadie más le importa, especialmente a tu compañía discográfica".
La canción "Born to Raise Hell" fue regrabada posteriormente con Ice-T y Whitfield Crane, vocalista de Ugly Kid Joe, y lanzada como sencillo (incluida una versión en picture disc).
Esta versión de la canción apareció en la película “Airheads”.
Joe Petagno, artista de portadas de Motörhead desde hace mucho tiempo, reveló en una rara entrevista incluida en el DVD extra de la edición del 30 aniversario de “Inferno” que el álbum originalmente se iba a titular “Devils”.
Ya había diseñado una portada que reflejara este título cuando se cambió.
Además de aludir al nombre original del álbum, Petagno también ofreció esta perspectiva sobre el concepto de la portada: "Bastards fue un diseño que hice en respuesta a March ör Die. Esa maldita portada horrible. Me cabreó. Fue lo peor que he visto en mi vida. Así que pensé: bueno, quieren algo así, lo haré bien. Se lo envié al club de fans de Motörheadbangers, a Alan Burridge, y le gustó tanto que lo puso en la portada de la revista de fans. Cuando Lemmy lo vio, lo quiso, así que Devils se convirtió en Bastards".
“Bastards” alcanzó el puesto número 28 en Alemania y también entró en las listas de éxitos de Suecia y Japón.
La reseña de AllMusic dice: "Temas de thrash metal gloriosamente distorsionados como 'On Your Feet or on Your Knees' y 'Death or Glory' marcan la pauta, y 'Born to Raise Hell' es sin duda uno de los mayores clásicos recientes de la banda".
Ultimate Classic Rock clasificó a “Bastards" como el cuarto mejor álbum de Motörhead, comentando: "La respuesta extraordinariamente eficaz de Motörhead al peor momento de su carrera, March or Die, Bastards de 1993, se erige ahora como uno de sus mayores logros".
Se realizó otra gira por Europa durante diciembre de ese año.
En febrero y marzo de 1994, Motörhead realizó una gira por Estados Unidos con Black Sabbath y Morbid Angel.
Mientras tanto vio la luz “Live at Brixton '87”, su quinto álbum en directo, que fue grabado el 23 de diciembre de 1987 en la Brixton Academy de Londres, pero no se publicó hasta marzo de 1994.
Fue lanzado por Roadrunner Records bajo licencia, pero sin el permiso de la banda, lo que le confiere un lugar controvertido en su discografía.
La banda originalmente tenía la intención de usar este concierto para lo que se convertiría en el álbum en vivo “Nö Sleep at All” de 1988, pero debido a que este material "desapareció" durante algunos años, no pudieron, y en su lugar se usó el concierto finlandés de unos 6 meses después en el Giants of Rock Festival.
Este concierto estuvo disponible como grabación pirata durante muchos años, antes de que finalmente se lanzara con licencia bajo el sello holandés Roadrunner Records en 1994, pero la calidad del sonido sigue siendo muy mala para un álbum en vivo "producido".
No se masterizó bien a partir de las cintas originales, y la reedición de Sanctuary Records de 2005 tampoco parece haber sido remasterizada.
El concierto en sí es más un testimonio de “Orgasmatron” de 1986 y del álbum “Rock 'N' Roll” de 1987, ya que la mayoría de estas canciones nunca se volvieron a tocar en vivo después de que esta gira terminó en 1988.
Publicado originalmente en 1994 como “Live at Brixton”, pero rebautizado como “Live at Brixton '87” en 2005 por Sanctuary Records.
Algunos de los temas son clásicos, pero la mayoría son canciones que la banda no ha interpretado desde esta gira.
"Doctor Rock", del álbum de estudio anterior “Orgasmatron”, y "Just 'Cos You Got the Power", del sencillo "Eat the Rich", no volverían a escucharse hasta el DVD de 2004, “Stage Fright”.
"Stay Clean", "Metropolis" y "Ace of Spades" solo habían faltado en dos álbumes oficiales en directo: “Live in Toronto” de 1982 con Eddie Clarke y el ampliamente pirateado “Live in Manchester” de 1983 con Brian Robertson a la guitarra, publicado oficialmente en 2005 como disco extra en la remasterización de “Another Perfect Day”, por lo que su inclusión no es sorprendente.
"Deaf Forever" y "Built for Speed" de “Orgasmatron”; "Eat the Rich", "Stone Deaf in the USA", "Traitor" y "Dogs" de “Rock 'N' Roll”; todas se interpretaron en vivo únicamente durante la gira de 1986-88, ya que en los noventa fueron eliminadas por completo del repertorio en vivo, incluso para conciertos ocasionales.
Esta es la única grabación oficial en vivo de la canción "Rock 'N' Roll" que la banda ha lanzado.
Cabe destacar que en este set faltan temas como "No Class", "Orgasmatron", "Motörhead", "Killed by Death" y "Overkill", todos ellos interpretados en el concierto, pero ausentes en esta edición y en la anterior, aunque existe una grabación pirata japonesa con el concierto completo en circulación.
Eduardo Rivadavia de AllMusics ha declarado: "...Los malos contratos discográficos han plagado la carrera de Motörhead, resultando en innumerables grabaciones en vivo de baja calidad y reediciones innecesarias, pero Live at Brixton de 1994 es una de las raras excepciones... Así que, si aún no has comprado No Sleep at All, ¡no lo hagas! Consigue este en su lugar...".
En abril de 1995, la banda reanudó su gira por Estados Unidos hasta principios de mayo, ofreciendo un concierto con los Ramones el 14 de mayo en el Estadio Vélez de Buenos Aires, atrayendo a una multitud de 50.000 personas.
La banda realizó una gira por Japón a finales de mayo y por Europa en junio, agosto y diciembre.
La gira de la banda en 1995 comenzó en Europa a finales de abril.
En junio, realizaron una segunda gira con Black Sabbath, esta vez con Tiamat como teloneros, hasta que la banda contrajo la gripe y regresó a Los Ángeles y a los estudios Cherokee en Hollywood, donde grabarían un álbum.
“Sacrifice”, su duodécimo álbum de estudio fue lanzado el 27 de marzo de 1995 a través de SPV/Steamhammer, siendo este su primer lanzamiento con dicho sello.
Es el segundo y último álbum con la formación compuesta por Lemmy, Phil Campbell, Würzel y Mikkey Dee, ya que Würzel abandonó la banda tras la grabación.
También es el último álbum con una formación de cuatro integrantes, puesto que volverían a ser un trío a partir de “Overnight Sensation” (1996).
Motörhead se reunió con el productor Howard Bensonpara “Sacrifice”.
"Este es un muy buen álbum", escribió el vocalista y bajista Lemmy en las notas de la carátula, "Póntelo y se te caerá la ropa de la novia".
Lemmy considera “Sacrifice” como uno de sus discos favoritos de la banda, a pesar de las dificultades que implicó, las cuales explicó como: "Howard nos estaba produciendo de nuevo, pero también acababa de conseguir un trabajo como A&R en un sello llamado Giant. Así que su mente estaba en al menos dos o tres sitios diferentes, y la mitad del tiempo el ingeniero, Ryan Dorn, se encargaba de mantenerlo todo en orden, siguiendo las indicaciones de Howard. Y cada día quedaba más claro que Würzel iba a dejar la banda. No se esforzaba nada y normalmente se quedaba sentado mientras componíamos, con la guitarra sobre las rodillas. Cuando dejábamos de tocar, él dejaba de tocar y cuando volvíamos a empezar, también".
En el documental “The Guts and the Glory”, los tres miembros de la banda expresan su pesar por la partida de Würzel, pero insisten en que era inevitable, y el baterista Mikkey Dee comenta: “Recuerdo que cuando sucedió, sentí pánico y satisfacción a la vez, porque Würzel también estaba harto de nosotros y nosotros de él. Era algo mutuo. Lo extraño muchísimo como persona, pero no como guitarrista. Al final, no servía para nada”.
Dee agregó en 2021 que la esposa de Würzel tenía la culpa de su salida de la banda, llamándola "perra".
Campbell, quien se unió a Motörhead con Würzel en 1984, recuerda: "Le llevó seis horas intentar hacer un solo en esta canción de Sacrifice y al final simplemente tiró la guitarra al suelo y salió corriendo; se llevó la guitarra consigo y eso fue básicamente todo".
En la misma película, Lemmy revela que Würzel empezó a sospechar que lo estaban estafando económicamente: "Solo tocó un solo en todo el álbum. Ya se había ido antes de que empezáramos a grabarlo. Su contribución fue mínima. Es una pena lo de Würzel; empezó a creer a la gente equivocada. Porque yo era su mejor amigo en la banda y fuera del escenario, su mejor amigo, y él no me creyó; empezó a acusarme de robarle dinero y esas cosas, como si necesitara el dinero de Würzel. O sea, yo tenía todo ese dinero de Hawkwind antes que él y de Motörhead antes que él; no necesitaba su maldito dinero, y no lo habría robado, aunque lo hubiera necesitado. Eso no va conmigo. Pero bueno, cada uno toma sus decisiones y sufre las consecuencias".
La banda entró al estudio con algunas canciones geniales, recuerda Lemmy, aunque "Sex & Death" se escribió en diez minutos el último día de grabación, "In Another Time" quedó irreconocible y hubo tres versiones de la letra de "Make 'Em Blind".
Dee y Campbell no se dieron cuenta de que "Out of the Sun" solo tenía dos estrofas y media y la habían ensayado así, pero Lemmy añadió otra sección cuando no había nadie más presente, con él tocando el bajo y Jamie, su técnico de sonido, la guitarra.
Luego les dio una cinta a los demás y según Lemmy, cuando Würzel la puso en el coche de alquiler, casi se sale de la carretera.
"Make 'Em Blind" surgió de la improvisación, con Campbell grabando el solo en una sola toma, cayéndose del sofá y de espaldas entre risas.
Lemmy afirma que el álbum contiene más sinsentido que la mayoría del anterior —las letras no tienen ningún significado que se pueda comprender— pero que transmiten el ambiente, especialmente la canción que da título al álbum y "Out of the Sun".
"Dog Face Boy" trata sobre Campbell, pero Lemmy decidió eso solo después de haberla escrito, comparando la línea "Pobre chico, otra vez fuera de sí/Avión afuera buscando otro amigo" con la costumbre de Campbell de llegar rápidamente a la ciudad y buscar diversión después de bajar del avión.
No tuvo éxito ni repercusión en las listas de ventas, y al igual que el álbum anterior, pasó prácticamente desapercibido para el público en general.
Con un nuevo sello discográfico, se lanzó correctamente, en comparación con “Bastards”, y el tema principal se ha mantenido en el repertorio en directo durante un tiempo, pero no se ha escrito mucho sobre este álbum que merezca la pena destacar.
El tema principal se utilizó en la película “Tromeo y Julieta”, una película en la que aparece Lemmy.
En la versión estadounidense de la portada del álbum, Würzel había sido borrado digitalmente, pero, según el libro de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, Lemmy insiste en que fue idea del sello discográfico, no suya: "Es una tontería, viendo que Würzel podría demandarnos y tendría razón, porque él está en el álbum".
En lugar de contratar a un nuevo guitarrista, la banda decidió volver a ser un trío.
Joe Petagno, el artista de las portadas de los dibujos, era conocido por incluir referencias a los genitales en sus obras, y esta no fue la excepción.
Comentó: "Hicieron todo lo posible por deshacerse de esos genitales [la lengua]. Es increíble cómo los genitales pueden irritar a la gente. Esta es una pequeña broma de Lemmy y mía. Nos gustan los genitales y Another Perfect Day tenía el doble pene de perro del que bromeamos. [La portada es] las hordas siendo enviadas al infierno, donde merecen estar. Y las batallas interminables, el odio, la guerra, la ignorancia. Una vez más. La gente piensa que soy antirreligioso, y lo soy. La gente piensa que soy antiestado, y lo soy. La gente piensa que soy antiguerra, y lo soy. Estoy en contra de todo lo que se interponga en el camino de un individuo para alcanzar la plenitud. Mis opiniones no se tratan de intentar provocar que la gente se mate entre sí. Estoy tratando de sanar la brecha entre el hombre y el espíritu. Soy un alarmista. Estoy tratando de asustar a la gente para que vuelva al camino [de la justicia y la libertad]".
AllMusic afirma que: “Sacrifice no ofrece nada nuevo, ni muestra una sutileza recién descubierta. Es simplemente Motörhead directo, vertiginoso y ensordecedor, con guitarras vibrantes, ritmos casi marciales y estribillos sorprendentemente pegadizos”.
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió que el álbum "era exactamente lo que uno espera: un disco decente, aunque poco espectacular, de Motörhead con un par de canciones clásicas aquí y allá".
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 33
Lemmy Kilmister (Quinta parte)
La banda decidió continuar como un trío y realizó una gira por Europa durante todo octubre y los dos primeros días de noviembre.
Una gira de tres días por Sudamérica siguió la semana siguiente.
Lemmy celebró su 50 cumpleaños ese mismo año con la banda en el Whisky a Go Go de Los Ángeles; Metallica tocó en el evento bajo el nombre de The Lemmy's.
En 1996, la banda comenzó una gira por Estados Unidos a principios de enero y tocó en 30 lugares hasta el 15 de febrero; una gira de siete fechas por Europa en junio y julio fue seguida por dos presentaciones en Sudamérica durante agosto.
Una gira por Estados Unidos con Belladonna y Speedball comenzó con dos conciertos (Los Ángeles y Hollywood) a principios de octubre de 1996 y concluyó en Washington el 4 de diciembre.
Durante este tiempo, la banda había grabado “Overnight Sensation” en Ocean Studio y Track House Recording Studio.
El álbum fue lanzado el 15 de octubre, el primer álbum oficial de la banda como trío desde “Another Perfect Day” y el álbum mejor distribuido que la banda había tenido en años.
También marcaría el último cambio de formación de la banda y el más duradero antes de su disolución en 2015.
El álbum fue el tercer álbum de Motörhead con el productor Howard Benson.
Tras la salida de Würzel (Michael Burston) en 1995, la banda volvió a la misma formación clásica de tres miembros: bajo/voz, guitarra solista y batería.
En un raro crédito de composición externa, el guitarrista sueco de Erotica, Magnus Axx, contribuyó a escribir la canción "Civil War".
Este álbum también fue el primero desde “Ace of Spades” (1980) en tener una foto de la banda en la portada.
A pesar de ser solo un trío, la banda tenía un estilo más pesado en este trabajo que en su álbum anterior, “Sacrifice”.
El vocalista y bajista Lemmy Kilmister recuerda que, en medio de la gira, el disco tardó unas cuatro semanas en escribir nuevas canciones y dos meses en grabarse en el estudio.
Lemmy habló sobre el regreso a ser un trío: "Fue igual que un cuarteto, ¡solo que faltaba uno! O igual que los Everly Brothers más uno. Fue un poco más tenso, pero eso se debió a que Phil, al ser el único guitarrista, sentía que tenía mucha responsabilidad sobre sus hombros (y así era). Así que estaba bajo presión adicional, pero demostró su valía. Overnight Sensation es un gran álbum para él. Mikkey estuvo impecable como siempre: siempre termina sus pistas de batería mucho antes de lo previsto. Esta vez las grabó en un solo día".
En el libro de Joel McIver de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita al baterista Mikkey Dee diciendo que la composición de las canciones se vio afectada por la partida del guitarrista Würzel: "Solía decir que Würzel era más Motörhead que yo, Phil y Lemmy juntos. Era un auténtico Motörhead, ¿sabes? Escribía canciones y riffs súper duros, y a veces lo echo de menos. Porque Phil y yo a veces componíamos canciones un poco... no suaves, sino quizás demasiado correctas musicalmente, mientras que Würzel era muy simple, directo, con riffs muy duros. Nada complicado con él".
El álbum destaca por incluir una foto de Lemmy sin sus características patillas. Se las volvió a dejar crecer de nuevo en 2001 y las conservó hasta su muerte.
Lemmy evaluó el álbum en el documental de Motörhead de 2004, “The Guts and the Glory”, afirmando: "Fue un gran álbum, me gustó mucho 'Overnight '. Quedé muy satisfecho con él".
AllMusic califica el LP como: "[...] el álbum más ecléctico de la banda en años, sus temas van desde los potentes temas de metal como 'Civil War' y 'Eat the Gun' hasta los de ritmo medio como 'Listen to Your Heart' (¡con guitarras acústicas, sorprendente!) y la elegante 'I Don't Believe a Word'. Siempre un gran letrista, el vocalista y bajista Lemmy sube el nivel con la canción que da título al álbum, sumamente irónica, y con la que posiblemente sea la mejor canción de la banda de la década, la excepcionalmente divertida 'Crazy Like a Fox'".
Lee Marlow de Classic Rock afirmó en 2013 que “Overnight Sensation” era: "Prueba inmediata de que la última formación de Motörhead, con tres miembros, estaba a la altura de todas las encarnaciones anteriores".
La banda concluyó la gira del año con 13 fechas en Alemania.
Durante 1997, la banda realizó una extensa gira, comenzando con la primera etapa de la gira “Overnight Sensation” en Europa el 12 de enero en el London Astoria, donde los músicos invitados fueron Todd Campbell, hijo de Phil Campbell, en "Ace of Spades" y "Fast" Eddie Clarke para "Overkill".
La etapa europea duró hasta marzo y fue seguida por cuatro fechas en Japón, desde finales de mayo hasta el 1 de junio, y una gira por Estados Unidos con WASP durante el resto de junio.
En agosto, tres fechas en Europa fueron seguidas por siete fechas en Gran Bretaña, que terminaron con un concierto en la Brixton Academy el 25 de octubre, donde el músico invitado fue Paul Inder, hijo de Lemmy, para "Ace of Spades".
Otras cuatro fechas en octubre en Rusia concluyeron el año 1997.
Lemmy recordó que la gira iba particularmente bien, con algunos países como Argentina y Japón programando conciertos en recintos más grandes, y los promotores ingleses descubrieron que "podían obtener buenas ganancias con los conciertos de Motörhead".
En su opinión, el trío estaba rindiendo de forma excelente y ya era hora de que grabaran otro disco en directo.
La banda finalmente lo hizo, pero antes grabó otro álbum de estudio, “Snake Bite Love”, grabado en varios estudios y publicado el 10 de marzo de 1998 a través de Steamhammer, siendo este su tercer lanzamiento con dicho sello.
“Snake Bite Love” sería el último álbum coproducido con Howard Benson.
Según todos los testimonios, la grabación se realizó con prisas, y el baterista Mikkey Dee fue citado en el libro de Motörhead de 2011 “Overkill: The Untold Story of Motörhead: “Estábamos estresados como locos cuando hicimos ese álbum. Salió bien, pero nada más. Todos lo sabemos; deberíamos haber tenido tres semanas más y habría sido un gran álbum. Le echo toda la culpa al tiempo que teníamos. Por ejemplo, pusimos la peor canción que jamás hayamos hecho, "Night Side", es la peor mierda que hemos compuesto, y pensábamos que era una mierda cuando la hicimos. No teníamos tiempo para escribir otra canción, no nos quedaba nada... Así que todos sentimos lo mismo sobre ese álbum. He oído a gente decir: "Ese es el mejor álbum que tenéis", y yo pienso: "¿De qué planeta sois?".
Lemmy fue mucho más benévolo con el LP en su autobiografía “White Line Fever”, opinando que "salió bastante bien", pero admite que fue grabado "de forma caótica".
Lemmy recuerda que la creación de “Snake Bite Love” fue bastante normal para la banda: "Seis semanas antes de grabarlo, ni siquiera teníamos una sola canción. Pero cuando llegó el momento, la armamos muy rápido. Desafortunadamente, estuve enfermo durante algunos de los ensayos, y cuando dejas a dos tipos juntos que no son cantantes, terminas con arreglos extraños".
En este sentido, señala particularmente a "Desperate for You" y "Night Side" y explica cómo la canción que da título al álbum comenzó siendo una canción completamente diferente; Dee grabó las pistas de batería con una secuencia de acordes totalmente distinta, luego regresó a Suecia donde Campbell declaró que estaba harto de la canción y que no le gustaba.
Lemmy estuvo de acuerdo y Campbell creó un nuevo riff y cambió todo.
Lemmy admite que el álbum es un claro ejemplo de cómo escribía las letras en el último minuto, y añade: "ya sabes, hijo de *** vago, una vez más, ¿verdad?".
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, Lemmy admite que “Snake Bite Love” "tenía dos canciones malas", refiriéndose a "Desperate For You" y "Better Off Dead", aunque reconoció que a los fans les gustaban esos temas.
Campbell aparece acreditado en tono de broma en las notas del álbum como un glifo impronunciable ("El artista que se ve frecuentemente en la licorería"), burlándose de Prince.
Los críticos han señalado que el álbum muestra el lado menos pesado de Motörhead, ya que hay "una o dos canciones lentas de más, pero sigue siendo pesado en su mayor parte" y tiene una mezcla de ideas musicales, que van desde el verdadero metal de "Dogs of War" y "Assassin" hasta canciones con influencias de rock and roll como "Snake Bite Love" y "Don't Lie to Me".
Stephen Thomas Erlewine de AllMusic llama al álbum: "Un álbum sin mayor trascendencia... No es que el disco tenga nada de malo, ya que ofrece un conjunto sólido de temas de rock potentes y contundentes que pasan a toda velocidad, pero no aporta nada nuevo a la fórmula ni tiene canciones particularmente memorables".
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, lo consideró "sólido, fiable y no especialmente memorable".
La banda se unió a Judas Priest en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles el 3 de abril para comenzar su gira "Snake Bite Love".
El 21 de mayo, Motörhead fue grabado en The Docks en Hamburgo.
Las canciones de esta presentación fueron lanzadas posteriormente como “Everything Louder Than Everyone Else”.
Fue publicado el 9 de marzo de 1999 por SPV/Steamhammer y fue su primer álbum en directo con este sello, pero su cuarto lanzamiento discográfico.
El álbum se produjo sin sobregrabaciones en formato de dos discos. Inicialmente se lanzó en formato digipak, seguido posteriormente por una edición en caja de plástico de 2 CD.
Al comienzo del concierto, Lemmy anuncia: “Somos Motörhead; y vamos a patearos el culo”.
Lemmy recordó haber hecho esto durante la gira "Snake Bite Love", habiendo decidido incluir un concierto completo en el lanzamiento, algo que no habían hecho antes debido a las limitaciones del vinilo.
El título hace referencia a un comentario repetido por Ian Gillan de Deep Purple en el álbum en vivo “Made in Japan” de ese grupo: "...¿podríamos hacer que todo suene más fuerte que todo lo demás?...".
Lemmy dijo que eligió grabarlo en Hamburgo, Alemania, porque: “...los alemanes han sido unos fans muy leales. Siempre nos salvaron el pellejo cuando íbamos descendiendo por tercera vez. Nos apoyaron, y sabíamos que Hamburgo sería un público fantástico. Es como Liverpool: una ciudad marinera, ¡y con un marinero sabes a qué atenerte!...”.
En el libro de Joel McIver de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita a Lemmy diciendo que cree que el álbum es mejor que el clásico LP en vivo de 1981, “No Sleep 'til Hammersmith”, afirmando: "...para empezar, es un doble, y creo que esta es una mejor banda. Funcionamos mejor como trío. Ganamos más dinero, para empezar —¡ja, ja!—, pero tienes que hacerlo mejor como trío porque la gente puede oír los fallos con más facilidad...".
Andy Hinds de AllMusic escribe: "...con una mezcla increíblemente fuerte y directa, captura el poder abrumador de Motörhead en vivo en toda su gloria dentada y refleja a una banda veterana trabajando en la cima de su habilidad...".
La banda fue invitada a unirse al Ozzfest Tour y tocó en varios conciertos en Estados Unidos desde principios de julio hasta principios de agosto, y estuvo en Europa desde principios de octubre hasta finales de noviembre.
La etapa británica de la gira fue denominada "No Speak With Forked Tongue" y contó con las bandas invitadas Groop Dogdrill, Radiator y Psycho Squad, liderada por Todd Campbell, hijo de Phil Campbell.
En 1999, Motörhead realizó una gira por Estados Unidos entre el 20 de abril y el 2 de junio, antes de dirigirse a los estudios Karo en Brackel, Alemania, para grabar su decimoquinto álbum, “We Are Motörhead”, que se lanzó en mayo del año siguiente.
Fue lanzado el 15 de mayo de 2000 a través de Steamhammer, siendo su quinto álbum con el sello, igualando así su total de lanzamientos de álbumes originales de larga duración con Bronze Records.
El álbum contiene una versión de la canción "God Save the Queen" de la banda punk The Sex Pistols, para la cual la banda grabó un video promocional sobre un autobús londinense AEC Routemaster descapotable.
En el documental de Motörhead “The Guts and the Glory”, Lemmy Kilmister declara: "Creo que We Are Motörhead fue un álbum mucho mejor de lo que se le reconoció".
En el momento del lanzamiento de “We Are Motörhead”, la banda competía consigo misma, ya que también salieron a la venta los recopilatorios “Deaf Forever: The Best of Motörhead” y “The Best of Motörhead”, algo sobre lo que la banda no tenía ningún control.
Durante las sesiones de grabación del álbum, la banda tocó en varios lugares de Europa, el primero de ellos en el Fila Forum de Assago, cerca de Milán, donde James Hetfield de Metallica se unió a la banda en el escenario para tocar "Overkill".
Joe Petagno, el artista que diseñó la portada, comentó sobre las influencias que inspiraron el concepto de la misma: "Es una de mis piezas favoritas. En aquel entonces, había mucho death metal y black metal. De hecho, yo trabajaba con mucha gente de ese género. Todos eran fanáticos acérrimos de Motörhead y habían crecido con Motörhead. Les dije: «Oigan, en lugar de dejar que estos tipos los influyan, ¿por qué no les rendimos homenaje al death metal? Eso ya es genial. De todos modos, ustedes fueron los primeros en hacerlo». En el boceto original, la cabeza estaba de tres cuartos, pero Lemmy dijo que nunca habíamos usado la cabeza de perfil desde Deaf Forever. Así que, ¿por qué no le damos un perfil completo?”.
La reseña de AllMusic dice: “We Are Motörhead mantiene el alto nivel general de la segunda década de la banda, y aunque no hay muchos alardes teatrales propios de los amantes de la velocidad... la actitud cruda que siempre ha impulsado sus mejores trabajos permanece intacta. Reducidos a un trío, Kilmister y compañía ofrecen un set conciso y explosivo, bien ejecutado y típico del sonido ya consolidado de Motörhead”.
En octubre y principios de noviembre, la banda realizó una gira por Estados Unidos con Nashville Pussy.
Durante el resto de noviembre, la banda llevó a cabo su gira europea "Monsters of the Millennium" con Manowar, Dio y Lion's Share, finalizando el Millennium con dos conciertos en el London Astoria.
Los dos conciertos fueron anunciados bajo el sello Kerrang!; la banda lució el lema "X-Fest" y en el primer concierto contaron con el apoyo de Backyard Babies; en el segundo concierto, Skin de Skunk Anansie y Nina C. Alice de Skew Siskin aportaron sus voces invitadas para "Born to Raise Hell", y Ace de Skunk Anansie tocó "Overkill" con la banda.
En mayo de 2000, el lanzamiento de “We Are Motörhead” coincidió con el inicio de la gira "We Are Motörhead" de la banda por Sudamérica y Norteamérica durante mayo y junio, con nueve conciertos más en Europa en julio.
Tras los conciertos en Estados Unidos y Francia, el 26 de agosto se publicó un álbum recopilatorio doble, “The Best Of”.
Incluye 36 temas de Motörhead que abarcan la carrera de la banda desde 1977 hasta 2000, incluyendo cuatro temas en directo inéditos grabados en 1981.
También incluye tres temas que no son de Motörhead: la versión de Girlschool de "Bomber" de Motörhead, una versión de "Please Don't Touch" de Johnny Kidd & The Pirates interpretada por la colaboración Motörhead/Girlschool Headgirl, y la versión original de Hawkwind de "Motörhead", la canción de la que Lemmy, tomó el nombre de la banda tras ser despedido de Hawkwind.
Se incluyen 14 de los 16 álbumes de estudio de Motörhead en aquel entonces, con la excepción de “March ör Die” (1992) y “Bastards” (1993).
Cuatro fechas en Japón precedieron al concierto del 25 aniversario de la banda el 22 de octubre de 2000 en la Brixton Academy de Londres, donde participaron como invitados "Fast" Eddie Clarke, Brian May, Doro Pesch, Whitfield Crane, Ace, Paul Inder y Todd Campbell.
El espectáculo también contó con el regreso del sistema de iluminación Bomber.
El evento fue filmado y lanzado al año siguiente como el DVD “25 & Alive Boneshaker”.
Lemmy afirma que la razón del DVD fue querer "grabarlo para la posteridad o lo que sea. Me quedé dormido durante el 10 aniversario, no hicimos nada en el 20, así que el 25 tenía sentido".
El concierto también se publicó como el séptimo álbum en directo de la banda, titulado “Live at Brixton Academy”, en formato doble CD en directo en diciembre de 2003.
Fue editado por Steamhammer en Europa y por Metal-Is, filial de Sanctuary Records, en Norteamérica.
Varios invitados hicieron acto de presencia esa noche; "Fast" Eddie Clarke (ex-Motörhead), Brian May de Queen, Joe Satriani, Todd Campbell (hijo de Phil), Paul Inder (hijo de Lemmy), Whitfield Crane (ex- Ugly Kid Joe), Doro Pesch (ex- Warlock) y Ace (Skunk Anansie).
El DVD también incluye una sesión acústica grabada en los estudios IHT de Clapham, material de archivo de Motörhead, entrevistas con la banda y sus invitados, y canciones filmadas en el festival Wacken Open Air el 4 de agosto de 2001.
En junio de 2008, Motörhead recibió el Disco de Oro por las ventas en Alemania, que superaron las 25.000 copias del DVD "25 & Alive Boneshaker".
Tras el concierto de aniversario, la banda realizó una gira por Europa Occidental y Oriental que duró octubre, noviembre y diciembre.
El calendario de la gira por Europa del Este fue bastante duro, con dos viajes de 18 horas seguidas y poco tiempo libre.
En el recinto de Varsovia, la banda no llegó hasta las 11 de la noche y el equipo seguía cargando el equipo a la una de la madrugada, mientras los fans esperaban.
Después de tomarse un mes de descanso, la banda comenzó a trabajar en un nuevo álbum en la casa de Chuck Reid en Hollywood Hills.
Este álbum, “Hammered”, fue lanzado al año siguiente.
El 1 de abril de 2001, la banda ofreció una actuación de una canción para la entrada de Triple H en WrestleMania X-Seven en el Reliant Astrodome en Houston.
La segunda parte de la gira "We Are Motörhead" comenzó en mayo en Irlanda, pasando luego al Reino Unido.
En Manchester, la banda contó con el apoyo de Goldblade y de Pure Rubbish en los dos conciertos de Londres.
El segundo concierto de Londres también incluyó a Backyard Babies y a Paul Inder, quien fue músico invitado para "Killed By Death".
Entre junio y agosto, Motörhead tocó en varios festivales de rock en Europa; incluyendo el Graspop Metal Meeting en Bélgica, el Quart Festival en Noruega y el Wacken Open Air el 4 de agosto.
La banda regresó a Estados Unidos para una gira de siete conciertos entre finales de septiembre y principios de octubre.
En abril de 2002, se lanzó un DVD con algunas actuaciones de Motörhead de los años 70 y 80, junto con imágenes de archivo de la banda, titulado “The Best of Motörhead”; dos semanas antes, se lanzó el álbum “Hammered”.
“Hammered” es el decimosexto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 9 de abril de 2002 a través de Steamhammer.
Fue su sexto álbum con este sello, superando el total de lanzamientos de álbumes de larga duración de la era Bronze Records.
También marcó el inicio de su distribución en Norteamérica y otros territorios bajo el sello Sanctuary Records y su filial Metal-Is.
El álbum fue grabado en Hollywood Hills, en la casa de Chuck Reed, con Thom Panunzio como productor.
Para entonces, Motörhead había grabado varios álbumes como trío, con el baterista Mikkey Dee, el guitarrista Phil Campbell y el vocalista/bajista original, Lemmy.
En las memorias de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita a Dee diciendo que el álbum, que destaca por su temática más oscura y su tono reflexivo, estuvo influenciado por los ataques del 11 de septiembre.
"We Are Motörhead, el álbum anterior, era extremadamente duro y rápido, un álbum muy agresivo, y este no lo es tanto... Phil y yo volamos a Los Ángeles el 10 de septiembre y escribimos estas canciones durante un mes de puro miedo allí, ¿sabes?, había muy mal rollo. Así que quizás eso tenga algo que ver con el ambiente de este álbum. Estuve pensando en ello después. Este álbum es realmente melancólico, ¿sabes? Y lo mismo ocurre con Lemmy, con la forma en que componía las melodías".
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, Lemmy afirma: "Tengo sentimientos encontrados, es un poco ambivalente. Hay algunas canciones buenas y otras que son una porquería”.
El álbum es quizás más recordado por "The Game", compuesta por Jim Johnston, compositor de música de la WWE, como tema de entrada del luchador Triple H.
En dos eventos de WrestleMania, WrestleMania X-Seven y WrestleMania 21, Motörhead interpretó esta canción en vivo mientras Triple H hacía su entrada al ring.
Triple H también colaboró con voces en el tema hablado "Serial Killer".
Joe Petagno, artista de portadas con una larga trayectoria, aportó esta perspectiva sobre el concepto de la portada del álbum: "Originalmente se iba a usar para el diseño del 27 aniversario, pero quitamos el 27 y experimentamos. La primera idea que tuvo Lemmy fue poner dos martillos cruzados en la parte inferior, pero parecía demasiado ruso. Al final optamos por un as. Se suponía que era la trenza dorada que se lleva en la gorra militar o en el hombro. Es muy bonita. La parte más difícil fue la tipografía, los reflejos y las sombras".
La reseña de AllMusic dice: "En 'Walk a Crooked Mile' de Hammered, Motörhead ha escrito al menos un clásico más para añadir a la gran cantidad de éxitos de la banda, que fácilmente podrían llenar un CD doble. De duración épica y con una genial línea de bajo cortesía del líder de Motörhead, Lemmy Kilmister, 'Walk a Crooked Mile' tiene un toque punk, como muchas de las canciones de Motörhead, pero también cierra con un elegante solo de guitarra metal al estilo de los 80".
Lee Marlow, de Classic Rock, escribió en noviembre de 2013 que: " 'Red Raw' renovó hábilmente esa batería atemporal, implacable y de alta velocidad a través de una pizca de modernidad post-thrash brutal y letras que rezuman asesinato a la luz de la luna y locura".
El álbum fue promocionado por la gira "Hammered", que comenzó en Estados Unidos casi al mismo tiempo.
Las fechas en Estados Unidos se extendieron hasta finales de mayo, y entre junio y agosto se realizó una gira europea.
En octubre, la banda ofreció cinco conciertos en Gran Bretaña junto a Anthrax, Skew Siskin y Psycho Squad.
El último concierto tuvo lugar en el Wembley Arena de Londres, donde, en lugar de Psycho Squad, la banda contó con Hawkwind como teloneros, con Lemmy interpretando "Silver Machine" en el escenario junto a ellos.
Durante el resto de octubre y gran parte de noviembre, la banda estuvo de gira europea con Anthrax.
En abril y mayo de 2003, la banda continuó promocionando el álbum “Hammered” en los Estados Unidos, y en las tres fechas que Phil Campbell tuvo que ausentarse, debido al fallecimiento de su madre, Todd Youth lo reemplazó.
Entre finales de mayo y mediados de julio, la banda tocó en siete fechas en festivales de verano en Europa y desde finales de julio hasta finales de agosto, estuvieron de gira por los Estados Unidos con Iron Maiden y Dio.
El 7 de octubre se lanzó una colección completa de cinco discos como “Stone Deaf Forever!”.
“Stone Deaf Forever!” es la primera colección en caja recopilatoria que abarca la trayectoria de la banda desde 1975 hasta 2002, y es la primera caja recopilatoria que se publica con la plena aprobación de la banda: la lista de canciones se elaboró en colaboración con la banda y su club de fans.
El folleto adjunto de 60 páginas contiene un nuevo ensayo de 12.000 palabras del periodista de rock Mick Wall, así como fotos e información inéditas.
También incluye una réplica a todo color del póster de la gira y un botón de Motörhead.
La portada presenta una pintura encargada especialmente al veterano artista de Motörhead, Joe Petagno.
Diecinueve temas debutaron en CD en este recopilatorio, aunque varios de ellos se han incluido posteriormente en reediciones de Motörhead y, sobre todo, en el recopilatorio “BBC Live & In-Session”.
El 1 de septiembre de 2003, la banda regresó al club Whisky A Go-Go de Hollywood para la inducción al Paseo de la Fama del Rock de Hollywood.
Durante octubre, la banda realizó una gira por Gran Bretaña con Wildhearts y Young Heart Attack.
La banda realizó siete conciertos en Bélgica, los Países Bajos y España entre el 21 y el 28 de octubre y desde finales de noviembre hasta principios de diciembre estuvieron en Alemania y Suiza, de gira con Skew Siskin y Mustasch.
Motörhead ofreció un concierto solo por invitación en la Royal Opera House de Covent Garden, Londres, el 22 de febrero de 2004; en festivales de verano en Sudamérica durante mayo; y en Europa durante junio, julio y agosto.
Ya habían pasado tiempo en el estudio, trabajando en “Inferno”, que se lanzó el 22 de junio y al que siguió la gira "Inferno" por Irlanda con Class of Zero durante tres fechas.
Fue su octavo álbum con el sello Steamhammer y el segundo bajo Sanctuary Records y su filial Metal-Is en Norteamérica y ciertos territorios.
“Inferno” fue el primer álbum de Motörhead producido por Cameron Webb.
En 2010, Webb le contó a Joel McIver, de “Classic Rock Presents Motörhead” que llevaba años queriendo grabar un disco con la banda y que se reunió con ellos para cenar en el hotel Sunset Marquis para hablar sobre la posibilidad de colaborar: "Les comenté que quería hacer un disco muy potente con ellos. Fue un error, porque a Lemmy le gusta tocar rock 'n' roll, no le gusta la música heavy, y me lo hizo notar".
No obstante, la banda y Webb produjeron el álbum más pesado de Motörhead en años.
En una entrevista para el DVD extra de “Inferno”, el baterista Mikkey Dee afirma que Webb "nos impulsó un poco más. No se dejó intimidar por nuestra actitud de estrellas de rock".
Lemmy añade: "Eso fue genial, porque Mickey puede ser muy intimidante, y yo también, y Phil puede ser muy violento".
Webb no solo logró la unidad en la banda a la hora de grabar, sino que también comprendió el sonido del bajo de Lemmy, que tenía mucha más ganancia que graves.
Esto se debía principalmente a la pérdida auditiva de Lemmy, ya que le gustaba que sus canciones tuvieran un sonido más brillante y siempre le pedía a Webb que bajara el bajo.
Esto generó un problema durante la grabación y, cuando Webb se quejó al mánager Todd Singerman, este le dijo: "Oye, tus oídos son diferentes. Así va a ser. Encontrarás la manera de convencer a [Lemmy] para que haga las cosas".
Finalmente, tanto Webb como Lemmy lograron resolver este problema; una de las maneras fue encender el subwoofer después de que Lemmy abandonara el estudio.
La banda explicó que grabaron “Inferno” de la misma manera que todos sus demás álbumes, a última hora: alquilaron una gran sala de ensayo en Los Ángeles, compusieron canciones durante unas seis semanas y, tras una semana de descanso, las grabaron mientras aún estaban frescas.
La canción que cerraba el álbum, "Whorehouse Blues", supuso un cambio de registro.
Se trataba de una canción de country blues, caracterizada por la guitarra acústica interpretada por los tres miembros, con Lemmy añadiendo la armónica hacia el final.
Dee explicó su cambio de la batería: "He tocado la guitarra un poco toda mi vida, porque siempre han existido, así que no es nada espectacular para mí".
Añadió: "Es muy divertido subir al escenario y tocar esa canción. Y sin duda sorprendimos al público".
El rodaje del videoclip de “Whorehouse Blues” iba a tener lugar en un club de Stringfellow, pero Peter Stringfellow se opuso al título de la canción y a sus connotaciones, y se retiró del proyecto. Con 24 horas para el rodaje, encontraron un club en Ealing.
"In the Black" apareció en el videojuego Brütal Legend de 2009.
Joe Petagno, artista que lleva mucho tiempo diseñando las portadas de los discos de la banda, dijo sobre la portada del álbum: "Cuando decidí hacer la portada de Inferno , pensé que debía ser Marte , el dios de la guerra. Pero quería tomar las tres cabezas cromadas originales que había creado dos años antes y mostrarlas en el proceso de formación en la fundición. El metal fundido, que atraviesa el centro de la imagen, se vierte y forma la espada del nuevo logo. También es un axis mundi , el centro del mundo, que mantiene unido todo el planeta Marte. Es un círculo, Marte está a punto de explotar. Hay soldados que vienen de los lados, muy parecido a Irak o cualquier otro punto conflictivo del mundo. Al mismo tiempo que se hablaba de la exploración de Marte en la televisión... Genial. Millones de personas mueren, hay agua en Marte, estoy jodidamente feliz. Surgió porque me irritaba el "¿No podemos simplemente resolverlo?... toda la hipocresía de nuevo, todo el derramamiento de sangre, toda la estupidez... está en esa portada."Fue una especie de regreso a Overkill y una segunda oportunidad, realmente".
Guy Strachan elogió “Inferno” en Terrorizer como "el mejor álbum que Motörhead haya grabado jamás".
Sin embargo, James Monger de AllMusic criticó a la banda por "producir el mismo disco una y otra vez".
"Hay matices de blues, de punk y de metal aquí", escribió Ian Winwood para Mojo, "interpretados por una banda cuya nitidez y precisión a menudo se pasan por alto hoy en día".
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió: "Inferno fue una pasada de principio a fin. Su sonido moderno y con graves potentes encajaba a la perfección con las canciones; era casi como si, sin darse cuenta, Motörhead hubiera plasmado su identidad en el álbum con más honestidad que en cualquier otro disco en al menos una década".
Lee Marlowe de Classic Rock afirmó en 2013 que "Killers" "es tan pegadiza como cualquier otra canción del extenso catálogo de la banda: "un tema estridente y destacado en uno de los álbumes más sólidos que han hecho", mientras que "Whorehouse Blues" "tiene todo el sentido del mundo".
Junto a Sepultura, la gira llegó a Gran Bretaña.
Parte del concierto de Londres en el Hammersmith Apollo fue filmado para televisión, ya que Gene Simmons presentó al acto de apertura adicional, “The Class”, formado por escolares de su serie de Channel 4, Rock School. Würzel fue invitado en "Overkill".
La banda continuó la gira con Sepultura por Europa durante el resto de noviembre y diciembre.
En el concierto de Magdeburgo, Alemania, el 4 de diciembre, Motörhead se unió a Sepultura en el escenario durante su actuación como teloneros para interpretar la canción "Orgasmatron", en celebración del 20 aniversario de Sepultura.
El espectáculo del 7 de diciembre en el Philipshalle de Düsseldorf fue grabado y posteriormente lanzado como el DVD “Stage Fright”.
Motörhead ganó su primer Grammy en los premios de 2005 en la categoría de “Mejor Interpretación de Metal” por su versión de "Whiplash" de Metallica en “Metallic Attack: The Ultimate Tribute”, álbum que contiene versiones de canciones de los primeros cinco álbumes de estudio de Metallica.
"Han logrado clavarnos el cuchillo", refunfuñó Lemmy. "Fue solo una mierda por piedad; era nuestro trigésimo aniversario. Si nos dieran un Grammy por uno de nuestros álbumes o canciones, significaría algo".
Desde marzo hasta principios de mayo de 2005, la banda realizó una gira por Estados Unidos, y en junio y agosto estuvo en la gira del "30.º aniversario" en Europa.
El 22 de agosto, fueron el tema de un documental de una hora de duración, “Live Fast, Die Old”, emitido en Channel 4 como parte de la serie de documentales “The Other Side”, filmado por directores noveles y consagrados.
El 20 de septiembre, se lanzó una recopilación que contenía las apariciones de la banda en BBC Radio 1 y una grabación de un concierto en el Paris Theatre de Londres, titulada “BBC Live & In-Session”.
En octubre, la banda realizó una gira por Europa con Mondo Generator antes de regresar a Gran Bretaña para girar con In Flames y Girlschool en octubre y noviembre.
Durante el concierto en la Brixton Academy el 19 de noviembre, Lemmy se unió a Girlschool en el escenario para tocar "Please Don't Touch".
Motörhead terminó las giras del año en diciembre, con dos presentaciones en Nueva Zelanda y cinco en Australia con Mötley Crüe.
También en 2005, Motörhead tocó en el festival de despedida “Vaya Con Tioz Böhse Onkelz” en Lausitzring.
En 2006, la banda realizó una gira de cuatro fechas por House of Blues en Estados Unidos en marzo con Meldrum y desde junio hasta principios de agosto tocó en festivales europeos al aire libre con algunos conciertos como cabeza de cartel en interiores.
El 28 de octubre, la banda actuó en el Rock Freakers Ball en Kansas City antes de partir de gira por Gran Bretaña con Clutch y Crucified Barbara.
Durante esa gira, “Kiss of Death” se lanzó el 29 de agosto de 2006 a través de Sanctuary Records, con un video para "Be My Baby".
“Kiss of Death” fue el segundo álbum que Motörhead grabó con el productor Cameron Webb y continúa con el sonido pesado del álbum anterior de la banda, “Inferno”.
Como señaló Joel McIver en sus memorias de Motörhead de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”: "'God Was Never on Your Side' muestra la letargia lírica de Lemmy como nunca antes; 'Kingdom of the Worm', el primer sencillo del álbum, fue un comentario mordaz sobre el mundo moderno; y una canción, la pesada 'Going Down', fue coescrita por el hijo de Campbell, Todd".
Mike Inez de Alice in Chains y CC Deville de Poison también participaron en el álbum.
"Kingdom of the Worm" se estrenó mundialmente el viernes 19 de mayo, durante la aparición de Lemmy en el programa de radio "Jonesy's Jukebox" de Indie 103.1 FM.
“Kiss of Death” alcanzó el puesto número 4 en Alemania, lo que supone la mejor posición de Motörhead en las listas alemanas.
El álbum también destaca por ser el último de Motörhead en incluir ilustraciones originales del veterano artista Joe Petagno.
Una reseña en Drowned in Sound opinó que Motörhead no es una banda que se centre en la innovación y la progresión, y que se contentan con hacer más de lo mismo, y sus fans están más que contentos de recibirlo, siendo este álbum una excepción.
Por lo demás, la reseña señala que las canciones son "doce piezas de buen rock 'n' roll a la antigua, para pisotear y levantar el puño".
Greg Prato de AllMusic elogió la longevidad de la banda, pero opinó que "hay demasiadas canciones que suenan a metal moderno común y corriente (como 'Living in the Past' y 'Sword of Glory'), en lugar del sonido clásico de Motörhead que uno esperaría".
Pero Lee Marlow de Classic Rock, sobre "Sword of Glory", dijo: "La capacidad de Lemmy para extraer una nueva intensidad de la idiotez de la guerra y su huella en la historia ha sido durante mucho tiempo una de las armas más afiladas de Motörhead".
La gira terminó el 25 de noviembre en la Brixton Academy, donde Phil Campbell tocó en "Killed By Death" durante el set de Crucified Barbara como teloneros.
Doce conciertos en Europa con Meldrum los llevaron desde finales de noviembre hasta principios de diciembre, los dos primeros conciertos también contaron con la participación de Skew Siskin.
En noviembre, la banda acordó un acuerdo de patrocinio con el equipo de fútbol Greenbank B sub-10 de North Hykeham, Lincoln, poniendo el nombre de la banda así como War-Pig en las camisetas del equipo; los sub-10 salen al campo con "Ace of Spades".
Lemmy es viejo amigo de Gary Weight, el entrenador del equipo; Weight "les envió un correo electrónico y ellos respondieron diciendo que era una gran idea" y espera que el acuerdo atraiga actuaciones inspiradas de su equipo.
El 25 de abril de 2007, la banda tocó en el Poliedro de Caracas en Caracas, Venezuela, y el 29 de abril en la Fundiçao Progresso, Río de Janeiro.
En junio, Motörhead tocó en una presentación en el Royal Festival Hall como parte de Jarvis Cocker 's Meltdown.
El 26 de febrero de 2008, “No Sleep 'til Hammersmith” fue reeditado nuevamente como un CD de dos discos.
De marzo a junio de 2008, la banda se reunió en Los Ángeles con el productor Cameron Webb para comenzar a trabajar en su 19.º álbum, “Motörizer”.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Lemmy Kilmister (Quinta parte)
La banda decidió continuar como un trío y realizó una gira por Europa durante todo octubre y los dos primeros días de noviembre.
Una gira de tres días por Sudamérica siguió la semana siguiente.
Lemmy celebró su 50 cumpleaños ese mismo año con la banda en el Whisky a Go Go de Los Ángeles; Metallica tocó en el evento bajo el nombre de The Lemmy's.
En 1996, la banda comenzó una gira por Estados Unidos a principios de enero y tocó en 30 lugares hasta el 15 de febrero; una gira de siete fechas por Europa en junio y julio fue seguida por dos presentaciones en Sudamérica durante agosto.
Una gira por Estados Unidos con Belladonna y Speedball comenzó con dos conciertos (Los Ángeles y Hollywood) a principios de octubre de 1996 y concluyó en Washington el 4 de diciembre.
Durante este tiempo, la banda había grabado “Overnight Sensation” en Ocean Studio y Track House Recording Studio.
El álbum fue lanzado el 15 de octubre, el primer álbum oficial de la banda como trío desde “Another Perfect Day” y el álbum mejor distribuido que la banda había tenido en años.
También marcaría el último cambio de formación de la banda y el más duradero antes de su disolución en 2015.
El álbum fue el tercer álbum de Motörhead con el productor Howard Benson.
Tras la salida de Würzel (Michael Burston) en 1995, la banda volvió a la misma formación clásica de tres miembros: bajo/voz, guitarra solista y batería.
En un raro crédito de composición externa, el guitarrista sueco de Erotica, Magnus Axx, contribuyó a escribir la canción "Civil War".
Este álbum también fue el primero desde “Ace of Spades” (1980) en tener una foto de la banda en la portada.
A pesar de ser solo un trío, la banda tenía un estilo más pesado en este trabajo que en su álbum anterior, “Sacrifice”.
El vocalista y bajista Lemmy Kilmister recuerda que, en medio de la gira, el disco tardó unas cuatro semanas en escribir nuevas canciones y dos meses en grabarse en el estudio.
Lemmy habló sobre el regreso a ser un trío: "Fue igual que un cuarteto, ¡solo que faltaba uno! O igual que los Everly Brothers más uno. Fue un poco más tenso, pero eso se debió a que Phil, al ser el único guitarrista, sentía que tenía mucha responsabilidad sobre sus hombros (y así era). Así que estaba bajo presión adicional, pero demostró su valía. Overnight Sensation es un gran álbum para él. Mikkey estuvo impecable como siempre: siempre termina sus pistas de batería mucho antes de lo previsto. Esta vez las grabó en un solo día".
En el libro de Joel McIver de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita al baterista Mikkey Dee diciendo que la composición de las canciones se vio afectada por la partida del guitarrista Würzel: "Solía decir que Würzel era más Motörhead que yo, Phil y Lemmy juntos. Era un auténtico Motörhead, ¿sabes? Escribía canciones y riffs súper duros, y a veces lo echo de menos. Porque Phil y yo a veces componíamos canciones un poco... no suaves, sino quizás demasiado correctas musicalmente, mientras que Würzel era muy simple, directo, con riffs muy duros. Nada complicado con él".
El álbum destaca por incluir una foto de Lemmy sin sus características patillas. Se las volvió a dejar crecer de nuevo en 2001 y las conservó hasta su muerte.
Lemmy evaluó el álbum en el documental de Motörhead de 2004, “The Guts and the Glory”, afirmando: "Fue un gran álbum, me gustó mucho 'Overnight '. Quedé muy satisfecho con él".
AllMusic califica el LP como: "[...] el álbum más ecléctico de la banda en años, sus temas van desde los potentes temas de metal como 'Civil War' y 'Eat the Gun' hasta los de ritmo medio como 'Listen to Your Heart' (¡con guitarras acústicas, sorprendente!) y la elegante 'I Don't Believe a Word'. Siempre un gran letrista, el vocalista y bajista Lemmy sube el nivel con la canción que da título al álbum, sumamente irónica, y con la que posiblemente sea la mejor canción de la banda de la década, la excepcionalmente divertida 'Crazy Like a Fox'".
Lee Marlow de Classic Rock afirmó en 2013 que “Overnight Sensation” era: "Prueba inmediata de que la última formación de Motörhead, con tres miembros, estaba a la altura de todas las encarnaciones anteriores".
La banda concluyó la gira del año con 13 fechas en Alemania.
Durante 1997, la banda realizó una extensa gira, comenzando con la primera etapa de la gira “Overnight Sensation” en Europa el 12 de enero en el London Astoria, donde los músicos invitados fueron Todd Campbell, hijo de Phil Campbell, en "Ace of Spades" y "Fast" Eddie Clarke para "Overkill".
La etapa europea duró hasta marzo y fue seguida por cuatro fechas en Japón, desde finales de mayo hasta el 1 de junio, y una gira por Estados Unidos con WASP durante el resto de junio.
En agosto, tres fechas en Europa fueron seguidas por siete fechas en Gran Bretaña, que terminaron con un concierto en la Brixton Academy el 25 de octubre, donde el músico invitado fue Paul Inder, hijo de Lemmy, para "Ace of Spades".
Otras cuatro fechas en octubre en Rusia concluyeron el año 1997.
Lemmy recordó que la gira iba particularmente bien, con algunos países como Argentina y Japón programando conciertos en recintos más grandes, y los promotores ingleses descubrieron que "podían obtener buenas ganancias con los conciertos de Motörhead".
En su opinión, el trío estaba rindiendo de forma excelente y ya era hora de que grabaran otro disco en directo.
La banda finalmente lo hizo, pero antes grabó otro álbum de estudio, “Snake Bite Love”, grabado en varios estudios y publicado el 10 de marzo de 1998 a través de Steamhammer, siendo este su tercer lanzamiento con dicho sello.
“Snake Bite Love” sería el último álbum coproducido con Howard Benson.
Según todos los testimonios, la grabación se realizó con prisas, y el baterista Mikkey Dee fue citado en el libro de Motörhead de 2011 “Overkill: The Untold Story of Motörhead: “Estábamos estresados como locos cuando hicimos ese álbum. Salió bien, pero nada más. Todos lo sabemos; deberíamos haber tenido tres semanas más y habría sido un gran álbum. Le echo toda la culpa al tiempo que teníamos. Por ejemplo, pusimos la peor canción que jamás hayamos hecho, "Night Side", es la peor mierda que hemos compuesto, y pensábamos que era una mierda cuando la hicimos. No teníamos tiempo para escribir otra canción, no nos quedaba nada... Así que todos sentimos lo mismo sobre ese álbum. He oído a gente decir: "Ese es el mejor álbum que tenéis", y yo pienso: "¿De qué planeta sois?".
Lemmy fue mucho más benévolo con el LP en su autobiografía “White Line Fever”, opinando que "salió bastante bien", pero admite que fue grabado "de forma caótica".
Lemmy recuerda que la creación de “Snake Bite Love” fue bastante normal para la banda: "Seis semanas antes de grabarlo, ni siquiera teníamos una sola canción. Pero cuando llegó el momento, la armamos muy rápido. Desafortunadamente, estuve enfermo durante algunos de los ensayos, y cuando dejas a dos tipos juntos que no son cantantes, terminas con arreglos extraños".
En este sentido, señala particularmente a "Desperate for You" y "Night Side" y explica cómo la canción que da título al álbum comenzó siendo una canción completamente diferente; Dee grabó las pistas de batería con una secuencia de acordes totalmente distinta, luego regresó a Suecia donde Campbell declaró que estaba harto de la canción y que no le gustaba.
Lemmy estuvo de acuerdo y Campbell creó un nuevo riff y cambió todo.
Lemmy admite que el álbum es un claro ejemplo de cómo escribía las letras en el último minuto, y añade: "ya sabes, hijo de *** vago, una vez más, ¿verdad?".
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, Lemmy admite que “Snake Bite Love” "tenía dos canciones malas", refiriéndose a "Desperate For You" y "Better Off Dead", aunque reconoció que a los fans les gustaban esos temas.
Campbell aparece acreditado en tono de broma en las notas del álbum como un glifo impronunciable ("El artista que se ve frecuentemente en la licorería"), burlándose de Prince.
Los críticos han señalado que el álbum muestra el lado menos pesado de Motörhead, ya que hay "una o dos canciones lentas de más, pero sigue siendo pesado en su mayor parte" y tiene una mezcla de ideas musicales, que van desde el verdadero metal de "Dogs of War" y "Assassin" hasta canciones con influencias de rock and roll como "Snake Bite Love" y "Don't Lie to Me".
Stephen Thomas Erlewine de AllMusic llama al álbum: "Un álbum sin mayor trascendencia... No es que el disco tenga nada de malo, ya que ofrece un conjunto sólido de temas de rock potentes y contundentes que pasan a toda velocidad, pero no aporta nada nuevo a la fórmula ni tiene canciones particularmente memorables".
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, lo consideró "sólido, fiable y no especialmente memorable".
La banda se unió a Judas Priest en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles el 3 de abril para comenzar su gira "Snake Bite Love".
El 21 de mayo, Motörhead fue grabado en The Docks en Hamburgo.
Las canciones de esta presentación fueron lanzadas posteriormente como “Everything Louder Than Everyone Else”.
Fue publicado el 9 de marzo de 1999 por SPV/Steamhammer y fue su primer álbum en directo con este sello, pero su cuarto lanzamiento discográfico.
El álbum se produjo sin sobregrabaciones en formato de dos discos. Inicialmente se lanzó en formato digipak, seguido posteriormente por una edición en caja de plástico de 2 CD.
Al comienzo del concierto, Lemmy anuncia: “Somos Motörhead; y vamos a patearos el culo”.
Lemmy recordó haber hecho esto durante la gira "Snake Bite Love", habiendo decidido incluir un concierto completo en el lanzamiento, algo que no habían hecho antes debido a las limitaciones del vinilo.
El título hace referencia a un comentario repetido por Ian Gillan de Deep Purple en el álbum en vivo “Made in Japan” de ese grupo: "...¿podríamos hacer que todo suene más fuerte que todo lo demás?...".
Lemmy dijo que eligió grabarlo en Hamburgo, Alemania, porque: “...los alemanes han sido unos fans muy leales. Siempre nos salvaron el pellejo cuando íbamos descendiendo por tercera vez. Nos apoyaron, y sabíamos que Hamburgo sería un público fantástico. Es como Liverpool: una ciudad marinera, ¡y con un marinero sabes a qué atenerte!...”.
En el libro de Joel McIver de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita a Lemmy diciendo que cree que el álbum es mejor que el clásico LP en vivo de 1981, “No Sleep 'til Hammersmith”, afirmando: "...para empezar, es un doble, y creo que esta es una mejor banda. Funcionamos mejor como trío. Ganamos más dinero, para empezar —¡ja, ja!—, pero tienes que hacerlo mejor como trío porque la gente puede oír los fallos con más facilidad...".
Andy Hinds de AllMusic escribe: "...con una mezcla increíblemente fuerte y directa, captura el poder abrumador de Motörhead en vivo en toda su gloria dentada y refleja a una banda veterana trabajando en la cima de su habilidad...".
La banda fue invitada a unirse al Ozzfest Tour y tocó en varios conciertos en Estados Unidos desde principios de julio hasta principios de agosto, y estuvo en Europa desde principios de octubre hasta finales de noviembre.
La etapa británica de la gira fue denominada "No Speak With Forked Tongue" y contó con las bandas invitadas Groop Dogdrill, Radiator y Psycho Squad, liderada por Todd Campbell, hijo de Phil Campbell.
En 1999, Motörhead realizó una gira por Estados Unidos entre el 20 de abril y el 2 de junio, antes de dirigirse a los estudios Karo en Brackel, Alemania, para grabar su decimoquinto álbum, “We Are Motörhead”, que se lanzó en mayo del año siguiente.
Fue lanzado el 15 de mayo de 2000 a través de Steamhammer, siendo su quinto álbum con el sello, igualando así su total de lanzamientos de álbumes originales de larga duración con Bronze Records.
El álbum contiene una versión de la canción "God Save the Queen" de la banda punk The Sex Pistols, para la cual la banda grabó un video promocional sobre un autobús londinense AEC Routemaster descapotable.
En el documental de Motörhead “The Guts and the Glory”, Lemmy Kilmister declara: "Creo que We Are Motörhead fue un álbum mucho mejor de lo que se le reconoció".
En el momento del lanzamiento de “We Are Motörhead”, la banda competía consigo misma, ya que también salieron a la venta los recopilatorios “Deaf Forever: The Best of Motörhead” y “The Best of Motörhead”, algo sobre lo que la banda no tenía ningún control.
Durante las sesiones de grabación del álbum, la banda tocó en varios lugares de Europa, el primero de ellos en el Fila Forum de Assago, cerca de Milán, donde James Hetfield de Metallica se unió a la banda en el escenario para tocar "Overkill".
Joe Petagno, el artista que diseñó la portada, comentó sobre las influencias que inspiraron el concepto de la misma: "Es una de mis piezas favoritas. En aquel entonces, había mucho death metal y black metal. De hecho, yo trabajaba con mucha gente de ese género. Todos eran fanáticos acérrimos de Motörhead y habían crecido con Motörhead. Les dije: «Oigan, en lugar de dejar que estos tipos los influyan, ¿por qué no les rendimos homenaje al death metal? Eso ya es genial. De todos modos, ustedes fueron los primeros en hacerlo». En el boceto original, la cabeza estaba de tres cuartos, pero Lemmy dijo que nunca habíamos usado la cabeza de perfil desde Deaf Forever. Así que, ¿por qué no le damos un perfil completo?”.
La reseña de AllMusic dice: “We Are Motörhead mantiene el alto nivel general de la segunda década de la banda, y aunque no hay muchos alardes teatrales propios de los amantes de la velocidad... la actitud cruda que siempre ha impulsado sus mejores trabajos permanece intacta. Reducidos a un trío, Kilmister y compañía ofrecen un set conciso y explosivo, bien ejecutado y típico del sonido ya consolidado de Motörhead”.
En octubre y principios de noviembre, la banda realizó una gira por Estados Unidos con Nashville Pussy.
Durante el resto de noviembre, la banda llevó a cabo su gira europea "Monsters of the Millennium" con Manowar, Dio y Lion's Share, finalizando el Millennium con dos conciertos en el London Astoria.
Los dos conciertos fueron anunciados bajo el sello Kerrang!; la banda lució el lema "X-Fest" y en el primer concierto contaron con el apoyo de Backyard Babies; en el segundo concierto, Skin de Skunk Anansie y Nina C. Alice de Skew Siskin aportaron sus voces invitadas para "Born to Raise Hell", y Ace de Skunk Anansie tocó "Overkill" con la banda.
En mayo de 2000, el lanzamiento de “We Are Motörhead” coincidió con el inicio de la gira "We Are Motörhead" de la banda por Sudamérica y Norteamérica durante mayo y junio, con nueve conciertos más en Europa en julio.
Tras los conciertos en Estados Unidos y Francia, el 26 de agosto se publicó un álbum recopilatorio doble, “The Best Of”.
Incluye 36 temas de Motörhead que abarcan la carrera de la banda desde 1977 hasta 2000, incluyendo cuatro temas en directo inéditos grabados en 1981.
También incluye tres temas que no son de Motörhead: la versión de Girlschool de "Bomber" de Motörhead, una versión de "Please Don't Touch" de Johnny Kidd & The Pirates interpretada por la colaboración Motörhead/Girlschool Headgirl, y la versión original de Hawkwind de "Motörhead", la canción de la que Lemmy, tomó el nombre de la banda tras ser despedido de Hawkwind.
Se incluyen 14 de los 16 álbumes de estudio de Motörhead en aquel entonces, con la excepción de “March ör Die” (1992) y “Bastards” (1993).
Cuatro fechas en Japón precedieron al concierto del 25 aniversario de la banda el 22 de octubre de 2000 en la Brixton Academy de Londres, donde participaron como invitados "Fast" Eddie Clarke, Brian May, Doro Pesch, Whitfield Crane, Ace, Paul Inder y Todd Campbell.
El espectáculo también contó con el regreso del sistema de iluminación Bomber.
El evento fue filmado y lanzado al año siguiente como el DVD “25 & Alive Boneshaker”.
Lemmy afirma que la razón del DVD fue querer "grabarlo para la posteridad o lo que sea. Me quedé dormido durante el 10 aniversario, no hicimos nada en el 20, así que el 25 tenía sentido".
El concierto también se publicó como el séptimo álbum en directo de la banda, titulado “Live at Brixton Academy”, en formato doble CD en directo en diciembre de 2003.
Fue editado por Steamhammer en Europa y por Metal-Is, filial de Sanctuary Records, en Norteamérica.
Varios invitados hicieron acto de presencia esa noche; "Fast" Eddie Clarke (ex-Motörhead), Brian May de Queen, Joe Satriani, Todd Campbell (hijo de Phil), Paul Inder (hijo de Lemmy), Whitfield Crane (ex- Ugly Kid Joe), Doro Pesch (ex- Warlock) y Ace (Skunk Anansie).
El DVD también incluye una sesión acústica grabada en los estudios IHT de Clapham, material de archivo de Motörhead, entrevistas con la banda y sus invitados, y canciones filmadas en el festival Wacken Open Air el 4 de agosto de 2001.
En junio de 2008, Motörhead recibió el Disco de Oro por las ventas en Alemania, que superaron las 25.000 copias del DVD "25 & Alive Boneshaker".
Tras el concierto de aniversario, la banda realizó una gira por Europa Occidental y Oriental que duró octubre, noviembre y diciembre.
El calendario de la gira por Europa del Este fue bastante duro, con dos viajes de 18 horas seguidas y poco tiempo libre.
En el recinto de Varsovia, la banda no llegó hasta las 11 de la noche y el equipo seguía cargando el equipo a la una de la madrugada, mientras los fans esperaban.
Después de tomarse un mes de descanso, la banda comenzó a trabajar en un nuevo álbum en la casa de Chuck Reid en Hollywood Hills.
Este álbum, “Hammered”, fue lanzado al año siguiente.
El 1 de abril de 2001, la banda ofreció una actuación de una canción para la entrada de Triple H en WrestleMania X-Seven en el Reliant Astrodome en Houston.
La segunda parte de la gira "We Are Motörhead" comenzó en mayo en Irlanda, pasando luego al Reino Unido.
En Manchester, la banda contó con el apoyo de Goldblade y de Pure Rubbish en los dos conciertos de Londres.
El segundo concierto de Londres también incluyó a Backyard Babies y a Paul Inder, quien fue músico invitado para "Killed By Death".
Entre junio y agosto, Motörhead tocó en varios festivales de rock en Europa; incluyendo el Graspop Metal Meeting en Bélgica, el Quart Festival en Noruega y el Wacken Open Air el 4 de agosto.
La banda regresó a Estados Unidos para una gira de siete conciertos entre finales de septiembre y principios de octubre.
En abril de 2002, se lanzó un DVD con algunas actuaciones de Motörhead de los años 70 y 80, junto con imágenes de archivo de la banda, titulado “The Best of Motörhead”; dos semanas antes, se lanzó el álbum “Hammered”.
“Hammered” es el decimosexto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 9 de abril de 2002 a través de Steamhammer.
Fue su sexto álbum con este sello, superando el total de lanzamientos de álbumes de larga duración de la era Bronze Records.
También marcó el inicio de su distribución en Norteamérica y otros territorios bajo el sello Sanctuary Records y su filial Metal-Is.
El álbum fue grabado en Hollywood Hills, en la casa de Chuck Reed, con Thom Panunzio como productor.
Para entonces, Motörhead había grabado varios álbumes como trío, con el baterista Mikkey Dee, el guitarrista Phil Campbell y el vocalista/bajista original, Lemmy.
En las memorias de Joel McIver, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”, se cita a Dee diciendo que el álbum, que destaca por su temática más oscura y su tono reflexivo, estuvo influenciado por los ataques del 11 de septiembre.
"We Are Motörhead, el álbum anterior, era extremadamente duro y rápido, un álbum muy agresivo, y este no lo es tanto... Phil y yo volamos a Los Ángeles el 10 de septiembre y escribimos estas canciones durante un mes de puro miedo allí, ¿sabes?, había muy mal rollo. Así que quizás eso tenga algo que ver con el ambiente de este álbum. Estuve pensando en ello después. Este álbum es realmente melancólico, ¿sabes? Y lo mismo ocurre con Lemmy, con la forma en que componía las melodías".
En el documental de Motörhead, “The Guts and the Glory”, Lemmy afirma: "Tengo sentimientos encontrados, es un poco ambivalente. Hay algunas canciones buenas y otras que son una porquería”.
El álbum es quizás más recordado por "The Game", compuesta por Jim Johnston, compositor de música de la WWE, como tema de entrada del luchador Triple H.
En dos eventos de WrestleMania, WrestleMania X-Seven y WrestleMania 21, Motörhead interpretó esta canción en vivo mientras Triple H hacía su entrada al ring.
Triple H también colaboró con voces en el tema hablado "Serial Killer".
Joe Petagno, artista de portadas con una larga trayectoria, aportó esta perspectiva sobre el concepto de la portada del álbum: "Originalmente se iba a usar para el diseño del 27 aniversario, pero quitamos el 27 y experimentamos. La primera idea que tuvo Lemmy fue poner dos martillos cruzados en la parte inferior, pero parecía demasiado ruso. Al final optamos por un as. Se suponía que era la trenza dorada que se lleva en la gorra militar o en el hombro. Es muy bonita. La parte más difícil fue la tipografía, los reflejos y las sombras".
La reseña de AllMusic dice: "En 'Walk a Crooked Mile' de Hammered, Motörhead ha escrito al menos un clásico más para añadir a la gran cantidad de éxitos de la banda, que fácilmente podrían llenar un CD doble. De duración épica y con una genial línea de bajo cortesía del líder de Motörhead, Lemmy Kilmister, 'Walk a Crooked Mile' tiene un toque punk, como muchas de las canciones de Motörhead, pero también cierra con un elegante solo de guitarra metal al estilo de los 80".
Lee Marlow, de Classic Rock, escribió en noviembre de 2013 que: " 'Red Raw' renovó hábilmente esa batería atemporal, implacable y de alta velocidad a través de una pizca de modernidad post-thrash brutal y letras que rezuman asesinato a la luz de la luna y locura".
El álbum fue promocionado por la gira "Hammered", que comenzó en Estados Unidos casi al mismo tiempo.
Las fechas en Estados Unidos se extendieron hasta finales de mayo, y entre junio y agosto se realizó una gira europea.
En octubre, la banda ofreció cinco conciertos en Gran Bretaña junto a Anthrax, Skew Siskin y Psycho Squad.
El último concierto tuvo lugar en el Wembley Arena de Londres, donde, en lugar de Psycho Squad, la banda contó con Hawkwind como teloneros, con Lemmy interpretando "Silver Machine" en el escenario junto a ellos.
Durante el resto de octubre y gran parte de noviembre, la banda estuvo de gira europea con Anthrax.
En abril y mayo de 2003, la banda continuó promocionando el álbum “Hammered” en los Estados Unidos, y en las tres fechas que Phil Campbell tuvo que ausentarse, debido al fallecimiento de su madre, Todd Youth lo reemplazó.
Entre finales de mayo y mediados de julio, la banda tocó en siete fechas en festivales de verano en Europa y desde finales de julio hasta finales de agosto, estuvieron de gira por los Estados Unidos con Iron Maiden y Dio.
El 7 de octubre se lanzó una colección completa de cinco discos como “Stone Deaf Forever!”.
“Stone Deaf Forever!” es la primera colección en caja recopilatoria que abarca la trayectoria de la banda desde 1975 hasta 2002, y es la primera caja recopilatoria que se publica con la plena aprobación de la banda: la lista de canciones se elaboró en colaboración con la banda y su club de fans.
El folleto adjunto de 60 páginas contiene un nuevo ensayo de 12.000 palabras del periodista de rock Mick Wall, así como fotos e información inéditas.
También incluye una réplica a todo color del póster de la gira y un botón de Motörhead.
La portada presenta una pintura encargada especialmente al veterano artista de Motörhead, Joe Petagno.
Diecinueve temas debutaron en CD en este recopilatorio, aunque varios de ellos se han incluido posteriormente en reediciones de Motörhead y, sobre todo, en el recopilatorio “BBC Live & In-Session”.
El 1 de septiembre de 2003, la banda regresó al club Whisky A Go-Go de Hollywood para la inducción al Paseo de la Fama del Rock de Hollywood.
Durante octubre, la banda realizó una gira por Gran Bretaña con Wildhearts y Young Heart Attack.
La banda realizó siete conciertos en Bélgica, los Países Bajos y España entre el 21 y el 28 de octubre y desde finales de noviembre hasta principios de diciembre estuvieron en Alemania y Suiza, de gira con Skew Siskin y Mustasch.
Motörhead ofreció un concierto solo por invitación en la Royal Opera House de Covent Garden, Londres, el 22 de febrero de 2004; en festivales de verano en Sudamérica durante mayo; y en Europa durante junio, julio y agosto.
Ya habían pasado tiempo en el estudio, trabajando en “Inferno”, que se lanzó el 22 de junio y al que siguió la gira "Inferno" por Irlanda con Class of Zero durante tres fechas.
Fue su octavo álbum con el sello Steamhammer y el segundo bajo Sanctuary Records y su filial Metal-Is en Norteamérica y ciertos territorios.
“Inferno” fue el primer álbum de Motörhead producido por Cameron Webb.
En 2010, Webb le contó a Joel McIver, de “Classic Rock Presents Motörhead” que llevaba años queriendo grabar un disco con la banda y que se reunió con ellos para cenar en el hotel Sunset Marquis para hablar sobre la posibilidad de colaborar: "Les comenté que quería hacer un disco muy potente con ellos. Fue un error, porque a Lemmy le gusta tocar rock 'n' roll, no le gusta la música heavy, y me lo hizo notar".
No obstante, la banda y Webb produjeron el álbum más pesado de Motörhead en años.
En una entrevista para el DVD extra de “Inferno”, el baterista Mikkey Dee afirma que Webb "nos impulsó un poco más. No se dejó intimidar por nuestra actitud de estrellas de rock".
Lemmy añade: "Eso fue genial, porque Mickey puede ser muy intimidante, y yo también, y Phil puede ser muy violento".
Webb no solo logró la unidad en la banda a la hora de grabar, sino que también comprendió el sonido del bajo de Lemmy, que tenía mucha más ganancia que graves.
Esto se debía principalmente a la pérdida auditiva de Lemmy, ya que le gustaba que sus canciones tuvieran un sonido más brillante y siempre le pedía a Webb que bajara el bajo.
Esto generó un problema durante la grabación y, cuando Webb se quejó al mánager Todd Singerman, este le dijo: "Oye, tus oídos son diferentes. Así va a ser. Encontrarás la manera de convencer a [Lemmy] para que haga las cosas".
Finalmente, tanto Webb como Lemmy lograron resolver este problema; una de las maneras fue encender el subwoofer después de que Lemmy abandonara el estudio.
La banda explicó que grabaron “Inferno” de la misma manera que todos sus demás álbumes, a última hora: alquilaron una gran sala de ensayo en Los Ángeles, compusieron canciones durante unas seis semanas y, tras una semana de descanso, las grabaron mientras aún estaban frescas.
La canción que cerraba el álbum, "Whorehouse Blues", supuso un cambio de registro.
Se trataba de una canción de country blues, caracterizada por la guitarra acústica interpretada por los tres miembros, con Lemmy añadiendo la armónica hacia el final.
Dee explicó su cambio de la batería: "He tocado la guitarra un poco toda mi vida, porque siempre han existido, así que no es nada espectacular para mí".
Añadió: "Es muy divertido subir al escenario y tocar esa canción. Y sin duda sorprendimos al público".
El rodaje del videoclip de “Whorehouse Blues” iba a tener lugar en un club de Stringfellow, pero Peter Stringfellow se opuso al título de la canción y a sus connotaciones, y se retiró del proyecto. Con 24 horas para el rodaje, encontraron un club en Ealing.
"In the Black" apareció en el videojuego Brütal Legend de 2009.
Joe Petagno, artista que lleva mucho tiempo diseñando las portadas de los discos de la banda, dijo sobre la portada del álbum: "Cuando decidí hacer la portada de Inferno , pensé que debía ser Marte , el dios de la guerra. Pero quería tomar las tres cabezas cromadas originales que había creado dos años antes y mostrarlas en el proceso de formación en la fundición. El metal fundido, que atraviesa el centro de la imagen, se vierte y forma la espada del nuevo logo. También es un axis mundi , el centro del mundo, que mantiene unido todo el planeta Marte. Es un círculo, Marte está a punto de explotar. Hay soldados que vienen de los lados, muy parecido a Irak o cualquier otro punto conflictivo del mundo. Al mismo tiempo que se hablaba de la exploración de Marte en la televisión... Genial. Millones de personas mueren, hay agua en Marte, estoy jodidamente feliz. Surgió porque me irritaba el "¿No podemos simplemente resolverlo?... toda la hipocresía de nuevo, todo el derramamiento de sangre, toda la estupidez... está en esa portada."Fue una especie de regreso a Overkill y una segunda oportunidad, realmente".
Guy Strachan elogió “Inferno” en Terrorizer como "el mejor álbum que Motörhead haya grabado jamás".
Sin embargo, James Monger de AllMusic criticó a la banda por "producir el mismo disco una y otra vez".
"Hay matices de blues, de punk y de metal aquí", escribió Ian Winwood para Mojo, "interpretados por una banda cuya nitidez y precisión a menudo se pasan por alto hoy en día".
En 2011, el biógrafo de Motörhead, Joel McIver, escribió: "Inferno fue una pasada de principio a fin. Su sonido moderno y con graves potentes encajaba a la perfección con las canciones; era casi como si, sin darse cuenta, Motörhead hubiera plasmado su identidad en el álbum con más honestidad que en cualquier otro disco en al menos una década".
Lee Marlowe de Classic Rock afirmó en 2013 que "Killers" "es tan pegadiza como cualquier otra canción del extenso catálogo de la banda: "un tema estridente y destacado en uno de los álbumes más sólidos que han hecho", mientras que "Whorehouse Blues" "tiene todo el sentido del mundo".
Junto a Sepultura, la gira llegó a Gran Bretaña.
Parte del concierto de Londres en el Hammersmith Apollo fue filmado para televisión, ya que Gene Simmons presentó al acto de apertura adicional, “The Class”, formado por escolares de su serie de Channel 4, Rock School. Würzel fue invitado en "Overkill".
La banda continuó la gira con Sepultura por Europa durante el resto de noviembre y diciembre.
En el concierto de Magdeburgo, Alemania, el 4 de diciembre, Motörhead se unió a Sepultura en el escenario durante su actuación como teloneros para interpretar la canción "Orgasmatron", en celebración del 20 aniversario de Sepultura.
El espectáculo del 7 de diciembre en el Philipshalle de Düsseldorf fue grabado y posteriormente lanzado como el DVD “Stage Fright”.
Motörhead ganó su primer Grammy en los premios de 2005 en la categoría de “Mejor Interpretación de Metal” por su versión de "Whiplash" de Metallica en “Metallic Attack: The Ultimate Tribute”, álbum que contiene versiones de canciones de los primeros cinco álbumes de estudio de Metallica.
"Han logrado clavarnos el cuchillo", refunfuñó Lemmy. "Fue solo una mierda por piedad; era nuestro trigésimo aniversario. Si nos dieran un Grammy por uno de nuestros álbumes o canciones, significaría algo".
Desde marzo hasta principios de mayo de 2005, la banda realizó una gira por Estados Unidos, y en junio y agosto estuvo en la gira del "30.º aniversario" en Europa.
El 22 de agosto, fueron el tema de un documental de una hora de duración, “Live Fast, Die Old”, emitido en Channel 4 como parte de la serie de documentales “The Other Side”, filmado por directores noveles y consagrados.
El 20 de septiembre, se lanzó una recopilación que contenía las apariciones de la banda en BBC Radio 1 y una grabación de un concierto en el Paris Theatre de Londres, titulada “BBC Live & In-Session”.
En octubre, la banda realizó una gira por Europa con Mondo Generator antes de regresar a Gran Bretaña para girar con In Flames y Girlschool en octubre y noviembre.
Durante el concierto en la Brixton Academy el 19 de noviembre, Lemmy se unió a Girlschool en el escenario para tocar "Please Don't Touch".
Motörhead terminó las giras del año en diciembre, con dos presentaciones en Nueva Zelanda y cinco en Australia con Mötley Crüe.
También en 2005, Motörhead tocó en el festival de despedida “Vaya Con Tioz Böhse Onkelz” en Lausitzring.
En 2006, la banda realizó una gira de cuatro fechas por House of Blues en Estados Unidos en marzo con Meldrum y desde junio hasta principios de agosto tocó en festivales europeos al aire libre con algunos conciertos como cabeza de cartel en interiores.
El 28 de octubre, la banda actuó en el Rock Freakers Ball en Kansas City antes de partir de gira por Gran Bretaña con Clutch y Crucified Barbara.
Durante esa gira, “Kiss of Death” se lanzó el 29 de agosto de 2006 a través de Sanctuary Records, con un video para "Be My Baby".
“Kiss of Death” fue el segundo álbum que Motörhead grabó con el productor Cameron Webb y continúa con el sonido pesado del álbum anterior de la banda, “Inferno”.
Como señaló Joel McIver en sus memorias de Motörhead de 2011, “Overkill: The Untold Story of Motörhead”: "'God Was Never on Your Side' muestra la letargia lírica de Lemmy como nunca antes; 'Kingdom of the Worm', el primer sencillo del álbum, fue un comentario mordaz sobre el mundo moderno; y una canción, la pesada 'Going Down', fue coescrita por el hijo de Campbell, Todd".
Mike Inez de Alice in Chains y CC Deville de Poison también participaron en el álbum.
"Kingdom of the Worm" se estrenó mundialmente el viernes 19 de mayo, durante la aparición de Lemmy en el programa de radio "Jonesy's Jukebox" de Indie 103.1 FM.
“Kiss of Death” alcanzó el puesto número 4 en Alemania, lo que supone la mejor posición de Motörhead en las listas alemanas.
El álbum también destaca por ser el último de Motörhead en incluir ilustraciones originales del veterano artista Joe Petagno.
Una reseña en Drowned in Sound opinó que Motörhead no es una banda que se centre en la innovación y la progresión, y que se contentan con hacer más de lo mismo, y sus fans están más que contentos de recibirlo, siendo este álbum una excepción.
Por lo demás, la reseña señala que las canciones son "doce piezas de buen rock 'n' roll a la antigua, para pisotear y levantar el puño".
Greg Prato de AllMusic elogió la longevidad de la banda, pero opinó que "hay demasiadas canciones que suenan a metal moderno común y corriente (como 'Living in the Past' y 'Sword of Glory'), en lugar del sonido clásico de Motörhead que uno esperaría".
Pero Lee Marlow de Classic Rock, sobre "Sword of Glory", dijo: "La capacidad de Lemmy para extraer una nueva intensidad de la idiotez de la guerra y su huella en la historia ha sido durante mucho tiempo una de las armas más afiladas de Motörhead".
La gira terminó el 25 de noviembre en la Brixton Academy, donde Phil Campbell tocó en "Killed By Death" durante el set de Crucified Barbara como teloneros.
Doce conciertos en Europa con Meldrum los llevaron desde finales de noviembre hasta principios de diciembre, los dos primeros conciertos también contaron con la participación de Skew Siskin.
En noviembre, la banda acordó un acuerdo de patrocinio con el equipo de fútbol Greenbank B sub-10 de North Hykeham, Lincoln, poniendo el nombre de la banda así como War-Pig en las camisetas del equipo; los sub-10 salen al campo con "Ace of Spades".
Lemmy es viejo amigo de Gary Weight, el entrenador del equipo; Weight "les envió un correo electrónico y ellos respondieron diciendo que era una gran idea" y espera que el acuerdo atraiga actuaciones inspiradas de su equipo.
El 25 de abril de 2007, la banda tocó en el Poliedro de Caracas en Caracas, Venezuela, y el 29 de abril en la Fundiçao Progresso, Río de Janeiro.
En junio, Motörhead tocó en una presentación en el Royal Festival Hall como parte de Jarvis Cocker 's Meltdown.
El 26 de febrero de 2008, “No Sleep 'til Hammersmith” fue reeditado nuevamente como un CD de dos discos.
De marzo a junio de 2008, la banda se reunió en Los Ángeles con el productor Cameron Webb para comenzar a trabajar en su 19.º álbum, “Motörizer”.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, heavymextal.com, academia-lab.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
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